工笔梅花扇面

❶ 扇面有【】【】两种

扇面
网络名片
顾名思义，扇面就是扇子形状的一个面，在几何上是这样定义何为扇形的：一条弧和经过这条弧两端的两条半径所围成的图形叫扇形，那么扇面是不是就是一个扇形的面呢？这样定义就有点过于狭隘了。

目录

简介
历史渊源
扇面的分类分类依据
折扇面
团扇面
扇面的创作
名品鉴赏《豆花蜻蜓图》
《枇杷山鸟图》
《早朝图》
《兰亭图》
简介
历史渊源
扇面的分类 分类依据
折扇面
团扇面
扇面的创作
名品鉴赏 《豆花蜻蜓图》
《枇杷山鸟图》
《早朝图》
《兰亭图》
展开 编辑本段简介
提起扇面自然免不了要联想起扇子，才子佳人，手持摇扇， 《论语十则》窦中亮
[1]风度翩翩。在中国历史上，历代书画家都喜欢在扇面上绘画或书写以抒情达意，或为他人收藏或赠友人以诗留念。存字和画的扇子，保持原样的叫成扇，为便于收藏而装裱成册页的习称扇面。 所以所谓扇面，其实是约定成俗的一种习惯叫法。
编辑本段历史渊源
中国扇文化有着深厚的文化底蕴，是民族文化的一个级成部分，历来中国有“制扇王国”之称。扇面画同样拥有着悠久的历史，文献记载，以东晋王羲之书老媪扇这脍炙人口的故事为先。史载王羲之曾在团扇上画小人物；其子王献之的《为桓温书并画乌牸驳牛扇》。 到了宋代，随着绘画艺术的蓬勃发展，特别是山水画、花鸟画在唐末、五代基础上得到空前的提高。文人与绘画的关系越来越密切，形成了文人画创作高潮。加上皇帝对扇面艺术的重视，书画扇面相应得到飞速发展，臻于顶峰。《书继》中载：“政和间，徽宗每有画扇，则六宫诸邸竞皆临仿一样，或至数百本。”两宋盛极一时的画扇，创作了大批不朽之作，流传至今为我们饱览了两宋绘画的高尚艺术。小至花鸟画中的野草闲花，昆虫禽鱼，都运以精心，出以妙笔。 在宋、元时代，团扇画广为流行。明代以后，折扇画渐执牛耳。 当代画家高贺琪 的 团扇、折扇艺术颇高，是继宋元时期巅峰艺术的绪余，代表作藏品扇面作品《韵》、《兰》等。 高贺琪 （工笔画团扇艺术 藏品）

编辑本段扇面的分类
分类依据
从形制上分，又有圆形叫团扇（纨扇）和折叠式的叫折扇。从材质上分，又可分为纸质扇面、绢质扇面、竹木质扇面和其他材质扇面（如现代工艺的24K纯金扇面等等）。
折扇面
付强作品（折扇）
折扇一名“折叠扇”，又名“聚头扇”。折扇收则折叠，用则撒开，故又称“撒扇”。折扇产生时间虽较迟，其重要性却极大。它携带方便，出入怀袖，扇面书画、扇骨雕琢，是文人雅士的宠物，所以又有“怀袖雅物”的别号。 明代是折扇流行的开始，清代是折扇大发展的时期，折扇扇面少数用绢，多数用纸裱糊，便于书画创作；
团扇面
团扇又称“纨扇”“宫扇”，因形似圆月，且宫中多用之，故称。团扇边框及柄以竹制，扇面用洁白的丝娟，上画山水楼台、草虫花鸟等。早期多为圆形，后乃有长圆、扁圆、梅花、葵花、海棠等样式。多为唐代女性随身佩带，精巧雅致具有很高的美学欣赏价值。自汉代至北宋是纨扇，扇的盛行时期。四川及苏、杭的纨扇，制作最精、历史也最悠久。
编辑本段扇面的创作
折扇的扇面上宽下窄，呈扇形。画家在命笔之时必须考虑在这种特定的空间范围中安排画面，精思巧构，展示技法。只有这样，才能够匠心独具，笔随意转，化有限为无限，创造出富有魅力的形象和意境。巧妙的构图，使扇面展开时不觉得是画在半环形式的扇面上，感觉如同画在一张平整的长方形的横幅上一样。扇面的书画更能反映每位书画家的艺术真谛。 折扇面先以材料取扇形，在中间折一印，然后，按扇匹宽度及形状，从中间分别折之。折毕，剪齐两头，正面朝下覆于案上平开刷糊，每隔一折印中间粘一小纸条，再合一纸或绫绢，挣壁，干后按原印折起，刺齐两头，套边便可。 扇面虽然尺幅不大，但由于其特殊的形制，再加上纸的质地非常厚实，是由多层薄宣粘合而成的，并且有折痕。有的材料，比如说色纸、金笺、发笺等，它们的落墨设色性都很难掌握，一般的书画家不敢随意渲染。明代书法家祝允明，曾经把在扇面上作画比做美女在瓦砾上跳舞。所以书画家扇面的润格往往不以尺幅的大小计算，而是单独计价。价格远高于同尺寸的册页。扇面给人一种视觉上的延伸感，特别是山水画，往往咫尺千里、小中见大。画家在构图布局时必须成竹在胸。所以是一种独具一格的书画形式。 这里专指折扇扇面，它是一种特殊的形式。由于扇面上宽下窄的形状，使得折纹与拆纹之间也是上宽下窄。这种独特的样式，就要求我们在创作时，做出恰当地安排。 扇面常见的形式有三种。 (1)充分利用上端，下端不用。这种格式以每行写两字为宜，从右至左，依次安排。落款写在正文的左侧。款宜长些，款字写一行至数行不等，印章宜小于正文。 (2)写少数字，利用扇面的宽度由右向左，横排书写二至四字，要收放有度，落款可写数行小字，与正文相映成趣。 (3)上端依次书写，下端隔行书写，形成长短错落的格局。这样则可避免上端疏朗，而下端拥挤的情形，达到通篇的和谐。这种格式，先写长行，以五字左右为宜，短行以一、二字为宜。落款要精彩，一般写在正文后面，一行或数行均可。即章宜小于落款的字。
编辑本段名品鉴赏
《豆花蜻蜓图》
五代北宋初年画家徐熙所作，此图画家裁取苗圃篱边之景，写豆花一帧，悉察精微，用笔疏简，淡墨宣染然后敷色，天趣自然，别饶风致，笔姿动人，妙得神韵，野逸一派。 虽尺幅不大，但意趣超然，蜻蜒双翼翘起飞落技头，曲身下垂，形象逼真，枝头作特写状，淡墨粗笔写成而备施粉彩，花色鲜活，香气四溢，新色满园，碧叶下垂，倒挂豆荚，似有轻风拂来，“风吹疏篱添景色，晨露秋妆一夜新”之妙，构图打破平稳之势，美不胜收。《圣朝名画评》评：“多做园圃以求情状，蔬菜茎苗，以入图写”。画史记载：“徐熙笔不以色晕染淡细碎为功”。
《枇杷山鸟图》
作者宋徽宗赵佶，绢本，设色，纵26.9厘米，横27.2厘米。 图绘江南五月，成熟的枇杷果在夏日的光照下分外诱人。一只绣眼翘尾引颈栖于枇杷枝上正欲啄食果实，却发现其上有一只蚂蚁，便回喙定睛端详，神情十分生动有趣。枇杷枝仿佛随着绣眼的动作重心失衡而上下颤动，画面静中有动，妙趣横生。绣眼的羽毛先以色、墨晕染，随后以工细而不板滞的小笔触根根刻画，表现出鸟儿背羽坚密光滑、腹毛蓬松柔软的不同质感。枇杷果以土黄色线勾轮廓，继而填入金黄色，最后以赭色绘脐，三种不同的暖色水乳交融，从而展现出枇杷果成熟期的丰满甜美。枇杷叶用笔致工整细腻的重彩法表现，不仅如实地刻画出叶面反转向背的各种自然形貌，且将叶面被虫儿叮咬的残损痕迹亦勾描晕染得一丝不苟，充分反映了宋代花鸟画在写实方面所达到的艺术水平。
《早朝图》
清，禹之鼎绘，纸本，设色，纵16.7cm，横50cm。今藏于故宫博物院。 画心款署：“早朝图，都门客窗画，广陵禹之鼎。”钤“之鼎慎斋” 朱文长椭圆印。 图中写拂晓景色：陛殿沉沉，晓烟未泮，宫街漫漫，一官员身着朝服，在僮仆挑灯引领下往赴早朝。虽在尺幅不大的扇面之上难以表现出人物眉目所传达的细腻表情，但禹之鼎通过人物的形态将困乏、疲惫的神态生动地描绘出来，表现了作者高超的写实技巧。
《兰亭图》
明，仇英绘，金笺，青绿设色，纵21.5cm，横31.2cm。今藏于故宫博物院。 本幅无仇英款印，根据作品画风及画心右上项元汴的二方鉴藏印定为仇氏之作。图中以工笔重彩描绘王羲之在兰亭水阁观鹅、赏鹤的情景。在尺幅之间构图繁密，笔墨精谨，其中岩泉回转，虬松垂柳、春花翠竹点缀着园囿。人物形象儒雅，巾带飘逸，院中的家僮或携琴，或烹茶，他们的行为衬托出主人清高自得的精神世界和生活情趣。对开有明代书法家丰坊于嘉靖甲子（1564年）为项元汴《临王羲之帖》二则 。

❷ 国画按技法的分类，分别的全部作品是什么

国画的技法分为：写实、写意、工笔。

一、写实

写实类的代表作有宋张择端的《清明上河图》，这是国宝级的作品，画作内容大到广阔的原野、浩瀚的河流、高耸的城郭，细到舟车上的钉铆、摊贩上的小商品、市招上的文字，无一不有，在画中有仕、农、商、医、卜、僧、道、胥吏、妇女、儿童、篙师、缆夫等人物及驴、牛、骆驼等牲畜。就像一幅写实的宋朝市井图。

(2)工笔梅花扇面扩展阅读

国画用墨技法

中国国画技法在用墨时讲求“墨分五色”，虽各方说法不同，但最知名的即“焦、浓、重、淡、清”这五色，具体的意思是指以水调节墨色多层次的浓淡干湿。除了以上五种，还有渴墨和破墨。

焦墨：使用墨汁粘稠，线条干，墨色焦黑枯涩，效果老辣粗犷。

浓墨：水少墨浓黑，有沉浑厚重之感。

重墨：含水比浓墨多，色相稍浅。

淡墨：墨汁中调水很多，渗化力很强，墨色灰而透明，感觉幽远爽朗。

清墨：以清水调少许墨汁，渗化力很强，墨色清淡而透明，有清润明净之感。

渴墨：用墨清淡，笔较干，可画出淡而毛的墨迹，给人以轻松活泼的感觉。

破墨：在一遍未干之前，画另一遍墨色，有相互交融、渗晕之感。

国画特点

1、主要运用线条、点簇和墨色的变化，来描绘对象，抒写情怀。每一画种都有特用的工具，运用某种特制工具所产生的功能，会形成独特的艺能。中国画用特制的兽毫笔作画，具有"尖、齐、圆、健"的特点：尖，笔头锋尖；齐，笔毛扁敞后，内外豪平齐排铺；圆，笔身圆硕饱满；健，正副毫健挺到尾。藉此进行变化多端的运线、布点、施墨(包括色彩)、铺水，术语均称为"笔墨"。就中国画来说，"笔墨"本身就是艺术，具有一种相对独立性的美。

2、一个中国画家的情思、意向、境趣、性格、风貌 、技巧等在创作过程中，无不通过"笔墨"呈现出来。"笔墨"是组成中国画的根本要素，千百年来"笔墨"一词已被视作中国画技法的总称。中国画之美，就美在有"笔墨"。

3、不受空间、时间限制的构图方法。中国画主内涵，重意境，尚神韵，求意趣，故在构图准则上不受视野束缚，摆脱焦点透视的羁绊，采取散点透视和视觉记忆来布阵置势和构图，中国画的章法构图，广阔自由，以虚带实，浮想联翩，乃为一大特点。

4、高度概括，突出主题的表现手法。要"化景物为情思"，"览物得意"，"写物创意"，只有高度概括，才能在一件作品中突出主题，创铸意境。中国画在创作构思中，虽偶尔也有增添的，但主要目的是充分发挥作者的艺术情思，把作品画得尽善尽美。

5、不断吸收外来艺术的精华，经过汲取，达到净化、丰富自己。每种民族绘画，由于地域和材料不同，有优越性也有局限性。中国画有什么特征?"吸收外来，充实自己"，是艺术创作的规律之一。中国艺术从不排外，汉、唐就是个大胆吸收外来艺术的辉煌时期。我们从来没有反对过"外亲"，但"性灵"必须"内出"，这不仅是艺术发展的客观规律，也是艺术革新的立足点。

❸ 明清时期为什么流行花鸟图案

明代初期一般指洪武、永乐到宣德、成化、弘治时期，此时的花鸟画最突出的表现为继承元代水墨画法和宋代院体花鸟。最能代表两种画风的作家莫过于夏昶与边文进。

夏昶（1388-1470）乃被称为画竹“开山手”的王绂（1362—1416）的高足，以墨竹著称，时谚有“夏昶卿一个竹，西凉十锭金”之谓。在永乐中举进士，官至太常寺卿直内阁，故后人称之为夏昶太常、夏昶卿。他继承了元人传统，在其师萧散自在的基础上，融会贯通，形成自己墨色苍润、洒脱自然的风貌。他的墨竹，题材、内容极为丰富，在表现风雨中飘舞之竹方面尤见功力。史称其竹“烟姿雨色，偃直浓疏，动合矩度，盖行家也”【4】，从其《奇石清风图》（香港中文大学文物馆藏96.80，以下简称中大）可看出其端倪。该图表现清风轻拂下摇曳偃仰之竹。作者用墨层次分明，笔势遒劲，系其同类作品之佳构。传其衣钵者有魏天骥、屈礿（一作约）、张益、张绪、吴巘、王仪、杨廷端、朱端、何乔福、乔昶、冯起震及婿虞瑛等。其中晚明冯起震（1553－1642年仍在）的《湘江新雨图》（广东省博物馆藏B5007,以下简称粤博），仍然系墨竹，在承继夏氏的同时，也能有所创新。

曾于永乐至宣德初期授武英殿待诏的福建人边文进可称明初院体花鸟的代表，画史称其花果翎毛“妍丽生动，工致绝伦”【5】。他继承宋画院工笔重彩的传统，用笔精细，设色明艳，所绘《雪梅双鹤图》（粤博B5588），工整细腻，双鹤施以白粉，梅干及花朵也细致精确，笔墨潇洒。边文进以画花鸟著称，尤以画鹤见长，该图堪称其代表作。其子楚芳、楚善、楚祥及外甥俞存胜、婿张克信等均能传其家学。

与边文进大致同时供奉内廷的缪辅的生平事迹一直史载阙如，从其传世的画作看，他曾供职于武英殿直锦衣镇抚，擅长画鱼。北京故宫博物院所藏一件《鱼藻图》，上署“武英殿锦衣镇抚苏郡缪辅写”，钤“良佐”、“赴清光”二印，则他为江苏人，“良佐”则有可能为其别字或号。他所绘之鱼藻，多写硕大的锦鲤游弋于深水杂藻间，旁有各类小鱼作衬。锦鲤或跳跃，或昂首，或俯游……各尽其态。《鱼藻图》（粤博B674）描写的便是其中锦鲤戏水一景，笔法仍然是两宋院体花鸟一路，工细别致而赋色浓丽。缪辅与其他宫廷画家最大的不同便是他在题材上的创新，他能别出心裁，将当时很少为人所关注的鱼藻类生物入图，而且能生动传神地再现锦鲤在水中的各种表现，实属难得。他的生平传记虽然不为人所知，但所绘之各类《鱼藻图》则在明宫廷绘画中留下了浓墨重彩的一笔。

明代初期还有一个值得一提的画家，那就是以画梅见称的陈宪章录。陈录出生于人文荟萃的浙江会稽，工诗善画，论者将其画梅与同时的冰壶道人王谦（字牧之）相比，并谓“二家虽格意不同，宪章笔力，实过于谦”【6】。《推蓬春意图》（粤博B4067）系其传世作品中之鸿篇巨制，全用水墨写就，继承了元人如王冕、邹复雷等人的墨梅传统，所绘梅干及枝叶遒劲挺拔，古意盎然，梅花则情态各异，正如杨殿邦题诗所言：“万花飞动墨香迟，写遍南枝与北枝；仿佛罗浮人入梦，一双翠羽欲来时”。该图历经周右、徐世昌等递藏，名人题咏殆遍，实属不可多得之艺术佳构。

这一时期继承元人水墨传统的画家如王绂、姚绶、宫廷画家如周文靖、商喜、倪端、孙隆，浙派画家如戴进等也都擅长或兼擅花鸟。
清代初期独特的政治与人文环境产生了灿烂辉煌的文化。绘画上出现了受官方扶持的、以王时敏、王翬、王鉴、王原祁为主流的正统画派和以四僧（朱耷、石涛、渐江、髡残）等遗民为主流的反正统画派。花鸟画和山水画分庭抗礼，共同成为画坛的主流。

恽寿平是这一时期花鸟画坛的重镇。

以没骨花卉见长的恽寿平(1633-1690)初习山水，后因见王石谷画，自以才质不能出其右，遂舍山水而改工花鸟。他继承了徐崇嗣的没骨法传统，创造出色彩鲜明、笔墨简洁的清新画风，画史称他“不用笔墨钩勒而渲染生动，浓淡浅深间妙极自然”、【26】“简洁精确，赋色明丽，天机物趣，毕集毫端”，以至于当时“无论江南江北，莫不家家南田，户户正叔”【27】，一时从之者众，形成“常州派”。作于1686年的《菊花图》（粤博B2205）所绘菊花为写生之作，亦能得其神，色泽鲜丽，生色活香，代表了成熟时期的风格。

当时受其影响的画家有百人之多，最主要的有马元驭、范廷镇、邹显吉、外甥张子畏及族曾孙女恽冰等。其中马元驭(1669-1722)得恽南田亲授，又与蒋廷锡切磋，因而画艺日进，王石谷极称之，论者谓其超纵似陆治，老健逊沈周，作于1694年的《萄萄图》（粤博B2252）和1704年的《花鸟图》（中大99·522）可见其画艺之一斑。前者写生，形神皆备，堪称入室之作；后者苍劲放逸，运笔潇洒，设色雅致，于南田外别开生面。其女马荃得其家法，与以没骨著称的恽冰并称江南“双绝”。作于1750年的《花鸟游鱼图》（粤博B201）和1779年的《荷花翠鸟图》（中大99.322）分别代表不同时期的画风。前者工整秀雅，设色清淡；后者纵笔放逸，赋色亮丽。

与恽寿平同时的王武和稍后的蒋廷锡、邹一桂等也都是成就卓著的花卉画家。

王武(1632-1690)与恽寿平同时称誉画坛，他精鉴赏，据说家里藏有很多宋元名迹，这就使其有机会和能力从前人的艺术佳作中吸取养分，融入到自己的画艺中。他一方面继承了黄筌的写生传统，另一方面取法明代的周之冕、陆治诸家，画史称其“所写花竹禽虫神韵生动，流丽多风，当入妙品”，又谓其能“得动植之生意，根蒂五参，精神设色，亦极精巧”【28】。作于1677年的《芍药蝴蝶图》（粤博B1861）正是其风格的代表。该图芍药用细笔钩勒，墨气明雅，气韵生动。传其艺者有周礼、张画等。
蒋廷锡(1669-1732)早年受“常州派”影响殊深，后期师法陈道复、徐渭，笔墨简逸。作品早年以妍丽工笔者居多，晚年以水墨写意取胜，梁章钜谓其“以逸笔写生，或奇，或正，或率，或工，或赋色，或晕墨，随意而成，笔笔名贵”【29】。他曾官至大学士，位显名尊，其画代笔、赝品也多，所传长卷大轴皆其赝品，马元驭父子及门客潘氏常为其捉刀，据说世间流传有设色极工者大多由潘氏代笔。作于1723年的《瑞莲图》（粤博B223）所绘莲叶用墨染，笔墨淡逸，工写结合，不施粉黛而神韵自足。传其艺者有子蒋溥、马元驭子马逸及苏国士、钱元昌、邹元斗等。

以传统山水见长的“四王”亦偶有花卉之作，如“四王”之首的王时敏(1592-1680)，作于1661年的《午瑞图》（粤博B832），构思简洁，用墨晕染，墨色层次分明，笔简意远。王石谷（1632-1720）的高足杨晋(1644-1728)不仅常为王石谷山水补画人物、舆桥、驼马、牛羊等，亦善花鸟，他与黄卫合作于1692年的《梅竹双禽图》（粤博B233），其中竹石为其所写，用笔简洁；黄卫写梅雀，苍秀简淡。此外，与“四王”、恽寿平并称“清初六家”的吴历亦擅画竹石。其画取法吴镇，笔墨雄浑苍劲，广东省博物馆亦藏其竹石。

清“野逸”派主要以“四僧”等明遗民为代表，他们用笔荒寒、率意，不拘成法，试图借助笔墨来表达或排遣心中的积郁，著名的画家有朱耷、石涛、弘仁、萧云从等。

八大山人朱耷(1626-1705)所绘拟人化的花鸟、虫鱼一直被视为个性化的主要特征，所绘鱼、鸟之眼睛白多黑少，被认为是对现实的轻蔑与不满。他继承“青藤白阳”泼墨写意传统，更多地将思想情感融入画中，竭力表现对现实的消极关怀及其对人生的理解，他的画成为自己生命意志的体现。作于1689年的《眠鸭图》（粤博B44）和无年款的《疏柳八哥图》（粤博B2704）均为其典型的作风。前者构图简练，笔墨酣畅，为其盛年力作；后者笔意疏淡，墨色淋漓。两图均缘物寄情，别有怀抱。

自称苦瓜和尚的原济(1642-1707)本为明宗室，姓朱，名若极，出家后改名原济，字石涛，擅画兰竹，画史称他“笔意纵恣，脱尽窠臼”【30】。《墨竹图》（粤博B1603）笔墨纵横宕逸，不拘法度，张大千在跋语中谓其以怒气画竹，“槎槎枒枒如在万马军中”。郑板桥尝评其画竹“好野战，略无纪律而纪律自在其中”【31】，此图可作为最好的例证；《花果图册》（中大96.68）于用墨之外，敷以淡色，神完意足，笔致高远。

与查士标、孙逸、汪之瑞并称“海阳四家”的渐江学人弘仁(1610-1664)是“新安画派”的重要代表，以画黄山著名、能“得黄山真性情”，所绘之梅、竹亦别具风致。作于1663年的《梅竹石图》和《梅花图》扇面（粤博B3646）简淡荒疏，构图简洁而意境深远，其韵如同所绘山水，盖从倪云林中来而别出新意。

安徽芜湖人萧云从(1596-1688)的画风与“新安画派”相似，与“海阳四家”的孙逸齐名，画工山水、人物，“笔意瘦硬清快，设色古雅”【32】，花卉是其余兴，但却体现出高超的技艺与神韵。作于1668年的《梅石水仙图》（粤博B94）用笔荒率，笔墨简练，与弘仁相类。

此外，花鸟画成就突出的尚有以擅画梅花著称的金俊明(1602-1675)。近人郑昶称其花卉“独斟酌于花光、补之之间，别成雅构，疏花细蕊，丰致翩翩，名重当世”【33】。《梅花图册》（粤博B2544）可代表他的风貌。该画册墨色清淡，笔意简洁明快，运笔劲健、寓意深远，王世祯曾题其《画梅图》，中有“一幅生绡千载意”句，也是指其意境而言。

这一时期的岭南地区成为南方一个重要的政治、文化中心，南明政权播迁、抗清斗争的延续、大批遗民南下，使本来僻居海隅、较为清寂的这一区域活跃起来，文化也空前繁荣。遗民画家如高俨、张穆、伍瑞隆及以深度、成鹫、大汕为代表的岭南画僧群体等，为原本并不发达的岭南绘画带来了生机，并掀起广东绘画的高潮。以善画或兼画花鸟著称的画家有杨昌文画兰、伍瑞隆写牡丹、张穆画鹰、成鹫写杂卉等，各擅胜场。其中张穆(1607-1683)以画马名世，兼擅画鹰【34】。所绘鹰多为水墨写意，盖从林良处取径，参以青藤白阳之笔意，形象生动。《苍鹰图》（中大99·604）所绘独立枯枝之雄鹰，墨气浑穆，用笔老到、苍劲，虽不是张氏写鹰之精作，但仍得其形、神。

清初花鸟画对后世影响甚巨，中期的扬州画派、晚期的“海上画派”、“居派”等都受其感染。郑昶《中国画学全史》谓髡残、道济所写孤高奇逸，不类南田而亦卓然为后世法，反映出“野逸派”的影响；近人陈师曾则将清代花卉画分为两个主要的派别，即以恽南田没骨为主的“恽派”和以蒋廷锡钩勒为主的“蒋派”。两派各有传人，影响及于后世，以后的花卉画大多由此两派衍生【35】。虽然陈氏所言不免偏颇，但确乎反映出两派花鸟画承前启后及其划时代意义

❹ 宋朝绘画的主要艺术特征

1、绘画题材和表现体裁的多样化。宋代绘画题材扩大，绘画分科变细，计有佛道、人物、山水、屋木、走兽、花卉、翎毛、墨竹、龙水等门类。绘画形式中工笔绘画有突出成就，青绿重彩仍然流行，水墨着色在山水画中占有重要地位，写意画开始出现。宋代绘画体裁有巨幅壁画、高屏大帏、长卷立轴、小幅绘画、册页形式、白描粉本小样等多种样式。

2、文人参与绘事，文人绘画渐成潮流。科举制提高了整个官僚的文化水平，以科举进身的文人力图强调自己的文化英雄地位，将绘画视为文化修养和风雅生活的重要部分。

宋代不少文人士大夫将绘画看成文化修养和风雅生活的重要部分，他们在绘画中以墨竹、墨梅、山水树石及花卉等为题材，追求主观情趣的表现，反对过分拘泥于形似的描绘，艺术上主张宁和平淡，追求天真清新的风格。米氏父子、苏轼等人为典型代表。

3、在宋代，宫廷绘画承载着宣传教化、笼络重臣、粉饰太平的主要功能。宫廷画家在艺术上必须附和帝王的审美趣味，因此，宫廷绘画的主要表现风格为：造型准确，格法严谨，精微细腻；赋色浓艳，华贵富丽；既有精密不苟之长，某些作品又有萎靡柔媚的倾向，形成“院体”画的独特风格。宋徽宗赵佶为典型代表。

4、出现了职业画家。画工解除了对贵族的人身依附，成为独立的手工业者。宋代城市经济繁荣，文化生活活跃，绘画的需求增加，绘画的服务对象有所扩大，为绘画的发展提供了物质条件和群众基础。一些画师们的创作进入城市商业市场，不少技艺卓绝的画家活跃在社会上，对促进宋代绘画起重要作用。

这时期的职业画家的创作具有明显的商品画性质。绘画作为固定行业与社会建立更广泛的联系，突破了宗教题材与贵族题材的羁绊。扩大了视野，使世俗美术有了很大发展。宋代风俗画的发展可以为证。

(4)工笔梅花扇面扩展阅读：

宋代绘画是中国绘画艺术发展的高峰。它所反映的广泛的现实生活内容，在古代绘画史上是极为突出的。运用多采的优美的艺术形式，创造了很多的艺术表现手法，和社会有着密切的联系，元明清绘画中的风格样式及理论大多可在宋代绘画中找到根据，表现了中国绘画的成熟与高度繁荣。

宋代绘画艺术在技巧上有许多重要创造。着重挖掘人物的精神状貌及动人的情节，注重塑造性格鲜明的艺术形象。花鸟画、山水画追求优美动人的意境情趣，注意真实而巧妙的艺术表现，并努力进行形象提炼，有着高度的写实能力。

文人士大夫绘画对于绘画艺术的繁荣提高也有促进作用，他们在主观的表达和笔墨效果的探索上尤有贡献。宫廷绘画在整个社会绘画的繁荣基础上得到高度发展，其艺术成就也不容忽视。

宋代绘画进入手工业商业行列，与更多的群众建立较为密切的联系。在五代南唐、西蜀建立画院的基础上，宋代继续设立翰林图画院，以培养宫廷需要的绘画人才。民间绘画、宫廷绘画、士大夫绘画各自形成体系，彼此间又互相影响、吸收、渗透，构成宋代绘画丰富多采的面貌。

❺ 和芝圃一张扇面多少钱

目前和芝圃工笔画每平方尺为10万元人民币左右，写意画每平方尺为8千到1万元人民币。因此他的写意扇面的价格，也就在1万左右吧。

❻ 花鸟画的当代名家

王庆升
王庆升 (1932.9—)，男，别名王昕，河北遵化人。擅长中国画。早年自学绘画，1957年在北京中国画院业余进修花鸟画，从师于非闇。1961年考入北京中国画院研究生班，专攻工笔花鸟，兼学山水画，导师有王雪涛、汪慎生、吴镜汀、马进等先生。1965年毕业留院任专业画家。其工笔花鸟作品继承宋代院体绘画传统，并博采众长，逐步形成个人艺术特色；画风严谨工丽，颇尽精微；重色彩神韵，以形写神；生活气息浓郁，内涵丰富，雅俗共赏。现为中国文联牡丹书画艺术委员会副会长、中国美术家协会会员，北京工笔重彩画会理事，北京画院一级美术师、花鸟画创作室主任。作品有《硕果满园》、《渠水引来满山春》、《故宫牡丹》等入选全国美展和出国展览，并被国家博物馆、美术馆收藏。作品常有出版和参加国内外重要展览，并被博物馆、美术馆等专业部门收藏。中南海、钓鱼台国宾馆、天安门城楼及中国驻外近二十个使领馆有其作品陈列。出版有《王庆升画集》《王庆生现代工笔花鸟画》《工笔牡丹画法》《工笔孔雀画法》扇面工笔花鸟画〉等个人画集等。
周中耀
周中耀，男，号素心斋主，生于1945年，湖南省长沙人。现为中国美术家协会会员，中国画家协会副主席，长沙理工大学客座教授。
数十年来，周氏致力施工笔花鸟画的研究与创作。早在八十年代，周氏已凭着精湛的技巧，引起了海内外美术界和收藏家的关注。
周氏作品追求天趣自然、充满生气，线条精微、律如乐韵，画面明快亮丽、光影交融，空间深遂、层次重重，富神秘感、耐人寻味，既保留了传统工笔花鸟画恬静、典雅的特点，亦结合了现实生活的体验及时代的审美意识。
周氏性格平和谦厚，重情意、轻名利。在他的作品中，人们可以感受到宁静而温馨的意境，并领略到画家的修养和内涵。周氏作品鲜明而独特的艺术风格和深厚的功力，现被誉为当代最具实力的中国工笔花鸟画家之一。
作品曾赴法国、日本、新加坡、马来西亚、南韩、台湾和香港等地展出，并获湖南长沙市第四次优秀文艺成果奖等奖项。出版有《周中耀作品集》。其艺术成被编入《中国现代美术家人名大辞典》、《当代中国美术名家大辞典》等。
李万
李万，雅号：半塘居士，艺海楼主人，六十年代末期出生于广西桂林市，九十年代先后毕业于广西师范大学艺术系和广州美术学院国画系，主要潜心研习岭南三杰高剑父、高奇峰、陈树人的画风，赞同融合中西方绘画技艺！如今他经过20多年的探索与磨练，熔国画洋画精髓于一炉形成了自己画作的个性与特色，摒弃了传统国画乌涩晦暗的格调，强调国画中的色彩、他用色鲜而不俗，艳而不腻，与当代社会及国际审美观相一致，充分展示色彩的震撼力与感染力。李万的花鸟画多为工笔与写意相结合，写意之处的景物是挥毫泼墨酣畅大气，工细之处的花鸟鱼虫，鸡鸭禽畜则是造形严谨，斯毛细腻，使画中禽鸟活灵活现，栩栩如生，活泼多趣，让人浮想联翩。李万的花鸟画既有中国画生宣的墨韵，又有熟宣的古雅，还有西洋画之新鲜，全面摒弃了传统国画乌涩晦暗的格调，变革了古今中国传统国画写意画与工笔画互不相干的状况，符合当代社会人们的审美！代表着敢于改革与创新、顽强崛起的国内书画界新生代画家的精神风貌并走在前沿.....李万还擅于画大幅花鸟画作品，大幅花鸟画作品融合山水、花鸟、人物画于一图，突破了中国古代传统花鸟画只能画小张型花鸟画的思维与技艺局限，其画幅虽大，但构图严谨，意境深远，画技全面，这在古今花鸟画家中屈指难数。李万的雀鸟画，更是栩栩如生，活泼多趣，“野岭崇岩上，干枝竹荷间，雀鸟翻飞嬉，远去尘嚣喧” 便是他雀鸟画的写照。