梅花写实油画

❶ 油画怎么画梅花

1，充分了解梅花的外形及结构，包括各个生长时期的特点。
2，如果是比较薄的版色彩，注权意细微的色彩变化。
3，也可以用比较厚的色彩堆起来，这样更有立体感。
4，也要注意枝干及背景的处理。
5，或者借鉴一下国画梅花的画法或构图，也许会有特别的效果。

❷ 高考艺术类重点院校有哪些

一、九大美术学院中最好的专业
中央美术学院：油画(国内第一)、中国画、版画、美术学、动画、平面、雕塑、建筑学(国内唯一一所通过建筑学评估的美术院校，可授予工学学位)
中国美术学院：中国画(国内第一)、书法、油画、版画、雕塑、媒体设计、综合绘画、环艺、平面、服装、建筑学(美术类)、美术学、动画
清华大学美术学院：环艺(国内第一)、工业、平面、服装、动画、油画、中国画、雕塑
四川美术学院：油画、版画、中国画、水彩、雕塑、平面
广州美术学院：油画、水彩、平面、环艺、建筑学(美术类)、服装
西安美术学院：中国画(花鸟国内第一)、油画、雕塑、美术学、建筑学(美术类)、动画
天津美术学院：中国画(工笔国内第一)、版画、油画
鲁迅美术学院：油画(写实国内第一)、雕塑、版画
湖北美术学院：版画、水彩

二、美术类本科专业前5名美术院校(大学)
油画： 中央美术学院、 中国美术学院、 四川美术学院、 清华大学美术学院、 广州美术学院
中国画： 中央美术学院、 中国美术学院、 西安美术学院、 天津美术学院、 四川美术学院
版画： 中央美术学院、 中国美术学院、 鲁迅美术学院、 四川美术学院、 天津美术学院
雕塑： 中央美术学院、 中国美术学院、 清华大学美术学院、 四川美术学院、 西安美术学院
平面(视觉传达)： 清华大学美术学院、 中央美术学院、 江南大学、 广州美术学院、 中国美术学院
环境艺术设计： 清华大学美术学院、 北京林业大学、 江南大学、 广州美术学院、 中国美术学院
建筑学(美术类)： 中央美术学院、 中国美术学院、 山东工艺美术学院、 广州美术学院、 四川美术学院
工业设计： 清华大学美术学院、 江南大学、 中央美术学院、 广州美术学院、 北京工业大学
动画： 北京电影学院、 中国传媒大学、 中国美术学院、 中国戏曲学院、 吉林动画学院
美术学： 中央美术学院、 中国美术学院、 南京艺术学院、 首都师范大学、 南京师范大学
服装设计： 清华大学美术学院、 东华大学、 北京服装学院、 浙江理工大学、 武汉纺织大学
备注说明一：北京林业大学1953年建校，园林设计专业国内第一!其环艺专业也是北林美术类特色专业，更是教育部直属“211工程”的一本重点大学。从知名度与就业率非常值得报考。
备注说明二：江南大学，1958年建校，俗称"小清华"!其工业设计与平面设计专业与清华大学美术学院齐名!更是教育部直属“211工程”的一本重点大学。从知名度与就业率非常值得报考。
备注说明三：北京工业大学1958年建校，是继清华大学美术学院之后的北京老牌工艺美术院校，更是教育部直属“211工程”的一本重点大学。从知名度与就业率非常值得报考。

三、知名美术院校(大学)
北京： 中央美术学院、 清华大学美术学院、 北京电影学院、 中国传媒大学、 北京林业大学、 北京印刷学院
天津： 天津美术学院、 天津工业大学
河北： 河北师范大学、 燕山大学
山西： 太原理工大学、 山西大学
内蒙古： 内蒙古师范大学、 内蒙古大学
上海： 东华大学、 上海大学
江苏： 南京艺术学院、 江南大学、 苏州大学
浙江： 中国美术学院、 浙江理工大学
山东： 山东工艺美术学院、 山东艺术学院
福建： 福州大学、 厦门大学
四川： 四川音乐学院、 四川大学
重庆： 四川美术学院、 西南大学、 重庆大学
云南： 云南艺术学院
贵州： 贵州大学、 贵州师范大学
西藏： 西藏大学
陕西： 西安美术学院、 陕西师范大学
甘肃： 西北师范大学、 兰州大学
新疆： 新疆艺术学院
宁夏： 宁夏大学
青海： 青海大学
湖南： 湖南师范大学、 湖南大学
湖北： 湖北美术学院、 华中师范大学、 武汉理工大学
安徽： 安徽大学、 安徽师范大学
江西： 景德镇陶瓷学院、 江西师范大学
河南： 河南大学、 郑州轻工业学院
辽宁： 鲁迅美术学院、 大连工业大学
吉林： 吉林艺术学院、 东北师范大学
黑龙江： 哈尔滨工业大学、 哈尔滨师范大学
广东： 广州美术学院、 华南师范大学
广西： 广西艺术学院、 广西师范大学
海南： 海南大学、 海南师范大学
备注说明：中央戏剧学院、 中国戏曲学院、 北京舞蹈学院、 上海戏剧学院等院校因为美术类招生人数非常少，所以不在其中，但其知名度依旧很高。

四、知名设计院校(大学)
北京名校： 北京林业大学(环艺)、 北京工业大学(工业)、 北京印刷学院(平面)、 北京服装学院(服装)
其他省市： 山东工艺美术学院、 南京艺术学院、 景德镇陶瓷学院、 江南大学、 东华大学、 苏州大学、 天津工业大学、 天津科技大学、 浙江理工大学、 湖南工业大学、 哈尔滨工业大学、 吉林大学、 大连工业大学、 东南大学、 浙江大学、 厦门大学、 武汉理工大学、湖北工业大学、 武汉纺织大学、 湖南大学、 中南大学、 陕西科技大学、 西安工程大学、 西安建筑科技大学、 华南理工大学、 西南交通大学、 重庆大学、 天津大学、 南开大学、 同济大学、 上海交通大学等。
备注说明：北京服装学院 的服装设计与模特表演专业很有名，但是北服的绘画类与其他美术设计专业相对较弱!虽然与北京印刷学院同属于市属二本普通院校，但是从学校历史渊源、特色专业及美术类专业的重视程度上，北京印刷学院 的美术设计专业更值得报考，就业面更加广泛。

五、知名戏剧影视、数字媒体院校院校(大学)
戏剧影视美术设计： 中国传媒大学、 北京电影学院、 中央戏剧学院、 中国戏曲学院、 北京舞蹈学院、 上海戏剧学院、 沈阳音乐学院、 四川音乐学院、 解放军艺术学院、 四川美术学院、 西安美术学院、 山东工艺美术学院、 广西艺术学院、 云南艺术学院等。
数字媒体艺术： 中国传媒大学、 北京师范大学、 北京航空航天大学、 南京艺术学院、 北京邮电大学、 中国人民大学、 北京交通大学、 北京科技大学、 山东工艺美术学院、 吉林艺术学院、 东华大学、 北京服装学院、 上海视觉艺术学院

六、知名动画院校(大学)
中国传媒大学、 北京电影学院、 中国美术学院、 浙江大学、 浙江传媒学院、 西安美术学院、 吉林动画学院

七、知名服装院校(大学)
清华大学美术学院、 北京服装学院、 中国美术学院、 东华大学、 浙江理工大学、 大连工业大学、 苏州大学、 四川美术学院、 天津工业大学、 武汉纺织大学

八、教育部确定的31所独立设置的本科艺术院校
本类院校大多只承认校考成绩。
中央美术学院 中国美术学院 鲁迅美术学院 广州美术学院 天津美术学院 四川美术学院 湖北美术学院 西安美术学院 中央戏剧学院、中国戏曲学院、 上海戏剧学院、 北京电影学院、 北京舞蹈学院、 南京艺术学院 吉林艺术学院、 山东艺术学院、 广西艺术学院、 云南艺术学院、 新疆艺术学院、 四川音乐学院 沈阳音乐学院、 景德镇陶瓷学院 解放军艺术学院 山东工艺美术学院
(以上院校都有招收美术生)中央音乐学院无美术、中国音乐学院无美术、上海音乐学院无美术、武汉音乐学院无美术、星海音乐学院无美术、西安音乐学院无美术、天津音乐学院无美术

九、教育部批准参照31所独立设置本科艺术院校的13所招生高校名单
清华大学、 中国传媒大学、 中央民族大学、 东华大学、 江南大学 北京服装学院、 天津工业大学、 上海视觉艺术学院 北京印刷学院(仅限艺术设计本科专业) 苏州大学(仅限艺术设计本科专业) 浙江理工大学(仅限艺术设计本科专业) 内蒙古大学(仅限音乐表演、表演、音乐学等3个本科专业) 浙江传媒学院(仅限播音与主持艺术、广播电视编导、摄影、录音艺术等4个本科专业)。

❸ 怎么样在不伤衣服的同时，去除衣服上的油渍。

嘿嘿告诉你一个好办法 用洗洁精在衣服干的时候 在有油的地方涂抹一些 然后多搓搓 别加水哦 大多数都能洗掉的 我妈就常常用这个办法

❹ 小学生表达对美术作品感受与理解的的方式有哪些

美术课程的总目标其中指出：让学生掌握欣赏与评述的方法，了解基本美术语言的表达方式和方法，形成基本的美术素养，陶冶情操，完善人格。并把“欣赏·评述”列为美术四个学习领域之一。可见它的重要性。而要陶冶情操，完善人格，实现情感态度与价值观，掌握欣赏与评述的方法，了解基本的美术语言，形成基本的美术素养，则必须通过欣赏、评价优秀的美术作品来完成。欣赏，作为美术学习活动的四个领域之一，无论是以美术欣赏教学的形式出现，还是作为美术教学过程中的一个基本环节。它贯穿于美术教学的始终，也是众多的美术教师在教学过程中难以把握的一个问题。我们往往在欣赏的过程中，不知如何去欣赏评价、审视艺术作品，甚至不知如何去指导教学。因为，它需要教师具有较高的艺术修养和文化底蕴。尤其是，当学生作品展示时，教师如何去引导学生欣赏、评价其作品，就此，本人围绕教学谈谈自己的一点看法。
首先我们有必要了解一下什么是欣赏、评价。然后，再去谈如何去引导学生欣赏、评价其作品。

1、欣赏：

欣赏，从文学艺术的角度来说，本意就是享受美好的事物，领略其中的趣味。它是欣赏者对客观纯在的美的一种主观感受。是审美主体对客观事物的美的属性的一种认识与反映及对美所作出的一种评定和判断。无论是自然美、社会美、还是工艺美，都是欣赏者对客观事物的“美”进行感受、体验、领悟，从而获得由浅入深、情景交融的审美把握，并引起感情上的激动、满足和精神上的享受。

欣赏，在其过程当中，欣赏者首先是采取肯定和赞赏的态度去面对艺术作品的。对作品的部分东西很少做出评价。如：有人说，我很欣赏西方现代派美术。这就意味着，他对西方现代派美术的充分肯定与赞赏。就象我们现实生活中，有人说，我很欣赏你的为人，我很欣赏你的服饰，我很欣赏你的气质，我很欣赏这种色彩等等。都是认为好、持有喜欢、肯定的态度的去欣赏。

2、 评价：

评价：就是评定某种事物“价值”的高低。从文学艺术的角度来说，就是指评价者从一定的立场和观点出发，对艺术作品和艺术家的成就得失、是非功过作出判断和评定。是指对作品的特点、质量、意义等等做出全面的评价，具有鉴赏的意思。也叫艺术批评、艺术评论。

比如，我们要评价一下西方现代派美术，首先，就意味着我们对这一流派持有不肯定和不赞赏的态度。只有通过对这一流派的艺术主张，及其对作品中所体现的思想内容、艺术技巧等方面，进行认真、全面、细致的分析、研究与鉴赏后，才能下结论。才能决定对这一流派的美术作品是采取肯定、赞赏，还是采取分析、批判，甚至否定的态度。只有分析了解后，才能作出正确的评定。它与欣赏有情绪、观点上的区别。因为，任何一件艺术作品，都是由形式和内容两部分构成的，它是内容和形式的完美统一。所以，评价作品的标准就有两个。一个是艺术的（专业的、形式的），一个是思想内容（内在的、主题思想）。

因此，可以说，欣赏是评价的基础，评价是通过欣赏的过程来实现的。评价可以促进欣赏。二者既有区别，又有联系，和谐统一。

一、那么，如何欣赏美术作品？

我们知道，任何一件美术作品，它都是形式和内容的完美统一。因此，我们要欣赏一件作品，首先就得从形式和内容上去欣赏。而当我们面对一件作品，首先映入我们视觉感官上的可以直接感知到的就是作品形式上的美。因此，我们在欣赏作品时，应该先欣赏作品的形式美，然后再去欣赏作品的内容美。

1、 作品形式：

我们知道，任何一件美术作品的内容，都必须通过一定的组织结构和表现手段（用某种语言来说话）表现出来，才能成为可供欣赏的具体的艺术作品。因此，用来表现作品内容的组织结构与表现手段的总和，就是作品的形式。结构和语言便成了作品形式的基本要素。

（1）结构：

“结构”，是指作品的内部构造。它是指作者按照主题思想的要求，来经营创作所用的生活资料。换句话说，它是指作者在从事创作的过程中所设计的一个蓝图。即创作前的构思。你要画什么，怎么画，采用什么形式，利用什么方法、手段。为什么这样画，这么画，表达自己怎样的思想情感，想通过作品歌颂什么？鞭挞什么？包括造型、布局和设想等等。而结构的基本环节是剪裁和布局。剪裁，是构成形象和意境的第一个环节。如，画梅花：“触目横斜千万朵，赏心只有两三枝”。即删繁取简，熔炼精华。布局，即构图，“经营位置”（大家都知道，这里我们就不谈了）。

所以说，结构，是表现作品主题思想的一个重要的手段和因素，作者只有通过好的结构，把一系列的生活资料和体验以及感受和想法等，合理的布局，才能充分的表现主题思想。如绘画，它的结构，就是通过优美的线条，生动准确的造型，丰富的色彩，奇异的材料，巧妙的构思和新颖别致的构图等构成的表现形式，来表达作者的美好创意。

（2）语言：

“语言”，新课标要求——让学生掌握基础的“美术语言”。
强调了“语言”在美术学科的重要性。我们要用美术语言，通过作品来传达观念和情感。所以语言非常的重要。

“
美术语言”：
就是指造型艺术中最基本的构成因素。如点、线、形状、色彩、结构、明暗、空间、材质、肌理等。以及将这些造型元素组合成一件完整的作品的基本原理。如多样统一、比例、对称、平衡、节奏、对比、和谐等。

也可以说，美术语言它是一种不同于文学语言符号的特殊语言。它是视觉符号。它具有一定的象征性。例如，文学作品中的语言，一个字，一个词都是一个记号。它们有着各自相对独立的意义。如鸟、语、花、香，每个字都是一个符号，每个字都有它独立的意义。如果再把它们按语法的关系将它们组合起来——“鸟语花香”一词，则更具有现实主义了。

而孤立的美术语言：如线条、明暗、色彩等，它们各自独立都不代表任何主义，只有当它们按照造型的法则去构造一种全新的创造物的时候，也就是说，只有把它们结合到一个整体的新的形象之中去，它们才有表现某种主义的作用。比如：有几个孤立的符号“○”（圆)“（”弧，“└”折线。它们各自独立时没有任何主义，当将它们组合成新的形象“苹果”时，则具有了实在主义了。（再如几个四边形构成一个房子等）

由此可以看出，“语言”，它在文艺作品中，具有一定的生动性和形象性。这种视觉语言或视觉符号，也具有一定的象征意义和艺术内涵。如绘画，它主要是用线条和色彩作为物质手段来表现空间事物的。其中“线条”（语言），它具有寄托和浓缩情感意识的无限空间。它是表现物质世界和情感世界的一种最完美的语言和手段，尤其是意笔线条，更具有无穷的包容量。线条的横竖、曲斜、刚柔、长短、疏密、方圆、粗细、波磔、轻重、阴阳、虚实、明暗、浓淡、动静、滑涩等等。线条的随机变换，审势赋形，含情达意，可以表现宇宙空间之万物。例如：卫夫人在《笔阵图》中从书法艺术的角度论述：“横如千里阵云，竖如万岁枯藤”。也就是说，一根横划，它所描绘的意会，可以让人联想到千里之遥的风云变幻，气势宏伟。一竖之中，可以表达出漫长的岁月和苍老的容颜，道出了人生历程的雪雨风霜和酸甜苦辣。此时，线条已充满了生命的活力，给人以智慧和启迪。“戈如百钧怒发”、“撇如陆断犀象”、“捺如崩浪雷奔”、“折如劲弩筋节”。

可见，这种线条的转折变化，既有它的力量感和重量感，而且运动、情态、气势、刚柔等都能充分的体现出来。这种线条是何等的表现力和想象力。这里，线条已富有旺盛的生命力。
如：横线的变幻，竖线的高矗，曲线的蠕动，斜线的滑坡，细线的瘦弱，折线的刚硬，圆线的丰满，短线的跳动，转线的回环，方线的力度，粗线的健壮，涩线的苍老等等，这些线条，它都有一定的抽象内涵显示出来，具有一定的象征性，这也正是我国五千年意象内涵深处的一种独特的思维活动和独有的线意识的神妙之处。（也是所谓的线条语言）

那么色彩也有它的象征性语言：

如红色（暖色），能给人以热烈奔放，令人振奋及温和的感受，它象征热情、喜庆、幸福、吉祥、浪漫。

蓝色（冷色），则传递一种忧郁和悲哀的情绪。给人以清凉寒冷的感觉，又有忠诚、安全、宁静的感觉（蓝天白云、碧海蓝天、月光蓝天等）。因为它是天空的色彩，所以它象征和平、安静、纯洁、理智。另一方面，它又有消极、冷淡、保守的意味。

黄色（暖色），具有快乐、希望、智慧和轻快的个性，给人以生命力，具有朝气，因为它是阳光的色彩，所以它象征着光明、希望、高贵、愉快。但是，浅黄表示柔弱，灰黄表示病态。

绿色：中性色，它自然、稳定、成长、忌妒。因为它是植物色彩，所以它象征平静与安全、自然、希望、生命和环保。等等，这里我就不一一的说了。

可以说，“色彩”（语言），它也可以传达人的思想和情感。不同的色彩及其完美组合，会使人感受到色彩那奇异的奥妙和迷人的旋律。或明快与忧郁，或兴奋与平静。不同色彩给人以不同的感觉和它的象征意义。面对丰富多彩的世界，画者通过对不同色彩的感受，把自己的情感和富有诗意的想象力、创造力，一起融入自己的绘画创作当中，使色彩与画者的情感交融在一起，放射出奇异的光彩。

谈到关于色彩的情感表现，我们不得不提起一个人，那就是荷兰画家凡高，凡高，他是被誉为人类给画使上最富典型的运用全部生命来倾注色彩感情的本质的画家。他以一种扭曲、旋转和极富运动笔触、在画面上堆积厚重而放大的色彩，每一笔触的排列，都在抒发他那内心的强烈激情。明确的显示了色彩自身的情感力量。给人留下了难以磨灭的生命情感印象。因此可以说，一切文艺作品的语言，它都包含着作者的情感。没有情感，作品就不能打动人，也就不能引起读者在感情上的激动。

再如，罗中立的油画《父亲》，虽然整个作品是现实主义的，但是，为了达到细节的真实性，作者采用了这种极度写实的油画造形语言，活生生地再现了那个时代，我国农村千千万万个“父亲”的典型形象。他那黝黑的皮肤、纵横深刻的皱纹、由于干渴而微启的嘴唇里仅存的几颗牙齿、额头上到处沁出的点滴汗珠、老树皮似的手和由于长期磨损而变形、变了色的指甲、受伤的手指、粗瓷劣质的大碗和对襟布褂、以及从头顶直射下来的正午强光……这些精细入微的色彩造型语言，所“倾诉”的内容，是无比丰富的。它们不仅“说”出了我们农民“父亲”几十年来的生活和目前状况，也强烈地抒发着作者内心的呼声，一定要加速现代化的步伐，要改善人民生活……这其中的深沉的思绪和复杂的感情，决不是文字语言所能穷尽的。

以上，我们对美术作品的形式（结构、语言）有了初步的了解，那作品的内容又是什么呢？

2、作品内容：

就文学艺术而言，既然艺术作品是社会生活在艺术家头脑中反映的产物，那么，艺术作品，它就必然包含着艺术家对社会生活观点和艺术家本身的思想感情两个方面的因素。也就是说，它一方面反映的是客观现实生活的某种因素，另一方面，它也反映了艺术家对他所反映的现实生活的独特感受、感动、理解、评价、和理想，甚至幻想等主观的因素。因此，艺术作品是主、客观因素结合的产物。这样，题材和主题便是构成艺术作品内容的基本因素。所以，内容，它是事物内在的各种要素的总和。

（1）题材：
题材，是作者在观察生活中所选择出来的，并通过加工、提炼后，用来表达作者主题思想的生活材料。一般来说是指作品里所描绘的人物、事物和环境等等。比如，我要画鹰，我们首先就得收集、了解有关鹰的各个方面的知识和资料。如鹰的种类、形态、结构、色彩、生活习性、生存环境，以及人与鹰——人与动物——人与自然的关系等人文精神。然后再决定去表现它，经过意念加工，从鹰的动态、神情和气质等方面去设计与刻画它，这样，才能创作出物与我合的感人作品来。（再如：画花鸟、人物、山水等等。）

（2）主题：
主题，又叫主题思想或中心思想。它是作品的全部思想，是作品的灵魂。是作者在生活实践中根据自己对生活的感受和认识，通过对题材的确定、加工、提炼而表现出来的。（所有的形式、方法、手段等都是为了突出表现主题而服务的。）

这里我们提到的作品的“主题”和作品的“标题“是不一样的。尽管有些作品的标题近似主题，但仍不是主题。如一幅以画“鹰”为题材的作品，其标题为《雄风》，若从标题上看，要表现这一标题的题材很多，可以画马、虎、狮子、公鸡等等，而作者取材“鹰”，选择“雄风”这一标题，其作者是想通过作品《雄风》来表达自己对鹰的认识与感受，使人看到它，便可以领略到雄鹰那种雄浑博大之气概，壮志凌云之胸怀，神勇无谓之气度，叱咤风云、搏击海天之风采。从而给人以震撼，给人以激励和无形的力量。也是作者通过作品所要传达的真挚情感。这才真正是作品的主题。从而使我们真正的体味到，人与动物、人与自然容为一体，形成物与我合的最高境界。

总之，我们要欣赏一幅作品，先是欣赏作品的形式美：如线条、造型、色彩、构图、构思、技法、空间和材质等。之后欣赏作品的内容美（内容美主要是作品的主题、意境。意境：是艺术家在生活中产生的一种感情，一种对美的理解和认识。在感情和认识的基础上，提炼、概括、升华而成的。所以说，意为情的升华，情为意的基础。比如，当我们欣赏一幅画，有时为其内涵的艺术魅力所吸引，并与画中的意趣、主观思想相融合，为其画外之意所陶冶、感染。从而达到情景交融、物与我合的一种诗的境界。比方说，我们看影视片，有时会被某段剧情、或某种场面所感动，以至于忘了自己，好象发生在自己身上一样，禁不住潸然泪下，控制不住自己。这就是意境的作用。所以说，一幅画
，它不是事物外在形象的单纯描写，而是把作者感受到的美和富有感染力的情思，通过富有意境的画面传达给观众，使观众领略会心。）

二、如何引导学生欣赏、评价其作品？

1． 就教学而言——评价的方式（多元化）：

（1）、自评：

★教师可以引导学生用语言表达的方式，来评述自己作品的创意以及表达自己作品创意的方式、方法等。

★教师也可以让每位学生把自己的设计意图和感想记录在画面外的地方。

★也可以用表格或问卷的形式让学生谈自己的感受。

（2）、互评：

★教师可以引导学生与同桌自由欣赏，直接用语言表达、评述其作品。

★也可以让学生交换作业，用写评语的方式互相评价，

★也可以将学生的作品全部展示，让学生谈自己喜欢的作品及其理由。

★还可以小组讨论，推选最优秀的作品。

（3）、教师评价：

★当学生在自评或互评的过程中，教师或其他学生也可以给其提出意见，帮助其完善作品及其想象。

★教师在评价学生的作品时，要善于发现每位学生作品的闪光点，要把学生的任何绘画痕迹都看作其情感运动的轨迹。因为，儿童绘画，它充满着孩子们的稚拙、天真、浪漫、想象、创造和纯朴的个性情感。他们以其欢乐、自由、独特的方式和无规则的线条、图形及色彩所构成的画面，来表达自己内心的美好世界。诉说着自己的情怀。所以，我们要尊重孩子们的个性，无论他们画什么都要视为其情感的流露，甚至乱糟糟的线条或图象等，都视为学生内心活动的真实表现，并加以渲染。尊重学生的审美感受、自身的生活经验、以及他们对周围环境的兴趣、爱好和理解等等，以此来增强学生的自信心，形成良好的个性，促进学生的身心发展。我们要支持
孩子们的原形态创作。以此保留儿童绘画的原生状态。（如：我国提倡保护非物质文化遗产。我们大家也看到了，央视第二届青年歌手电视大奖赛一个热门的亮点——就是“原声态”唱法。它强调的就是原始的、原滋原味的、民族的、不加修饰的味道。）

★教师可以把学生的作品收上来，课后统一批阅。

★也可以让学生把作品带回家，让其家长写评语。

另外，由于美术学科本身在艺术体认上的复杂性，定性分析相对比较普遍，所以，从美术学习习惯上看，往往以定性评价为主，而定性评价，多半又是评价主体（无论是学生还是教师）自身的意见。（我说他好就是好，说他不好就不好。多半是评价主题自己的主观意见。带有很大的片面性和倾向性。）
因此，我们现在提倡“质性评价”，它更能强调学生在美术学习活动中，要求评价的主、客体之间，相互交流、协商，使评价结果最大限度的被双方共同认可。
所以，我们在评赏学生作品时，有必要增加艺术批评的手法，让学生以更加主动的姿态，去评判审视其作品，并设想改变作品的某个部分，并融入自己的情感，使学生在欣赏他人作品的同时，仍保持自己独立思考的态度和能力。

（4）、可以将每次评赏出来的优秀作品，参加校内外的主题展览，或装订成册等，去扩大评价的视域。使学生的作品不仅是在班上，而且要在年级或学校，甚至走向社会等等，来拓宽视域，培养学生的自信心。

2．从整个欣赏评价美术作品的过程来看：

（1）、因为任何一件美术作品它都是形式和内容的完美统一，所以教师要引导学生通过感官可感受到的，用自己的语言简单地对作品的形式进行描述。
包括：探讨作品的材质、技法及其特征。还有色彩、线条、形状，及构成的原理（或美的原理）和作品的个性风格等。也可以引导学生分析一下美术作品的形式语言。包括构图精美、色彩鲜艳、线条流畅、材料丰富，肌理自然等等。

（2）、引导学生对美术作品的主题、意义进行探讨，探讨作品里所传达的感情、心情、主题、意义、观念和思想。
例如：你喜欢哪件作品、作品里都表现了什么，从作品中你联想到了什么，作品是用什么工具材料表现的，是怎么表现的，为什么要这么表现，作品的设计风格是什么，设计的功能是什么等等。通过教师一系列的引导学生想象、发散思维等活动，来陶冶情操，提高审美。
不过，我们都知道，中国有句俗语叫“仁者见仁，智者见智”就是说，人们的心理状态对客观事物的反映，是有所差异的。并不象镜子一样，映照的物体都相同，由于每个人的素养不同、意识不同，世界观不同、层次不同，心态不同、生活的角度不同，以及偏爱不同等等，因此，他们的视觉心理，必然有所不同。比如，农夫看月亮，说它象镰刀；船夫看月亮，说它象船；而武将看月亮，说它象弓；同样一种物象，看法不同，联想也就不同。这也正是人们在长期的生活实践中，所形成的个性。同时也说明，知识含量的不同，会影响你对客观事物的认识，产生不同的思维逻辑。
由于每个学生的阅历、层次、生活等诸多方面的情况不一，因此，教师在引导学生欣赏、感悟学生作品时，要以人为本，承认和尊重个性差异，尊重学生的独特想象，多给学生以鼓励，爱护和扶持学生，帮助学生在美术学习过程中，学会自主掌握方法，唤醒自我表现意识，培养自主能力。
我们在引导学生进行的欣赏的过程中，因为学生作品的美点很多，如构图美、构思美、造型美、色彩美、材质美等等，我们不能以一种方式，对每一个作品都面面俱到地去欣赏这些美点，否则，学生就会感到没兴趣了。那么，教师就要引导学生有所侧重的找出这些作品中最突出的、最显露的、最能引发学生审美情感的作品的形式美和内容美的结合点。
如：有时侧重历史故事的分析；（如：诗配画、插图等文学艺术方面的题材）
有时侧重构思的巧妙；
有时侧重构图和形象；
有时侧重造型、材质美的表现；
有时侧重形象造型的寓意和联想；
有时侧重整体和自然环境的关系；
有时侧重某种造型形式因素的运用等等。

总之，欣赏、评价，不是一个个体孤立的行为，而是在一种群体互动的交流环境中进行的，学生可以将自己对美术作品的感受和认识，以口头或书面的形式表达出来，与他人交流和共享。我们要在教学中，把握学生的成长规律，处理好师生间的渐变关系，要根据实际需要，不断地调整和采用多元化的赏评方法来开展教学。多为学生营造一个自由探寻究理的氛围和自由表现的机会，并以美术学习活动的多样性，促进学生全面发展。

❺ 油画最重要的是什么

油画是绘画中的重要画种，它是画家用油质颜料在布、木板、厚纸和墙壁上绘制而成的图画。它产生于欧洲，公元12世纪的时候，北欧各国的艺术家就开始把颜料和油研调起来作画。经过14、15世纪的尼德兰画家凡·代克兄弟的改进和实践后被广泛采用，逐渐形成一个独特的画种。
油画有三大特点：第一，色彩丰富，表现力强，能够充分地表现视觉物体和人物的复杂色调层次而使之真实立体；第二，颜料有很大的遮盖力，描绘较自由，便于修改；第三，油质干后坚实耐久，不易变色和变霉，便于长期保存。文艺复兴时期，油画开始盛行于意大利、尼德兰，西班牙、德意志，取代了传统的以蛋清调合颜料来制作的蛋清画。18、19世纪，油画逐渐在英国、法国、俄国等国家发展起来，成为欧洲绘画中压倒一切的主要画种。之后，英国人试验发明了油画颜料装人锡管的方法，这种便于携带的油画颜料给艺术家们带来了

❻ 求徐悲鸿《巴人汲水图》的相关资料。

0276 巴人汲水图 立轴 设色纸本
作 者 徐悲鸿
类 别 中国书画>绘画
创作年代 1938年作
尺 寸 300×62cm
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钤印：徐、悲鸿、东海王孙、生于忧患
款识：忍看巴人惯担挑，汲登百丈路迢迢。盘中粒粒皆辛苦，辛苦还添血汗熬。廿七年晚秋，随中央大学入蜀，即写沙坪埧所见。悲鸿。
题签：（晏济元题）徐悲鸿巴人汲水图真迹。平元署。钤印：济沅私印
竞投本件拍品，需办理特别竞买号牌。
说明：晏济元题签。
《巴人汲水图》赏析
徐悲鸿先生的一生，是为中国艺术事业做出巨大贡献的一生，他毕生以复兴中国画为己任，孜孜不倦的努力奋斗、刻苦钻研，成为一位融中西、贯古今、取得独特成就的大艺术家，他在艺术教育上的卓越贡献，对中国现代画坛的发展，具有巨大而深远的影响。
特别是徐悲鸿先生从1937年8月，随中央大学迁重庆，继续在中央大学任教，到1946年7月，由重庆乘“民联轮”去南京，经上海到达北平，就任北平艺专校长，他在重庆一共度过了10个春秋。可以说，这10年是他艺术生涯中最重要的10年，完成了他人格和艺术的双重升华，对中国人物、动物、山水画的革新做出了巨大贡献。尤其在人物画方面，徐悲鸿先生以振聋发聩之声，倡导画家以人物为主，描绘现实生活、改变泥古不化，千山一面，画中没有人物活动的落后状态。他身体力行，拿起如椽巨笔，绘制了很多锐意革新的杰作。诸如《巴人汲水图》、《巴之贫妇》、《愚公移山》、《张采芹像》、《洗衣》等等。
《巴人汲水图》是一幅真实记录重庆人民辛勤劳作的艺术珍品，被誉为徐悲鸿先生最具人民性和时代精神的四大代表作之一。《巴人汲水图》的创作成功，在当时社会上引起极大的反响，作品1938年展出时，即被誉为“五百年来罕见之作”。据廖静文先生回忆“当时的印度驻华公使看过画展后，亦为作品所感染，提出购买此件作品，由于悲鸿当时生活也非常拮据，于是才同意为他重新绘制了眼前这幅《巴人汲水图》”。
徐悲鸿先生1937年因国难而流落重庆，而正是在重庆的艰苦岁月里，国难当头的大气候和民不聊生的现实生活，使这位本来就充满人道主义思想的进步画家，更深刻地体会到了人民的疾苦，甚至把自己融汇到劳动民众之中。水是人类得以生存的第一要素，但在山城水却来之不易。徐先生来到重庆，映人眼帘的第一道风景线即是一行行挑水的汉子，他们那吃力的步履和被水桶压弯的扁担，使画家深刻地感受到那份生活的艰辛，和生活在这块土地的重庆人世代相传的抗争精神。为此，被触发了的画家的创作灵感，在徐先生的头脑里构造出一幅真实生动的巴人汲水的蓝图。
这幅《巴人汲水图》在构图上匠心独运，使画家的造型手段放射出奇光异彩。整个画面十分奇特，高300厘米，宽却62厘米，颇显细高。但其悬挂起来，确与嘉陵江的百丈悬崖相一致的，使其场景更显陡峭与惊险，上下百丈石阶挑水的巴人闪烁着感人至深的华夏精神，在完美和谐的环境烘托之下给人以呼之欲出之感。
画象以其高度概括的手法，将巴人传统汲水的宏大场面，分解为舀水、让路、登高前行3个段落，精心绘制了多幅草稿，描绘了男女老幼不同动作的7个人物。舀水，描绘一健壮的男子，仅穿着一条黑色的短裤，头发虽已秃顶，但其身体强壮，匍匐着前身，右手紧握着一只巨大的木桶提梁，从湍急的嘉陵江水中，迅捷而熟练的舀水。旁边又一衣着褴缕的赤足妇女，低头用力，正把舀满的水桶，吃力地提到《巴人汲水图》赏析
徐悲鸿先生的一生，是为中国艺术事业做出巨大贡献的一生，他毕生以复兴中国画为己任，孜孜不倦的努力奋斗、刻苦钻研，成为一位融中西、贯古今、取得独特成就的大艺术家，他在艺术教育上的卓越贡献，对中国现代画坛的发展，具有巨大而深远的影响。
特别是徐悲鸿先生从1937年8月，随中央大学迁重庆，继续在中央大学任教，到1946年7月，由重庆乘“民联轮”去南京，经上海到达北平，就任北平艺专校长，他在重庆一共度过了10个春秋。可以说，这10年是他艺术生涯中最重要的10年，完成了他人格和艺术的双重升华，对中国人物、动物、山水画的革新做出了巨大贡献。尤其在人物画方面，徐悲鸿先生以振聋发聩之声，倡导画家以人物为主，描绘现实生活、改变泥古不化，千山一面，画中没有人物活动的落后状态。他身体力行，拿起如椽巨笔，绘制了很多锐意革新的杰作。诸如《巴人汲水图》、《巴之贫妇》、《愚公移山》、《张采芹像》、《洗衣》等等。
《巴人汲水图》是一幅真实记录重庆人民辛勤劳作的艺术珍品，被誉为徐悲鸿先生最具人民性和时代精神的四大代表作之一。《巴人汲水图》的创作成功，在当时社会上引起极大的反响，作品1938年展出时，即被誉为“五百年来罕见之作”。据廖静文先生回忆“当时的印度驻华公使看过画展后，亦为作品所感染，提出购买此件作品，由于悲鸿当时生活也非常拮据，于是才同意为他重新绘制了眼前这幅《巴人汲水图》”。
徐悲鸿先生1937年因国难而流落重庆，而正是在重庆的艰苦岁月里，国难当头的大气候和民不聊生的现实生活，使这位本来就充满人道主义思想的进步画家，更深刻地体会到了人民的疾苦，甚至把自己融汇到劳动民众之中。水是人类得以生存的第一要素，但在山城水却来之不易。徐先生来到重庆，映人眼帘的第一道风景线即是一行行挑水的汉子，他们那吃力的步履和被水桶压弯的扁担，使画家深刻地感受到那份生活的艰辛，和生活在这块土地的重庆人世代相传的抗争精神。为此，被触发了的画家的创作灵感，在徐先生的头脑里构造出一幅真实生动的巴人汲水的蓝图。
这幅《巴人汲水图》在构图上匠心独运，使画家的造型手段放射出奇光异彩。整个画面十分奇特，高300厘米，宽却62厘米，颇显细高。但其悬挂起来，确与嘉陵江的百丈悬崖相一致的，使其场景更显陡峭与惊险，上下百丈石阶挑水的巴人闪烁着感人至深的华夏精神，在完美和谐的环境烘托之下给人以呼之欲出之感。
画象以其高度概括的手法，将巴人传统汲水的宏大场面，分解为舀水、让路、登高前行3个段落，精心绘制了多幅草稿，描绘了男女老幼不同动作的7个人物。舀水，描绘一健壮的男子，仅穿着一条黑色的短裤，头发虽已秃顶，但其身体强壮，匍匐着前身，右手紧握着一只巨大的木桶提梁，从湍急的嘉陵江水中，迅捷而熟练的舀水。旁边又一衣着褴缕的赤足妇女，低头用力，正把舀满的水桶，吃力地提到岸边。让路，描绘一头缠汗巾，赤臂裸腿的男子，弓矩着身体，肩负着重担，吃力地攀登着陡立而漫漫的石梯。旁边应接石上，谦恭地站立着一位身穿长衫，把前摆挽在腰间，肩挑空担的青年男子让路，他身体微侧，以同情与怜悯目光凝视着吃力攀登的挑夫。图画的上方，绘制了3位登高攀至江岸顶端的挑夫，他们爬完了艰险的陡梯，开始迈开大步，比较轻松地急行。
画面段落之间，用江岸的岩石和层层的石阶融汇贯通，石阶和岩岸先用颜色加水墨，染出大的体面关系，再以墨线勾勒，顿现层层的整齐排列的岩石阶梯，之字形排开，错落有致。为了突出江岸的高与陡，画家拉大了第二个画面与第三个画面的距离。背景的画法比较突出，画面中间留白更显出石级的曲折，上半部画一丛翠竹和几枝怒放的梅花，翠竹用青绿一挥而就，梅花则先用尽情挥洒的浓墨在宣纸上绘出枝干，再以白粉点出花瓣，清丽典雅，一尘不染，既映衬出江岸的陡峭，更使画面色彩丰富。
人物是《巴人汲水图》图的主体，整个画面突出物像的神韵，主题思想上寓意深刻，意义深远。技法上，用西洋的画法丰富中国画的表现能力，肌肉部分稍加皴染，就在挑夫身上适当加强了筋肉体积感，突出人体的健劲有力，表现出劳作的繁重，使画面的技法有较多的变化，构思、创意、技法等方面都充满了新意。
中国自古以来就有诗言志，画传神之说。此画画毕，画家略加思忖，信手题加七言律诗一首：“忍看巴人惯挑担，汲登百丈路迢迢；盘中粒粒皆辛苦，辛苦还添血汗熬。”徐悲鸿先生对此画的满意还表现在把自我也融入了画意之中，画到站立在让路石上穿长袍青年的头部时，竟然绘上了自画像。题诗后，落款写：“二十七年晚秋，随中央大学入蜀即写沙坪坝所见。”画家把个人、民族、时代、艺术紧密地结合在一起，甚至把自己融于民众之中，具有特别强烈的吸引力，这种隽永深长的画外之意，令人怡情，发人遐思。
第一幅《巴人汲水图》，徐悲鸿先生后来补题“静文爱妻保存”，现存于徐悲鸿纪念馆。此幅《巴人汲水图》此后真的留在了重庆，其过程在这里就不一一赘述了，1998年在纪念艺术大师徐悲鸿诞辰一百周年之际，作品发表于1998年6月21日《重庆晨报》和《徐悲鸿在盘溪》一书。
徐悲鸿以《巴人汲水图》实现了其中西融合的宏大抱负。他将绵延数千年的中国传统绘画，极具成果的引向具有现代精神的写实，《巴人汲水图》亦落定为中国现代绘画的里程碑。
《巴人汲水图》是中国美术史上浓墨重彩的一笔，是任何中国美术教材不可省略的作品。如果让我们从近代能够传世的绘画中，再选出能跻身“世界名画”之列的作品，无疑《巴人汲水图》鹤立其中。随着中国经济的不断强盛带动东方文化的日益彰显，如同《巴人汲水图》这样的鸿篇巨制必将会在世界艺术品市场中与西方的大师名作等量齐观。
现实主义国画的最佳范本
——《巴人汲水图》与徐悲鸿名作的研究略论
英衔
不必赘述那些与《巴人汲水图》相关的极具传奇色彩的故事，随着岁月的积累，这些传奇、背景惟一能带给这件作品的只是它的小说魅力、增加其传奇性神秘性，而不是其本来存在的艺术魅力和现实价值。事实上，这件在徐悲鸿个人艺术生命中及中国现代艺术史上都已经、并将继续书写其浓墨重彩的一笔、具有里程碑式重要意义的作品，不仅是徐悲鸿艺术生命中国画写生创作的巅峰之作，与历史、世界上名画比肩而立，同时也是现代艺术写生创作的最佳范本。
《巴人汲水图》的美术史意义最突出体现在其现实性。尽管是否需要或坚持现实性、需要多大程度的现实性一度是中国现代绘画领域长期讨论的话题，且一度被当时宣扬“为艺术而艺术”的艺术家们诋毁甚多，但谁也不能否认，在一个非常时期，尤其是在当时中国内忧外患交炽而战乱频仍的现实处境下，现实性具有无可比拟的社会影响力和号召力。关于这一命题，徐悲鸿创作于次年的油画《放下你的鞭子》已经切实证明：在物质的方面，当时因该作而募集到的资金或可计算，而在精神的一面，由此而激荡起的爱国爱家、保国保家的热情却无论如何高估都不为过。
毋庸置疑，《巴人汲水图》和《放下你的鞭子》显然都是一贯鼓吹坚持现实性的徐悲鸿的现实主义杰作。但问题是，在一般人的认识里，《巴人汲水图》和《放下你的鞭子》的社会影响力和号召力有一定的不同。关于这一点，需要特别说明。事实上，造成这种情况的，是两个人力不可左右的原因：一是创作的时间节点和地点。《放下你的鞭子》是徐悲鸿1939年10月在新加坡筹办画展赈济国难途中即兴创作的，当时法西斯德国刚刚发动第二次世界大战不久，国际注意力都集中在战争之上，这样，以反战为题材的《放下你的鞭子》自然就受到特别、额外、严重的关注，正如毕加索的名画《格尔尼卡》，时间和地点都掐得很到位；而《巴人汲水图》创作于1938年晚秋，当时的国际形势并不对中国抗战有利，虽然德国国内动作频频，已对周边国家虎视眈眈，但战争并未打响，英法奉行的仍旧还是绥靖政策，美国也并未有进一步的表示，因此，尽管当时国内情势已经如火如荼，国际上确实有一部分注意力因为中国的抗日战争而聚焦于中国，但终究不能形成席卷全球的潮流。
另一即是采用的表现方式，《放下你的鞭子》采用的西方世界更易于认知和接受的油画表现方式，有理由推测这显然是徐悲鸿经过精心考虑而决定的；而受制于前一个客观条件的影响，《巴人汲水图》采用的是中国式的国画表现方式。不妨做一个有趣的假定，将《放下你的鞭子》换成国画写生创作，而将《巴人汲水图》换成油画写实创作；或者将前者置于重庆而后者置于新加坡，它们本身的能量及激荡起的能量其实可以推想得到。但是，可以肯定的是，当那个特定的历史年代已经远去，随着时间的推移，投射、承载并凝聚于这两件巨作之上的历史重量——包括社会责任感和现实性——却渐渐平衡。
我们可以这样定义：《巴人汲水图》是徐悲鸿国画创作中现实主义作品的最高峰。这其实只要将其与徐悲鸿其它的经典国画作品作一个简单的对比即可知道。为人民熟知的徐氏经典国画巨作，目前看，有如下数件：《田横五百士》（1928-1930）、《九方皋》（1931）、《奚我后》（1933）、《愚公移山》（1940）、《九州岛无事乐耕耘》（1951）等。毫无疑问，以古代诗文传说题材入画的前四件，并不具备现实性，而更多的是一种浪漫主义和新古典主义，这种表达方式与其法国老师达仰的作品更类似；而建国后创作的《九州岛无事乐耕耘》虽然算是现实主义创作，实际上更多的则是体现了比较多的浪漫主义情怀，并非严格意义的现实主义创作。至于徐悲鸿那些以雄狮、骏马、雄鹰等动物为表现对象的作品，虽然有现实的情怀在内，但基本上遵循的是中国文化中的“赋比兴”传统，更注重的是其比喻意义、象征意义而不是其现实意义。就此而言，如果说徐悲鸿以《田横五百士》、《愚公移山》及骏马、雄狮题材作品为代表的创作是《诗经》中众多的篇章，那么，很显然，《巴人汲水图》就是惟一的《春秋》。
在《巴人汲水图》创作的前后，当时的中国美术界产生了许多具有重大现实意义的作品，如蒋兆和的《流民图》（1941年，国画）、司徒乔《放下你的鞭子》（1940年，油画）、冯法祀《捉虱子》（油画，1945年）等，乃至鲁迅倡导下的新木刻运动中出现的江丰《码头工人》（1931年）、陈烟桥《拉》（1933年）、罗清桢《逆水行舟》（1933年）等，其中最重要的当然是徐悲鸿的《放下你的鞭子》。但如果以艺术性和现实性完美结合的标准来衡量，这些作品，除了《放下你的鞭子》可以与《巴人汲水图》媲美外，其它人的创作并未达到一个相当的高度；甚至有一些绝对现实主义的创作，现实性确实非常充分，但艺术性却非常匮乏，变成现实性的傀儡，甚至基本消失，因此，它们的作用充其量是煽动，而不是感染、感动。这种情况在当时的根据地内部更为严重。严格来说，这已经不再是艺术的范畴。
有意思的是，这件可以认定为中国现代现实主义国画创作的最佳范本的《巴人汲水图》，其300×62cm的形制，似乎不仅是徐悲鸿作品中惟一一见的，也是当时国画作品中仅见的。
世代传承的“巴人汲水”精神
1937年抗日战争爆发，国府西迁，重庆襟江背岭，成为战时首都。随着全国政治、经济和文化中心的转移，许多军政界要人和文学、科学、艺术、教育等诸多领域的名人，如郭沫若、冰心、巴金、老舍、臧克家、马寅初、徐悲鸿、傅抱石、丰子恺等云集沙坪坝区，沙坪坝遂成为著名的文化区，盛极一时，蜚声中外。
1938年，先君悲鸿随中央大学入蜀，住在嘉陵江岸边的盘溪，每日过江至对岸沙坪坝中央大学为学生授课。目睹蜀中百姓的疾苦，疾笔创作了中国画《巴人汲水》，对劳动人民的艰辛生活抱以深切的同情。在画上他题写了一首自作诗：“忍看巴人惯担挑，汲登百丈路迢迢。盘中粒粒皆辛苦，辛苦还忝血汗熬”，诗文充溢着画家对于当时百姓生活凄苦的同情和悲愤之情，也体现了他利用手中的画笔为黎民写照的历史使命感。
八年抗战期间是先君悲鸿公艺术创作的盛期，他以用艺术“为人类申诉”的准则作画，留下了诸多传世名作，如《巴人汲水图》、《愚公移山》、《喜马拉雅山》等等一系列他最具代表性的作品，其中油画作品《放下你的鞭子》，更是在2007年拍出了7000余万元的高价。
《巴人汲水图》描绘了当时重庆人民一个极平常的生活场景——汲水，当时百姓每日生活用水，都要从江中汲取，故而无论男女，为了生计，每天都要到河边取水。他们挑着沉重的木桶，再装上满满的水，沿着崎岖陡峭的山路走回家去，有时甚至要往返多次。正是这样一个再平常不过的生活画面，触动了艺术家敏感的心灵。画中的竹林郁郁葱葱，梅花也在怒放，这情景不但对画面起到了很好的点缀作用，更是作者对于中华民族在严酷的历史环境下表现出来的威武不屈的民族气节的赞颂。
这件作品如今完好地展现在我们面前，同时也引出了一段曲折的收藏经历。 1949年，新四军干部朱良跟随部队到了重庆。到重庆后，恰巧遇见了聚兴诚银行老板的管家正在处理一批旧书画，在一大卷古代及近现代字画中，朱良唯独看上了这幅《巴人汲水图》。当时这位管家喊价160万元，最后经过一番讨价还价，讲到120万元。朱良留下10万元订金，商定3天后取画。当时的朱良也没有多少现金，急忙找到后勤部长。当时部队正要给师级以上干部分配一件苏联毛呢大衣，按级别朱良应得一件，但恰巧这批大衣数量不够，朱良便主动提出不要大衣，希望换取120万元现金。后勤部长同意了他的建议，用这120万元，朱良如愿以偿地换得了这幅《巴人汲水图》。
文革结束后，重庆收藏界、书画界的许多老人，包括先君的好友晏济元、苏葆桢等画家，都经常到朱良家中欣赏他所收藏的这幅《巴人汲水图》。
1999年7月2日，我的母亲廖静文曾应邀请看到这件作品，她看过之后非常激动，并清晰地讲述了这张画的创作过程：先君悲鸿公在重庆期间创作了《巴人汲水图》并举办画展，当时的印度驻华公使看上这幅画，希望重金购得。先君当时在经济上紧张，还要救济学生、办画展，因此又重新画了一张。一件如今陈列在徐悲鸿纪念馆，而卖给印度公使的，正是朱良收藏的这件。
2004年，在北京翰海拍卖会上，《巴山汲水图》从800万起拍，多位买家投入争夺，最后经过数十轮换手，最后终以1650万元成交，创造了当时徐悲鸿个人书画拍卖的世界纪录。
据翰海公司的工作人员称，在这件作品的征集上公司倾注了极大的心血，今年是北京文物公司成立五十周年，也正是由于藏家与翰海公司有着多年深厚的情感，这件本应子孙永保的作品才得以再一次展现在世人面前。
这件倾注了画家和收藏家心血的画作，在辗转七十二年后再度呈现给世人，他所承载的已经不仅仅是一位画家的艺术成就，而是一个时代的缩影，以及几代中国人民族精神之火的传递，中华民族正是利用这样看似原始的“巴人汲水”精神，将中华民族的文化世世代代地传承下去。
2010年11月16日
徐庆平：徐悲鸿先生之子
中国人民大学徐悲鸿艺术学院院长
博士生导师
徐悲鸿纪念馆副馆长
我记得九十年代的时候，我到香港去参加一些活动，当时有一张我父亲（徐悲鸿）的作品，是自画像，画的小人在古柏树下，人很小但很真实，小人的头比指甲盖还小，当时那张画拍卖到了九十九万港币，加上手续费已经超过一百万元，这是当时中国第一幅超过一百万元的作品，《民报周刊》特别为这件事情发表文章，中国画超出了一百万元，觉得非常了不起，《荣宝斋》还请我写了一篇文章。2004年，我父亲的这幅《巴人汲水图》拍卖到一千六百五十万元，那时感觉真的是天文数字了。而在今天，一千多万已经不是什么了不起的事情，好像有很多画都可以拍出这个价格。
这个情况告诉我们一个问题，中国艺术品它的价值及它所应该有的价值，是不是还有一个可发展的空间？我在西方住了比较长的时间，感觉到中国的艺术品、书画作品在世界上都是独树一帜的，中西方虽有很多不同，但对于艺术都有着许多共同的审美观念。同时，中国画完全不同于西方的历史思想与精神，尽管经过了一千年的时间，生命力仍然非常旺盛，别的艺术与画种都做不到这一点，中国画甚至比西方的油画还要强，现在的架上油画在国外好像已经失去一个独立的地位，中国画反倒还在蓬勃发展，这展示了中国画的巨大发展空间，这在一方面说明了中国人的智慧，另外一方面说明中国的绘画离它应有的价值还有一定的距离。比起西方的绘画、油画的价值，中国的绘画没有达到应有的价位，这是我在多年的东西方的艺术研究与探索中间形成的自己的一个看法。
——摘自2005年3月23日徐庆平先生《当代市场看法访谈录》

❼ 中国画和西洋画有什么不同

一、性质不同

1、西洋画：用油质颜料在布、木板或厚纸板上画成。

2、中国画：画在绢、宣纸、帛上并加以装裱的卷轴画。

二、起源不同

1、西洋画起源：最早起源于欧洲，大约15世纪时由荷兰人发明的。

2、中国画起源：起源于汉代，汉朝人认为中国是居天地之中者，所以称为中国，将中国的绘画称为“中国画”。

三、注重点不同

1、西洋画注重点：

（1）西洋画线条都不显著，所以西洋画很像实物。

（2）西洋画注重透视法；

（3）西洋画很注重背景；

（4）西洋画题材以人物为主；

（5）西洋画用硬笔。

2、中国画注重点：

（1）中国画盛用线条，线条大都不是物象所原有的，是画家用以代表两物象的境界，中国画不像实物；

（2）中国画不注重透视法；

（3）中国画不注重背景；

（4）中国画题材以自然为主；

（5）中国画用毛笔、软笔或者手指。

四、特点不同

1、西洋画特点：

油画颜料色彩丰富鲜艳，能够充分表现物体的质感，使所描绘的物体逼真可信，具有很强的艺术表现力。同时，油画颜料覆盖面强，易于修改，为艺术家的艺术创作提供了便利条件。

西方绘画的审美趣味在于真与美。西方绘画追求对象与环境的真实性。为了达到逼真的艺术效果，注重比例、明暗、解剖、色彩等科学原则，以光学、几何学、解剖学、色度学等为科学基础。

2、中国画特点：

中国画在观察认识、形象塑造和表现手法上，体现了中华民族传统的哲学观念和美学。在对客观事物的观察和理解中，它采取了从大到小、从大到小的方法，在其活动中观察和理解客观事物，甚至直接参与事物，但不参与，而不是做局外观，或局限在某个固定点上。

它渗透到人们的社会意识中，使绘画具有“千载寂寥，披图可鉴”的认识作用，又起到“恶以诫世，善以示后”的教育作用。