马奈的花卉
A. 马奈的代表作是什么
他的代表作有《草地上的午餐》、《奥林匹亚》等。
爱德华·马奈（édouard Manet，1832.01.23 － 1883.04.30）是19世纪印象主义的奠基人之一，1832年出生于法国巴黎。他从未参加过印象派的展览，但他深具革新精神的艺术创作态度，却深深影响了莫奈、塞尚、凡高等新兴画家，进而将绘画带入现代主义的道路上。受到日本浮世绘及西班牙画风的影响，马奈大胆采用鲜明色彩，舍弃传统绘画的中间色调，将绘画从追求立体空间的传统束缚中解放出来，朝二维的平面创作迈出革命性的一大步。
2014年11月5日，他的《春天》在美国纽约佳士得拍卖行拍得3320万美元。
《草地上的午餐》（法文：Le déjeuner sur l'herbe）是法国写实派与印象派画家马奈创作于1862年和1863年间的一幅布面油画。原本名为《浴》（法文：Le Bain）。画中几个人物构成一个互相交错的三角形，两位男子和裸体女人的肢体互相交缠，这样就把此画的性恋的含义凸现了出来。
B. 爱德华·马奈——印象派的先驱
Edouard Manet, 1832-1883
The Pioneer of the Impressionists
马奈以其不算长的一生,创造了绘画史上的一个时代,
尽管他生前颜受挫折,但他在艺术史上的地位是无人可撼动的。
爱德加·德加在马奈去世后评价他说:“马奈要比我们所想象的更伟大。”
爱德华·马奈Edouard Manet, 1832-1883，1832年1月23日出生在巴黎一个富有的资产阶级家庭。他早年学习法律,当过水手,在18岁时才进入巴黎古典主义画家托马斯·库蒂尔的画室正式学习绘画。6年的时间里,他受到了严格的绘画基本功训练,获得了扎实的造型功力,但他不满古典主义,经常同老师争论,批驳僵死的教条和脱离生活来教画的艺术体系。
在这期间,马奈还研究和临摹过大师委拉斯开兹、戈雅、鲁本斯以及提香的作品,还有与他同时代的画家德拉克洛瓦的画，他还常到卢浮宫观摩历代大师作品,并游历德国、意大利、荷兰和比利时,以独立自主的见解获取了在画室中难以得到的真正清新厚实的艺术修养。
老画家们的影响在马奈的许多作品中都有所体现。西班牙派画家在选材、选择构图手法和灰暗色调等方面的影响在马奈早的作品中表现得尤为突出。这些作品中有些还很受公众的赏识,如1860年完成的《西班牙男歌手》及后来的《持剑男孩》等。
马奈于1863年完成的《草地上的午餐》因未按照古典主的模式进行创作引起了众怒,该画在未被评判委员会通过后,于1863年在官方沙龙展览会“落选作品沙龙画展”上进行了展出。
马奈的另一幅巨作《奥林匹亚》也发生过类似的事情。在这幅画里,画家也拒绝了古典的模式。这幅画是用在当时说来不寻常的大面积明暗对比手法完成的:人物裸体躺在明亮的床上,旁边则是暗色的墙壁、黑人女仆、黑猫和五彩缤纷花束的明亮色块。
马奈对学院派教条感到反感,他善于通过现实主义者、探求真理的人的眼睛来认识世界。他的作品还具有写生手法的清新和新颖,赢得了年轻画家们的认可。一帮年轻的画家追随着马奈的脚步,其中的勇敢者就成为后来印象派代表。马奈因此被尊为印象派的先驱,但他自己却从来没有参加过印象派的展览,也不承认自己属于印象派。
1866年,马奈完成了《吹笛少年》。画中描绘的是近卫军乐队里的一位少年吹笛手的肖像。画家在探索形与色的统一时,注意到对人物个性特征的刻画。在色彩上追求一种稳定的、几乎没有变化的亮面,然后突然转入暗部,将人物置于浅灰色、近乎平涂的明亮背景中进行描绘,用比较概括的色块将形体显示出来。在这幅画中没有阴影,没有视平线没有轮廓线,以最小限度的主体层次来作画,否定了三度空间的深远感。左拉曾在这幅《吹笛少年》面前赞叹道:“我相信不可能用比他更简单的手段获得比这更强烈的效果的了。”当时官方沙龙展的评委们都不愿意收藏这幅作品
19世纪80年代,马奈不顾重病,继续坚持工作。他这时经常画些花卉和静物写生,如《水晶玻璃花瓶中的丁香》等。1881年,他还在病中创作了自己的杰作之一《女神游乐场的酒吧间》。在这幅画里,他最后一次表现了他所酷爱的热闹繁华的巴黎生活。这是马奈的最后一幅大作,一幅简练的而又惊人的写生手法的杰出典范。马奈因这幅画的展出获得了极大的成功,官方授予他“荣誉团勋章”。病中的马奈说:这实在太晚了。”1883年的4月30日,马奈永远离开了他热爱的光和色的世界。
C. 马奈的作品有哪些呢
印象派大师爱德华·马奈的名画《春天》5日在美国纽约佳士得拍卖行拍得3320万美元。《春天》是马内的代表作之一，最早于1882年在法国巴黎展出，描绘女演员让娜·德马尔西身穿花裙，与春色交相辉映。马内试图用画笔描绘四季，但仅完成《春天》和《秋天》。马内1883年离世，终年51岁。
注意：
马奈，1832年出生在巴黎一个富有的法官家庭，青年时还当过海员，旅途中大自然的魅力深深诱发了他那用色彩和线条描绘自然美的激情。18岁时，马奈毅然走进了巴黎古典主义画家托马斯·库迟尔的画室学习绘画。在这里前后学了6年之久，受到了严格的绘画基本功训练，获得了扎实的造型功力，但他不满学院派的僵化和虚假，而迷恋历代大师提香、格列柯、里贝拉、委拉斯贵支、戈雅、哈尔斯和鲁本斯的艺术。
1856年，马奈离开库退尔画室之后，到处旅行。在各地的博物馆里广泛地学习和研究。他把自己的全部经验和技巧，全都用于以自己的方式去解释和表达他所描绘的现实。他将光和色彩带进了人物画，开创了印象派的画风。
D. 马奈的代表作及作品分析，主要主要啊
画作名称：《福利·贝热尔的吧台》
【创作者】爱德华·马奈（法国）
【创作年代】1882年
【类别】画布油画
【风格】印象主义
【题材】风俗
【规格】130×96cm
【材质】油彩 画布
【存藏处】德国
作品赏析
这幅画是马奈晚年的代表作 。在这幅画中他最后一次刻画了他所熟悉和喜欢的巴黎喧嚣和豪华的生活。画中描绘了一位金发女招待站在吧台后面，身穿饰有宽大花边的紧身上衣，两手撑在台面上，正在应酬顾客。她的身后是一面大镜子，画外的一切隐隐约约地收入其中。酒吧间里灯火辉煌，宾客满座，热闹华丽的景象被表现的淋漓尽致。为了加强空间的对比关系，画家特意利用了大块的玻璃镜作为背景，以琳琅满目的酒瓶、玻璃杯作为背景，使画面变化丰富而生动，好似观者自己正站在台前。这幅画于1882年沙龙展出后，得到了广泛好评。
马奈是法国印象主义画派的代表画家和精神领袖，其最大特点是打破传统绘画追求空间感而趋向平面装饰化。其绘画作品构图新颖，形体概括，色彩绚丽对比强烈，将传统与现代的绘画元素完美结合。《福利·贝热尔的吧台》作为其代表作，将模特置于摆满食物与酒的吧台中进行写生。马奈并不是自然模拟，而是按照艺术规律和自己的主观理解对画面进行处理：画面色调格外明亮，色彩生动活跃，轻快不失和谐。人物与环境的结合自然巧妙。他把人物安排在画面中心，凸显强烈的视觉冲击力，充分显露出画家高超的构图技巧。整幅画作笔触流畅自由、收放有度，色彩丰富绚丽而热烈，形成主与次、人物与环境虚实相生的映衬美感，从而营造了一个充满想象的艺术空间，刻画了画家心目中的吧台。
尚尼奥在记述他见到马奈创作这幅画时的情况写道：当我于1882年1月回巴黎时，第一个拜访的人便是马奈，那时他正在画《福利·贝热尔的吧台》的油画，模特是一位很美丽的女孩，她站在一台摆满了食物与酒的台子后面。虽然马奈在他的画里采用了模特儿，但是他并不是一个自然的模仿者；我特别注意到了他那具有大师之风的简略艺术手法。这个女子的头部造型十分明显，但不是说她的样子就是如此的。每一件事物都经过了他的再创造；调子方面比实际更明亮，色彩更加生动，月夜的安排更加紧凑。其效果是一种高尚而轻快的和谐。我去的时候他便中止作画和我交谈。他说：“简化在艺术上是必要的，同时也是一种精练...... ，这段记述可以帮助理解这幅画和马奈的艺术思想。这幅画显示出他那古典的高贵气质和华丽美艳的印象派色彩，可看成为他生命交响乐的辉煌结尾。
画作名称： 《草地上的午餐》
作者: 爱德华·马奈（法国）
创作年代: 1863年
风格: 古典主义
题材: 风俗
规格: 213.4×269厘米
质地: 布 油彩
存藏处: 巴黎 卢浮宫
作品赏析：
《草地上的午餐》1863年在落选者沙龙中展出,一画引起了世所罕见的轰动,他直接表现尘世环境，把全裸的女子和衣冠楚楚的绅士画在一起，画法上对传统绘画进行大胆的革新，摆脱了传统绘画中精细的笔触和大量的棕褐色调，代之以鲜艳明亮、对比强烈、近乎平涂的概括的色块，这一切都使得官方学院派不能忍受。此画在构图上,把人物置于同一类树木茂密的背景中，中心展开了一个有限的深度，中间不远的地方那个弯腰的女子，成为与前景中三个人物组成的古典式三角形构图的顶点。在技法上,把绘画作为二度表面的主张又向前推进了一步,在对外光和深色背景下出现作了新的尝试,因此此画在艺术技巧和历史意义上都是一个创新。
画家简介：
爱德华.马奈（1832－1883）
人们在追溯现代派绘画的起源时，通常以1863年马奈在落选者沙龙中展出《草地上的午餐》为开端，拿破仑三世想用皮鞭抽打的不朽之作开始，世界画坛出现了日新月异的变化。
爱德华.马奈（1832－1883）是法国19世纪著名画家，印象派领袖。他出生在巴黎一个富有的法官家庭，青年时当过海员，后进入学院派画家库图尔画室学习。但独特的个性使无法容忍学院派的那种僵化与虚假，他说：＂每当我走进画室，总觉得好像是走进了坟墓一样。＂离开画室后，他到各地美术馆临摹和研究前代大师们的作品。
1863年在落选者沙龙中展出的《草地上的午餐》一画引起了世所罕见的轰动，不论是题材还是表现方法都与当时占统治地位的学院派原则相悖。它直接表现尘世环境，把全裸的女子和衣冠楚楚的绅士画在一起，画法上对传统绘画进行大胆的革新，摆脱了传统绘画中精细的笔触和大量的棕褐色调，代之以鲜艳明亮、对比强烈、近乎平涂的概括的色块，这一切都使得官方学院派不能忍受。
1865年展出的马奈另一件作品《奥林匹亚》同样以其离经叛道的艺术形式掀起了一场轩然大波，遭到了评论界和新闻界的猛烈攻击，被咒骂为＂无耻到了极点＂。以左拉为首的进步作家和青年画家们则为马奈喝彩。左拉说：＂马奈将在卢浮宫占一席地位。＂ 这场争论使得马奈名声大振，一批年轻画家聚集在他周围，他们受马奈新颖画风影响，努力探求新的艺术风格与手法，被当时人讽刺为＂马奈帮＂，这就是后来著名的印象派，马奈无形中成为这些印象派画家的领袖。马奈以其强烈的绘画敏感性和其典范性的作品，使他所处时代的绘画发生了天翻地覆的变化。1883年4月30日，马奈病逝。马奈这一名字出典于拉丁文题铭 Manet et manebit,意思是：＂他活着并将活下去＂。
E. 请帮忙找下国外花卉油画名家名字，越多越好。
楼主你好
梵高的《向日葵》
印象画家巴齐耶的《插牡丹花的黑女人》
印象派马奈的《白色牡丹花》
其实很多画家都画花卉的 你找一下 印象派的就有很多 不知道你是不是要这样的画
希望我说的可以帮到你
F. 影响西方文学与艺术的120座美妙花园丨缪斯的花园
还记得莫奈的吉维尼花园么？
克劳德·莫奈，《吉维尼花园》， 作于1902年
这是莫奈亲自改造的一片园地，里面种满了奇花异草。
每天莫奈都会打理这座花园，好像它是位模特，正为画像摆出姿势一般。而这座花园也的确滋养了莫奈创作四季草木画作的 色彩灵感 ，并激发他创作出了深入人心的杰作—— 《睡莲》 。
克劳德·莫奈，《睡莲》，1906年
对薄伽丘来说，花园则是极其理想的 故事发生地 。
他在 《十日谈》 第三日的故事中，让那群年轻人搬进了一座花园。
薄伽丘还亲自用硬笔和棕色颜料绘制了这座花园的插图。
乔凡尼·薄伽丘所著的《十日谈》插图，作于约1370年
图中一群年轻人围坐在鲜花开遍的草坪上，还有一座六边形的喷泉池，喷泉池上方矗立着维纳斯雕塑，下方四个兽形喷头正在喷水。
也许你已经注意到了花园在以上作品中所扮演的重要角色。事实上，在此之外的许多文学和绘画作品中， “花园”都是一个非常重要的元素 ：
亚当和夏娃偷食禁果，欧也妮·葛朗台的第一次心动，简爱和罗切斯特先生令人感动的重逢……从古代神话，到现代文学经典，其中的许多情节无一不是发生在花园之中。
庞贝古城的壁画，奥古斯特·雷诺阿的《秋千》，马奈的《杜伊勒里宫的音乐会》……从遥远的古城壁画，到现代众多艺术大师的绘画杰作，也无一不在描绘着花园中的场景。
奥古斯特·雷诺阿，《秋千》，1876年
那么花园究竟是如何进入文学、艺术大师的视野，又如何被他们所记录描绘呢？
下面就让我们一起来看下吧~
[法]埃丝特勒·普莱桑-索莱尔
2020年6月
有书至美-华中科技大学出版社
文学作品中 首次出现 花园是在公元前13世纪的苏美尔人史诗 《吉尔伽美什》 之中。
书中的主人公吉尔伽美什因为朋友恩基杜的死亡倍感痛苦，又因为对自己的命运感到忧虑，因此踏上了寻找永生奥秘的征途。
出土于伊拉克杜尔-沙鲁金（Dur-Sharrukin），《神灵将罂粟花带向生命之树》，约公元前710年
在世界的尽头，他只花了不到“十二个时辰”便穿过阳光之间的幽暗道路，照亮了整个世界。
吉尔伽美什最终来到 宝石之园 ，“园中的树木不结果实，而是 累累垂着各色宝石 ”。
古代神话通过这样的描述 将花园和神祇联系在一起 。然而，吉尔伽美什在宝石之园中并没有寻找到可以令他永生的植物，在他终于求取到这种植物的时候，一条蛇却将之窃走，迫使吉尔伽美什必须作为凡人度完一生。
到头来，吉尔伽美什这一场波澜壮阔的远行，只留下“刻在石碑上的旅行记述”，长生不朽，永垂后世。
美妙绝伦的花园加上毒蛇，不由让人想起另一个神话故事中的 伊甸园 。
这一处花园可以追溯到 美索不达米亚地区 。它坐落在四条大河的源头，这四条大河之中，便有灌溉着亚述国首都亚述城的底格里斯河与幼发拉底河。从很多方面来看， 伊甸园都和古代亚述的花园颇为相似 。
出土于君士坦丁堡，《乐园》
《圣经》故事中的上帝和古代波斯的帝王一样，“破晓时分，便行在花园之中”，手植草木，汲水沟渠。
这样的一处世外桃源，引得后人纷纷追寻其踪迹。
自伊甸园的传说诞生以来，它就和园中禁果的故事紧紧地联系在一起。
在《圣经》中，盗取禁果乃是 人类最初的原罪 ，而据圣奥古斯丁的论述，它也是背负原罪之人 获得救赎 的一个象征。正因为盗取禁果，人类才被赶出伊甸园，而通过皈依正信，人类未来将会进入下一座伊甸园。
《原罪：亚当和夏娃偷食智慧之果》，1143年，意大利巴勒莫诺曼宫（Palazzo de Normanni）壁画
伊甸园神圣园地的形象，也是 创始神话和生命起源神话的一次结合 。希伯来语中的“伊甸”一词，本义是“丰盛、欢乐、愉悦”，因此我们也可以将伊甸园阐释成“欢乐之园”。之后出现的那些为神所中意的神圣园地，也无一不是充满乐趣的奇妙之所。
这些古代花园既是 生命力勃发的圣地 ，也是 人类情感的热土 。
高耸的围墙 是中世纪花园的一大特色，高墙可以将园内与园外的世界分隔开。
这一时期，既有用以隐修和自省的“ 隐修园 ”，也有供人寻求幸福与爱情的“ 爱之园 ”。
在修道院所有的“隐修园”（hortus conclusus）中，外部世界的一应景物俱被挡在界外，以便园中之人内敛自省，或是抬头望天寻求启示。
马扎林的无名氏（Maitre de la Mazarine），《天堂及其泉流》，15世纪初
据圣伯纳德的说法，人类的灵魂离开背负原罪荆棘的肉体后，便能够上达天堂乐园，来到极乐世界。但与伊甸园不同的是，这一处天堂将不会是失乐园，而是虔信之人身后永恒的居所。
这和但丁所描绘的天堂之旅颇为相近。在但丁的笔下，人的灵魂先要经历炼狱的考验，才能进入乐园。
中世纪的花卉也有各自的象征意义： 白色的鸢尾花象征着纯洁和坚贞；红玫瑰象征着敬神之爱的美妙、圣洁的光辉和对耶稣基督的虔诚 。
这两种花往往会出现在圣母玛利亚的庭院之中，
圣卢西亚无名氏，《玫瑰园中的圣母》，15世纪
在“贵妇人和独角兽”题材的挂毯中，自然往往以诗意化的形式出现，然而它象征给人的感官带来的欢愉，和它本身的性质颇相接近。“隐修园”也因此转变成了“爱之园”，供人在其中寻求幸福和爱情。
挂毯《少女驯服独角兽》中“采味”部分，1484-1500年
在《科里杰》的传说中，他的伴侣菲尼丝为了逃避丈夫假装死亡，之后逃进一栋暗无天日的高塔，躲避数月后，便来到一处花园内再次现身在科里杰面前，希望说服他相信自己业已重生。
这一对情侣随后便在花园中尽情向彼此倾诉情意。虽然他们之间的感情有违规矩，却因为彼此之间已许下承诺而得以存续，传说故事中对他们之间的爱情有着颇为露骨的描写。
《园中情侣》，1490年
而克里斯汀·德·皮赞在《情诗》中则如此咏叹爱情之园：
那爱情之神司掌这美景绝伦的乐园
五月的春色里，紫罗兰和玫瑰
迎春、铃兰和百合花，一片正应良辰。
安东尼奥·维瓦里尼（Antonio Vivarini），《爱情之园》，1465-1470年
文艺复兴标志着对中世纪传统的一次革命，并成为日后历史篇章的开端。
中世纪的思想虽然并没有被文艺复兴时期的艺术家所采纳，但是中世纪文艺作品的主题却被他们保留并继承了下来。“隐修园”、“爱之园”和“情感激荡”这样的主题并没有消失，但与中世纪的花园描写不同的是，文艺复兴时期的人文主义者开始 从自身的眼光出发去观察自然风光 。
他们发展出了一套基于现实世界的花园建筑学，并且运用他们的文字将之发扬光大。
马洛后来所描写的那种完全由植物营建而成的神殿庭院，便标志着中世纪花园观逐渐向文艺复兴思想过渡的过程：
神殿门前花相映
山谷路中草缤纷
昔日牧人帕里斯
一驾天马去绝尘
朱庇特神曾来此
为有美景堪置身
亚当夏娃如有信
须认此处是故征
……
弗朗切斯科·德尔·科萨（Francesco del Cossa），《维纳斯的荣光》，1468-1469年
在薄伽丘的《十日谈》中，中世纪陈腐得到清除，乡间的小花园开始重获和谐。其中第十日的故事中，骑士内里·德·乌贝尔蒂在宅邸的边上修建了一个花园，并在花园之中，迎接王驾。
花园从中世纪的情爱之地，逐渐转变成文艺复兴 理想中的社交场所 ，人在花园之中可以拥有乐观的视野和自我的尊严，花园也因此成为人的一个 理想国 。
杜·贝莱（Du Bellay）、龙萨尔（Ronsard）和多比涅等人歌咏花园的诗句揭示了文艺复兴时期的园艺要义： 人文主义者不再前往中世纪的花园之中劳作，而是将其封存记录，以备后世吟咏。
[法]埃丝特勒·普莱桑-索莱尔
2020年6月
有书至美-华中科技大学出版社
巴洛克式的花园继承了文艺复兴时期的先进理念，并将之推向极致， 务求创造绝景奇观 ，因此成为一门真正的 高雅艺术 。而这一时期的文人与画家们也无不通过自己的艺术将花园之美微缩于笔下。
贾科莫·托雷利（Giacomo Torelli），《花园与别墅》，17世纪
路易十四 是一位在园林艺术造诣上登峰造极的大家，在他亲自营建的凡尔赛宫园林里，即使是在其中野餐时，都可以享受到精美绝伦的园中风光。
艾蒂安·阿列格兰（Etienne Allegrain），《路易十四游览凡尔赛宫北花园》，1688年
蒙蒂尼修道院长（abbe de Montigny）因此将这种巧夺天工归结于神祇襄助，而这也 启发了多勒诺伊夫人 （Mme d’Aulnoy）多年之后创作出 《白猫》 这部作品。这部将花园搬上舞台的剧作把权力的影响作了深入的描写。
巴洛克风格的花园除了务求浓缩宇宙和世界，也力图成为玄学的讨论场，因而也成了 抚慰人们的镇静之所 。
这一时期的花园通过 精密的几何学 确定形制，借助 严谨的计算 布置田地，又以 精准的比例 安排园中区划，因此，花园得以 将世间的混乱转化为秩序 ，并在其中开辟出一个 让人安心的小小世界 。
让·巴普蒂斯特·马尔丹，《从萨托里远眺凡尔赛城堡和橘树园》
启蒙时代的狂飙突进
18世纪初与日后的英国园林艺术 并不追求整齐有序 ，而是“抛弃地形和规划”，不用人工划定的形制， 从自然固有的地势形态出发，将风景纳入园林之中 。
为了更进一步模糊自然和园林的边界，英国的园艺师甚至 取消了园林的藩篱 ，而是以游园者目力所不及的沟壑为界；或者辟出一条小径为界，这样一来既可以方便游园者环游整座园林，又不显突兀。
但需要注意的是，风景派园林仍然不是真正的自然风光，它仍然是人工景观，只是“ 园艺师开始在暗处作手笔 ”。
理查德·威尔逊（Richard Wilson），《特姆瑟河上远眺里士蒙花园及希永庄》，18世纪
这种英式风格的花园和启蒙时代的思想一脉相承，因此大获成功。
伏尔泰 1760年在描写自己的花园费尔尼园（Ferney）时，就无意间体现出这种园林品味的变迁：“用彩花划成的线一眼望不到头，将园子沿东南西北分成四片土地，房子则居于正中。除此，再没有什么是经过人工规划的。感谢上帝。”
狄德罗 在《拉莫的侄子》开篇便赞颂了游园：“无论天气好坏，我都习惯在晚上5点出门，去皇家园林里走一走。我通常一个人去，常常在埃尔金森的长椅上陷入沉思。我和自己探讨政治、爱情、生活品味乃至哲学等话题，任由自己的思绪自由激荡。”
让·沃诺雷·弗拉戈纳尔，《林荫道》，1773年
英式园林的游园者在园林中思考，正是启蒙时代哲人的理想图景。而狄德罗、卢梭、伏尔泰、歌德、简·奥斯汀等伟大的思想家、文学家在园林中对理想社会的思索以及所迸发的无限灵感，让整个启蒙时代突飞猛进的发展。
进入19世纪， 现代花园与城市息息相关 。既有庞大的 公共园林 供人们呼吸新鲜空气、社交、娱乐，也有私密的 私家花园 供人们寻找幸福和快乐，还有印象派种满了奇花异草的 自然之园 ，给予艺术家无限的素材和色彩灵感。
马奈 所作的 《杜伊勒里宫的音乐会》 便是描绘 公园社交功能 的一幅作品。
马奈，《杜伊勒里宫的音乐会》，1862年
马奈在这幅作品中不仅刻画了自然景物，还描绘了社会各阶层的不同姿态——戴着高顶礼帽的大资产阶级，举止优雅的贵妇及忙着照顾幼儿的奶妈。这些形象经画家的手跃然纸上，他们都是常见的形象，然而绝不会被混为一谈。
而 乔治·桑 则在自己的作品—— 《我的人生故事》 中回忆起了姨妈家的花园：“花园呈四方形，面积很小。但对当时的我来说，尽管每天都要在这里绕上两百来圈，可是我却总觉得这里广阔极了。花园里的布置在当时看来十分时髦——园子里有不少鲜花和蔬菜，用一圈围墙遮住，丝毫不会出现在视野之中。在一片铺沙露台的尽头，有一个古色古香，两侧施有兽纹的大花瓶……”
昂利·勒巴斯克（Henri Lebasque），《园地中的孩子们》，1914年
也正是在花园之中，作者才得以 怀念自己无忧无虑的童年 。
此外，这一时期园林技术以及交通运输方式发展迅速，使得原本出产他国的各色植物汇聚一处， 令痴迷于色彩的印象派画家欢欣鼓舞 ，纷纷创作出大量的 描绘露天花园 的作品。
克劳德·莫奈，《艺术家的花园》，1900年
[法]埃丝特勒·普莱桑-索莱尔
2020年6月
有书至美-华中科技大学出版社
自古代文明以来，花园一直是人与自然和谐共处的象征，也是文学家与艺术家的灵感源泉。
在这本精美的花园图集中，法国艺术史学家埃丝特勒·普莱桑- 索莱尔从广袤的文学世界中挑选了 120 篇文学经典名篇 ，上迄遥远的荷马，下至法国现实主义文学。与这些篇目一起出现的，则是 相互映衬的艺术作品 ，二者遥相呼应，共邀读者 漫游在曼妙怡人的花园之中 。
《缪斯的花园》简体中文版采用 16开 大开本，尺寸更适宜呈现艺术画作， 手感舒适 。封面使用 无缝接裱工艺 ， 温润苔绿色主色调 ， 彰显典雅气息 。
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G. 马奈的作品有哪些
1、草地上的午餐
这幅描写了一个裸体女子和两个穿衣男人在草地上野餐的作品，1863年在巴黎的“落选者沙龙”上引发了法国艺术界的许多争议。尽管作品的主题是以乔尔乔纳的《田园合奏》和蒙特的版画《帕里斯的评判》为蓝本的，但它还是引起许多人的愤怒。因为古典的田园式的主题，在马奈的作品中被具有现实意义的形象语言所代替了。
H. 马奈的作品有哪些
马奈的作品有：《吹短笛的男孩》、《草地上的午餐》、《福利·贝热尔的吧台》、《奥林匹亚》、《酒馆女招待》等。
1、《吹短笛的男孩》
《吹短笛的男孩》，又称吹笛少年，1866年，160x98cm，布油彩，巴黎奥赛博物馆，爱德华·马奈。法国《吹笛少年》画中描绘的是近卫军乐队里的一位少年吹笛手的肖像。画家在探索形与色的统一时，注意到人物个性特征的刻画。
I. 月季马奈和彩蝶的区别在哪里呀
月季妈的和彩蝶的区别在哪里月季盲的区别是在一个一个比较大一个花比较小
J. 马奈的《瓶中花》的创作背景是什么
马奈被人看作是最伟大的静物画画家，尤其是花卉画画家，他生前主要有两个时期都在画花卉，即19世纪60年代中期和他一生的最后时期，由于病重，不能画大幅画，他便转向画静物，因为这样便于找原型。他对画花卉的兴趣产生于在博物馆学习期间，而他去博物馆的目的是竭力探寻古代绘画大师的秘诀。他在他妻子的故乡——荷兰旅行期间，研究表现花、水果和珍贵餐具的17世纪弗拉芒画家们的那些表现手法十分细腻的作品。这些东西摆在一块白色的台布上或地毯上，让人想起节日大餐和与西方的礼拜有关的菜肴。静物正如传统所定义的，从未被降低为对实物的简单模仿，而总是表达隐含的哲学思想或宗教思想。很多荷兰的画中出现完全成熟的花和水果，它们在堆积的材料和颜料下坍塌了，还常常与其他凋谢的花或被虫子吞食的水果并排着。实物的短暂的美只有通过画家的画笔才能够长久保留下来，提醒人们死亡的境遇。
1864年马奈有了丰富的参考材料，画了一系列表现牡丹的画，牡丹是他喜欢的花，但是很难画，因为它凋谢得早，花瓣雨一般地骤落。
画家画了第一幅画，
画中他把达到不同成熟程度的花放在一只花瓶中，
这样表现牡丹从花蕾至花瓣凋谢的生命的周期。
他又以同样主题画了一幅较小的画，画中只有两朵牡丹花，放在整枝剪旁，整枝剪子的出现令人想到剪下来的花是肯定要死亡的。画家选择的深色背景使轮廓朦胧的白色和粉红色的花瓣的娇弱得以烘托出来，画是用画笔挥洒而成，笔蘸的颜料多而浓，有质感。简明地放在花的周围的绿叶丰富了辅助色点的组成，把花的主题固定在画的左上角。这些数笔画在布上的花，是画家献给自然主义先驱、他的朋友、也是库尔贝的密友、作家和艺术评议家尚弗勒里的，以表达对他所作出的有利于现代绘画的斗争的敬意。