意大利花卉油画

① 意大利20欧分背面图案是什么 有何含义呢

意大利20欧分硬币背面的图案是意大利未来主义的杰出代表代表人物——翁贝托·波丘尼（Umberto Boccion）的雕塑。雕塑名称：《空间中独特的连续形式》

翁贝托·波丘尼(1882-1916年)
是意大利画家和雕刻家生于勒佐的卡拉博尔逝于索尔特。

他和吉诺·塞韦里尼一起，在罗马跟随从法国回去的画家贾科莫巴拉学习当时在法国盛行一时的分色主义的基本原则。他在《费加罗报》上发表了第一篇未来派宣言之后，结识了马利奈蒂，并成为未来派的理论家。这位画家和雕塑家主
要关切的问题是赋予物质以生命，并在物质运动中把它表现出来。他首先为了摆脱自己所受影响，特别是使他感到中了毒的1900年花卉风格的影响，而进行绝望
的斗争。在他发表的各种宣言和《未来派的绘画雕塑》一书中，他都反复申明，应该推广”印象主义的瞬间”。印象派作画旨在表现一个特定时刻，并使作品的生命
依赖于它与该时刻的相似之处，而我们则通过综合一切时刻(时间、地点、形状、颜色-色调)来构成画面”。另外，他漏颤还认为雀旁，未来派作品应该表现感受和”灵魂
状态”，这是与立体派的客观性根本相悖的。波丘尼去掉了玄学画所赞扬的纵、横线条，而发明了线条-力量。也就是指一切物体借以对光线和阴影作出反应，并产
生出外形力量和色彩力量的能量。他的代表作是在巴黎未来派画展之后，于1912年创作的油画《弹性》。如果没有见过立体派画家们的作品，他显然不可能构思
出这幅未来派的主要杰作之一。《弹性》综合了一匹骏马在比赛时的所有动作，表现出比当时立体派绘画更多的东西顷搜橡。在他的雕塑作品中，也可看到同样的有力的抒
情，如在1913年与著名的《多物质》(由各种材料-铁、木头、玻璃等等组成的雕塑)一起展出的《人的朝气的综合》。战争爆发之后，他被征入伍，1916
年坠马身亡，年仅三十四岁。

未来主义
是发端于20世纪的艺术思潮，最早出现于1907年，意大利作曲家弗鲁奇奥·布索尼的著作《新音乐审美概论》被看作未来主义的雏形。未来主义思潮主要产生和发展于意大利一国，却也对其他国家产生了影响，俄罗斯尤为明显。

参考来源：http://www.ecb.europa.eu/euro/coins/html/it.en.html
http://ke..com/view/2441499.htm
http://zh.wikipedia.org/wiki/%E6%9C%AA%E6%9D%A5%E4%B8%BB%E4%B9%89

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② 文艺复兴前或者文艺复兴时期，有画过花卉比较著名的油画家吗 请告诉我画家和画的名字，谢谢。

15世纪到19世纪中叶的油画。特点：无论画面大小，都有一种很完美的情境。

（一） 文艺复兴时期油画

1、 乔托：意大利油画是欧洲油画发展的先声，文艺复兴初期的著名画家乔托，创作了许多具有现实生活气息的宗教画，被认为是欧洲绘画之父和现实主义画派的鼻祖。

2、 波堤切利：在线条、色彩、造型等方面的表现更为丰富，人物思想感情表现得更加细致，作品情绪性更加强了，更注重科学的比例、透视和空间关系，造型极其优美，象音乐一样。

3、 米开朗琪罗、达·芬奇、拉斐尔：将油画推进到高峰。写实体系更加完善，美和力感更强了。

米开朗琪罗：他的壁画，表现了非常丰富的人间世界，体现了文艺复兴时期充满着的矛盾与斗争。

达·芬奇 ：《最后的晚餐》、《蒙娜丽莎》使人感受到时代的气息、人文主义的气息。

拉斐尔：《西斯廷圣母》等圣母画像，表达了人文主义精神对人的外在、内在美、对人的尊严、对人的和谐的歌颂。

比较于南欧和谐与优美的风格，北欧的绘画更注重实在的、具体的客观世界的刻画，有很强的地方特色，对人物描写更注重性格。如尼得兰（现在的比利时）画家勃鲁盖尔等，虽也描写宗教题材，但处理成世俗的，农民般的生活场景。

（二）17、18世纪油画

表现人生、表现社会，内容更加深刻了，表现形式、艺术语言更加丰富了。

重要代表人物如：

佛兰德斯（今法国东北部和比利时西南部）画家鲁本斯，《抢劫留基伯的女儿们》（文字教材42页）；

荷兰画家伦勃朗；（教材43页）

西班牙画家委拉斯开兹；（教材43页）

法国画家达维特。（教材43页）

（三）19世纪70年代以前（18世纪）的油画，欧洲进入近代史阶段，尤其是启蒙运动和资产阶级大革命，使法国成为欧洲政治与文化的中心，也成为欧洲美术的中心。这一时期油画题材扩展了，思想内容丰富了、深刻了，艺术语言也较以前有了更大发展。著名画家与作品有：

法国新古典主义画家达维特：《马拉之死》

法国浪漫主义画派代表德拉克洛瓦：《自由神领导人民》

法国批判现实主义画派代表库尔贝：描写工人生活《画室》；米勒：描写农民生活《拾穗者》。

印象派油画：代表人物莫奈《日出·印象》。（教材44页）

描写现实的画家列宾《伏尔加河纤夫》。（教材44页）

西方现代油画包含两个主要方面：
在写实油画中体现现代人的感觉，给古典写实赋予新的精神内涵；
背离传统，背离写实的前卫性探索。
主要特征：
主要表现内心世界；
将某种形式因素抽取出来向极端发展；
突显多样化的、个性的美感，甚至有表现"丑"的；
以独特的艺术观念支配绘画，流派彼起此落。
古典向现代画过渡时期代表人物荷兰画家凡·高、立体主义画派代表人物西班牙画家毕加索、抽象派代表人物俄国画家康定斯基。

③ 油画有的画的很厚重，感觉很粗糙，那是什么油画

所述的画感觉粗糙，应属画的水粉画：
水粉画，是用水调合粉质颜料描绘出来的图画。水粉颜色一般不透明，有较强的覆盖能力，可进行深细致的刻画。运用得当，能兼具油画的浑厚和水彩画的明快这二者的艺术效果。
油画
油画（an oil painting；a painting in oils），是以用快干性的植物油（亚麻仁油、罂粟油、核桃油等）调和颜料，在画布亚麻布，纸板或木板上进行制作的一个画种。作画时使用的稀释剂为挥发性的松节油和干性的亚麻仁油等。画面所附着的颜料有较强的硬度，当画面干燥后，能长期保持光泽。凭借颜料的遮盖力和透明性能较充分地表现描绘对象，色彩丰富，立体质感强。油画是西画主要画种之一。

版画
版画(print) 是视觉艺术的一个重要门类。广义的版画可以包括在印刷工业化以前所印制的图形普遍具有版画性质。当代版画的概念主要指由艺术家构思创作并且通过制版和印刷程序而产生的艺术作品，具体说是以刀或化学药品等在木、石、麻胶、铜、锌等版面上雕刻或蚀刻后印刷出来的图画。版画艺术在技术上是一直伴随着印刷术的发明与发展的。古代版画主要是指木刻，也有少数铜版刻和套色漏印。独特的刀味与木味使它在中国文化艺术史上具有独立的艺术价值与地位。

壁画
绘在建筑物的墙壁或天花板上的图画。分为粗底壁画、刷底壁画和装贴壁画等。壁画是最古老的绘画形式之一，埃及、印度、巴比伦保存了不少古代壁画，意大利文艺复兴时期，壁画创作十分繁荣，产生了许多著名的作品。我国自周代以来，历代宫室乃至墓室都有饰以壁画的制度；随着宗教信仰的兴盛，又广泛应用于寺观、石窟（例如敦煌莫高窟、芮城永乐宫，至今大量保存着著名的佛教壁画和道教壁画遗迹。）

漫画
漫画是绘画种类之一，又称讽刺画。高速画一词来源于意大利文Caricare，义为夸张，后来演变为专指具有讽刺和滑稽意味的图画，即Caricature一词。通过夸张、变形、假定、比喻、象征等手法，以幽默、风趣、诙谐的艺术效果，表现、讽刺、批评（或歌颂）现实生活中的人和事。

工笔画
工笔画是以精谨细腻的笔法描绘景物的中国画表现方式。工笔画须画在经过胶矾加工过的绢或宣纸上。 工笔画一般先要画好稿本，一幅完整的稿本需要反复地修改才能定稿，然后复上有胶矾的宣纸或绢，先用狼毫小笔勾勒，然后随类敷色，层层渲染，从而取得形神兼备的艺术效果。唐代花鸟画杰出代表边鸾能画出禽鸟活跃之态、花卉芳艳之色。作《牡丹图》，光色艳发，妙穷毫厘。仔细观赏并可确信所画的是中午的牡丹，原来画面中的猫眼有“竖线”可见。又如五代画家黄筌写花卉翎毛因工细逼真，呼之欲出，而被苍鹰视为真物而袭之，此见于《圣朝名画评》 ：“广政中昶命筌与其子居农于八卦殿画四时山水及诸禽鸟花卉等，至为精备。其年冬昶将出猎，因按鹰犬，其间一鹰， 奋举臂者不能制，遂纵之，直入殿搏其所画翎羽。”
工笔画在唐代已盛行起来。所以能取得卓越的艺术成就的原因，一方面绘画技法日臻成熟，另一方面也取决于绘画的材料改进。初唐时期因绢料的改善而对工笔画的发展起到了一定的推动作用，据米芾的《画史》所载：“古画至唐初皆生绢，至吴生、周、韩斡，后来皆以热汤半熟，入粉捶如银板，故作人物，精彩入笔。”中国的工笔画历史悠久，从战国到两宋，工笔画的创作从幼稚走向了成熟。工笔画使用“尽其精微”的手段，通过“取神得形，以线立形，以形达意”获取神态与形体的完美统一。在工笔画中，无论是人物画，还是花鸟画，都是力求于形似，“形”在工笔画中占有重要的地位。与水墨写意画不同，工笔画更多地关注“细节”，注重写实，唐代周昉的《簪花仕女图》、《挥扇仕女图》，张萱的《捣练图》、《虢国夫人游春图》描绘的都是现实生活，这些作品不仅具有很强的描写性，而且富有诗意。明末以后，随着西洋绘画技法传入中国，中西绘画开始相互借鉴，从而使工笔画的创作在造型更加准确的同时，保持了线条的自然流动和内容的诗情画意。

写意画
写意画是用简练的笔法描绘景物。写意画多画在生宣上，纵笔挥洒，墨彩飞扬，较工笔画更能体现所描绘景物的神韵，也更能直接地抒发作者的感情。写意画又分小写意与大写意。写意画是融诗、书画、印为一体的艺术形式。扬州八怪之一的李鱓，喜在画上作题跋 ，长长短短，错落有致，使画面更加充实，也使气韵更加酣畅。“画不足而题足之，画无声而诗声之，互相为用”（葛金《爱日吟庐书画录》），既反映了李绘画的实际，也体现了写意画的基本特点。写意画是在长期的艺术实践中逐步形成的，其中文人参与绘画，对写意画的形成和发展起了积极的作用。相传唐代王维因其诗、画俱佳，故后人称他的画为画中有诗，诗中有画，他一变勾斫之法，创造了水墨淡，笔意清润的破墨山水。董其昌尊他为“文人画”之祖。五代徐熙先用墨色写花的枝叶蕊萼，然后略施淡彩，开创了徐体"落墨法"。
之后宋代文同兴"四君子"画风，明代林良开“院体”写意之新格，明代沈周善用浓墨浅色，陈白阳重写实的水墨淡彩，徐青藤更是奇肆狂放求生韵。经过长期的艺术实践，写意画代已进入全盛时期。经八大、石涛、李鱓、吴昌硕等发扬光大，如今写意画已是影响最大、流传最广的画法。 写意画主张神似。董其昌有论：“画山水唯写意水墨最妙。何也？形质毕肖，则无气韵；彩色异具，则无笔法。”明代徐渭题画诗也谈到：“不求形似求生韵，根据皆吾五指裁。” 写意画注重用墨。如徐渭画墨牡丹，一反勾染烘托的表现手法，以拨墨法写之。元代吴镇论画有云：“墨戏之作，盖士大夫词翰之余，适一时之兴趣，与夫评画者流，大有寥廓。尝观陈简斋墨梅诗云：“意足不求颜色似，前身相马九方皋。此真知画者也。”

青绿山水画
青绿山水是具有独特风格的山水型，在古代绘画艺术上占有重要地位，这种画以青绿颜色为主，用笔工整，细笔重彩，色彩浓烈，富有生气。在勾线内用石青石绿着色。色彩浓烈的叫大青绿山水，彩色浅淡些的叫小青绿山水，有用金彩勾勒山石纹理的，显得画面富丽堂皇，这种叫金碧山水。

水墨山水画
水墨山水是唐代大诗人王维奠定的基础，不用色彩，以墨的浓淡、干湿，表现峰峦山石景色。王维属杰出的诗人，又是山水画家。他常把景色写成诗，又把诗画成画，后人说他的诗中有画，画中有诗。到五代水墨画又有了飞跃，开始用皴法表现效果，使山石更加雄伟壮丽。到明代徐渭的泼墨大写意在水墨画上发展了水墨的技巧把墨洒在纸上，几笔画就做到了挥洒自如。他的画法对清代的石涛、朱耷（八大山人）影响很大。清代的郑板桥就是受徐渭的影响。

白描画
中国画中完全用线条来表现物象的称为“白描”。白描有单勾和复勾两种。用线一次画成的叫单勾。单勾有用一色墨勾成的，也有根据不同对象用浓淡两种墨勾成的，例如花用淡墨勾，叶用浓墨勾。复勾是先用淡墨完全勾好，然后根据具体情况决定复勾一部分或全部。复勾的线不能依原路的线刻板地重叠地勾一道。复勾的目的是加重质感和浓淡的变化，使物象显得更有神采。白描是用线条、用墨线浓淡、粗细、虚实、轻重、刚柔、曲直的表现技法。宋代李公麟，发挥了古代传统绘画线描作用，创造了白描技法。元代钱选、明代陈洪绶白描画都很成功。

指画
指画又称指头画，指画至今已有300多年的历史，是中国传统绘画一个旁支。指头画，一般不用或极少用毛笔。史书上记载得比较明确的创始人是清初康熙年间的高其佩。

界画
在画的一部分或大部分，用直尺画墨线组成的画。主要表现庄严雄伟的建筑物，如宫殿，庙宇、楼阁、亭台等。五代时卫贤、元代郭忠恕达到了高峰。清代袁江、袁跃都是画界画的。

内画
内画，是我国一种特有的传统工艺，它的产生起源于画鼻烟壶。内画的画法是以特制的变形细笔，在玻璃、水晶、琥珀等材质的壶坯内，手绘出细致入微的画面，格调典雅、笔触精妙。内画艺术分为京、冀、鲁、粤四大流派，其中尤以冀派内画水平最高、规模最大、发展最快、影响最大，不久前已入选国家非物质文化遗产保护名录，冀派内画的发源地——河北衡水，还被文化部命名为“中国内画之乡”。
涂鸦手绘，也叫手工绘画，或者涂鸦。在中国应该算是近些年新起的一行，大概2000年左右吧，如手绘鞋，手绘T恤，人形抱枕，手绘钱包等，都是主要的手绘对象。手绘即在原纯色物品基础上，根据产品的款式、面料以及顾客的爱好，画师在鞋面上用专门的手绘颜料绘画出精美、个性的画面，在不影响产品使用性的基础上，更增添其可观性．如一双鞋子的画面，可以是漫画卡通，真人素描，亦可以是风景、图案或装饰纹样；可以是故事片段配上文字，亦可以是顾客自己的所爱图片加真情告白.只要是可以绘画的，基本都能在鞋面上呈现出来.简单的说，鞋面上有手工绘画画面的鞋子就称为手绘鞋。因为其手工性，比印刷品的工业机械性更具有欣赏价值；因为其绘画性，比工业设计以实用为先更具有艺术价值。它借鉴了印刷品，但更多的灵感来自于画家，它以工业设计并生产好的产品为载体，但并不为其左右，绘影手绘设计师可以尽情发挥。手绘鞋，因为是鞋，是商品，必然具有商品属性，但是手绘鞋的价值又具有双重性：一是鞋的价值；二是手绘的价值。因此，它的价格，就不能只用鞋子的价格来比较，还要考虑到手绘的价值。手绘鞋因其能够充展现年轻人的个性和对艺术的追求，并极大满足了现代人DIY的心理，又是一种新奇特的产品，从产生以来一直受到时尚年青人的追捧，在欧美、日韩、台湾等地刮起了“涂鸦文化”的旋风，手绘品开始成为时代的新宠，并开始在中国的大型商场、手绘批发公司、专卖店里面出现。

素描
素描，简而言之就是单色画。却又不尽然，素描过程是同一时间要考虑许多问题的综合思维活动。当今美术院校各专业都把它作为基础课，虽然各专业的侧重点不同，油画重体积、调子，国画重线条，版画、设计重结构等；但素描的共性是差不多的。同时，素描作为独立的艺术种类，自有其独特的艺术价值。

④ 百骏图 百骏图的背景

大家好今天来介绍百骏图,百骏图的背景的问题，以下是全国自考教材服务网教务老师对此问题的归纳整理，来看看吧。
文章目录列表:1、百骏图的历史2、百骏图时代背景3、百骏图是一幅油画作品吗4、百骏图对郎世宁的介绍5、百骏图和八骏图的区别

百骏图的历史
《百骏图》，中国十大传世名画之一，意大利籍清代宫廷画家郎世宁作品，其图共绘有100匹骏马，姿势各异，或立、或奔、或跪、或卧，可谓曲尽骏马之态。画面的首尾各有牧者数人，控制着整个马群，体现了一种人与自然界其它生物间的和谐关系。在表现手法上，郎世宁充分展现了欧洲明暗画法的特色，马匹的立体感十分强，用笔细腻，注重于动物皮毛质感的表现。《百骏图》是郎世宁的代表作一，中国十大传世名画之一，该稿本为纸质，纵102厘米、横813厘米，原作分别收藏于美国纽约大都会博物馆和中国台北故宫博物院。
《百骏图》，该稿本为纸质，纵102厘米、横813厘米。郎世宁使用的是中国软笔，却按西画的透视和光感等技巧，把花卉的形态和神态表现出来，体现了高超的写生功夫和创意能力，画得相当精细，立体感极强。虽然用的不是油画用的油彩，却栩栩如生，逼真到让人忍不住触手去摸。
中国画是散点衫辩伏透视，西画是焦点透视。这种透视效果在这幅册页中充分体现出来。这些技法对后来中国画的发展都有很大的影响. 注重形象的解剖结构、光影效果及立体感。同时他又将中国画法巧妙地与西法相融合，突破了明清时期大部分山水、花鸟画作品以水墨为主流的表现方法，而另辟蹊径，创造了一种“中西合璧”的绘画新风格，具有开拓性的意义，对于中国传统绘画的发展产生了巨大的推动和冲击。
郎世宁几乎将当时欧洲主要的艺术品种和技法都介绍到了中国，给中国画家带来了全新的视觉和审美感受。可以说清代宫廷绘画的典型风格，就是在郎世宁所传来的欧洲绘画风格的影响所形成的。
《百骏图》长卷洋洋洒洒，塑造了一大群或站或卧、或翻滚嬉戏、或交斗觅食的马儿，它们聚散不一，自由、舒闲。画作中的马儿还有人物、山水、草木，无不精致写实，比例结构的精准和对光的运用所表现出的立体感，显示出画家深厚的西学功底；而勾线、皴染又都是传统的中国手法。这幅形象逼真、构图繁杂、色彩浓丽的长卷给人印象最深的地方，是画家给予人们足够的空间，它不是一览无余，而是令人产生无边的遐想。
《百骏图》的作者，郎世宁，一个来自米兰的传教士，一个康雍乾三世的宫廷画家，一个用艺术把中国和世界联系起来的伟大的文化使者。

百骏图时代背景《百骏图》为中国古代画作名称，其中以清代郎世宁的《百骏图》最为出名，该稿本为纸质，纵102厘米、横813厘米，原作现藏故宫博物馆。被称为“中国十大传世名画”之一。
郎氏善画马，《百骏图》是其平生百余幅马作品中的杰作。此图描绘了姿态各异的骏马百匹放牧游息的场面。全卷色彩浓丽，构图复杂，风格独特，别具意趣,别具一格。郎世宁在1715年以传教士的身份远涉重洋来到中国，就被重视西洋技艺的康熙皇帝召入宫中，从此开始了长达五十多年的宫廷画家生涯。在绘画创作中，郎世宁融中西技法于一体，形成精细逼真的效果，创造出了新的画风，因而深受康熙、雍正、乾隆器重。尽管如此，洋画家郎世宁也必须遵守作画前灶兆绘制稿本，待皇帝批准后再“照样准画”的清宫绘画制度，保留在美国纽约大都会博物馆的郎世宁《百骏图》稿本就说明了这一点。郎世宁还将欧洲的绘画技法传授给中国的宫廷画家，使得清代的宫廷绘画带有“中西合璧”的特色，呈现出不同于历代宫廷绘画的新颖画貌和独特风格。

百骏图是一幅油画作品吗百骏图，是清朝画家郎世宁的画，虽然用的不是油画理期风没怀修微颜料，但是核心的绘画理念与创作方法都属于油画。中国画的元素只是他画中的皮毛，油画元素才是他画中的骨血。如果一定要我选，我认为他的画更接近油画。

百骏图对郎世宁的介绍
巜百骏图》，中国十大传世名画之一，意大利籍清代宫廷画家郎世宁作品，其图共绘有100匹骏马，姿势各异，或立、或奔、或跪、或卧，可谓曲尽骏马之态。
画面的首尾各有牧者数人，控制着整个马群，体现了一种人与自然界其它生物间的和谐关系。在表现手法上，郎世宁充分展现了欧洲明暗画法的特色，马匹的立体感十分强，用笔细腻，注重于动物皮毛质感或携的表现。
郎世宁，清代著名画家，1688-1766年，意大利米兰人。他原名朱塞佩·伽斯底里奥内。年轻时在欧洲学习绘画，曾为教堂绘制圣像。
清康熙五十四年（1715）作为天主教耶稣会的修道士来中国传教，到京后约于雍正元年（1723）进入如意馆，成为宫廷画家。他很好地融合了中西绘画技法，既讲究西方绘画中的立体效果，注意透视和明暗，重视写实和结构准确的合理性。由于他能画并精通建筑学，曾参与增修圆明园建筑工事。擅画肖像、走兽、花果、翎毛尤善画马。

百骏图和八骏图的区别百骏图是画家画有一百匹马的图案，而八骏图是指周穆王时的八匹名贵骏马。
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⑤ 欧洲擅长画油画，画花的

达芬奇 作为文艺复兴时期作卓越的代表人物,达芬奇的成就和贡献是多方面 的.达芬奇出生在佛罗伦萨附近的一个小镇 芬奇镇.他小时侯曾经拜佛罗基 奥为师,佛罗基奥首先让他练习画蛋,一画就是几年,然后才开始教他作画.由 于达芬奇打下了坚实的素描基础,后来终于成为一代宗师.
凡．高 凡高是荷兰人,但长年生活在法 国,是后印象派的重要的画家.和他 的同胞伦勃朗一样,凡高也喜欢为自 己画像
丁托列托 丁托列托出生在威尼斯,是一个染坊主的儿子.他长期生活在故乡,用画笔装饰城市的庭院和教堂.他曾拜师提香,追求提香般绚烂的色彩和米开朗基罗般结实的形体是他的目标.
毕加索 毕加索,西班牙人,自幼有非凡的艺术才能.他的父亲是美术教师,又曾在美术学院接受过比较严格的绘画训练,具有坚实的造型能力. 他一生中画法和风格几经变化,分为这样几个时期: 蓝色时期" 玫瑰红时期" 黑人时期"
高更 高更是法国后期印象派三大巨匠之一.他起步较晚,早期的画追求形式的简化和色彩的装饰效果,但还没有摆脱印象派的手法.他不但对埃及古代绘画很感兴趣,而且向往仍处于原始部落生活的土人们的风习和艺术.被称为原始人产最高典型.
列 宾 俄罗斯写实主义绘画大师列宾与法国绘画巨匠莫奈，同为19世纪后期欧洲美术史上，引人注目的重要级人物。他们的艺术在欧洲的东西部，各领一方风骚，影响力延伸到整个20世纪。
卢 梭 由素人画家跃居为近代朴素绘画大师的卢梭，是一位自学成功的典型画家。他的作品糅和了现实与梦想，充满了自然原始的天真活力。
达 利 达利是盘踞在超现实主义中心的一位恃才傲物的怪杰，与毕加索、米罗三人都启蒙于西班牙加泰隆尼亚这块地灵人杰的土地上。其特异独行的艺术，为本世纪的画坛增添了许多灿烂光辉。
米 勒 米勒是19世纪写实主义杰出的代表画家。他的童年和青年时代都在农村度过，对农村生活和在那里劳动的人们，有深刻的了解和深厚的感情，了解他们的了欢乐与痛苦，也分尝着他们的信仰和偏见，这使得米勒成为伟大的田园画家。
怀 斯 安德柳·怀斯是美国20世纪最伟大的画家之一。他描绘美国乡间自然风土人物的画作，以精致逼真的写实风格，表现了人与大自然的交流与调和，朴实的题材，引发人们怀念乡土与自然的情思。
雷诺阿 雷诺阿是著名的印象派大画家。他的绘画在追求光的感觉中，用鲜明丽透明的色彩，将古典传统和印象派绘画做了最完善的结合。不论是丰腴的女人、天真的孩子童，还是阳光照耀下人浴女，在雷诺阿的画笔之下，都充满了温暖、鲜明、迷人的梦幻般魅力。
夏加尔 夏加尔是20世纪极具亲和力的大画家。犹太血统、生于俄国，入籍法国的夏加尔，不但追求天真纯朴，并感性地面对生命、爱情与艺术。
莫迪利阿尼 蒙巴纳斯王子”莫迪利阿尼只活了三十六岁。他出生于罗马犹太名门，一生追求礼赞生命与情爱，犹太人特有的敏感及意大利艺术的传统与根源均影响他的画作及石雕作品。
康丁斯基 1910年，具有东方血统(祖母为蒙古公主)的康丁斯基画下了美术史上第一幅纯粹抽象画。三十岁才立志学画的康丁斯基，很少停留在固定的绘画模式中，总是不断思考、审视、推进自己的创作，
柯 罗 在法国艺术史上，柯罗是19世纪最出色的风景画家，与17世纪的普桑及克劳德·洛兰同称法国三大风景画家。柯罗的风景画朦胧而富有诗意，无论是早晨清新柔和的光线，还是黄昏洒满一地黄金的湖光山色，美丽的梦中桃花源景致都令人为之向往。
米 罗 出生于西班牙巴塞罗那的米罗，早期艺术受塞尚影响极深，在经历立体派、超现实主义的洗礼后，发展成自己独特的风格。本书收集了米罗早期作品，及“荷兰室内”、“星座”等系列代表作，另附加造型独特的雕塑 作品与其生平记事，足以解析米罗与众不同的艺术。
杜 菲 作为20世纪初叶现代绘画史开端的野兽主义成员之一的劳尔·杜菲，是一位多元化创作的艺术家。除绘画之外，他的艺术领域扩展到挂毯、壁画、布料图案设计及陶瓷创作，活泼的曲线运用，成为崭新流行设计的先驱。
蒙克 北欧表现主义先驱者——蒙克，是一位风格独特的挪威籍著名大画家。他的童年生活几乎都笼罩在死亡与疾病的阴影之下，而这些可怕的经历，不仅在他的心灵上烙下深刻不灭的印象，也间接地变为创作绘画时的灵感素材，这使得蒙克在西方近代绘画史上与众不同。
德加 生孤独，不善与人交往的德加，是矛盾、冷漠与遁隐的组合。在他的艺术世界中，没有雷诺阿所强调的享乐与随和，也没有梵高的可怜或自我毁灭。他以冷淡而敏锐的观察，描绘出人物动作的瞬间印象，显现出鲜活的魅力。
马蒂斯 马蒂斯与毕加索同为20世纪现代艺术的巨擘，而野兽派更引导了20世纪的绘画大革命。以马蒂斯为首的野兽派画家，利用红、蓝、黄、绿等色彩，表达简约物象的自然本质，描绘内在真挚的感情与装饰效果，创作出令人惊艳，极度自由、奔放、华丽、平衡的作品。
勃拉克 勃拉克与毕加索是立体派艺术的两位先驱代表人物。他们曾携手作画，共同为自然界的视觉形式寻求新的定义，独特的理论与杰出革新的画作，在现代艺术中，占有重要的地位。
蒙德里安 20世纪几何抽象艺术大师蒙德里安，是荷兰三大画家之一。在经历了荷兰画派、印象主义及表现主义的洗礼后，于1917年创立风格派，发展出他独特的构图理念，将绘画的基本元素，结合几何图形的排列，建立起独树一帜的新造型主义艺术。
莫 奈 莫奈是印象派最具代表性的画家，不但长寿(享年八十六岁)，而且画作数量惊人。他常对同一画作主题在不同时间中写生描绘，画出不同的光景气氛，显出光与色的高明度及鲜明感，交织成光与色彩的华丽交响诗，创作出印象派的巅峰之作。
塞 尚 出生于法国普洛文斯，原习法律而后献身艺术的塞尚，一生的艺术生活，都从自身接触自然而来。他认为“自然不是表面，而是有它的深度”、“色彩丰富，画面自然充实”。
丢勒 丢勒 德国画家.1471年5月21日生于纽伦堡,1528年4月6日卒于同地.祖籍匈牙利,自幼随父学习金银工艺,后拜版画家M.沃尔格穆特为师.成年后出游意大利威尼斯和尼德兰, 与C.贝利尼等友谊甚笃,充分吸收文艺复兴美术的技艺和理论,
乌埃 乌埃.S. 法国画家.17世纪上半叶法国宫廷古典主义艺术的主要代表. 他的常常借用神话或宗教题材来为路易十三王朝歌功颂德,深得统治阶级人物的欢心.
霍贝玛 霍贝玛 从十七世纪起,荷兰专门从事风景画的人已很多.其中成就最大的是 雅.鲁伊斯达尔和霍贝玛.
庚斯博罗 庚斯博罗是18世纪继荷加斯之后在英国画坛脱颖而出的天才画家.他虽然不大喜欢读书,甚至连普通中学都没有读完,但是,他"说起话来妙语连篇"他虽然没有著述传世,"可是,以他写给密友的信来看,他的知识又很少有人可以与其相比".
夏尔丹 782年法国举办的青年画家展览会上,展出了夏尔丹的 红鳐鱼 与 餐具橱 两幅作品,得到了拉吉莱赫的高度赞赏.同年夏尔丹被接纳为美术学院院士.以后他在创作纯熟的静物画的同时,以充满爱情的笔致描绘着洋溢诚实,宁静气氛的家庭生活.
委拉士贵支 委拉士贵支在1649年第二次去意 大利时在那里完成了一幅著名的肖像画教皇英诺森十世像,画面上的教皇,尽管脸上流露出一刹那坚强有力的神情,但是他放在椅上的两只手都显得分外软弱 无力.画家巧妙地抓住了这一点
克拉姆斯科依 克拉姆斯科依所画的托尔斯泰像 具有深刻的人民的基础,画像以非常 忠实与极其朴素的手法,把"伟大的 狮子"的形象给后代人 保存下来.
葛饰北斋 葛饰北斋以充沛的精力,大胆的想像,精湛的画艺,及长达七十年的创作生涯,留下大量的杰作, 富岳三十六景 一组版画即是名闻遐迩的代表作.
让·阿普 又名汉斯·阿普(1887年生于斯特) 十了奇特的人物之一."怪物"可能是用来概括他的最合适字眼.不过,他又是人们在化学上所说的单质,所以我们还是只能以他的本名来命名他
阿波利奈尔 (1880～1918)

⑥ 基本能力问题-绘画

中国绘画
特点
人物画----传神写照
山水画----意境
花鸟画----接物抒情 托物言志

发展历程
早期绘画-------战国 龙凤仕女图 人物御龙图------标志我国绘画形态的基本确立
隋唐时代------人物画成熟 代表张萱的 捣练图 阎立本 的 步辇图 历代帝王图
花鸟画独立 代表 周肪的 簪花仕女图
山水画独立 代表韩滉的 五牛图 （是我国最早的纸本绘画）
展子虔的 游春图 （最早的山水画）
宋代绘画------山水画 成熟 代表 范宽的 溪山行旅图 马远的 寒江独钓
工笔花鸟 高峰期 代表 赵佶 芙蓉锦鸡图
元代绘画------文人画成熟 代表 王冕 的 墨梅图 倪瓒 六君子图
明清绘画------继承发展 代表四王 “清六家”中王时敏、王鉴、王翚。王原祁四人的合称
四僧 石涛 八大山人 髡残 渐江

原济(又名石涛，) 其画奇肆超逸。其入清后出家为僧，康熙时以画名扬四海。康熙南巡时，他曾两次在扬州接驾，并奉献《海晏河清图》。长于山水、兰竹。出家后改名原济，字石涛，别号大涤子、清湘老人、苦瓜和尚、瞎尊者等。早期山水受梅清影响，后来，在他遍游名山大川、“搜尽奇峰打草稿”后，形成了自己苍郁恣肆的风格。其山水多取之自然，能生动表现出大自然的氤氲老念变幻搭源和奇妙之处，技法随境界、意趣不同而变化。艺术特色主要有：善用墨，干湿浓淡并用，尤喜用湿笔；运笔灵活，粗细兼有，方圆混用，亦皴亦点；构图新奇，尤其善用“截取法”以特写之景传达深邃之境；讲求气势，笔情恣肆，淋漓洒脱，以豪放之势取胜。石涛存世作品很多，山水代表作有：故宫博物院藏《搜尽奇峰打草稿图》卷、上海博物馆藏《山林乐事图》轴、《看梅园图》等，皆苍浑奇古，骇人心目，充分显现其个性。其兰竹、花卉题材亦有精品传世，如故宫博物院藏《梅竹图》卷、《蕉菊图》轴、《墨荷图》轴及上海博物馆藏《梅竹兰图》册等。著有《画语录》行世，对绘画理论发展贡献颇大。
朱耷(别号八大山人，约1624—1705年) 其画简略精练。朱耷为僧名，八大山人的号是他还俗后所取。誓不与清王朝合作，行事怪僻，常藉诗文书画发泄内心郁闷。绘画大多缘物抒情，用象征的手法来表达想法，将物象人格化，寄托自己的感情。如画鱼、鸟，作“白眼向人”之状，抒发愤世嫉俗之情，将八大山人款写作“哭之”、“笑之”，均有深意。长于山水、花鸟。山水宗董其昌，但却变董之秀逸平和为枯索冷寂，于荒寂境界中透出雄健简朴之气。如74岁时所画《山水》轴、《兰亭诗画》册。其花鸟源自林良、沈周、陈淳、徐渭等人，所绘花鸟鱼虫，形象洗炼，造型夸张，构图险怪，笔法雄健泼辣，墨色淋漓酣畅，效果新颖独特而出人意表。前期画风较为精细工致，50岁后，画风渐变，所画动物形象有所夸张，构图奇险，如59岁时所绘《个山杂画》册；65岁以后，艺术日趋成熟，笔法变朴茂为雄伟，造型极为夸张，如68岁时的《杂画》卷中所绘鹌鹑、故宫博物院藏《杨柳浴禽图》轴中的乌鸦，皆笔简形赅，形神毕具。八大山人的画，在当时影响并不大，传其法者仅牛石慧、万个等人，但对后世的影响是深远的，清代中期的“扬州八怪”、晚期的“海派”及近代的齐白石、张大千、潘天寿、李苦禅等，莫不受其熏陶。
其画苍古淳雅。字介邱，号石溪，又号白秃、电住道人、壤残道者，武陵（今湖南常德）人。俗姓刘，自幼喜画，明亡后抗清失败，落发为僧，云游各地。43岁定居南京，卒于南京。为人刚直不阿，颇受当时名士钦佩，多与之交谊。工人物、花卉，尤精山水，宗法黄公望、王蒙。其绘画章法繁复，笔法浑厚、凝重，善用雄健的秃笔和渴墨，层层皴擦勾染，达到笔墨交融，厚重不滞的效果。山石多用解索皴和披麻皴，并以浓墨点苔，显得山深林密，草木华滋。髡残存世侍枝困作品较少，代表作有故宫博物院藏《层岩叠壑图》轴、上海博物馆藏《绿树听鹂图》轴等，皆景致繁复，用笔沉着厚重，气势雄阔，反映了他的典型面貌。此外，还有南京博物院藏《苍翠凌天图》轴、上海博物馆藏《苍山结茅图》轴、故宫博物院藏《雨洗山根图》轴等传世。髡残在清初画坛，与石涛并称“二石”，与程正揆并称“二溪”。
渐江(法名弘仁，1610—1664年)其画高简幽疏 。俗姓江，名韬，字六奇，出家后名后人，号渐江学人，又号无智、梅花古衲，安徽歙县人。明亡后入武夷山为僧，云游各地后回歙县，常往来于黄山、白岳之间。工于文学、绘画，画名最盛。早年学于孙无修，中年师事萧云从。其本色画则多取法倪瓒，构图洗炼简逸，笔墨苍劲整洁，善用折带皴和干笔渴墨。因作品多师法自然，而多清新之意，能传达山川之美。故宫博物院藏有其《黄山天都峰图》轴，即是此类代表。此外，同藏于一处的《西岩松雪图》轴及藏于上海博物馆的《疏泉洗砚图》轴、《雨余柳色图》轴等均笔法尖峭简洁，意境伟峻秀逸，反映了他的自身风貌。他以画黄山著名，“得黄山之真性情”，与石涛、梅清同为“黄山画派”之代表人物。在安徽，则形成了“新安派”，与查士标、孙逸、汪之瑞并称为“海阳四家”。
透视
西方透视
焦点透视
① 平行透视 :又称焦点透视，就是说立方体放在一个水平面上，前方的面（正面）的四边形分别与画纸四边平行时，上部朝纵深的平行直线与眼睛的高度一致，消失成为一点。而正面则为正方形。
②成角透视:(二点透视）就是把立方体画到画面上，立方体的四个面相对于画面倾斜成一定角度时，往纵深平行的直线产生了两个消失点。在这平行情况下，与上下两个水平面相垂直的平行线也产生了长度的缩小，但是不带有消失点。
③倾斜透视：(三点透视）当视点通过画面观察物体远近成倾斜角度的边线，就是要产生倾斜透视变化。
中国画透视
①中国画的透视最大的特色就是“散点透视”或者说是“多视点”。传统的西画是焦点透视,其意是一个画面只有一个视点,而中国画中的大场面或过长的立轴和长卷,巧妙地把不同空间甚至是不同时间的场景结合在一起。
平列透视
②打破真实按构图需要而平列的空间和布白，这样就使物象在画面出现时，可以按实物在画面上的艺术需要．伸长或缩短变化其形象，更换其位置
山水画特有的透视
③郭熙《林泉高致》
由前山而望后山，谓之平远；
由山前而窥山后，谓之深远；
由山脚而仰山颠，谓之高远。
希望采纳

⑦ 诗迪的2005—2012 诗迪作品巡展

继法国巴黎首展的影响力。 ● 2005年6月2日，诗迪在国内首展，《天水无居·诗迪作品巡回展》从法国巴黎中国文化中心被接回到上海美术馆举办。
中法文化年，第二站在上海美术馆整个2层隆重举办。在上海美术馆与诗迪个展同期展出的艺术家盖·伯丁，被认为是二十世纪视觉文化领域最大胆、最有创新精神的艺术家之一。
《诗迪作品展与中国抽象绘画》中国艺术研究院研究员、艺术评论家水天中评论摘录：
（《美术观察》2005年第06期）
诗迪出生在六十年代中后期，与老一辈艺术家相比，她从事艺术创作的环境远为明朗安详，这使他充分享受艺术创作的愉悦，并说出了前辈艺术家不能说出的话：“绘画给我快乐，在那里没有清规，没有束缚。在一张张画面上留下的是像阳光和晨风一样流变的自己......”这本是艺术创造应有的情境，但却是老一辈抽象绘画艺术家所缺乏的。诗迪画画是与自己对话，只对自己的心境负责，因此，她的作品才会如此澄明清澈，静谧典雅，从容精致。这是一个没有人造污染的活动，是一个在自然面前不去表现人的自不量力之狂妄的天地。这种单纯的非功利的前提，又使得她与那些追求看似宏大、神秘甚至超验，或者传达着当代人特有的焦虑的当代艺术家拉开了距离。
《精神的戏游——看诗迪的画》中国艺术研究所、美术研究员、艺术评论家郎绍君评论摘录：
诗迪作画非功利动机：作画是她的余事，源于她在特定情境中的生命需要，是她的一种精神戏游，戏游的过程远比结果重要，这个过程没有任何功利性杂念的干扰，是“解衣盘礴”——全身心投入、明澈纯净、真正自由的。
诗迪作画用水彩纸、水彩色而不用宣纸和中国画颜料，画中经常出现的细线以硬笔而非毛笔勾画。这使得墨、色、笔和纸形成的张力,是外扩性的，而与用宣纸、追求书法用笔和内渗性张力的传统水墨画有很大距离。它的风格是现代的，东方的，它具有抽象表现主义的激情和率意，也不乏中国艺术的朦胧和精微。它的似乎在不假思索中流淌出来的浑然一体的跨文化气质，赢得了国内外专业与非专业人士的喜爱与好评。正是在这个意义上，诗迪的绘画标示了现代世界文化交融的新景观。
《倾听自然》中央美术学院《美术研究》副主编、艺术评论家殷双喜评论摘录：
“心事浩茫连广宇”。诗迪的绘画以自由无拘的色彩表达了个人的情感，也在视觉的层面与读者达到了灵魂的沟通。正如蒙德里安所说：“生命显示为在平衡里的不断的动力……在这样的形态里，节奏溶解于统一性。”它表明人类的生活虽然屈服于时间的流逝，但仍然建基于感性与理性的平衡之上。
她在梦幻与真实之间穿行于绮丽的色彩世界，“恍兮惚兮，其中有象”，借用“庄生梦蝶”的典故，她将自己的灵魂与绘画融为一体。诗迪画中的色彩意象，似乎来自偶然性的眷顾，具有不可重复之美，但她长期在世界各国旅行所获得的四季风景的体悟以及对宝石这一自然之灵的精微观察，使她有可能一窥大自然的天机妙化。诗迪画中的色彩意象，是东方女性对于生命的礼赞，更是人类对于自然的崇敬。 ● 2006年10月25日，《天水无居·诗迪作品巡回展》第三站在中国美术馆开幕。
个展由欧莱雅独家赞助。当日，来自文化部、新闻出版总署、中国驻法大使馆、中国美术馆、中国美协、意大利文化中心、法国驻华大使馆的官员，文化界学者及社会名流都出席了画展，还举行了由范迪安主编的诗迪画册《天水无居系列Ⅱ——诗迪作品选》首发式。
《诗迪的绘画:源自心灵的气象》中国美术馆馆长、教授、艺术评论家范迪安评论摘录：
（《中国美术馆》2006年 第10期、《天水无居---五洲同源·诗迪作品选之二：汉、英、法》序 ）
她全部作品汇集起来的，则是一种充满蓬勃生机、闪耀着灼灼光华的气象。我们能够感受到诗迪在艺术创造上的天赋与才华，而她也愿意让人们与她一起分享她画中世界的阳光、雨露、烟岚、云水和流霞——这正是艺术创造最可贵的品质：自己获得的发现和充分的表现是一种快乐，让人们共同感受和获得，则圆满了这种快乐。
我想从“韵”、“态”、“光”、“色”几个角度来简明地分析诗迪的作品，这是中国绘画传统中对视觉化形象的品评角度。在每一幅作品的营构中，诗迪显然把握住了画面结构的“韵”，也就是善于在直觉的瞬间构成画面形象的分布，用点、线、面形成画面的“韵律”。在这方面，她的绘画是不断发展的，前几年已有对画面韵律的探索，近几年更是熟练地控制整个画面生发的趋向。在一些大尺幅的作品中，她也同样能够创造不同的韵律，使得作品如同多声部构成的交响乐，产生多层次多角度但又协调的和声。她的画中有许多与自然界万物相关联的形象，但那些形象不是自然事物的实像，而是得于自然的意象。她用了许多时间感悟自然，但基本上不直接描绘自然，而是将对自然的感受加以酿化，使感受转变为感觉和修养，因此， 她落笔之际，画面上的形式语言十分丰富，构成每一幅作品独具特点的“意态”。
《源自心灵的气象——诗迪画展在京举行》艺术评论家徐良瑛评论摘录：
(《艺术教育》2006年12期 )
欧莱雅1997 年在中国独家赞助了“从北京到凡尔赛”中法美术交流博览会，展现中法两国长达300年的艺术交流史；1998年，还赞助了抽象派艺术大师赵无极在中国内地首次举办的一生绘画回顾展；这次携手女画家诗迪，独家赞助她的《天水无居》个人画展，是因为他们对诗迪在作品中诠释出的中国人的国际化、时尚、无边的想象力和深邃的智慧，非常地认同和重视。
《思绪的色痕——诗迪绘画的语言图式和观念形态》《美术》杂志执行主编、艺术史学博士尚辉评论摘录：
她用渗化而灵动的水与色的痕渍，去呈现吹皱一泓春水的池塘；她用相互浸染与触碰的水与色的动态，去捕捉霓裳羽衣般俊俏而瑰丽的卷云；她用透叠与交合的水与色的层次去营构苍茫无尽、淡定而透明的天霭。分明描绘的是春池倒影，偏说风吟云舞；分明表现的是山光水色，偏说以太听音；分明捕捉的是幻影梦痕，偏说海浸潮韵。她像诗人那样用通感重组印象，或者将味觉变幻为视觉，或者将旋律转换为色彩，或者将触感虚拟为线条和节奏。
她把诗的纯粹性转化为绘画语言的纯粹性。如果说诗的纯粹性在于滤除对于生活情节的叙述，单纯以有意味的形象组合营构意境，那么诗迪对于绘画语言纯粹性的追求，则是放弃现实形象的描绘，单纯以彩色以及水与色之间触碰、离合、浸透、渗化而形成的节奏呈现与提纯她对于日常视觉经验的印象。这种绘画语言的纯粹性，一方面抽离了具象性的描绘与再现，单纯以彩色和笔触捕获心愫的波动和记忆的碎片，体现了心灵世界对于现实世界的高度超越；另一方面诗迪的这些作品又不是单纯的抽象性绘画或表现性绘画。她的那些作品并没有完全脱离现实形象的身影，完全用抽象性的线条、色块与符号表达理性思维的感性显现；或者凸现色彩与笔触的审美独立性，用暴力性的色彩和狂放不羁的笔触倾泄内在的激荡。
《唯美的诗魂——诗迪的抽象表现绘画》中国艺术研究院研究员王镛评论摘录：
诗迪的绘画倾向于康定斯基注重直觉的抒情抽象，而不是蒙德里安注重理性的几何抽象。虽然她的专业是自然科学，但她的绘画却超越自然的现象而深入内在的精神，脱离科学的理性而依赖艺术的直觉。这种直觉相当于中国传统哲学和美学的“顿悟”和“妙悟”。诗迪自称她的绘画是纯视觉、纯感性的，不受“思”或理性的束缚，可见她非常重视直觉。就直觉的敏感来说，女性是天生的艺术家，何况诗迪是东方的女诗人、女画家，她的审美直觉特别敏感，生命冲动特别强烈。
《诗意的神化，神性的诗化——诗迪印象》中国艺术研究院美术研究所研究员陶咏白评论摘录：
可以说，在她的生命意识中有一种常人所缺少的“神性” ，一种能超越万物和自我经验的“诗性智慧”，它带着神秘主义色彩，具有强烈的感受性和广阔的想象性，有一种超知性、超见解、超本质的不可言说的神秘洞见。具备了这种神秘的生命体验，赋于她的心灵以深邃和悠远，能在诗意的想象中，在神秘的幻觉中，飞身世界之外，超越时间和空间的界域之外，不仅与亿万年来生存于地层深处的宝石交谈；与前世巨匠们气息相通，也能腾跃入茫茫太空穿梭于天外星系之中，云游在浩渺的苍穹中，任凭自己丰沛的想象力，展开诗意想象的翅膀自由翱翔，把一个内在荒凉的物质世界提升为一个充满感情和美的世界。并把她那神秘的生命体验用画笔倾诉在绚丽多彩、变幻无穷的画面上。
哲学家们争论不休的“可信与不可能”，难以解释的“世界和生命”之谜的哲学命题，诗迪却以东方神秘主义的诗性智慧，“以追光蹑影之笔，写通天尽人之怀。”诗迪“宇宙乐章”的作品，把生命的伟大、神圣、完美，如绵延无尽的音符，流入不可知的永恒之中，不正是在科学探索的极限处，宇宙秩序呈现出的不可思议的美，那是天命流行之处，神意荟萃之所，宇宙大化之大美矣！
《超越存在 复归天性》中国美术家协会会员、中国油画学会理事邓平祥评论摘录：
诗迪是以诗性的方式表现天理和天道本象的，更深入地说一个丰富而敏锐的心灵和造化之神的对话。从诗迪的画中看她更多的体悟是积极的，她的作品传递出了这样一种愿望：她要通过艺术超越生命的存在，在艺术中表达个体生命力的痕迹——就如她所珍爱和熟知的宝石那样。
诗迪的近 期作品是更为纯粹了，似乎是在向抽象艺术的“无物象”境界跨进了一步，是否她会由此发展到纯粹抽象(形式抽象)的地步，笔者不敢揣测，这里有两点需要指出:一是中国的抽象艺术“是”或者“应当是”何种形态的问题;二是具有本土特征的“自然抽象”，或者由“意象”而抽象的艺术形态是否需要和西方抽象艺术趋同?——笔者以为这似乎不是一个理论问题，而是一个由诗迪以及中国当代有志于抽象艺术的艺术家在实践中回答的问题。
《“天水”涌自内心的泉》艺术评论家王海珍评论摘录：
或许是天性中那抹纯净，亦或许是她长久以来放逐自己的想象与幻想在渺远的苍穹，她与先哲们，竟然有着共鸣式的相互感应的神奇关系而达到精神的贯通。诗迪，如同未沾染尘世一星点蒙尘那般，拥有着少见的“神性”，在艺术世界中拥有天赋异禀的“悟”，她的生命中似乎拥有超常感受性与广阔的想象性。她总是能感受到美对于她心灵的撞击：她看黄公望的画，有一种升腾飘浮起来的感觉；看董其昌的字，似乎被一股力推动，神游走在他的横、竖、点、捺、撇、勾之间；她看吴昌硕的花卉画，似乎听到吴家花园里的花伸展枝节的声音；“看黄宾虹画，我当时感到有股强烈的气向我冲撞过来，我就象是被重拳击中，很疼，我被打晕了，吃不下饭，甚至病倒。”未遭尘世渲染的她，在心灵深处与天，与自然似乎达到了完美的和谐。 ●2010年5月9日，诗迪作品被邀请在鲁迅美术学院美术馆展出。
鲁迅美术学院美术馆整个展馆隆重展出诗迪的99件作品，是艺术家近 五 年来心路历程的一次集中总结。一位没有上过艺术学院的艺术家，她的大量作品却在国内外高规格地集中展出，她被媒体形容为“横空出世的精灵”。
《海德格尔的诗意》鲁迅美术学院院长、中国美术家协会副主席韦尔申评论摘录：
绘画本是属于个人的事，但当画家的自述得到认同与回应时，共频的振荡极其愉悦。这对画家来说是可遇不可求的美丽，诗迪以其天成的画境承载了这份恩宠：一方面她有着自己真正的独立精神、形式语言；另一方面又天然具备与大众认知交互、灵犀相通的能力。这是才华加神赐幸运皆备时的情况。在此基础上，眼耳鼻舌身意的感官将世间众物之像的灵光片羽摄取、建立再展开的其实是画家本色的精神现实。丰沛的心源给了诗迪横跃于世的能量，而当内外互为彼此时，释放则转为消解，此时作者与观者将共享欢愉的优美。我想那该是艺术的化境了 。
《天水无居·荡涤成诗》艺术评论家杨涓评论摘录:
（《东方艺术》 2010年11期 ）
诗迪的绘画并不只具有一种面貌，纯净与斑斓恰如其分地融合在她的绘画中。纯净的绘画表现出一种寂静的美，但是诗迪的纯净又不是单调和寂寥的，那种透着莹莹光泽的画面本身就是丰富的，尤其是通过留白、肌理等的处理，这种丰富性就更加体现了出来。另一些则采用色彩之间的撞击、对峙、交融，最后形成了丰富的色彩变化。因此我认为，诗迪的绘画具有花的意象，恰似那种怒放时的绚丽与缤纷。她将自身那种无拘无束的个性气质自然地流淌在画布上，于是色彩碰撞、抗拒、交织、融合，最终形成了肌理感极强的作品，那种自然形成的如同豹纹一般的图式透析了艺术家的秘密，其中的力量感和强度就以一种隐秘的方式在唯美的画面中透露出来，诗迪在这样的空间里充分展现着她的“能量”。诗迪只是在画着她自己，她如无居的天水有时奔腾欢快，有时安宁深邃，于是就荡涤出了一首首别样的诗。

⑧ 太阳油画背景 米罗 1967年

1973年作 雕刻时光 布面油画
从现代到当代—绘画形式的演变
编号：0160
估价：140,000-180,000
编号：0161
估价：110,000-150,000
编号：0162
估价：60,000-80,000
编号：0163
估价：150,000-180,000
140,000至180,000
画面尺寸55×38.5cm；含框尺寸71×54cm
09:00-- 20:00
北京亚洲大酒店
拍卖会名称
拍卖会专场
北京亚洲大酒店
说明 左下角有签名，画框背面横杆上标注编号 艺术家简介：马克斯·阿古斯第尼，当代印象派色彩大师 祖籍科西嘉岛的马克斯·阿古斯第尼1914年出生于巴黎。还在巴黎高等美术学院当学生的时候，他就显示出了他在印象派技法方面的非凡才华。 第二次世界大战初期，他入伍参战。可是不久之后便成为战俘，在狱中度过三年。 战后，他在法国中部的夏托鲁市工作多年。出色的绘画才华，尤其是肖像画与风景画，使他开始引起了人们的注意。之后，他搬往普罗旺斯的加尔吉列斯小镇，并定居下来，直到1997年1月逝世。入院前几天，他仍然坚持作画，留下了精彩的作品。 阿古斯第尼在世界各国都被认为是那个时代最伟大的色彩画家。他一直钟情于描绘巴黎、克勒兹地区或是南部地区，一心致力于创建一个安宁幸福的世界，不被二十世纪纷纷扰扰的各家艺术学派所左右。他与“诗意写实主义运动”的画家们交往甚密，包括莫里斯·布里昂肖（Maurice BRIANCHON）和罗兰·奥杜（Roland OUDOT），他不停地思考，试图远离动荡生活的俗世烦恼，只留下敏锐的感觉。他利用光影和色彩的律动，来展现钟情的主题：吉维尼小镇的田野和花园，普罗旺斯的葡萄园，海港，沙滩，静物。在他生前，在巴黎举办过大量画展。丽春花、水景、熏衣草田野、春天的田野、花束等题材的作品，都令他名列当代印象派佼佼者之列。他在作品中常以鲜艳的油彩来描绘充满生机、朝气蓬勃的花卉。在他看来，花束代表着幸福与希望的凝聚。他的画向我们阐述幸福的岁月。 一些相关的专业艺术书籍中都提到这位艺术家的名字。 1998年，马克斯·阿古斯第尼回顾展画册《创作的奥妙—马克斯·阿古斯第尼（）回顾展画册》出版。画册收录了这位当代印象派大师的797件作品。 作品简介：《雕刻时光》是一部被凝固了的时光，黄黄暖暖的色调让我们想起甜蜜的温馨。黄色的桌子和淡黄的背景相呼应，瓶中红黄相间的鲜花和瓶身上的红黄印花相呼应，整个画面圆满温和，犹如纪念一段美好的恋情，回忆起来总是眷恋，意犹未尽，蜜般的甜美。 画框为蒙帕纳斯式木雕框，框角与中央饰有百合花样漆米灰色涂层。1940年代巴黎手工制作。状况良好，格调优雅，与画面本身相得益彰。 此作品有法国巴斯蒂亚法庭授权鉴定师，“古玩、家具、绘画”鉴定专家协会成员Gilbert POLVERELLI出具的鉴定证书。 艺术家生平： 1914：出生于巴黎。父亲在他出生前不久、战争爆发初期去世。 ：考入巴黎高等美术学院，显露出印象主义绘画才华。 青年时代的阿古斯第尼在科西嘉岛圣达米亚诺阿尔兹教堂创作壁画 1942年，被捕入狱，与其他同为战俘的画家朋友被送往东普鲁士。 马克斯·阿古斯第尼（正中坐）正在创作画像 ：应征入伍，战争期间被捕入狱，三年战俘。 ：返回巴黎，开始艺术家流浪生活。 ：前往定居法国中部的夏托鲁市，创作风景作品，为美国驻军官员创作肖像画。 马克斯·阿古斯第尼在法国南部的加尔吉列斯为阿斯先生创作肖像画。这位战争期间来到这座小镇避难的阿斯先生在逝世之后，将这件肖像画捐赠给卡吉莱斯市政厅，作为永久展示作品。 1969：结识了前拍卖人皮埃尔·马丁-卡耶，与他签订了独家代理协议，由让娜·格林贝格主持的埃克斯-普罗旺斯的马丁-卡耶画廊独家代理作品。这家画廊使他的作品得到世人的关注和赏识。 1970：阿古斯第尼前往法国南部普罗旺斯一年，前六个月写生创作春季和夏季风景，冬季六个月在位于克兹的工作室创作。 1997：马克斯·阿古斯第尼于1月14日逝于普罗旺斯奥巴涅医院 1998：马克斯·阿古斯第尼回顾展画册《创作的奥妙—马克斯·阿古斯第尼（）回顾展画册》出版，画册收录了这位当代印象派大家的797件作品。 色彩是绘画的两大基本元素之一。通过对色彩的运用，艺术家既能发挥无限的想象力，又能表达丰富的情感。不同的色彩也能带给观众不同的视觉体验，激发不同的情感共鸣。下面两幅作品就是很好的比较。 这两幅作品分别是马克斯·阿古斯第尼的布面油画（左图）和米罗·沃基奇的纸上油画（右图）。它们都描绘了相同的主题：花卉静物。两幅画的构图也非常相似：画家都是正面视角构图，花瓶置在画面的正中央，统一的颜色使背景抽象化；瓶里的花束矗立挺拔，可以看出它们都是鲜活水灵，两幅画中的花朵也多为红黄两色。 简单的构图实际上重新采用了传统的花卉静物画的构图，也就是在16世纪荷兰静物花卉画刚刚成为独立题材时候典型的构图（如图所示，荷兰16－17世纪画家Jan Brueghel the Elder，，的作品，画于1603年）。 显然，色彩对于两位画家来说比构图重要，他们都想把更多的注意力集中在色彩上。事实上也是如此。马克斯·阿古斯第尼的《雕刻时光》以黄色作为主色调：放置花瓶的平面是黄色的，背景也是用了大面积的浅黄，就连绿色的枝叶和红色的花朵也掺杂了很多黄色。整个画面分成上下两部分：画面上方是红、黄、绿三色组成的花；画面下方前景也是由红、绿、黄三色组成的花瓣、叶子和背景；它们相呼应，使得画面重心平均地分布在上下方。而中间的蓝色花瓶连接了上下两部分，瓶子上的红、黄花朵图案形成了既是色彩的、又是构图的过渡。通过不同颜色在空间中的重复运用，艺术家在寻求色彩的平衡和画面的和谐。 米罗·沃基奇的《蓝色的烂漫》看似和马克斯·阿古斯第尼的《雕刻时光》类似，但是米罗·沃基奇寻找的不是色彩的平衡，而是它们之间的对比游戏，而且他把这一游戏进行得更加彻底。艺术家把色彩中的三原色－ 红、黄、蓝－ 全运用到一起。描绘枝叶的绿色实际上混合了蓝色的颜料，它们看上去并不明显，几乎和背景的颜色混为一体。这也是画家刻意的安排，与其说画家运用色彩来描绘一张花朵的图案，倒不如说画家通过描绘花朵进行了一场大胆的色彩游戏。通过处理三原色在画面中的相互关系，艺术家探索颜色在空间中的运动和由此带来的视觉效果。而且，这些色彩之间的关系并不是平衡的，而是循序渐进的：背景和花瓶构成了大面积的蓝色，随之是形成半个圆形的红色花朵，而两朵黄色的画点缀其中，同时零星分散几点黄色。红、黄、蓝三色之间的关系既错落有致，又对比鲜明。 不同的颜色也激发了观者心中不同的情感。马克斯·阿古斯第尼的《雕刻时光》通过大量的黄色和红色给人带来热情和温暖。而米罗·沃基奇《蓝色的烂漫》中的蓝色让人联想到忧伤或宁静。一动一静，形成了耐人寻味的对比。 《追忆似水年华》 —法国名家静物油画作品选 年华似水，流逝无边。法国作家普鲁斯特用呢喃梦语在《追忆似水年华》这部宏大的小说中纪录了一段关于他心爱之人的回忆。其中的欢快，悲伤，惆怅和无奈，融合了作家的所闻所思和所感，与其说是纪录了一段回忆，倒不如说纪录了一段混合了作家回忆和想象的自我认知的过程。其实，我们每一个人的记忆何尝不是呢？记忆不是单纯的过去，它是某种情怀的化身，安放着曾经的渴望。追忆似水年华，是寻找深埋的记忆，追随远去的情怀…… 继春拍的法国优秀风景绘画专题广受好评之后，秋拍将呈现给大家一组迷人的法国名家静物作品。大家一定会被其令人惊叹的技巧和深邃内敛的气质深深吸引。 就让我们以这件创作于1890年象征着巴黎美好年代梦幻般生活的《追忆似水年华》掀开此次艺术之旅的序幕。 艺术家布吕奈尔是法国19世纪跨20世纪的写实主义大师之一。他1852年生于巴黎，以静物画和动物画着称。尤其是对猫入木三分的描绘，使得他的作品被制作成为邮票发行。他的风格是学院派和印象派的精妙结合。1879年起，年仅27岁的布吕奈尔成为“法国艺术家协会”成员，开始参加由协会举办的画展，首幅参展的作品为《静物苹果与葡萄》。此后直至1909年，协会的展出中都能看到他的作品。1907年，他成为协会的合作会员。水果静物画是布吕奈尔创作的一大特色，他尤其能通过对色彩和光感的完好把握，来游刃有余地把各种材质、以及它们之间的反差对比描绘得十分形象逼真，如水果表面的柔润光泽，以及柳条篮或是彩陶等盛器的独特质地等。此外，布吕奈尔也很善于描绘铜罐类盛器的质地和光泽。他在这方面的技艺常常被作为范例提及。这件《追忆似水年华》犹如一首述说人生的诗歌，细腻、华丽。如此大尺幅的静物油画比较少见，也体现了画家宏大的意图。特别值得一提的是，2010年3月，由北京文化发展基金会主办，朱青生教授主持的“法国经典艺术赏析暨欧洲经典艺术研讨会”上，这件作品作为欧洲经典作品的范例被重点讲析，受到中央美院赵力教授和清华美院张敢教授的高度评价。作为本专题最着重推荐的作品，在后续篇章里面我们会对这件作品进行非常深入的探讨。 来自拿破仑故乡科西嘉岛的法国画家阿古斯第尼1914年出生于巴黎。还在巴黎高等美术学院当学生的时候，他就显示出了他在印象派技法方面的非凡才华。作为那个时代最伟大的色彩画家，他一直钟情于描绘巴黎、克勒兹地区或是南部地区，一心致力于创建一个安宁幸福的世界，不被二十世纪纷纷扰扰的各家艺术学派所左右。他与“诗意写实主义运动”的画家们交往甚密，包括莫里斯·布里昂肖（Maurice BRIANCHON）和罗兰·奥杜（Roland OUDOT）等。他不停地思考，试图远离动荡生活的俗世烦恼，只留下敏锐的感觉。他利用光影和色彩的律动，来展现钟情的主题：吉维尼小镇的田野和花园，普罗旺斯的葡萄园，海港，沙滩，静物。他生前在巴黎举办过大量画展。丽春花、水景、熏衣草田野、春天的田野、花束等题材的作品，都令他身处当代印象派佼佼者之列。这件动人心弦的《雕刻时光》是一部被凝固了的时光，黄黄暖暖的色调让我们想起甜蜜的温馨。黄色的桌子和淡黄的背景相呼应，瓶中红黄相间的鲜花和瓶身上的红黄印花相呼应，整个画面圆满温和，犹如纪念一段美好的恋情，回忆起来总是眷恋，意犹未尽，蜜般的甜美。1998年艺术家的继承人出版了艺术家作品全集，这件作品被收录在内。 阿梅格里奥的《流浪者之歌》激起我们心底对吉卜赛人自由的向往。艺术家日生于意大利的圣雷默。在蔚蓝海岸一带度过的无虑童年让他对地中海地区的光色变化有着一种天生的敏锐。他先是在法国南部开始绘画学习，当时的创作题材多为法国南部风景。1938年，阿梅格里奥北上来到那个年代的世界艺术中心—巴黎蒙玛特高地，继续他的艺术追求。蒙玛特艺术区成了他后来一生的主要居住地，那里也是他艺术成长的摇篮。他在蒙玛特高地的克鲁泽尔街23号（23， rue Clauzel）建了画室。虽然阿梅格里奥自称是一个自学成材的画家，但其实，他的绘画在很大程度上受益于他与当时许多著名艺术家的交往，以及随之结下的深厚情谊。他在巴黎结识了很多先锋艺术家，包括毕加索、立体派画家雅克·维永（Jacques Villon）、让-保罗·弗朗索瓦·加尔（Jean Paul Francois Galle）、凡·东根（Van Dongen），还有未来派画家塞弗里尼（Severini）等。这些都是后印象派，抽象画派和未来派等新兴艺术运动的代表画家。阿梅格里奥成为法国艺术家协会会员后，定期参加协会的展出。1938年的国际艺术博览会上，他以作品《鲁昂圣母院》赢得观众的喝彩，获得了他平生的第一次荣耀，自此奠定了他在绘画上的成就。法国著名艺术评论家马塞尔·齐斯托（Marcel Guicheteau）这样评价阿梅格里奥：“这位艺术家的作品总是充满了一种梦幻般的意境。他笔下和谐的构图，柔和的色彩，细腻的笔触，都令他成为一位画家中的诗人。”法国贝内兹特艺术家辞典（The Benezit Dictionary of Artists， pp.266）中收录了阿梅格里奥的简介、两种常用签名等信息。日，在他离世的前一年，巴黎著名的坎帕塞雷斯画廊（Galerie Cambacérès）为他举办了一场回顾展。梅里奥·阿梅格里奥的作品被世界各地的公共及私人藏家收藏。在法国艺术市场，他那些采用印象派传统技法、在自然露天条件下完成的油画作品持续受到青睐。 《戏耍》是一件典型的19世纪末20世纪初的作品，来自一座比利时城堡的收藏。 在欧洲的“美好年代”，贵族阶层发展了一种新的家庭生活艺术。一方面，孩子和父母的关系再次成为家庭的核心，另一方面，家庭中出现了陪伴孩子们玩耍的宠物—猫和狗。于是，画家们也开始以家庭为主题，孩子和宠物渐渐成为画家们笔下偏爱的绘画主体。本件作品是比利时画派画家贝尔维赫的佳作，通过宠物来表现儿童情趣。画中的小狗就像是家中的长子，而三只可爱的小猫可以看作是他的三个妹妹。精心设想的画面场景让人感受到温馨、轻松而诙谐的气氛。画家的笔触细腻，小猫小狗的皮毛有着毛茸茸的质感，表现得栩栩如生，使人情不自禁地想要抚摸它们。这件温暖的作品几乎是美好生活的象征，我们期待着某个藏家像宠爱自己的小狗小猫一样宠爱它。 艾米丽娜·德拉克罗瓦是幼拙派的代表人物之一。她用一种近乎原始的创作方法为自己的作品带来了独树一帜的个人风格。颜料好像是直接挤堆在画面上，浓厚、凹凸不平，让作品充满立体的雕塑感。颜色是几乎没有经过混和的原色，运用得单纯彻底。她的风格返璞归真，是从心底直接流出的质朴，不加任何卖弄技巧的雕琢。就好像天真无邪的童年，干净简单，没有掺杂任何世故圆滑。《马蹄莲》从视觉上给观者强烈的浮雕感。有趣的是，我们所有人都希望得到毕加索的作品，毕加索却钟情于德拉克罗瓦的作品。他经常到艺术家位于法国南部的画室造访并收藏了不少她的作品。无独有偶，鼎鼎大名的克拉克· 盖博也是收藏她作品的众多名人之一。 这个专题中还有一件大尺幅的作品，那就是来自艺术家雷米·赫托的《悠闲时光》。但与前面我们介绍过的布吕奈尔的《追忆似水年华》相比，更多的是轻松，没有束缚。画面背景以浅色调为主，相对淡雅，物体却填充了较鲜艳的颜色。构图偏于抽象，艺术家虽然用物体前后叠加的方式表现了画面纵深感，但是他又削减了透视法的存在，所有的物体好像是悬浮在同一个平面上。同时，每个物体的造型都故意几何化，它们更像一个个符号。和其他的作品相比，赫托的静物画是抽象的遐想，天马行空，是抛开现实的规矩，随心所欲地异想天开。 艺术家毕业于法国国家装饰艺术学院，他毕生尝试以不同技法进行创作。这件作品具有湿壁画的效果，令人过目难忘。试想一下，在客厅的舒适沙发上捧着一杯香浓的咖啡欣赏对面墙上的这件作品会是怎样的感觉…… 在介绍这件《静思》之前，我们得先说说艺术家马克莱。这位曾被认为是蒙马特高地的传奇人物一生坎坷，但是在最艰难的岁月里依然没有忘记艺术，没有忘记用亮丽的色彩描绘他对生活的热切向往。他生前的好友郁特里罗曾说马克莱是蒙马特最后的艺术家。这件《静思》就是艺术家人生态度的真实写照。他用明亮的色彩带给我们欢快的心情。作品构图并不复杂，桌上的物体没有占据大面积的画面空间，但感觉离我们非常近，就像一个特写镜头捕捉到的画面。前景的三个水果用鲜艳的颜色夺人眼球。左上角的那抹红色看似和绿色的背景毫不相干，但它和水果的红色前后呼应，平衡了画面。中间瓷瓶的造型略显圆浑壮硕，从远处看，它成了画面的主角，不仅占据中心位置，而且用蓝色的冷色调与整个环境形成了鲜明却不突兀的对比。如果不加思考的话，《静思》简直就是是悠闲生活的一个点缀，一个小品，镜子一样反射了我们内心雅致的情调；而它却是一颗饱受蹂躏摧残的灵魂献给人类的精神佳酿！当我们纪念马克莱时，我们内心满怀怜悯和敬重。 本专题里最具力量感的作品当属普希京的《烙印》。用色厚重，笔触强烈，棕黑与暗红统领了画面。每个物体的轮廓被黑色粗壮的线条再次强调。黑色是神秘的颜色、象征的颜色，它将光线吸收，捉摸不定，神秘莫测，又暗藏了强烈的爆发力。这也是为什么画中的叶子看起来会像种子一样，粗旷，结实，孕育了即将爆发的生命力。 艺术创作的结果总是与过程密切相关，总是与艺术家的生活和经历密切相关。要是你知道他曾从战俘营逃脱并徒步跨越波兰回到家乡，就不难理解为什么作品里面能够蕴涵如此饱满的力量。他的静物画，用的是表现主义手法。每样物体都圈上黑色，凸现在画面上，非常醒目。包含了日耳曼与法兰西两个民族的特色，具有不同一般的表现力。这或许与毕加索也有一定关系—他们俩曾在瓦洛里斯共同创作了七个月。总之这是一件不同凡响、不太常见的作品。 米罗·沃基奇，是一位南斯拉夫裔的法国艺术家。他脸庞上如刀刻般的硬朗线条让人过目难忘。他在二战之后来到法国，开始了以表现主义风格为主的绘画创作。他的作品蕴含着一股波西米亚式的张力和激情，刚劲有力的线条，诗意般的画面，诠释了战后五六十年代巴黎的种种风情。艺术家最终定居在蔚蓝海岸，那里的风景也成了艺术家所钟情的入画主题。沃基奇在九十年代成为“捍卫造型艺术”协会主席，他也是著名法国艺术家汉斯· 哈同、雕塑家恺撒和著名雕塑家阿曼等人的好友。来看他这件《蓝色的烂漫》，给人紧张、激烈的印象。画家把红、黄、蓝三种绘画中的原色全部运用到一起。与其说画家用色彩描绘了一张花朵的图案，倒不如说画家通过描绘花朵进行了一场大胆的色彩游戏。颜色的对比浓烈刺激，就像冰与火的对峙。画家用笔也是棱角分明，每一笔都像是锋利尖刻的碎片，特别是蓝色的背景，如同一片片破碎的玻璃。这是否是一段伤心决绝的感情表白？曾经浓郁猛烈，爱憎分明，最后只留下“安得与君相决绝，免叫生死作相思”的心碎。纸上的油彩散发出幽蓝的金属光泽，指引我们去寻找最终的答案。 供稿：艺融拍卖 西画部专家组 专家组成员：Philippe CINQUINI 法国夏尔·戴高乐大学 艺术史博士 朱萃 加拿大蒙特利尔大学 艺术史硕士 肖洁 法国布莱兹·帕斯卡勒大学 艺术项目策划与管理硕士

⑨ 康煕皇争对法郎世宁的什么画称赞为十全十美

十全十美图》取材于我国清朝乾隆年间，是分别来自波西米亚及意大利的宫廷画师艾启蒙和郎世宁的传世佳作《十骏犬》与《花卉册》（又称《十美图》）的合称。当时两人分别敬献《十骏犬》和《十美图》给乾隆皇帝，乾隆皇帝十分满意，在画作盖上了他的鉴赏钤章，并将两者合二为一，题为《十全十美》图。据史料记载，乾隆皇帝拿到这个册页，大加赞赏，百看不厌，爱不释手，独自把赏，逐一为“十犬”“十美”题诗作赋,并命著名书法家梁诗正、汪由敦分别书写,与画卷逐一对裱，最终成就了集中西绘画艺术、乾隆皇帝诗赋和书法大家墨宝于一帙的绝美画卷。
《十美图》亦称《花卉册》,是郎士宁花鸟画的代表,所绘十种色彩缤纷的花卉,雍容高贵的牡丹,高潮清爽的菊花,宁静悠远的兰花……以花为喻,代表了十种不同的高贵品质和美好祝福。
艾启蒙的《十骏犬图》，也是艾启蒙平生得意之作。共绘制了十条西方朝贡给乾隆皇帝的珍贵名犬，十犬姿态各异，,栩栩如生，,活灵活现，呼之欲出。而且每幅图都有当朝的文职大臣的题诗赋词。
这两幅册页，艺术水准相当高，郎士宁和艾启蒙使用的是中国的软笔，却按西画的透视和光感等技巧，把花卉的形态、犬的形态和神态表现出来，体现了高超的写生功夫和创意能力，画得相当精细，栩栩如生，立体感极强。比如犬的毛是单笔渐入，虽然用的不是画油画的油彩，却根根呈现，逼真到让人忍不住触手去摸，这种透视效果在这两幅册页中充分体现出来。这些技法对后来中国画的发展都有很大的影响。
《十全十美》图共包括10只名犬和10幅名花。在中国，“十”是个非常吉祥的数字，中国人早已赋予其“圆满”和“完整”的深刻含义。十犬亦即十全，犹言至善；《花卉册》选绘十种珍贵花卉，意指十美。艾启蒙和郎世宁借助融汇中西文化文化美好寓意的数字和形象， 以中西艺术合壁的绘画方式表达了美好祝福。而《十全十美图》之所以有很高的收藏价值，是因为复制郎士宁和艾启蒙的作品，非常稀少。尤其是郎士宁的《花卉册》和艾启蒙的《十骏犬图》册页，深藏故宫三百多年，鲜为人知，这次复制也是头一遭走出“深闺”。《十全十美图》无论尺寸、质地、色彩，都一一按原作复制，达到了国内先进水平，使人们能感到有如真迹般的满足。

⑩ 美术作业：

1.《蒙娜丽莎》、《《日出-印象》、《红屋顶》、《蒙特马尔大街》、《林中浴女》、《向日葵》、《芭蕾恋曲》等等，太多了
2.（是说艺术三杰吧）1达芬奇
列奥纳多·达·芬奇（1452－1519）意大利文艺复兴时期最负盛名的美术家、雕塑家、建筑家、工程师、科学家、科学巨匠、文艺理论家、大哲学家、诗人、音乐家、和发明家。正因为他是一个全才，所以他也被称为“文艺复兴时期最完美的代表人物”他生于佛罗伦萨郊区的芬奇镇，卒于法国。壁画《最后的晚餐》、祭坛画《岩间圣母》和肖像画《蒙娜丽莎》是他一生的三大杰作。这三幅作品是达·芬奇为世界艺术宝库留下的珍品中的珍品，是欧洲艺术的拱顶之石。
2拉斐尔
拉斐尔（1483～1520）意大利画家。1483年4月6日生态好行于乌尔比诺 ，1520年4月6日卒于罗马 。原名拉法埃洛·圣乔奥 。他的一系列圣母画像，和中世纪画家所画的同类题材不同，都以母性的温情和青春健美而体现了人文主义思想。其中最有名的是《带金莺的圣母》（藏佛罗伦萨乌菲齐美术馆）、《草地上的圣母》（藏维也纳美术史博物馆）和《花园中的圣母》( 藏卢浮宫博物馆）。1512～1513年绘成的大型油画《西斯廷圣母》，人物形象和真人大小相仿，由圣母、圣徒组成的三角形构图，庄重均衡，圣母和耶稣的体态健美而有力量，表现了母爱的幸福与伟大。另一幅更为高大的是祭坛画形式的《福利尼奥的圣母》和稍后创作的《椅中圣母》《阿尔巴圣母》，都堪称是他完美无缺的作品。1509年后，他被罗马教皇尤里乌斯二世邀去绘制梵蒂冈皇宫壁画，其中签字厅的壁画最为杰出。这批遍布大厅四壁和屋顶的绘画，分别代表了人类精神活动的4个方面：神学、哲学、诗学和法学，作品除发挥了他特有的绘画风格外，还特别注意到了绘画表现与建筑装饰的充分和谐，给人以庄重显明、丰富多彩之感。这期间重要作品还有为埃利奥多罗厅绘制的《埃利奥多罗被逐出神殿》和《波尔申纳的弥撒》，为火警厅绘制的《波尔戈的火警》和为法尔内西纳别墅绘制的《加拉泰亚的凯旋》等。这些作品的形象塑造和光色运用都达到了新的境界，被誉为古今壁画艺术登峰造极之作。他的肖像画也有很高成就。特点是形神兼备，气韵盎然。多采用微侧半身姿态，将背景隐去，唯以人物自然亲切的神态突出于画面 。代表作为《卡斯蒂廖内像》和《披纱女子像》。
3米开朗基罗
米开朗基罗·博那罗蒂（1475－1564），意大利文艺复兴时期伟大的绘画家、雕塑家和建筑师，文艺复兴时期雕塑艺术最高峰的代表。1496年，米开朗基罗来到罗马，创作了第一批代表作《酒神巴库斯》和《哀悼基督》等。1501年，他回到佛罗伦萨，用了四年时间完成了举帆哗世闻名的《大卫》。1505年在罗马，他奉教皇尤里乌斯二世之命负责建造教皇的陵墓，1506年停工后回到佛罗伦萨。 1508年，他又奉命回到罗马，用了四年零五个月的时间完成了著名的西斯廷教堂天顶壁画。1513年，教皇陵墓恢复施工，米开朗基罗创作了著名的《摩西》、《被缚的奴隶》和《垂死的奴隶》。1519－1534年，他在佛罗伦萨创作了他生平最伟大的作品——圣洛伦佐教堂里的美第奇家族陵墓群雕。1536年，米开朗基罗回到罗马西斯廷教堂，用了近六年的时间创作了伟大的教堂壁画《末日审判》。之后他一直生活在罗马，从事雕刻、建筑和少量的绘画工作，直到1564年2月18日逝世于自己的工作室中。
3.邮票诞生（一）在邮票问世之前

邮票是近代邮政的产物。而邮政的历史，比邮票长得多。早在2000多年前，我国周朝就已有邮政机构，那时称务邮或驿，合称邮驿。孔子曾说过：“德之流行，速于置邮传命。”此种邮驿制度延续了2000多年，一直保持到1912年才取消。

我国古代邮驿只传递政府的公文和军报，是不收邮费的，用不着发行邮票。但是为了辨别真伪，保证传递的准确、安全，历代都规定了牌符制度，用牌符证明所传的文书是真的。周代用竹符，汉代用铜符，唐代用银符，宋代用木牌，涂漆写字袜亏，有金字牌、青字牌、红字牌等。金字牌，一天行400里，只有传递敕书和军事机密文件才使用。J135《中华全国集邮联合会第二次代表大会》纪念邮票。邮票图案是战国时期的虎节。虎身上有铭文“王命命传凭”，意思是传递王命，供应车马和饮食。这种虎节和虎符一样，一分为二，一半发给传递军事文书的信使，另一半发给驿站或关卡，以查验是否符合，判别真伪。

清代还有一种排单制度。驿站传递公文或军报都附粘“排单”或“火票”，沿途各站均须填明到达日期和时刻，查核有无延误。1904年（清光绪三十年）12月28日湖南沅州发到辰州的公文封套，粘连排单，填了到达各驿站的日期和时刻。

1906年（光绪三十二年）10月4日吉林到直隶（今河北省）的“将军火票”。
古代邮驿是政府办的，但不收寄老百姓的信件。老百姓要寄信件，只有靠熟人捎带，非常困难。明朝永乐年间（1403-1424）开始出现了民信局，为民间传递信件。民信局是民办的商业组织，资本大的，在各地设立分局、联号或代理店，形成一定地共有通信网；资本小的，则与其他民信局建立联系，互相接递信件。民信局除捎运信件外，还办理包裹、汇兑等业务。民信局没有统一的收费标准，也没有统一的邮票。民信局收寄信件的收费方式亦不完全一样。有预收的，亦有信件收到时由收信人付费的。收寄费用，有的叫酒资或酒力，也有叫号金的。民信局收寄信件的收据。
欧洲的情况与我国相似。2000多年前的希腊历史学家希罗多德曾赞扬驿夫说：“不论雨雪风霜，不论酷暑严冬，还是黑夜，都不能阻挡信使迅速完成他们的邮班。”当时邮政是国王的特权，是为王家和朝臣寄送信件和传递信息的。以后商业发达了，邮政才逐渐发展到供商人使用。到了中世纪，欧洲有一些教会、学校、商行开始经营送信业务，为一般群众寄送信件。那时民信局送信，不预收邮费，而是在信送到后才向收信人收取邮资。
17世纪中叶，法国民信局已很发达。年，在巴黎有一位名叫德.维拉叶（MONSIEUR DE VELAYER，后为伯爵）的人建立了一个“小邮局”，收寄巴黎市区范围内的信件。他向用户出售一种纸片，上面印有“邮资已付”字样。寄信人把这种纸片贴在信封上，投入信箱。“小邮局”定时开启信箱，把信投交收信人。德.维拉叶创造的“邮资已付”的纸片，可以说是现行邮票的雏型。可惜他所创办的‘小邮局“不久便停办了。他发行“邮票”、预收邮费的办法也没有坚持下来。到了1814年，撒丁尼亚王国（在今意大利境内）,才重新采用德.维拉叶的办法，发行了一种“邮戳纸”（STAMPED PAPER），作为预付邮资的凭证，在各地邮局出售。寄信人把它贴在信封上，便可将信寄出。邮资是根据传递路程计算的。当时“邮戳纸”有三种面值，即15分、25分和50分。50分的“邮戳纸”为八角形，图案是信差骑在马上，吹着号角，奔驰送信，用蓝色印在光滑的白纸上，纸内印有水印。这种“邮戳纸”发行量很大，但实行时间很短，遗留下来的很少。因图案中的信差似骑士，集邮者称它为“骑士”票，视为珍品。

18世纪未叶，欧洲许多国家先后实行国营邮政，业务有所发展，但是仍照民办信局的办法，向收信人收取邮费。邮费仍按路程计算。但因当时有些国家本身并不统一，各邦币制不同，互相折算，非常困难。国营邮政，被作为财政来源，邮费昂贵，人民负担不起。据传说，1835年，英国大不列颠岛上有一位年轻美丽的姑娘，远近闻名，向她求婚者很多。求婚者纷纷写信给她，表示爱慕之情。姑娘每天收信数十件，所付邮资很多，不堪负担。于是她拒收信件，不付邮费。当时象这样拒收邮件的事很多。邮局传递信件，收不到邮费，受到不少损失。

还有一个传说，1838年的一天，英国有位名叫罗兰.希尔（SIR ROWLAND HILL，后为爵士）的人在伦敦乡间散步。他见到一位信差把信送给一位姑娘。姑娘瞧了一下信封，便把信还给信差，抱歉地说：“对不起，我没有钱，付不起邮资，请把信退回去吧！”信差不答应，两个人争执起来。罗兰.希尔上前劝说，代付了邮资，把信交给了那位姑娘。信差走后，姑娘对罗兰.希尔说：“这封信是我哥哥寄来的。我们预先约好，他平安无事，就在信封上画个圆圈，我看到这个记号，知道他平安无事，就不必收信，邮费也就不付了。”罗兰.希尔听了姑娘的话，深有感触，立志研究改进邮政传递纳费的办法。
邮票诞生（二）世界上第一种邮票诞生

罗兰.希尔在1835年就开始研究邮政问题。他发现，英国提高邮资，国家邮政收入反而减少；而法国降低邮资，却使信件增多、邮政收入增加。他进一步研究发现，英国邮政收入减少的原因，是大多数信件到投递时才收费。而许多收信人拒收信件，不付邮费，当信件退回时，寄信人也不会付费。邮局信差白跑了两趟路，分文没有。更明显的是，按传递路程计费，邮资偏高。那时英国邮政规定，从15英里以内单页信函收取邮费4便士，到700英里以上收取17便士，其间共分14级。罗兰.希尔通过调查发现：一封信从甲地送到乙地，其运费是很少的。例如，自伦敦到爱丁堡400英里，一封信的邮费不过是1/36便士。但是同一信函，运到较近的地方，因为数量少，分担的运费反而多。所以罗兰.希尔得出结论说：“信函按路程远近，收取不同的邮资，表面上看来似乎是合理的，实际毫无根据。如果邮费多少与信函收寄、运转、投递的成本成正比例，伦敦收寄本地投递的一封信收费2便士，则伦敦寄到爱丁堡的信，加收邮费1/36便士，便足够两地之间的运输费。试问这样微小数目的钱如何收取？”于是，他提出了一项改革办法。即在大不列颠和爱尔兰范围内，信件不论远近，都收取固定的邮费，每半盎斯（英两）收邮费一便士。所有邮费都须预付。各邮局出售一种表示“邮资已付”的“印花”的信封和封皮纸。为了方便那些不愿使用邮局印刷的信封而用自己的信封的寄信人，邮局另外出售一种表示“邮资已付”的“印花”纸片。纸片大小与“印花”差不多，背面上胶，稍加润湿，即可贴在信封上。那时罗兰.希尔称这种纸片为“标签”，实际就是我们现在所说的邮票。

1837年1月，罗兰.希尔写信给梅尔蓬勋爵政府，提出他的建议，但没有结果。他又出版一本名为《论邮政改革：其重要性和实践》（POST OFFICE REFORM：ITS IMPORTANCE AND PRACTICE）的小册了。当时的邮政总局局长列支菲尔特勋爵（LORD LICHFIFLD）对罗兰.希尔的建议竭力反对，并指责说：“我所有听到或读到的荒唐无稽的计划中，这是最为突出的一个。”后来，罗兰.希尔再次出版他的小册子，并改为公开发行，引起舆论界的注意，反应极为强烈。1837年11月23日，英国下议院任命一个委员会调查这个问题，1838年7月17日通过信函每半盎斯2便士的“均一邮资法案”，但政府表示反对。1839年7月17日，下议院通过政府预算时，把信函每半盎斯2便士的邮资列入预算通过。1839年12月5日，财政部把信函邮资定为每盎斯为4便士，即原来规定的最低资费，作为过渡，到1840年1月10日起实行罗兰.希尔建议的信函不论远近，每半盎斯一便士，即一便士邮资制。

财政部委任罗兰.希尔到该部工作，执行他的改革邮政的计划。1839年，罗兰.希尔委托威廉.墨尔莱台（WILLIAN MULREADY）设计信封和包封纸。“邮票”是采用了帕金斯的雕刻版印制方法印制出来的。

帕金斯（JACOB PERKINS）是美国马萨诸塞州人，机械发明家。他于1819年发明了轮转印刷机，能用雕刻铜版印刷钞票。

1839年12月罗兰.希尔与帕金斯的公司签订印刷邮票的合同。

邮票中间的图案是当时的维多利亚女王的肖像。享利.科普尔特（HENRY CAUBOULD）选用了皇家造币厂W.惠恩为纪念1837年女王首次访问伦敦城所作奖章上肖像而设计的。查利.希恩和弗莱杜立克.希恩负责雕刻印模。图案上端中间有“邮资”（POSTAGE）字样，左右两角是交叉十字图形。下端中间是面值“一便士”（ONE PENNY）或“二便士”（TWO PRNNY）；左右两角是大写英文字母。

英国1840年5月6日发行的“黑便士”邮票。这是世界上首次发行的邮票。

英国原来规定自1840年1月10日开始实行一便士邮资制度，但是到了1月，信封、包封纸以及邮票都未准备就绪。于是临时改用在信封上加盖“手戳”来作“邮资已付”的证明，一直用到1840年5月6日。英国1840年发行的邮票共有两种面值，1便士邮票，黑色，集邮者称为黑便士邮票；2便士邮票，蓝色。邮票用白纸印刷 。为了防止伪造，纸里有小皇冠水印。当时只有英国发行邮票，可以说是独树一帜。

当时为了宣传使用邮票，一大张1便士邮票周围留有空白，印着“每枚售价1便士，每排12枚，售价1先令；每一整张售价1英镑。请把邮票粘在信封右上方。沾湿背面，注意别除去粘胶”等字样。当时没有打孔机，每枚邮票周围没有齿孔，邮局出售单枚邮票时要用剪刀把各枚邮票剪开。

罗兰.希尔原来认为，大多数寄信人喜欢购用邮局印制的带有邮票的信封（类似现在的“邮简”）和包封纸。而事实上，大家喜欢购用邮票，并且很多人感觉新奇，整张整张购买。结果邮票供不应求，印刷工人夜以继日地赶印，才满足需要。据统计，从1840年5月6日到1841年1月共售出黑便士邮票7200万枚。
邮票诞生（三）邮票创始人罗兰.希尔

罗兰 .希尔（1795-1879）是英国教育家，邮票的创始人，1795年12月3日出生于基德明斯特。他17岁时开始在其父开设在伯翰希尔托普的学校里教授数学。1827年罗兰.希尔迁到托顿汉姆（TOTTENHAM）市布鲁斯堡（BRUCE CASTLE）的学校任职，1833年因病退职。布鲁斯堡1928年被作为英国邮政博物馆。

1842年，英国自由党政府下台不久，罗兰.希尔被解除在财政部执行改革邮政计划的任务。为了补偿他的损失，表扬他的劳绩，国家赠予他一笔款子。后来，自由党重新执政，他被任命为邮政总局秘书，1854年升任邮政总局高级秘书。他管理邮政有方，提高了通信能力。在1838-1864年间，收费函件从7600万件增加到64200万件。1864年罗兰.希尔退休，国会给他补助金2万英镑，并保留他的年薪2000英镑，作为退休年金。1879年8月27日，罗兰.希尔在汉姆斯特德（HAMSTEAD）逝世，葬于西敏寺。
4.关于路灯，不知道哎。。。
5. 对比色是人的视觉感官所产生的一种生理现象，是视网膜对色彩的平衡作用。
在色相环中每一个颜色对面(180度对角)的颜色,称为"对比色(互补色)".把对比色放在一起,会给人强烈的排斥感.若混合在一起,会调出浑浊的颜色 对比色的弱化效果.如:红与绿,蓝与橙,黄与紫互为对比色。 冷暖色指色彩的冷暖分别。色彩学上根据心理感受，把颜色分为暖色调（红、橙、黄）、冷色调（青、蓝）和中性色调（紫、绿、黄、黑、灰、白）。在绘画、设计中，暖/冷色调分别给人以亲密/距离、温暖/凉爽之感。红、橙、黄色常使人联想起东方旭日和燃烧的火焰，因此有温暖的感觉，所以称为“暖色”；蓝色常使人联想起高空的蓝天、阴影处的冰雪，因此有寒冷的感觉，所以称为“冷色”；绿、紫等色给人的感觉是不冷不暖，故称为“中性色”。色彩的冷暖是相对的。在同类色彩中，含暖意成分多的较暖，反之较冷。
6.传统年画以木刻水印为主，追求拙朴的风格与热闹的气氛，因而画的线条单纯、色彩鲜明。内容有花鸟、胖孩、金鸡、春牛、神话传说与历史故事等，表达人们祈望丰收的心情和对幸福生活的憧憬，具有浓郁的民族特色与乡土气息。
中国著名的三大“年画之乡”是：苏州桃花坞，天津杨柳青，山东潍坊。这些地方所生产的年画深受城乡人民喜爱。
各地对年画的称谓南辕北辙，北京叫“画片”、“卫画”，苏州叫“画张”，浙江叫“花纸”，福建叫“神符”，四川叫“斗方”……不一而足。今天，各地对年画逐渐约定俗成地简称为“年画”。
年画是中华民族祈福迎新的一种民间工艺品，是一种承载着人民大众对未来美好憧憬的民间艺术表现形式。历史上，民间对年画有着多种称呼：宋朝叫“纸画”，明朝叫“画贴”，清朝叫“画片”，直到清朝道光年间，文人李光庭在文章中写到：“扫舍之后，便贴年画，稚子之戏耳。”年画由此定名。
年画画面线条单纯、色彩鲜明、气氛热烈愉快，如春牛图、岁朝图、嘉穗图、戏婴图、合家欢、看花灯，胖娃娃等，并有以神仙、历史故事、戏剧人物作题材的。颇多作为门画张贴之用，夹杂着“神只护宅”的观念，如“神荼郁垒”、“天官”、“秦琼敬德”等，体裁（或形式）有门画（独幅和对开）四屏条和横竖的单开独幅等。宋代已有关于年画的记载，目前见到最早的一幅木版年画是南宋刻印的《隋朝窈窕呈倾国之芳容》。清代中期，尤见盛行。建国后，年画在传统的基绌上推陈出新，丰富多彩，更为人民群众所喜爱。
年画艺术，是中国民间艺术的先河，同时也是中国社会的历史、生活、信仰和风俗的反映。每逢过农历新年时买两张年画贴在大门上，差不多每家都是如此，由大门到厅房，都贴满了各种花花绿绿、象征吉祥富贵的年画，新春之所以充满欢乐热闹的气氛，年画在这里面起着一定的作用。大抵比较富厚人家，在厅房总喜欢悬挂老寿星、紫微星、福、禄、寿等。至与梅兰竹菊等花鸟图，自然亦在欢迎之列。
千百年来，年画不仅是年节一种五彩缤纷的点缀，还是文化流通、道德教育、审美传播、信仰传承的载体与工具；也是一种看图识字式的大众读物；对于那类时事题材的年画，还是一种百性喜闻乐见的媒体。这种内容够得上网络全书式的民间艺术，包蕴着一个完整的中国民间的精神。
年画又是一部地域文化的辞典，从中可以找到各个地域鲜明的文化个性。这些个性因素，不仅在题材内容里，从各个年画产地习惯的体裁、用色，线条及其不同的版味，也能一眼识别出来。由年画可以认识全部的中国民间。
[编辑本段]【起源和发展】
年画起源于古代的门神画，而门神画早在尧舜时期就出现。据东汉《独断》记载，汉代民间已有门上贴的“神荼”、“郁垒”升像。现存最早的年画是宋版的《随朝窈窕呈倾国之芳容》，画的是王昭君、赵飞燕、班姬、绿珠，习称《四美图》。
另一说：始于唐代。沿至宋代才普遍流行，但仍以张贴门神为多，故年画可以包括门神在内。
明初年间，日本人曾在甘肃发现两种宋朝的年画：一幅就是《四美图》，都作高客长袖的宫装；另一幅是灶王爷和关圣帝君。两幅画上都盖有“平阳姬家雕郎”的店铺字样，足见在宋时人物年画已具规模。
由于朱元璋提倡过新年要贴春联，这样发展下来，年画也就特别发达起来。今日被保存下来的，还有明万历年间最流行的彩色套印的木刻福绿寿三星图、天官赐福图等，刻工颇精致，迄今仍为民间所师法。还有实用的历画，如：春牛、灶马、芒神等；更有历史故事的“孟母教子”、“岳飞枪挑小梁王”。“牛郎织女”，“白蛇传”等。至于三国演义、水浒等古典文学名著，也被采用作年画题材。及至明末崇祯间，天津杨柳青的年画极为驰名，图画内容也愈见丰富。
清代人才辈出，年画的题材更加广泛，除了人物、花卉、山水等艺术作品外，还有“老鼠嫁女”、“王婆骂鸡”等讽喻画，以及用歇后语构成的连环图画，予人以一种幽默感。印制方面亦有各种各样，有木板、有石印、有胶版、有国画、有水彩、有图案、有单线平涂。有炭彩、有仿古、有创作，甚至有翻印西洋画的，例如姑苏年画中之“西洋之剧场”就是。
民间年画、门神，俗称“喜画”，旧时人们盛行在室内贴年画，户上贴门神，以祝愿新年吉庆，驱凶迎祥。年画是中国民间最普及的艺术品之一，每值岁末，多数地方都有张贴年画、门神以及对联的习俗，以增添节日的喜庆气氛。年画因一年更换，或张贴后可供一年欣赏之用，故称“年画”。
年画是中国的一种古老民间艺术，和春联一样，起源于“门神”。据《山海经》载称：唐太宗李世民生病时，梦里常听到鬼哭神嚎之声，以至夜不成眠。这时，大将秦叔宝、尉迟恭二人自告奋勇，全身披挂地站立宫门两侧，结果宫中果然平安无事。李世民认为两位大将太辛苦了，心中过意不去，遂命画工将他俩人的威武形象绘之在宫门上，称为“门神”。东汉蔡邕《独断》记载，汉代民间已有门上贴“神荼”、“郁垒”神像，到宋代演变为木板年画。后来，民间争相仿效，几经演变，形成了自己的独特风格，便是现在的年画了。中国现存最早的年画是宋版《隋朝窈窕呈倾国之芳容图》。
民间年画是中国民间美术中较大的一个艺术门类，它从早期的自然，崇拜和神祗信仰逐渐发展为驱邪纳祥、祈福禳灾和欢乐喜庆、装饰美化环境的节日风俗活动，表达了民众的思想情感和向往美好生活的愿望。民间年画历史源远流长，有着较多的产地，流行也十分广泛，通俗普及，而且拥有大量的读者，曾经有过颇为兴盛的发展。无论是题材内容、刻印技术，还是艺术风格，都具有自己鲜明的特色。它不仅对民间美术的其他门类曾产生深远的影响，而且与其他绘画形成相互融合成为一种成熟的画种，具有雅俗共赏的特点。
传统年画以木刻水印为主，追求拙朴的风格与热闹的气氛，因而画的线条单纯、色彩鲜明。内容有花鸟、胖孩、金鸡、春牛、神话传说与历史故事等，表达人们祈望丰收的心情和对幸福生活的憧憬，具有浓郁的民族特色与乡土气息。
中国著名的三大“年画之乡”是：苏州桃花坞，天津杨柳青，山东潍坊。这些地方所生产的年画深受城乡人民喜爱。
年画是中华民族祈福迎新的一种民间工艺品，是一种承载着人民大众对未来美好憧憬的民间艺术表现形式。历史上，民间对年画有着多种称呼：宋朝叫“纸画”，明朝叫“画贴”，清朝叫“画片”，直到清朝道光年间，文人李光庭在文章中写到：“扫舍之后，便贴年画，稚子之戏耳。”年画由此定名。
年画画面线条单纯、色彩鲜明、气氛热烈愉快，如春牛图、岁朝图、嘉穗图、戏婴图、合家欢、看花灯，胖娃娃等，并有以神仙、历史故事、戏剧人物作题材的。颇多作为门画张贴之用，夹杂着“神只护宅”的观念，如“神荼郁垒”、“天官”、“秦琼敬德”等，体裁（或形式）有门画（独幅和对开）四屏条和横竖的单开独幅等。宋代已有关于年画的记载，目前见到最早的一幅木版年画是南宋刻印的《隋朝窈窕呈倾国之芳容》。清代中期，尤见盛行。建国后，年画在传统的基绌上推陈出新，丰富多彩，更为人民群众所喜爱。
年画艺术，是中国民间艺术的先河，同时也是中国社会的历史、生活、信仰和风俗的反映。每逢过农历新年时买两张年画贴在大门上，差不多每家都是如此，由大门到厅房，都贴满了各种花花绿绿、象征吉祥富贵的年画，新春之所以充满欢乐热闹的气氛，年画在这里面起着一定的作用。大抵比较富厚人家，在厅房总喜欢悬挂老寿星、紫微星、福、禄、寿等。至与梅兰竹菊等花鸟图，自然亦在欢迎之列。
千百年来，年画不仅是年节一种五彩缤纷的点缀，还是文化流通、道德教育、审美传播、信仰传承的载体与工具；也是一种看图识字式的大众读物；对于那类时事题材的年画，还是一种百性喜闻乐见的媒体。这种内容够得上网络全书式的民间艺术，包蕴着一个完整的中国民间的精神。
年画又是一部地域文化的辞典，从中可以找到各个地域鲜明的文化个性。这些个性因素，不仅在题材内容里，从各个年画产地习惯的体裁、用色，线条及其不同的版味，也能一眼识别出来。由年画可以认识全部的中国民间。
[编辑本段]【起源和发展】
年画起源于古代的门神画，而门神画早在尧舜时期就出现。据东汉《独断》记载，汉代民间已有门上贴的“神荼”、“郁垒”升像。现存最早的年画是宋版的《随朝窈窕呈倾国之芳容》，画的是王昭君、赵飞燕、班姬、绿珠，习称《四美图》。
另一说：始于唐代。沿至宋代才普遍流行，但仍以张贴门神为多，故年画可以包括门神在内。
民间年画、门神，俗称“喜画”，旧时人们盛行在室内贴年画，户上贴门神，以祝愿新年吉庆，驱凶迎祥。年画是中国民间最普及的艺术品之一，每值岁末，多数地方都有张贴年画、门神以及对联的习俗，以增添节日的喜庆气氛。年画因一年更换，或张贴后可供一年欣赏之用，故称“年画”。
山东潍坊杨家埠的木版年画、 四川绵竹年画、江苏桃花坞、天津杨柳青在历史上久负盛名，被誉为中国“年画四大家”。
7.素描为一门独立的艺术，具有独立的地位和价值。
素描是其它艺术的必然基础，尤其是水彩，油画，版画，雕刻(浮雕)， 另外对平面设计，也是画草图的必要基础。素描虽然被视为是两度空间 的艺术，不需要颜色及第三度空间，却也同时暗示这两者。
素描是画家工作的最后成果，也可以作为复制或摹写的基础，但以它的 性质而言，它是独特的。虽然各种艺术不一定都要先绘出素描稿，但素 描却是一切观赏艺术的基础。在作画时往往预先勾出轮廓作为草稿，然 后用色彩渲染，当艺术作品完成时，素描稿常被掩没或销毁。因此，素 描只是一种技术准备。到14世纪末，素描不再仅是附属品，而成为一门 独立的艺术。它有着广泛的表现范畴：能表现体积、空间、深度、实质 和动作。文艺复兴以后，素描已不仅只有实用地位，而是成为能代表人 类创作能力的艺术品。