昆曲与梅花

❶ 京剧【梅花板】和【吹腔】有什么不同

一楼京剧“梅花板”答案真有天才，想象力丰富，令人捧腹。但京剧演回员演唱不会用“梅花答扳手”伴奏的。（觉得答的十分有趣，开句玩笑。）
本人寡闻，查了近180种京剧板式没发现有“梅花板式”，不知京剧板式中有无“梅花板”。觉得楼主问的可能是：演员演唱时的某段伴奏曲调是用的京剧曲牌“梅花”，但它不是一种京剧板式。如是，则两者的区别在于：“梅花”是京剧曲牌之一，属曲牌体。吹腔属板腔体。曲牌体与板腔体是我国戏曲音乐的两大体系。（这里不多做解释，楼主若有兴趣详解，请参看新浪hxwtutu的博文：京剧曲牌的解析与欣赏一文）。
吹腔是用笛子伴奏的腔调，最初是受西北秦腔的影响，在安徽石牌一带形成的腔调，故吹腔也叫石牌腔。它与四平调以及西皮都有很密切的血缘关系。吹腔的上下句落音基本上与四平调相同吹腔的曲调悠扬动听，流畅华丽，可以表达多样感情，《奇双会》中的吹腔哀婉凄切，《古城会》中关羽用的是吹腔则庄严威武。
一点妄议，仅供参考。

❷ 中国最有名的花为什么是梅花

1、春落梅枝头。古人说，梅具四德，初生蕊为元，开花为亨，结子为利，成熟为贞。后人又有另一种说法：梅花五瓣，是五福的象征。一是快乐，二是幸福，三是长寿，四是顺利，五是我们最希望的和平。梅花的五片花瓣，分别象征着吉祥。 2、梅常被民间作为传春报喜的吉祥象征，陈志岁微型诗《梅花》这样写道：“为使与严寒搏斗之俦侪坚持下去，便把春消息透露给人。”梅花是岁寒三友之一，花中四君子之首。自古以来，人们都赞美它的傲雪精神，它的孤独的不与百花争春的高洁的美。所以，她象征： 一、隐者高士 ——疏影横斜水清浅，暗香浮动月黄昏 二、霜美人、雪美人、冷美人 ——家住寒溪曲，梅花杂暖春，学妆如小女，聚笑发丹唇 三、高风亮节的人 ——天然根性异，万物尽难陪。自古承春早，严冬斗雪开 3、梅花是中华民族的精神象征，具有强大而普遍的感染力和推动力。梅花象征坚韧不拔，百折不挠，奋勇当先，自强不息的精神品质。民间传说别的花都是春天才开，它却不一样，愈是寒冷，愈是风欺雪压，花开得愈精神，愈秀气。其中有一首古诗是这么写的：墙角数枝梅， 凌寒独自开。 遥知不是雪 ，为有暗香来。它是我们中华民族最有骨气的花！几千年来，它那迎雪吐艳，凌寒飘香，铁骨冰心的崇高品质和坚贞气节鼓励了一代又一代中国人不畏艰险，奋勇开拓，创造了优秀的生活与文明。有人认为，梅的品格与气节几乎写意了我们“龙的传人”的精神面貌。全国上至显达，下至布衣，几千年来对梅花深爱有加。“文学艺术史上，梅诗、梅画数量之多，足以令任何一种花卉都望尘莫及。” 梅花高风亮节。二十四番花信之首的梅花，冰枝嫩绿，疏影清雅，花色美秀，幽香宜人花期独早，“万花敢向雪中出，一树独先天下春。”被誉为花魁。“遥知不是雪，唯有暗香来”的崇高品格和坚贞气节，象征我们龙的传人之精神。松，竹，梅花被称为“岁寒三友”梅花培植起于商代，距今已有近四千年历史。梅是花中寿星，我国不少地区尚有千年古梅，湖北黄梅县有株一千六百多岁的晋梅，至今还在岁岁作花。梅花在人们心目中斗雪吐艳，凌寒留香，铁骨冰心，高风亮节的形象，鼓励着人们自强不息，坚韧不拔地去迎接春的到来。

❸ 昆曲《牡丹亭》的剧情大致是怎样的呢

南宋时，南安太守杜宝，一心要把爱女杜丽娘培养成大家闺秀，聘请陈最良为师回，命丫环春香伴读。与答父母愿望相反，丽娘一心向往自然。面对大好的春光，丽娘深感闺中寂寞，随与春香同去花园游玩。百花盛开，姹紫嫣红，云霞雨丝，烟波画船。面对冷清的园景，更引起丽娘无限感慨，游兴未尽而归。丽娘思春，悠然入梦，在梦中与秀才柳梦梅相会在牡丹亭前。众花神翩翩起舞，赞颂这对纯真挚诚的青年情投意合的美好爱情。好梦不长，虽然梦境生灵活现，却寻梦不见、心头萦绕。隐情无处诉，痴心难轻抛，丽娘在病中自描春容，题诗其上，竟饮恨与世长辞。金兵南侵，杜宝奉调镇守淮阳。行前，按丽娘遗言将其葬于后花园梅树之下，并建梅花观请石道姑照看。秀才柳梦梅也因访梦来到南安，寄居梅花观中。一日，梦梅去花园闲游，恰得丽娘春容画卷，并与魂灵相会，方知丽娘遭遇。丽娘精诚不散，魂游花园，再遇花仙，众神为其痴情所动，遂助丽娘还魂与柳梦梅结为永好。

❹ 昆曲的剧目介绍

昆曲在长期的演出实践中，积累了大量的上演剧目。其中有影响而又经常演出的剧目如：王世贞的《鸣凤记》，汤显祖的《牡丹亭》、《紫钗记》《邯郸记》《南柯记》，沈璟的《义侠记》等。高濂的《玉簪记》，李渔的《风筝误》，朱素臣的《十五贯》，孔尚任的《桃花扇》，洪升的《长生殿》，另外还有一些著名的折子戏，如《游园惊梦》《阳关》《三醉》《秋江》《思凡》《断桥》等。
巴黎中国戏曲节于11月16日至22日在法国巴黎塞纳河畔的蒙浮剧场举行，共有来自福建京剧院的《四郎探母》、河南豫剧团的《清风亭》、江西南昌大学赣剧研究中心的《窦娥冤》、山东吕剧团的《墙头记》、苏州昆剧团的《浮生三梦》、香港京剧团的《牡丹亭》和浙江昆剧团的《公孙子都》等多剧种、多题材的演出剧目参与角逐。最终，浙江昆剧团的《公孙子都》捧得最高奖项“塞纳大奖”。《公孙子都》是继《十五贯》以后，浙江昆剧团又一大手笔之作。此剧因荣获2006—2007年度国家舞台艺术精品工程十大精品剧目第一名和文化部第十二届“文华大奖”，而拿到了150万元高额奖金，这是迄今为止浙江对优秀剧目的最高奖励。《公孙子都》是根据明代冯梦龙小说《东周列国志》改编而成的历史故事剧。该剧故事独特，引人入胜，通过对公孙子都不择手段、阴谋杀人直至走向毁灭的心理描绘，揭示了一念之差可成英雄，一念之差将成罪人的人生感悟，并对公孙子都这一人物所具有的人类共有的劣根性——嫉妒进行了展示和批评，具有较强的哲理性、警世性。
其创新主要体现在两个方面：
一、主题思想深刻，开拓了昆曲在正剧上的表现力。昆曲传统剧目中为观众所熟知的多为爱情剧，《公孙子都》则是一部心理戏，讲述了春秋时期郑国讨伐许国一战中，副帅公孙子都争功心切，用暗箭射死主帅颖考叔后终日惊惶、最后身亡的故事。其以传统剧目《伐子都》为底本，跳出古人善恶相报的狭义是非观，着意写子都暗箭射人后的惶恐不安--避过法诛却难避心诛，以此鞭挞人类共有的心毒--嫉妒。主创人员表示：虽然故事发生在东周列国时期，但嫉妒是人类的'原罪'，这是人类永恒的话题，以引起现代观众的共鸣。
二、表演上恢复昆曲的武戏传统，是现代昆曲阳刚戏的代表作。昆剧的武戏启蒙了京剧的武戏，但近代后，昆剧格局逐渐缩小变为小生、小旦、小花脸的三小戏。《公孙子都》的突出亮点是创编了一部多年来昆剧极为少见的整本武戏。戏曲评论家刘厚生说。扮演公孙子都的是浙江昆剧团团长、梅花奖得主林为林，以长靠、短打武生戏见长，有江南一条腿之称。该剧结尾处，穿着厚底靴的公孙子都从高处反跃前扑而下，常引得满堂喝彩。
昆曲剧团
在中国大陆现有江苏省苏昆剧团（成立于1956年，原名苏州苏昆剧团，2001年改名江苏省苏州昆剧院）、江苏省昆剧院、上海昆剧团、杭州浙江昆剧团、北京北方昆曲剧院、郴州湖南省昆剧团6家昆剧专业艺术团体，以及浙江永嘉昆曲传习所，被称为“六团（院）一所”。（永嘉昆剧团已恢复建制，现全国共有7所昆曲剧团）

❺ 戏剧梅花奖结果公示，都有哪些作品入选

中国戏剧梅花奖是经中宣部批准设立的中国戏剧表演艺术最高奖，旨在表彰和奖励优秀中青年戏剧表演人才，推动戏剧事业繁荣发展。自1983年创立以来，始终坚持与时代同步伐、以人民为中心，着眼于推精品、育新人，共评选出涵盖戏曲、话剧、歌剧、舞剧等戏剧艺术门类的获奖演员696人。他们已成为当代中国戏剧繁荣发展的主力军

❻ 中国十大戏曲的名字是什么

中国的戏曲历史悠久，种类丰富多彩，约有三百六十多个剧种，传统剧目数以万计，是世界上一种独特的戏剧艺术。京剧被誉为中国的国粹，而地方戏的发展更加丰富了戏曲艺术，成为戏曲艺苑中不可或缺的重要组成部分。地方戏是流行于一定地区，具有地方特色的戏曲剧种的通称。特别有些地方戏不断发展壮大，影响日益深远，深受人们喜爱。现评选出十大地方剧种。评选标准有以下三项：
1、该剧种获得梅花奖的次数，因为梅花奖是中国戏剧表演艺术的最高奖项。
2、该剧种分布范围和活跃程度。
3、该剧种的活跃程度，即在民间的影响力。
另外，该剧种文华奖的获奖情况也将成为参考标准，因为文华奖是由中国文化部设立的一项国家级奖项，同样具有一定的权威性。
注：此处梅花奖获奖次数为第1—24届的累积次数。
京剧号称国粹，是国剧，不属地方戏，故不列入“中国十大地方剧
1、越剧
剧种介绍：越剧是浙江省的主要地方戏，有“全国第二大剧种”之称。越剧长于抒情，以唱为主，声腔清悠婉丽，优美动听，表演真切动人，极具江南地方色彩。
获奖情况：获得梅花奖次数：28（包括二度梅1次、梅花大奖1次）
活跃程度：主要流行在浙江、上海、江苏、江西、安徽、福建等地，其他地区也有局部流行。
上榜理由：获奖次数和民间影响都很大，流行区域很广。素有“全国第二大剧种”之称，地方戏之首非其莫属。
2、豫剧
剧种介绍：豫剧原称“河南梆子”,也叫“河南高调”。是河南省的主要地方戏。流行于河南以及临近各省已有三百多年的历史。豫剧的声腔，或高亢活泼，或悲凉缠绵，能够表演各种风格的剧目，传统剧目有六百五十多出。豫剧已经发展成为具有全国影响的最大地方剧种。艺术团体分布众多，仅次于京剧，居地方戏之首。
获奖情况：获得梅花奖次数：32（包括二度梅2次）
活跃程度：主要在黄河、淮河流域的广大北方地区。除河南省外，湖北、安徽、江苏、山东、河北、北京、山西、陕西、四川、甘肃、青海、新疆、台湾等省区市都有专业豫剧团的分布。
上榜理由：获奖次数较多，艺术团体分布众多，民间活跃程度极高，特别是近几年在河南卫视《梨园春》节目的影响下，影响也越来越大，位居地方戏第二，当之无愧。
3、评剧
剧种介绍：评剧是流传于我国北方的一个戏曲剧种。以唱工见长，吐字清楚，演唱明白如诉，表演生活气息浓厚。评剧具有活泼、自由、生活气息浓郁的特点，剧目以反映现实社会生活题材为主，贴近生活，擅长表演现代生活。
获奖情况：获得梅花奖次数：26（包括二度梅4次）
活跃程度：主要流行于北京、天津、河北以及东北三省等地区。
上榜理由：获奖次数较多，题材贴近生活，民间影响力较大，流行区域较广。故位列第三。
4、昆曲
剧种介绍：昆曲是我国传统戏曲中最古老的剧种之一，很多剧种都是在昆剧的基础上发展起来的，有“中国戏曲之母”、“百戏鼻祖”之雅称。最大的特点是抒情性强、动作细腻。
获奖情况：获得梅花奖的次数：38（包括二度梅3次）
活跃程度：主要流行于江苏、上海、浙江、北京地区和其他局部地区。
上榜理由：虽然获奖次数最多，而且历史悠久，是百戏之祖。但是近年来的发展态势不佳，故只能名列豫剧、越剧、评剧之后。
5、黄梅戏
剧种介绍：黄梅戏是安徽省的主要地方戏剧种。旋律优美，故事感人，在民间影响较广。
获奖情况：获得梅花奖次数：10
活跃程度：主要流行于安徽及江西、湖北的部分地区。
上榜理由：虽然获奖次数不多，但其民间影响力较大，流行区域较广，很早就位列“中国五大剧种”之列。
6、川剧
剧种介绍：川剧是四川文化的一大特色，历史悠久。早在唐代就有“蜀戏冠天下”的说法，是中国戏曲宝库中的一颗光彩照人的明珠。
获奖情况：获得梅花奖次数：23（包括二度梅4次）
活跃程度：主要流行于四川全省及重庆、贵州、云南部分地区，曾经在四川甚至大西南影响力很大。但是，近年来的发展和昆曲雷同，退步很多，！获得梅花奖的次数虽多，依然不能使它进入四强或压倒黄梅戏。
上榜理由：虽然获奖次数较多，而且影响深远，但和昆曲雷同近年来的发展态势不佳，民间活跃团体也大为减少，故位列第六。
7、晋剧
剧种介绍：晋剧又名中路梆子，是山西省四大梆子（中路梆子、蒲州梆子、北路梆子、上党梆子）剧种之一，是
山西省影响最大的剧种。
获奖情况：获得梅花奖次数：19（包括二度梅1次）
活跃程度：流行于山西、内蒙古大部分地区及陕西、河北的部分地区。
上榜理由：虽然在全国来说知名度不是很大，但获奖次数比较多，在省内的活跃程度极高，影响力极大，近年来山西卫视《走进大戏台》节目的热播，也使晋剧的影响力越来越大，特别是优秀新编剧目（如《傅山
进京》《范进中举》等）的频频获奖，更是使晋剧这一剧种得到了升华。位列该位，当之无愧。
8、河北梆子
剧种介绍：河北梆子是由流入河北的山陕梆子演化而成的。唱腔高亢激越，慷慨悲忍、悠扬婉转，具有浓厚的抒情韵味。
获奖情况：获得梅花奖次数：19（包括二度梅2次）
活跃程度：主要流行于河北中、北部及京、津地区。
上榜理由：获奖次数较多，影响深远，民间活跃程度比较高。故位列第八。
9、秦腔
剧种介绍：秦腔流行于我国西北地区的最大剧种。声腔深沉哀婉、慷慨激昂，适合表现悲愤、怀念、凄哀的感情；欢音腔欢乐、明快、刚健、有力，擅长表现喜悦、欢快、爽朗的感情。
获奖情况：获得梅花奖次数：19
活跃程度：流行于我国西北地区陕西、甘肃、青海、宁夏、新疆等地的最大剧种。
上榜理由：获奖次数较多，历史悠久，影响较广，民间活跃程度比较高。
10、粤剧
剧种介绍：粤剧又称大戏或者广东大戏，源自南戏，我国南方一大剧种，主要流行于说粤语的地区。
获奖情况：获得梅花奖次数：15（包括二度梅1次）
活跃程度：二颗星。主要流行于广东、广西、闽南及港澳、东南亚华侨聚居地区一带。
上榜理由：是南方一大剧种，获奖次数较多，民间影响力较大，在国内外都有影响。

❼ 昆剧产生于什么年代什么地方

昆曲早在元末明初之际（14世纪中叶）即产生于江苏昆山一带，它与起源于浙江的海盐腔、余姚腔和起源于江西的弋阳腔，被称为明代四大声腔，同属南戏系统。是我国古老的戏曲声腔、剧种，原名“昆山腔”，清朝以来被称为“昆曲”，现又被称为“昆剧”。昆曲的伴奏乐器，以曲笛为主，辅以笙、箫、唢呐、三弦、琵琶等（打击乐俱备）。昆曲的表演，也有它独特的体系、风格，它最大的特点是抒情性强、动作细腻，歌唱与舞蹈的身段结合得巧妙而和谐。在语言上，该剧种原先分南曲和北曲。南昆以苏州白话为主，北昆以大都韵白和京白为主。该剧种于2001年5月18日被联合国教科文组织命名为“人类口述遗产和非物质遗产代表作”称号。
昆曲形成的历史，可谓源远流长，它起源于元朝末年的昆山地区，至今已有六百多年的历史。宋、元以来，中国戏曲有南、北之分，南曲在不同地方唱法也不一样。元末，顾坚等人把流行于昆山一带的南曲原有腔调加以整理和改进，称之为“昆山腔”，为昆曲之雏形。明朝嘉靖年间，杰出的戏曲音乐家魏良辅对昆山腔的声律和唱法进行了改革创新，吸取了海盐腔、弋阳腔等南曲的长处，发挥昆山腔自身流丽悠远的特点，又吸收了北曲结构严谨的特点，运用北曲的演唱方法，以笛、箫、笙、琵琶的伴奏乐器，造就了一种细腻优雅，集南北曲优点于一体的“水磨调”，通称昆曲。之后，昆山人梁辰鱼，继承魏良辅的成就，对昆腔作进一步的研究和改革。隆庆末年，他编写了第一部昆腔传奇《浣纱记》。这部传奇的上演，扩大了昆腔的影响，文人学士，争用昆腔创作传奇，习昆腔者日益增多，尤以歌妓为主。历史上有名的陈圆圆就会唱昆曲。于是，昆腔遂与余姚腔、海盐腔、弋阳腔并称为明代四大声腔。到万历末年，由于昆班的广泛演出活动，昆曲经扬州传入北京、湖南，跃居各腔之首，成为传奇剧本的标准唱腔：“四方歌曲必宗吴门”。明末清初，昆曲又流传到四川、贵州和广东等地，发展成为全国性剧种。昆曲的演唱本来是以苏州的吴语语音为载体的，但在传入各地之后，便与各地的方言和民间音乐相结合，衍变出众多的流派，构成了丰富多彩的昆曲腔系，成为了具有全民族代表性的戏曲。至清朝乾隆年间，昆曲的发展进入了全盛时期，从此昆曲开始独霸梨园，绵延至今六、七百年，成为现今中国乃至世界现存最古老的具有悠久传统的戏曲形态。
它以清唱的形式出现，终于使昆腔在无大锣大鼓烘托的气氛下能够清丽悠远，旋律更加优美。同时，魏良辅对伴奏乐器也进行了改革。原来南曲伴奏以箫、管为主要乐器，为了使昆腔的演唱更富有感染力，他将笛、管、笙、琴、琵琶、弦子等乐器集合于一堂，用来伴奏昆腔的演唱，获得成功。
昆山腔开始其流布区域，开始只限于苏州一带，到了万历年间，便以苏州为中心扩展到长江以南和钱塘江以北各地，并逐渐流布到福建、江西、广东、湖北、湖南、四川、河南、河北各地，万历末年还流入北京，到了清代，由于康熙喜爱昆曲，更使之流行。这样昆山腔便成为明代中叶至清代中叶影响最大的声腔剧种。
据学者研究称，“昆曲所代表的美学趣味虽然明显是南方的，尤其是江南地区的，但是其文化身份却并不属于一时一地，它凝聚了中国广大地区文人的美学追求以及艺术创 造。正是由于它是文人雅趣的典范，才具有极强的覆盖能力，有得到广泛传播的可能，并且在传播过程中，基本保持着它在美学上的内在的一致性。”
昆曲（昆山腔）的得名即产生于江苏昆山一带，它与起源于浙江的海盐腔、余姚腔和起源于江西的弋阳腔，被称为明代四大声腔，同属南戏系统。
昆曲是我国传统戏曲中最古老的剧种之一，也是我国传统文化艺术，特别是戏曲艺术中的珍品，被称为百花园中的一朵“兰花”。明朝中叶至清代中叶戏曲中影响最大的声腔剧种，很多剧种都是在昆剧的基础上发展起来的，有 “中国戏曲之母”的雅称。昆剧是中国戏曲史上具有最完整表演体系的剧种，它的基础深厚，遗产丰富，是我国民族文化艺术高度发展的成果，在我国文学史、戏曲史、音乐史、舞蹈史上占有重要的地位。
昆曲的音乐属于联曲体结构，简称“曲牌体”。它所使用的曲牌，据不完全统计，大约有一千种以上，南北曲牌的来源，其中不仅有古代的歌舞音乐，唐宋时代的大曲、词调，宋代的唱赚、诸宫调，还有民歌和少数民族歌曲等。它以南曲为基础，兼用北曲套数，并以“犯调”、“借宫”、“集曲”等手法进行创作。
曲牌是昆曲中最基本的演唱单位。全国共有300多种戏曲曲种，在音乐体系上分为两种：板腔体和曲牌体。绝大多数剧种是板腔体，少数是曲牌体。而昆曲的曲牌体是最严谨的。据民国年间的曲学大师吴梅统计南曲曲牌有4000多个，北曲曲牌有1000多。常用的也仅200多个。最流传的南曲曲牌如《游园》中的【步步娇】，【皂罗袍】，【好姐姐】、《琴挑》中的【懒画眉】，【朝元歌】。这两出戏也是用来为男女演员打基础的。故昆曲中有女学《游园》，男学《琴挑》的说法。
北曲,"端正好"，"新水令"，"醉花荫"，"点绛唇"，"粉蝶儿"，"斗鹌鹑"，"一枝花"，"集贤宾"，等八套。昆曲中在应用曲牌时构成联套，（又称套数）通过联套的选用、调剂、对比组成一个整本大戏的音乐和文学结构，基本上一出戏是一个套数。
曲牌的音乐结构和文学结构是统一的。由于曲牌是由词发展而来，又称词余，在文字上是长短句式，写作就是填词。一个曲牌有多少字，几句，每个字的平仄声，都有规定。而且重要的词位严格到仄声中应有上(∨)，去(\ )之别。如不根据平仄声就要形成倒字，很难谱曲和演唱。这也是写作和演唱昆剧难度很高的一个原因。
昆曲演唱的特点是"以字行腔"，腔跟字走、在演唱上也有一定的腔格，不同于其它戏曲可以根据演员个人条件随意发挥，而是有严格的四定：定调、定腔、定板、定谱。
昆剧作为一个曾经在全国范围内有着巨大影响的剧种，在历尽了艰辛困苦之后，能奇迹般地再次复活，这和它本身超绝的艺术魅力有紧密关系，其艺术成就首先表现在它的音乐上。
昆剧行腔优美，以缠绵婉转、柔漫悠远见长。在演唱技巧上注重声音的控制，节奏速度的顿挫疾徐和咬字吐音的讲究，场面伴奏乐曲齐全。
“水磨腔”。这种新腔奠定了昆剧演唱的特色，充分体现在南曲的慢曲子（即“细曲”）中，具体表现为放慢拍子，延缓节奏，以便在旋律进行中运用较多的装饰性花腔,除了通常的一板三眼、一板一眼外，又出现了“赠板曲”，即将4/4拍的曲调放慢成8/4，声调清柔委婉，并对字音严格要求，平、上、去、入逐一考究，每唱一个字，注意咬字的头、腹、尾，即吐字、过腔和收音，使音乐布局的空间增大，变化增多，其缠绵婉转、柔曼悠远的特点也愈加突出。
相对而言，北曲的声情偏于跌宕豪爽，跳跃性强。它使用七声音阶和南曲用五声音阶（基本上不用半音）不同，但在昆山腔的长期吸收北曲演唱过程中，原来北曲的特性也渐渐被溶化成为“南曲化”的演唱风格，因此在昆剧演出剧目中，北曲既有成套的使用，也有单支曲牌的摘用，还有“南北合套”。
“南北合套”的使用很有特色：一般情况是北曲由一个角色应唱，南曲则由几个不同的角色分唱。这几种南北曲的配合使用办法，完全从剧情出发，使音乐尽可能完美地服从戏剧内容的需要。
从南北曲本身的变化说，尚有“借宫”、“犯调”、集曲“等多种手法。原来联成一套的曲子，无论南北曲，都有属于那一宫调的曲子问题，当唱曲要求情绪显著变化时，同一宫调内的曲子不能胜任，就可借用其它宫调的合适曲子。如《牡丹亭·惊梦》，先后所用的曲牌是[山坡羊]（商调）、[山桃红]（越调）、[鲍老催]（黄钟宫）、[绵搭絮]（越调）。
在演唱技巧上，昆剧注重声音的控制，节奏速度的快慢以及咬字发音，并有“豁”、“叠”、“擞”、“嚯”等腔法的区分以及各类角色的性格唱法。音乐的板式节拍，除了南曲“赠板”将四拍子的慢曲放慢一倍外，无论南北曲，都包括通常使用的三眼板、一眼板、流水板和散板。它们在实际演唱时自有许多变化，一切服从于戏情和角色应有的情绪。
昆剧的乐器配置较为齐全，大体由管乐器、弦乐器、打击乐器三部分组成，主乐器是笛，还有笙、箫、三弦、琵琶等。由于以声若游丝的笛为主要伴奏乐器，加上赠板的广泛使用，字分头、腹、尾的吐字方式，以及它本身受吴中民歌的影响而具有的“流丽悠远”的特色，使昆剧音乐以“婉丽妩媚、一唱三叹”几百年冠绝梨园。伴奏有很多吹奏曲牌，适应不同场合，后来也被许多剧种所搬用。
昆剧的音乐属于联曲体结构，简称“曲牌体”。它所使用的曲牌大约有一千种以上，南北曲牌的来源，其中不仅有古代的歌舞音乐，唐宋时代的大曲、词调，宋代的唱赚、诸宫调，还有民歌和少数民族歌曲等。它以南曲为基础，兼用北曲套数，并以“犯调”、“借宫”、“集曲”等手法进行创作。此外，还有不少宗教歌曲。
昆剧的表演拥有一整套“载歌载舞”的严谨表演形式
昆剧表演的最大的特点是抒情性强、动作细腻，歌唱与舞蹈的身段结合得巧妙而谐和。昆剧是一种歌、舞、介、白各种表演手段相互配合的综合艺术，长期的演剧历史中形成了载歌载舞的表演特色，尤其体现在各门角色的表演身段上，其舞蹈身段大体可以分成两种：一种是说话时的辅助姿态和由手势发展起来的着重写意的舞蹈；一种是配合唱词的抒情舞蹈，既是精湛的舞蹈动作，又是表达人物性格心灵和曲辞意义的有效手段。
昆剧的戏曲舞蹈多方吸收和继承了古代民间舞蹈、宫廷舞蹈的传统，通过长期舞台演出实践，积累了丰富的说唱与舞蹈紧密结合的经验，适应叙事写景的演出场子的需要，创造出许多偏重于描写的舞蹈表演，与“戏”配合，成为故事性较强的折子戏。适应了抒情性和动作性都很强的演出场子的需要，创造出许多抒情舞蹈表演，成为许多单折抒情歌舞剧的主要表演手段。代表性剧目如《西川图·芦花荡》《精忠记·扫秦》《拜月亭·踏伞》《宝剑记·夜奔》《连环记·问探》《虎囊弹·山亭》等。
昆剧的念白也很有特点，由于昆剧是从吴中发展起来的，所以它的语音带有吴侬软语的特点。其中，丑角还有一种基于吴方言的地方白，如苏白、扬州白等，这种吴中一带的市井语言，生活气息浓厚，而且往往用的是快板式的韵白，极有特色。另外，昆剧的演唱对于字声、行腔、节奏等有极其严格的规范，形成了完整的演唱理论。
昆剧的舞台美术包括丰富的服装式样，讲究的色彩和装饰的以及脸谱使用三个方面
除了继承元明以来戏曲角色服装样式外，昆剧的有些服装和当时社会上流行的穿着很为相似。反映在戏上，武将自有各式戎装，文官亦有各样依照封建社会阶级等级不同的穿戴。脸谱用于净、丑两行。属于生、旦的极个别人物也偶然采用，如孙悟空（生）、钟无盐（旦），颜色基本用红、白、黑三色。
昆剧艺术经过多年的磨合加工，已经形成相当完善的体系，而这一体系又长期在中国戏曲中占据独尊地位，所以昆剧艺术被尊为“百戏之祖”，对整个戏曲的发展都有着深远的影响，许多地方戏都在不同程度上吸收了它的艺术养分，其中还留有部分的昆腔戏。
因为早期昆剧属于南戏系统，所以它继承了南戏的角色行当体制，同时兼收北杂剧之长，以生、旦、净、末、丑、外、贴七行为基础角色，早期作品《浣纱记》反映了昆剧初创时期的角色分行法，即除遵循南戏的七行之外，还借鉴了元杂剧的小末、小旦等设置法，更增设小生、小旦 、小末、小外、小净五行，共十二行。
明末昆剧兴盛期，明刊本《墨憨斋定本传奇》中，将原以“贴”扮老年妇女改为“老旦”，亦系吸收了元杂剧之分行法。其他角色行当基本同于昆剧初创时期。清康熙时，昆剧角色行当还基本保持了“江湖十二角色”的体制。
乾隆年间，昆剧折子戏最盛，表演艺术有了进一步提高，为刻画人物而设的角色行当体制，也有了新的突破。《扬州画舫录》中有“江湖十二角色”之说，它们是：副末、老生、正生、老外、大面、二面、三面，谓之“男角色”；老旦、正旦、小旦、贴旦，谓之“女角色”；又有打诨一人，叫做“杂”。后来在南方昆剧中演变为以小生和旦角为主要角色，因之这两门分得更为细致。小生行下分：大官生、小官生、巾生、鞋皮生（穷生）和雉尾生五类。旦行则下分：老旦、正旦、作旦（能扮演男孩子）、四旦（刺杀旦）五旦（闺门旦）和六旦（贴旦）六类。但各个昆剧支派有各自的门类。
昆剧的角色分工随着表演艺术的发展，也越来越细致。嘉、道间，昆剧角色行当，将原有的“江湖十二角色”，与后来出现更细的分工相结合，在“生、旦、净、末、丑”五大行当之下，又细分二十小行，称作“二十个家门”。
在「生」这个家门中，又分为官生、巾生、鞋皮生、雉尾生，用以表演不同的角色人物。官生一行，扮演做了官的成年男子，其中由于年龄大小、身份高低不同又分大、小官生。例如《长生殿》的唐明皇、《太白醉写》中的李白都由大官生扮演；《荆钗记》中的王十朋、《金雀记》中的潘岳都由小官生扮演。官生与巾生的表演有所不同：巾生饰演风流儒雅的年轻书生，清洒飘逸，歌唱要求真假嗓结合，假嗓成份较大，清脆悦耳；官生在表演上要洒脱大方，大官生更要富于气派，在唱法上也是真假嗓结合，但真嗓落在比巾生用真嗓时更高的音域，以洪亮为美。
旦行也细分为老旦、正旦、作旦、四旦、五旦、六旦。但实践中还有一个贴旦，共为七个家门。
正旦一般扮演身份比较贫寒的已婚女子，如《琵琶记》中的赵五娘，《金锁记》中的窦娥，《货郎担》中的张三姑等。正旦在表演上侧重朴实大方，在唱法上，咬字喷口都要有较大的力度，音色明亮、宽厚，音量也要求较大。正旦剧目颇丰富，所扮演各类人物性格均具鲜明特点，为演员提供了宽广的表演空间。
此外，净行分大面与白面，大面脸谱以红、黑二色为主，故有“七红、八黑、三和尚”之说；白面大多扮演反面人物，除眼纹外，全脸皆涂以白粉，通常又分成相貂白面、褶子白面、短衫白面等，白面有时也扮正面人物，或无所谓好坏的角色，有时也扮女角等。还有由白面行中析出的邋遢白面，除面涂白粉以外，在眼角、鼻窝等处，加上一些黑纹，故名。所扮者大多是下三流角色，又近于插科打诨式的人物。
末行又细分为老生、末、老外。昆剧老生不分文武，如《宝剑记》的林冲，《麒麟阁》的秦琼等。末脚所戴胡须也是从黑三到白满，与老生同。
丑行又分为副（又称“二面”）和丑两个家门。其区别是副的面部白块画过两边眼梢，而丑只画到眼的中部，副常穿褶子、宫衣、袍，而丑多穿短衣。
昆剧以前的南戏和元杂剧都没有这样的行当，由于“副”行的出现，昆剧把丑行的表演范围，扩大到上层社会的衣冠缙绅之中。所扮演者大多是不正派的文人、奸臣、刁吏、恶讼师、帮闲篾片之类人物，这些角色的共同特点是奸刁刻毒，表里不一，表演上多强调其冷的一面，称之为“冷水二面”。
丑行因其面部白块较副为小，也称“小花脸”，因其排列于二面之后，也称“三花脸”，所扮大多是社会地位较低或滑稽可爱的角色，如《寻亲记》的茶博士，《渔家乐》的万家春。昆剧丑脚不分文武，有时扮演武功繁重的身段戏。
丑行和二面一样，也可扮演妇女，如《风筝误》年轻的千金詹爱娟，《荆钗记》中的张姑母。丑脚也扮演反面人物，如《十五贯》的娄阿鼠。
另有一个应各种群众角色的“杂”行，是指各种剧中没有名姓的群众角色，如车夫、船夫、伞夫、衙役、太监、宫女、龙套等，通常不计为家门。
传统昆剧职业班社，一般只需十八个演员，俗称“十八顶网巾”，只有极少数大班社有二十七名演员。一般班社只要十个家门齐全，就可演出，其他角色可以由家门接近的演员来替代，这十个基本家门被称为“十大庭柱”，他们是：净、官生、巾生、老生、末、正旦、五旦、六旦、副、丑。其中最能决定演出质量的是：净、老生、官生、正旦四个家门。
昆剧的各个行当都在表演上形成自己的一套程式和技巧，这些程式化的动作语言在刻画人物性格、表达人物心理状态、渲染戏剧性和增强感染力方面，形成了昆曲完整而独特的表演体系。
昆曲在长期的演出实践中，积累了大量的上演剧目。其中有影响而又经常演出的剧目如：王世贞的《鸣凤记》，汤显祖的《牡丹亭》、《紫钗记》《邯郸记》《南柯记》，沈璟的《义侠记》等。高濂的《玉簪记》，李渔的《风筝误》，朱素臣的《十五贯》，孔尚任的《桃花扇》，洪升的《长生殿》，另外还有一些著名的折子戏，如《游园惊梦》《阳关》《三醉》《秋江》《思凡》《断桥》等。
巴黎中国戏曲节于11月16日至22日在法国巴黎塞纳河畔的蒙浮剧场举行，共有来自福建京剧院的《四郎探母》、河南豫剧团的《清风亭》、江西南昌大学赣剧研究中心的《窦娥冤》、山东吕剧团的《墙头记》、苏州昆剧团的《浮生三梦》、香港京剧团的《牡丹亭》和浙江昆剧团的《公孙子都》等多剧种、多题材的演出剧目参与角逐。最终，浙江昆剧团的《公孙子都》捧得最高奖项“塞纳大奖”。《公孙子都》是继《十五贯》以后，浙江昆剧团又一大手笔之作。此剧因荣获2006—2007年度国家舞台艺术精品工程十大精品剧目第一名和文化部第十二届“文华大奖”，而拿到了150万元高额奖金，这是迄今为止浙江对优秀剧目的最高奖励。 《公孙子都》是根据明代冯梦龙小说《东周列国志》改编而成的历史故事剧。该剧故事独特，引人入胜，通过对公孙子都不择手段、阴谋杀人直至走向毁灭的心理描绘，揭示了一念之差可成英雄，一念之差将成罪人的人生感悟，并对公孙子都这一人物所具有的人类共有的劣根性——嫉妒进行了展示和批评，具有较强的哲理性、警世性。
昆曲的舞台上一向以《牡丹亭》《长生殿》《桃花扇》等老剧为主。古老艺术要推陈出新，除了复排传统剧目外，创作昆剧新戏已成为重点。作为中国昆曲艺术保护工程重点扶持的首个新创剧目，浙江昆剧团用十年时间创作了新编历史剧《公孙子都》。其创新主要体现在两个方面：
一是主题思想深刻，开拓了昆曲在正剧上的表现力。昆曲传统剧目中为观众所熟知的多为爱情剧，《公孙子都》则是一部心理戏，讲述了春秋时期郑国讨伐许国一战中，副帅公孙子都争功心切，用暗箭射死主帅颖考叔后终日惊惶、最后身亡的故事。其以传统剧目《伐子都》为底本，跳出古人"善恶相报"的狭义是非观，着意写子都暗箭射人后的惶恐不安--"避过法诛却难避心诛"，以此鞭挞人类共有的心毒--嫉妒。主创人员表示："虽然故事发生在东周列国时期，但嫉妒是人类的'原罪'，这是人类永恒的话题，以引起现代观众的共鸣。"
二是表演上恢复昆曲的"武戏"传统，是现代昆曲"阳刚戏"的代表作。昆剧的武戏启蒙了京剧的武戏，但近代后，昆剧格局逐渐缩小变为"小生、小旦、小花脸"的"三小戏"。"《公孙子都》的突出亮点是创编了一部多年来昆剧极为少见的整本武戏。"戏曲评论家刘厚生说。扮演公孙子都的是浙江昆剧团团长、"梅花奖"得主林为林，以长靠、短打武生戏见长，有"江南一条腿"之称。该剧结尾处，穿着厚底靴的公孙子都从高处反跃前扑而下，常引得满堂喝彩。
昆曲门派主要分为南曲与北曲。南曲以苏州昆剧院与江苏昆剧院为代表，北曲以北方昆剧院为代表。
南曲与北曲虽同为昆曲但在其分离之初与后来的发展中，它们既受南北不同地域文化的影响，也受艺术家们人为的作用，而形成两种风格各异又可以互补的类型。它们最主要的差异在于：
1.音阶。在记载昆曲的工尺谱里，北曲是按七声音阶记录的，南曲则按五声音阶（不记乙、凡二字），但实际演唱中，乙、凡作为经过音、装饰音也常常出现。
2.读字。北曲遵循《中原音韵》，四声分阴（阴平）阳（阳平）上去，念字多从普通话；南曲遵循《洪武正韵》，念字多从苏州话。
3.调和韵。北曲一出戏一韵一调到底；南曲一出戏不限一调，也可以换韵。
4.词曲关系。北曲一般为“辞情多”（词位较密），“声情少”（拖腔较少）；南曲则“声情多”“辞情少”，吐出一个字来，常常要在一段腔（音乐）里上下游曳好一阵，才进入下一个字。
5.旋法特点。北曲常用四、五度及八度以上的跳进，造成旋律激越、舒朗的阳刚之气；南曲则多用五声级进，因此其旋律缠绵委婉。
6.唱法特点。北曲发声较“硬挺直截”，“以遒劲为主”；南曲讲究吞吐收放，追求声音的起伏多变。且因南曲常用入声字，其“短促即收藏”的特点，与音乐结合时就需“逢入必断”，而乐句的内在关系又是相连的，在演唱时便造成极有特色的“断中有连”。
7.演唱形式。北曲一般只用独唱这一种形式，且在一出戏里一人唱到底，其他角色只有说白，不能唱；南曲则用独唱、接唱、同唱（二人）、合唱（即齐唱）、独唱接齐唱等多种形式演唱。
8.剧目。北曲里武打剧目较多；南曲则侧重文戏。
昆曲之入选“人类口头与非物质文化遗产”，在于它是我国古典表演艺术的经典。但“成也萧何，败也萧何”，昆曲的辉煌与落败都与其特性有关。昆曲的兴盛与当时士大夫的生活情趣、艺术趣味是一脉相承的。士大夫的文化修养，为昆曲注入了独特的文化品位，他们的闲适生活和对空灵境界的追求，赋予了昆曲节奏舒缓、意境曼妙的品格，加之士大夫内心深处含有对社会对人生的哀怨、悲凉的感受，使得昆曲在音乐、唱腔上每每显示出惆怅、缠绵的情绪。而到了清乾隆时期，市民阶层崛起，舒缓、惆怅的风格显然与他们格格不入，即使士大夫们也开始务实起来，昆曲在不受市民青睐的同时，也失去了士大夫阶层这一阵地。于是，昆曲便逐渐走向衰落。到1949年新中国成立以前，全国范围内已没有一个职业昆剧团。20世纪50年代，一出《十五贯》救活一个剧种，全国随之成立了6个昆曲院团。韩世昌、白云生、顾传、朱传茗、周传瑛、俞振飞、侯永奎、北昆著名笛王田瑞亭及其女北方昆曲著名坤伶田菊林等老一辈表演艺术家及解放后培养出的李淑君、蔡正仁、计镇华、张继青、洪雪飞、汪世瑜等一批优秀演员，整理、编演了《牡丹亭》、《西厢记》、《千里送京娘》、《单刀会》、《桃花扇》等大量优秀剧目。但在今天，昆曲严格的程式化表演、缓慢的板腔体节奏、过于文雅的唱词、陈旧的故事情节，丧失了时尚性和大部分娱乐功能，离当代人的审美需求相距甚远，因而难以争得观众，演出越来越少，以至在演出市场上难觅其踪，形成了恶性循环。10年前，全国大约有800人在从事昆曲工作，号称“八百壮士”，如今只剩下600人了。全国6个昆曲剧院团创作、演出普遍陷入困境，演员培养及艺术创作均无力投入。自田家被迫离开北昆后其独有家传秘本《双占魁》、全本《荷珠配》、《白娘子》，就此失传，也是北方昆曲的一巨大损失。
有人主张，昆曲应作为博物馆艺术，只求保存，不用发展，此说遭到昆曲工作者和有识之士的反对，也有悖于联合国教科文组织评选人类口头与非物质文化遗产的初衷――保证这些杰出文化的生存，而不是遏制它们未来的发展。但是，昆曲确实面临着困境：人才的流失，使得胜任昆曲创作的人员寥寥无几；而要革新昆曲，又面临两难的境地――不对昆曲作较大的改变，就无法缩小昆曲与时代的距离；倘若作大的改变，昆曲就失去特性而不成其为昆曲了。
各国列入此次口头文化遗产的艺术，大都处境艰难，濒临绝灭，这说明全球都面临着如何保护优秀传统文化的问题。对昆曲而言，要走出困境，绝非一蹴而就，除了靠昆曲自身的艺术力量及昆曲工作者的敬业精神和积极性外，还必须有相应的政策保证和切实可行的得力措施。为此，文化部今年6月召集了全国昆剧院团长及剧团所在地的领导会议，商讨发展昆曲大计，并正在制定《保护和抢救昆曲十年规划》。一些专家还呼吁，建立“保护振兴中国昆曲艺术专项资金”，加大经费投入力度。
专家认为，昆曲目前当务之急是抢救现有剧目和文献资料，首先要对全国中老年艺术家的拿手剧目进行录音录像，对珍贵的昆曲文献、演出脚本、曲谱和图片进行搜集整理。昆曲演出可以从老戏中讨生活，剧目应以继承、整理为主，如上海昆剧团近两年排演的《牡丹亭》，将汤显祖原作删减为上中下三本，配以现代化的舞台处理，既保持原作特色，又符合当今审美，收到了很好的市场效果。
文化部计划10年间在北京和上海建立两个昆曲演员培训中心，为全国昆剧院团输送表演人才。昆曲剧院团长们则希望集中全国优秀师资，在中国戏曲学院等院举办昆曲演员、编剧、导演、作曲和管理人员研修班。
昆曲因其特性不可能在当今大红大紫，亦无法恢复往日的辉煌，但作为中华文化的瑰宝，作为世界遗产，我们有责任不让她自生自灭!

❽ 巴城镇的特色文化

一只蟹
“阳澄湖美，巴城蟹肥”，是巴城的标志口号，阳澄湖风光旖旎景色秀丽，给巴城提供了优越的生态环境，清丽的水质养育的大闸蟹，是人间美食，每到金秋十月，巴城人熙熙攘攘皆为蟹忙，游客们车水马龙也为蟹忙。
大闸蟹给巴城带来了无限商机，巴城政府适时推出了一年一度的蟹文化节，接待四方来宾，广交天下朋友，以蟹会友、以蟹兴文，以蟹招商、以蟹兴镇为理念，成为江南水乡仅此一家的文化盛会。古人咏蟹、今人写蟹和渔民养蟹、捕蟹以及游人买蟹、食蟹，成为巴城独有的民俗风景线。
一支笔
走进巴城，翰墨飘香，是全国闻名的书法之乡。清初有“吴中四大家”之一的徐昂发，近代有扏教沪上的李肖白，书法家厉国香、篆刻家单孝天皆出其门。
2004年成立巴城书法协会 ，会员达100多人，其中有国家级4人，还有台湾、日本荣誉会员20余人，有的书法作品被选为国礼，国家领导人出访时赠送给外国元首。在此期间，巴城承办过好几次全国性大型书法活动，被称为巴城“一枝笔”。
一枝花
昆曲是联合国教科文组织第一批命名的“人类口述和非物质文化遗产代表作”名录。 昆曲姓昆，源头在巴城，继而走出农村，发展在城市，辉煌于宫廷。通过数百年兴衰，成为一门精深博大的学科，本书设置“昆曲源头”一栏，介绍了从黄幡绰传下的歌调到顾阿瑛“草堂雅集”形成的昆山腔，作为昆曲的缘起；明代巴城人梁辰鱼用魏良辅的“水磨腔”填词，创作了昆剧《浣纱记》 ，使昆曲走上舞台，从此脱颖而出，成为百戏之祖。
所以，昆曲的百年辉煌，根在巴城，巴城是昆曲的故乡。2000年，石牌中心小学率先建立“小梅花艺术团”，培养昆曲新蕾，继而正仪、巴城纷纷效仿。十多年来，不少人已走上全国舞台，成为当家“生”、“旦”的昆曲新秀和影视新星，“小梅花”也被誉为名满遐迩的“一枝花”，成为巴城文化的亮点。
一处遗址
巴城的史前文化遗存主要有绰墩遗址、黄泥山遗址、龙潭湖遗址、勤丰遗址和最近发现的娄江南岸的朱墓墩等。其中以绰墩遗址最完整，最具代表性，所以在2006年被命名为全国重点文物保护单位。
史前文化分马家浜文化、崧译文化、良渚文化和马桥文化四个时期，考古发掘有一个形象的比喻，地下的史前遗存像一本厚重的书，历史文化堆积就像书页，时间近的书页压在了时间远的上方。考古工作就是翻动这本书，顺序是从上而下，从上面向下读。绰墩遗址就是这样本书，考古单位从1998年秋天开始到2004年冬天为止，对遗址进行了从上到下的发掘，使史前四个文化层次清晰地呈现于世。

❾ 昆曲《牡丹亭》描写的是什么样的故事

《牡丹亭》故事讲述的是南安太守杜宝的女儿杜丽娘，才貌双全，跟着回老师陈最良学习书答画。有一天，她梦中见一书生手拿半枝垂柳前来求爱，两人在牡丹亭畔幽会。从此，杜丽娘一病不起。

杜丽娘在弥留之际，要求母亲把她葬在花园的梅树下，嘱咐丫环春香将自己的自画像藏在太湖石底。随后，杜丽娘的父亲升任淮阳安抚使，委托陈最良为杜丽娘修建了梅花庵观。

三年后，穷书生柳梦梅借宿梅花庵观，他在太湖石下捡到了杜丽娘的自画像。于是，杜丽娘魂游后园，和柳梦梅开始幽会。柳梦梅掘墓开棺，杜丽娘起死回生，两人结为夫妻，前往临安。

杜丽娘的老师陈最良看到杜丽娘的坟墓被发掘，就告发柳梦梅盗墓之罪，柳梦梅被杜宝囚禁。高考发榜后，柳梦梅由阶下囚一变而为状元，杜丽娘和柳梦梅二人终成眷属。

《牡丹亭》在思想和艺术方面都达到了当时创作的最高水准，杜丽娘与柳梦梅的爱情故事体现了青年男女对自由爱情生活的追求，显示了青年男女要求个性解放的思想倾向。剧本推出之时，演出盛况一举超过了另一部古代爱情戏剧《西厢记》。

❿ 昆曲牡丹亭音乐赏析

“来闲庭院，摇漾春如线，”这是杜丽娘第一次踏进自家后花园时，看到眼前的“好天气”而叹出的一句词，唱腔婉转动人、曼 从结构上看，《惊梦》这出戏它可分为“游园”和“惊梦”两部分；就内容而言，主要写女主人公杜丽娘的青春觉醒，梦里钟情，是她反抗和追求的叛逆之路的开始，文采飞扬，历来为人们所传诵。妙悠然，“烂漫春光下，步步美人归，”写杜丽娘游园前对镜梳妆时的内心活动。这支曲子是在杜丽娘赞叹“好天气也”的念白之后起唱的，所以从春光，春意落笔。“袅晴丝吹来闲庭院，摇漾春如线。”是写大地回春以后，各种冬眠的昆虫都苏醒了，纷纷吐丝活动，这些虫丝是很细的，只有在风和日丽的时候才能见到。“袅晴丝”就是指这种摇曵、飘忽的春游丝，也吹进了这冷落的庭院。作者不写桃柳蜂蝶，唯独选取了纤细的游丝，此中大有新意妙理。一、这样写完全是从规定情景出发，它不是主观随意性的产物。所以在小庭深院中的女主人公难以直接看到姹紫嫣红的春色，在这里只能从晴丝上体味到一点可怜的春光。二、这样写与人物身份、性格相吻合，杜丽娘是一位过着闲适而愁闷的深闺人物，她是个对春天十分“关情”的妙龄少女，唯其这样，才会有此细心而专注的观察。游丝是很细的，不是心细专注的人是很难发现的。所以说这两句同人物身份性格相吻合。三、这样写体现出人物微妙心绪的理想物化形态，“晴”与“情”、“丝”与“思”谐音，所以“晴丝”语意双关。它即指晴空里的游丝，又是女主人公心中缠绵飘忽的情丝。无论是“游丝”还是这种“情思”，它都是这般纤细朦胧，都是那样的难以捉摸。春风将轻软的游丝吹进幽深庭院的景象，也可以看作是春光打开了丽娘闭锁的心扉，被萌生的情思逐渐摧开的那种心理写照。作者描绘的既是游丝袅袅的春景，也是情思缠绵的春情。情与景，物与我，虚与实结合的非常巧妙，真称得上是体察入微。