印像派花卉

Ⅰ 冬天穿羽绒服，尽量避开这3个款式，显土还显胖，一点都不好看

导读：冬天穿羽绒服，尽量避开这3个款式，显土还显胖，一点都不好看

各位点开这篇文章的朋友们，想必都是很高的颜值吧，我们真的是很有缘哦，我每天都会给大家带来不一样的 时尚 资讯，如果对我的文章或者其他的什么，有什么一些意见的话欢迎在下方积极评论哦，我每条都会认真看的。那么本期的内容是：冬天穿羽绒服，尽量避开这3个款式，显土还显胖，一点都不好看

在 时尚 界，当谈到羽绒服时，总是有两个完全不同的极端：一个是每个人都假装在这个世界上没有这样的单一产品类别。无论如何，羽绒服看起来都一样，保暖和防寒是关键。

大家都知道这意味着什么！就像我去优衣库一样，我总是有回到过去的幻想。这件羽绒服五年前是什么样子，现在又是什么样子！

因此，有人说，无论您是名人还是路人，从冬天戴上羽绒服的那一刻起，就意味着您已经放弃了 时尚 和精致。

它具有a种的渣乱外观和超强的视觉破坏力。镜中专业的女明星无法握住它。变成泥泞的圈子也只需要几分钟。
另一种是“超级铁杆” 时尚 。当所谓的天才设计师和羽绒服出现在酒吧时，我脑海中存储的词汇已经不足以描述它。

例如，这种充满未来感的道具，在佩戴时可以穿越云雾。

另一个示例是法院式的羽绒服，层叠在每个人的想象力之上。

我只能说 时尚 只是一种欣赏艺术，我从不尝试拥有它。

也有印象派花卉模型，它们极为绚丽，散发着现代，强大和自然的灵魂自由。
这里的人应该说，不，那些羽绒服海报或街拍很时髦！

让我为您分析一下：就迟盯像这条街拍一样，从颜色的上下连接到使用内部绑带划分上半身和下半身的比例，如旦档再到上，下侧的较薄，没有问题。但是，赤脚+凉鞋+薄运动裤，几乎是两倍，我只是想着就颤抖了。

还有一条裸露的羽绒服，看起来很时髦，但是这种外观经常出现在产品的主画面中，如果真的穿破了，那就麻烦了。
在有限的空调房间里，这确实更加 时尚 。此外，只有这三个词才能解释一切：不！
换句话说，如果这种情况允许，为什么还要穿羽绒服呢！

那么，冬天穿羽绒服是否与 时尚 完全隔绝了？事实上，只要您对期望没有太大的期望，再加上一定的选择和搭配技巧，仍然可以穿得漂亮。
毕竟，我们一直在抱怨羽绒服，但是每次我们都把它们拒之门外并穿上它们。冬天穿大衣会让我们累。

那么，今天，我将就这个话题与您谈谈：如何在保暖的前提下选择一款相对 时尚 的羽绒服，使其与 时尚 和精致相搭配？

您可能会误会，羽绒服无论如何，穿上它只是一个视野，既不显示身高，也不显示身材，只注意羽绒/羽绒的数量，花这么多钱有什么用？
但是事实却与您的想法不同，无论羽绒服的上身是否肿胀，是时髦的黑洞还是时髦的武器，如果您掌握以下小细节，至少会不会让你看起来难看穿。
1：选择合适的毛刺

当我还是个孩子的时候，当我裹着围巾并戴着毛线帽时，我很钦佩成年人的衣领上的毛刺，感到温暖和舒适。长大后，我意识到对于女孩来说，毛边是装饰比保暖和防风要有效得多。
如果希望羽绒服看起来不错，则必须首先查看原始边缘的纹理和颜色。这不是一件昂贵的羽绒服。原始边缘看起来质量很高。

我随机发现一件羽绒服的价格范围为1999-2999，对于大多数人来说，这个价格被认为是购买前要仔细比较的，他们愿意在残酷的时候购买它，但是每个人都注意它的毛刺。看起来有点像劣质的人造羊毛吗？

有的。我没有找到。不仅仅是质地便宜。它是交错的棕色和黑色杂色，看起来特别不干净。视觉上很容易呈现出不光滑的条纹/块状纹理。补脑：冬天我一周都没洗过头发。我了解到，这种原始边缘的纹理与身体相匹配时非常昂贵。
其次，原始边缘的颜色应与身体的颜色相协调，并且对整体感觉的影响也非常重要。

个人感觉（至少是不顺从的感觉）通常是相同的颜色或相邻的颜色匹配，例如，如果您购买一件白色羽绒服，如果它带有毛刺，则白色毛刺肯定会比其他颜色的毛刺好看。观察左右比较表，结果一目了然。
同一颜色系统或相邻颜色系统的颜色匹配总体上将更柔和，从而减弱颜色冲突感，并与羽绒服的柔软蓬松质感保持一致。

当然，并不是每个人都喜欢这种在原始边缘和身体之间具有融合感的风格。然后，我建议您选择相对较大的颜色对比度，例如纯黑色和纯白色，这也比较高级。
2：选择合适的切面
羽绒服是否可以穿上高质量和 时尚 感，剪裁非常重要。它与整体穿着感觉和风格有关，主要体现在两个方面：腰部和袖子的剪裁。
首先让我们看一下轮廓羽绒服。
不要相信轮廓/宽松羽绒服不会影响您的身材，尤其是带有膨胀感的加大码羽绒服。这些羽绒服的款式基本上并不太注重剪裁。

请参阅古丽·纳扎（Guli Nazha）机场的这张照片。如果我不说她是娜莎，那么有些人真的不认识。感觉像是大量的Roshan正在慢慢靠近，想着自己，Nazha已经戴上了这种效果。如果您是1.5 / 2 Naza，那不是高山，而是大海。

还有周冬雨和吴昕，身穿特大型羽绒服的小个子也很难穿时髦又时髦，基本上吞咽着气质和干净利落的气息。
请记住，如果您不是一个小脸，小头和长腿的女孩，请不要尝试剪影羽绒服。

同样，有一套面包服，除非满足以上三个条件，否则它也是穿破的灾难片。

查看无轮廓羽绒服，将袖子折叠或将腰部折叠，必须将两个位置中的至少一个切掉，这显然会削弱weak肿的感觉。
3：选择合适的缝线
我不知道您是否仔细观察过。如果我们每天穿的羽绒服仅在外观上与众不同，则通常可以分为两种款式。

一种是夹缝线，什么是被子，就是被子对羽绒服的压力，由于羽绒的填充，大多数的羽绒服都会缝制缝线以防止羽绒流下来，带有with缝设计的羽绒服会在视觉上呈现出一种感觉The缝越小，格子块越多，给人以浓厚的乡村感觉。

大多数女性名人或 时尚 博主在选择羽绒服时，基本上只选择大缝的风格，简单的基本款式搭配得当，也可以穿出高端 时尚 感。

当然，the缝的小羽绒服不是不可能穿的，因为the缝的小羽绒服不会太蓬松，瘦小的女孩子可以穿在外套里面，与只穿外套相比，保暖性大大提高了。自身的体积相对较弱，因此即使在内部使用，也不会有肿胀和肿胀的感觉。

另一个是外观光滑的Parker羽绒服。
个人建议：如果您是一个穿外套，怕冷且不喜欢羽绒服的女孩，那么Parker羽绒服的外观必须比缝制缝的羽绒服好N倍。

不用说，就薄度而言，最会聚的黑色缝羽绒服比浅色Parker羽绒服具有更大的膨胀感。
简介：在如何穿羽绒服的方式上，头发的颜色具有很大的影响。

由于羽绒服本身很沉重，如果您的发色扩大了沉重的感觉，它自然会变得笨拙。因此您可以向Hyuna学习，搭配羽绒服的浅色发色应进一步改善亮度和 时尚 感超过一个级别。

另外，我个人不建议您购买任何户外羽绒服，虽然它的防风保暖性比普通款强，但它的风格基本上与 时尚 隔绝了。

羽绒服有没有基本的搭配公式？自然地，有些搭配，例如宽顶和窄底，内部开裂等，但它们基本上是烂的，我不需要炒米饭。
今天，我将主要讨论两个通常不为他人所用的实用设备。
1：配件

您是否曾经以为过路人也是人类，那么为什么名人/博主穿羽绒服并且看上去比我们更 时尚 ？
因为当他们穿羽绒服时，会增加一些东西：太阳镜和帽子。

有人可能会认为在冬天戴墨镜很愚蠢吗？请记住，现在是9012，在装扮和配戴上没有必要如此严格，此外，您还可以参考明星机场的照片。戴上墨镜，整个人的光环都不一样。

如果由于某种原因不能戴墨镜，那就给自己戴上帽子，戴羽绒服时一定不要错过精致的帽子，独特的帽子是重点，当然这里的帽子并不是指自己的帽子帽子，也不是毛线帽子，最好戴上 时尚 的大礼帽。
与上面的图片相比，宽檐大礼帽与羊毛礼帽相比在 时尚 方面总体上改善了感官。
2：使用下来建立内部

关于这一点，我实际上在上面已经简要提到过，例如，Cuckoo在羽绒服外面添加了轮廓感毛衣，这确实让人感到意外。

我去年还特别喜欢街头风格的牛仔布+羽绒，唯一的缺点是帽子的衣领和下摆不是很耐污渍，需要经常更换（所以也不要买）价格昂贵，在家洗机不会受伤）

另一个是风衣/大衣，一件适合身体的薄毛衣就足够了。
制作羽绒服时，通常会选择苗条的羽绒服或带有密集缝的羽绒服。原因是它不会膨胀，可以隐藏。

当然，羽绒背心最好内置在里面，保暖效果也非常令人满意。

在这里，我个人推荐一套日常最通用的服装，即中长款羽绒服+紧身裤+膝盖靴，这也是我最喜欢的穿衣习惯，不仅保证足够的耐寒性，而且整洁，足够 时尚 。

Ⅱ 评价莫奈的睡莲

印象派大师莫奈晚年花 29 年创作了《睡莲》系列。关于睡莲，你可能有个疑问，怎么好像世界各地都有这幅画？莫奈到底画了多少？真实数据确实很惊人，据统计，《睡莲》一共有 181 幅。
莫奈在晚年时，自己开凿了一个莲花池，每天对着这些花写生。他曾经说：「除了画画和种花，我这个人真是一无是处。」他特别喜欢种花，喜欢打理花园，并且坚持了一生。不管经济状况好还是坏，不管生活里遇到什么样的变故，甚至于当不幸来临，正是这件喜欢的事，支撑着他向命运发起挑战。
莫奈《睡莲》
所以，如果今天你沉迷于一件美好的事物，有人劝阻你不要玩物丧志。你不妨跟他谈谈莫奈。
回到刚刚的话题，莫奈为什么这么痴迷于画睡莲呢？作为一个艺术家，莫奈的前半生几乎都在和贫穷战斗，到了 50 岁，他终于买了自己的第一栋房子，他先打造了一个普通花园，但是不够，莫奈还喜欢水，喜欢东方文化，尤其是日本的浮世绘，于是又买了一块地，挖了池塘，种上从世界各地找来的睡莲，又跨越池塘，造了一座日本式的拱形木桥。这就是《睡莲》系列里的世界了。所以莫奈睡莲里的景色是真实存在的，就在今天的法国小镇吉维尼。
这个睡莲花园几乎成了莫奈的天堂。他凌晨三点就起床，一连几个小时坐在池塘边，观察睡莲和水、和风、和光线在一起千变万化的姿态。慢慢地，他开始酝酿画睡莲，有些当时就取得了轰动，但更多的其实一直藏在家中，「二战」后才又被发掘出来。
一位老人本来就该这样享受晚年了。但是，71 岁时，莫奈的妻子和长子接连去世，第二年，他又患上了白内障，很担心自己就要瞎掉了。这个时候莫奈开启了争分夺秒的状态，他找人修建了天花板透光的大画室，开始画巨幅的《睡莲》。到生命最后阶段，他几乎双目失明，要靠看颜料管上的文字才知道用的是什么颜色。所以，莫奈画了那么多睡莲，一是因为真的热爱，二是因为画睡莲代表了对自由的渴望，代表他生命中最后的激情。

Ⅲ 莫奈组画《睡莲》鉴赏

印象派油画大师克洛德.莫奈（Claude Monet，1840-1926年）

晨雾中，太阳从水面升起，影影绰绰的起重机，烟囱等勉强可辨，离前景最近的小船和船上的人亦仅是一抹剪影……灰色、带灰的橙色、浅紫色、黄白色的颜料铺满了画面，将东方日出、朝霞满天、水面上雾气蒸腾的景象以“印象”的手法表达，令“瞬间”浓缩成“永恒”，莫奈新鲜的尝试令人兴奋。

然而当时大多数观众并不能欣赏他的作品。记者路易.勒鲁瓦假借一位参观画展的专家之口，对展出的作品大大地讽刺挖苦了一番，在谈到《日出.印象》时说道：“毛坯的糊墙纸也比这海景更完善。”并且用“印象主义者”来称呼参展的画家——这就是画派名称的由来。

这个最初被当做笑柄的名称却得到了画家们的自我认同，雷诺阿的一个朋友在一篇文章中以简练的语言根括了“印象派”的特点：“依据其调子而不依据题材本身来处理一个题材，这就是印象主义者之所以区别于其他画家们的地方。”

无论在哪种意义上，莫奈都称得上是最纯粹的印象派画家。

人们说莫奈是印象派中的印象派，他的画作是印象派的象征，这些都不是夸大其词。之所以这样说，并非因为“印象派”一词因他的作品而起，而是指在这个画家群体中，莫奈始终执著于印象派的理想，在他漫长的一生中，始终坚持探索和研究光线的跃动投射在景物上所产生的微妙的变化，以及如何准确地将这种变化绘制成美丽的图画。

莫奈一生都爱花。“我会成为画家，也许是拜花所赐”，从中可以读出花卉在他生活中的意义。在那些贫困的日子里，他的居所也没有缺少花的环绕。

晚年的莫奈，在自己的寓所所经营了一个大花园，并且按照自己的设计在花园中建造了一个大画室。他是把多少心血投注到花园的建造上去了啊！而花园中的莲池亦成了莫奈艺术追求的最后寄托，他以极度的热情绘制着“睡莲”组画，睡莲组画印证了莫奈顽强的生命力度。在这片由浓烈的色彩构成的缤纷的世界里，睡莲成为色彩的魔幻载体，那些短暂的生命获得了永恒。

伟大艺术家的意义，不仅在于他们以杰作提示了人类精神生的丰富性，而且在于他们以自己的作品教给我们某种新的观后世界的方式，让我们对习以为常的世界产生惊异和敬畏。

莫奈的《睡莲》组画挑战了人的视觉经验，他每幅作品运用的色彩和笔法都不尽相同，因而可以说每一幅《睡莲》都有独特的生命。如果说那一池的浓绿还属于“有法可依”的话，而那些飘浮在蓝绿色之上的鲜艳的黄色、紫色、红色就绝对是超验的结晶。

有研究者认为莫奈的眼病改变了他的色彩感觉。他做过手术之后并没有让他恢复原有的视力，以致他作画时头要和画面凑得很近，常常要靠辨认颜料的标签来调色，尽管如此，某几幅《睡莲》画面上还是出现了“怪异”的色彩。但我宁愿相信这些不拘成法、汪洋恣肆的色彩的笔法来自于自由的心灵和对阳光的信任，艺术家一辈子的历练至此已达到随心所欲的化境，哪里还能有什么特定的规范、尺度可以束缚住他的手脚！这是物我相融的境界使然，这就是一片璀璨的焰火——一片永不会熄灭的焰火。

当他睁着浑浊的双眼，久久地坐在水边观看那一池心爱的植物，他已经获得了这些水上精灵的整体“印象”。

莫奈亲眼看到印象派胜利并享受到印象派成果的人，同时他一定也感受到某种痛苦，那就是印象派画家经过多年奋斗才得到社会承认的艺术理想，在他有生之年已经被一代艺术家所抛弃。

Ⅳ 《睡莲池塘》是莫奈什么时期作品

《睡莲》是印象派绘画最具代表性的大师克劳德·莫奈晚年的作品，以令人叫绝的技法，在垂直的平面上描绘出波光粼粼的水面向远处延伸的视觉效果。在大师的笔下，是纯绿色的，而花朵却像暗红的火焰。看似随意的彩色线条笔触柔美，似乎让水流动起来，又像是捉住了一瞬间水面似真似幻的光和影。参观者站在画旁，就如同伫立在池塘旁边，竟能领略到“接天莲叶无穷碧，映日莲花别样红”的唐诗意境。 印象派是19世纪法国最重要的画派，是西方绘画告别传统进入现代的标志。印象派这个名称得自于法国画家克劳德·莫奈(1840---1926)的作品《日出印象》，该作表现了日光在多雾早晨的美妙景象，用短促而有些零乱的笔法表现了雾气朦胧的意境，被当时保守的批评家嘲笑为“印象派”。莫奈是一个外省来的青年画家，在巴黎，他生活窘迫，艺术上受到主流的排斥，但是他顽强地坚持着，组织了印象派画家的多次展览，随着时间的延续他们逐渐得到了社会的承认。中年以后的莫奈在绘画上有了市场，经济状况大为好转。于是他在巴黎郊外的吉维尼村建造了一个人工的池塘，并引入河水，形成一个水上的花园。莫奈还在池塘周围种植了各种垂柳和花卉，在池塘里则繁殖了大量睡莲。在午后的阳光下，如镜子般的水面上，睡莲飘浮，这些异常的水生植物，大叶子向外平摊开来，和令人神往的花朵奇怪地移动着，西方的色彩、光线和东方的诗意情调在这里巧妙地交汇在一起。晚年的莫奈几乎将所有的精力都投入到了有关睡莲的创作当中去了。

莫奈展出了第一批12张睡莲池塘作品，当时作品中还有日本式的小桥，它从苍翠遮天的树丛中拱起，形象十分生动别致。1904年以后，莫奈又画了48张睡莲连作，这里已经没有了小桥，池内的睡莲更加简练,有的时候天空看不见，水画得很深沉。展览获得了巨大的成功，当时的评论家不再吝惜他们的赞美 ：“我们认为较早的那些组画不能够和这些非凡的池塘景色相比。它们把春天俘获到画廊里。淡兰和深兰的水，金液一般的水，反映着天空和池岸边的变化莫测的水，在倒影之中淡色的睡莲和浓艳的睡莲盛开着。绘画如此近似音乐和诗歌，谁曾见过?这些绘画中含有内在的美，精炼、深邃；是戏剧和协奏的美，是造型和理想的美。”晚年的莫奈视力越来越差，白内障几乎使他失明，但他仍然坚持作画，在风格上更加简洁、抽象，具体的花卉、睡莲都消融了，只有颤动的笔触和闪烁、跳跃的色彩，我们分不清哪里是水面，哪里是水底，哪里是倒影，作品具有东方式的梦幻气息。

有人认为莫奈晚年的睡莲题材过于单一，过于讲究技巧，不如他19世纪的作品那样有革新性。因此在他去世后他的池塘花园和画室长期空置，很少有人过问。然而在1950年以后，随着抽象表现艺术的兴起,人们逐渐认识到画家的睡莲实际上离开了印象派对自然的自然主义的描摹，走向了前人从未有过的自由的、主观的表现领域。画家在表现池塘时，将自己的意愿驾于自然之上，这无疑在艺术史上是很有突破的进展。如今法国政府在吉维尼村他的池塘边建造了一座圆厅型的博物馆，厅内四壁陈列着《睡莲》系列作品。这些作品环绕着观众周围，池水和莲叶无边无际，虚幻缥缈，让人们好像飘浮在水面上，十分奇幻和迷人，这也使博物馆成为了巴黎最重要的旅游景点之一。

Ⅳ 卫天霖的写生花卉的表现形式是

印象派与后印象派的融合。
卫天霖是中国二十世纪的油画家，在艺术上有独特的见解，运用独特的体裁及形式语言，表现了他内在的情感。从客观上讲卫天霖的艺术是对印象派与后印象派的继承，但追其根源，卫天霖的取裁则暗合了中国传统文人的选裁倾向。卫天霖的绘画语言是在学习印象派与后印象派的基础上，加上隐于其心中的古代文人所提倡的纯粹的审美态度而形成的。从画面上可以看出他的艺术是保守的印象派，在外光的表现上卫天霖的作品体现了对环境色与光源色的重视与表现，但由于对光色表现的差异性，形成了两者之间的不同之处。而印象派艺术中本身存在着的写意精神，暗合了隐于卫天霖心中对中国传统文化的迷恋，影响着他通过画面来传达自己内在的情感。而后印象派的表现性技法让他的画面充满了更多的激情，使他的画面有别于印象派的迷离效果，趋向于结实清晰的形体。在学习与研究外来艺术的过程中，卫天霖逐渐的形成了自己独特的形式语言。
对一个艺术家的研究应该是深层次多角度的，包括他的生活实践、师承关系、宗教传统、人文修养以及个性气质等因素，而其艺术本体的特征，是主体全方位的最直观的、最深刻的体现。本文运用文献研究、图像比较研究等方法，从艺术家作品的形式因素入手，对卫天霖艺术进行研究，在其艺术的形成原因、独特性及感情的表现等方面进行了初步的研究。卫天霖是中国二十世纪的油画家，在艺术上有独特的见解，运用独特的体裁及形式语言，表现了他内在的情感。从客观上讲卫天霖的艺术是对印象派与后印象派的继承，但追其根源，卫天霖的取裁则暗合了中国传统文人的选裁倾向。卫天霖的绘画语言是在学习印象派与后印象派的基础上，加上隐于其心中的古代文人所提倡的纯粹的审美态度而形成的。从画面上可以看出他的艺术是保守的印象派，在外光的表现上卫天霖的作品体现了对环境色与光源色的重视与表现，但由于对光色表现的差异性，形成了两者之间的不同之处。

Ⅵ 爱德华·马奈的代表作品

《吹短笛的男孩》
《吹短笛的男孩》，又称吹笛少年，1866年，160x98cm，布油彩，巴黎奥赛博物馆，爱德华·马奈。法国《吹笛少年》画中描绘的是近卫军乐队里的一位少年吹笛手的肖像。画家在探索形与色的统一时，注意到人物个性特征的刻画。在色彩上追求一种稳定的、几乎没有变化的亮面，然后突然转入暗部，将人物置于浅灰色、近乎平涂的明亮背景中进行描绘，用比较概括的色块将形体显示出来。在这幅画中没有阴影，没有视平线，没有轮廓线，以最小限度的主体层次来作画，否定了三度空间的深远感。杜米埃说过马奈的画平得像扑克牌一样。 自然主义作家左拉曾在这幅《吹短笛的男孩》面前赞叹道：“我相信不可能用比他更简单的手段获得比这更强烈的效果的了。”虽然现在看来，这幅画给人带来的震撼并未见得有多强烈。然而在马奈那个时代，这幅画的好处恰恰在于叛逆，不合当时的礼教。第一没什么内容，第二没有什么深意，就是个小男孩，什么都不代表，什么都不说明。而且马奈画的时候非常快，完全变革了以前的画法！当时官方沙龙展的评委们都不愿意收这幅作品，谁又想到100多年后，这幅画市值8亿人民币。
权威评价：19世纪60年代，刚刚摆脱第一任老师库图尔的权威的马奈，又遭到同时代人的不理解，他在沙龙中经历了好几次失败。他在室内作的与实体同样大小的人物绘画给人一种奇怪的印象，遭到许多批评，例如这幅《吹短笛的男孩》，被1866年的官方沙龙展的评判委员会拒绝。
这幅画表现一个皇家卫队的年轻轻骑兵正在吹短笛，是一种声音尖锐的木制小笛子，用于引导士兵投入战斗，笛子的名称成画的题目。由一儿童在画家的画室里扮演的乐师占据了画的中心位置。他清楚地显现在色调细微变化的灰底色上，画底没有给出一个确切的空间，仅仅给人一种空气在他的周围流动的印象。画家在他的肖像画中常常使用的这种中性的不可触知的背景，是受黄金时代的西班牙画家，尤其是贝拉斯克斯和牟利罗的启迪，马奈不久前去马德里旅行期间，对他们大加赞扬。由于想让被画对象看起来是孤立的，避免造成这是在游行或军事训练现场创作的印象，马奈没有加进任何轶事性背景成分。孩子、服装及短笛构成画的惟一主题。画是在画室的冷光线中完成的，这一点从投到地上的短影可以得到证实。
马奈很早就参军了，是一名水兵，他以怜悯的目光看着这个孩子兵，为因画画需要而穿上的这身行头感到骄傲。他的全部注意力都集中在这身由红、黑、白、金色装饰的完美军服和短笛的金色金属套上。用白色布带束住的乐管在男式紧身短上衣的深色呢绒上和裤子的茜红色呢上闪闪发亮，短上衣上饰有铜钮扣。紧束孩子的上半身的布带形成一道亮光，与白色的鞋罩相映衬。只有孩子的脸和手有生气，与有点僵硬、看不出细节的侧影形成明显的对照。马奈的同时代人指责这缺少厚度，处理过于简单，像是厄比纳尔城印出来的天真的民众像。背景与人物之间没有配景，也没有联系，这些也使人物显得不真实。人物用大色点处理，很像扑克牌上的人头像和日本的铜版画。马奈的《吹短笛的男孩》普遍受到好评，这幅画是马奈对很少被印象派画家画的军队主题的一个无视传统观念的挑战。
《女神游乐场的酒吧间》
“女神游乐场的酒吧间”无疑是马奈所曾画过的一幅最富于幻想性的作品。在这幅画上，他运用了他所拿手的光的表现效果，来创造站在柜台后面的女郎四周的幻象气氛。女郎面朝观者而立，但丝毫也不显得静止。装饰物、酒瓶、花瓶中的花，赋予了女郎的面貌以纯粹梦幻似的神采。这种效果借女郎身后的一面大镜子被无限扩展开来。镜子里可以看到女郎同顾客谈话，还可以看到坐在酒吧间各餐桌上的许多顾客。这一切全都是朦朦胧胧地表现出来的，使人似觉置身梦乡。以如此梦幻般的光影来再现现实，这是无论在马奈之前还是在马奈之后都没有人做到的。女郎形象的诱人之处正是在于：她使人们觉得她就是许多幻影之中的一个，这个幻影却充满着迷人的妩媚。 他在自己一生的最后几年里用色粉画了许多风姿绰约的妇女肖像，在这些肖像上既没有着重于他的风格特点的表现，也没有展示其印象主义的明暗效果，而只是满足于一般的欣赏感觉。
维多琳·默兰是印象派画家马奈及其同时代画家的模特，也许是19世纪最著名的面孔和身体。在马奈的画作《奥林匹亚》、《草地上的午餐》中，默兰或裸身躺在床上，或裸身坐在两个男人之间，目光坚毅、淡定还夹杂着些许傲慢，俨然不是被看者，而是一个以反维纳斯的姿态注视着观看者的色情故事的女主角。
1862～1874年间，马奈至少有九幅画以默兰为模特，但即使在《女人与鹦鹉》和《铁路》这样的非裸体画作中，默兰依然以惊人的坦率的目光凝望着世界。
《奥林匹亚》
《奥林匹亚》完成于1863年，1865年5月在沙龙(官方展览会)首次展出，但立刻遭到媒体挑衅的批评，乃至于被封杀，而马奈也被迫逃往西班牙——尽管这之前很多人都画过裸女。不难理解，封杀的理由就是因为默兰被看为看的注视表情颠倒了人们的性别政治。
默兰在不当模特后也尝试绘画，甚至跟马奈在同一沙龙展上展览过画作。1903年，她还成了法国艺术家协会的一员。不过这个生活淫乱的下层妇女，后来沦为酒鬼，她在绘画上似乎没能取得大的成就，其全部艺术工作也不见于同时代人的文字记录。默兰，湮灭在历史的幽暗部位。
默兰的形象逐步浮现出来了。她并非职业模特，她的脸部表情惯于瞠视世界，这也正是吸引马奈的地方。她边做模特边上绘画课，开始为杂志画插图，然后尝试架上绘画，并于1876年把自己的自画像“年轻女子的半身像”送沙龙展出，签名是“维多琳·默兰，马奈的学生兼模特儿，曾为《奥林匹亚》的模特儿”。原来，奥林匹亚并不是她的真名，而这次她需要以真名示人，并通过马奈获得身份认同。这张画曾于1930年拍卖。据调查，默兰经常出入艺术家聚居的蒙马特区酒吧，跳舞、酗酒，人们称她为“诱惑者”，但她却是个同性恋者。1879年，她完成“16世纪纽伦堡的布尔乔亚”巨幅画作。就是这张画与马奈的画同时参与了当年的沙龙展。
《白色牡丹花》
巴黎1832－1883
在印象派画家中，马奈被人看作是最伟大的静物画画家，尤其是花卉画画家，他生前主要有两个时期都在画花卉，即19世纪60年代中期和他一生的最后时期，由于病重，不能画大幅画，他便转向画静物，因为这样便于找原型。他对画花卉的兴趣产生于在博物馆学习期间，而他去博物馆的目的是竭力探寻古代绘画大师的秘诀。他在他妻子的故乡——荷兰旅行期间，研究表现花、水果和珍贵餐具的17世纪弗拉芒画家们的那些表现手法十分细腻的作品。这些东两摆在一块白色的台布上或地毯上，让人想起节日大餐和与西方的礼拜有关的菜肴。静物正如传统所定义的，从未被降低为对实物的简单模仿，而总是表达隐含的哲学思想或宗教思想。很多荷兰的画中出现完全成熟的花和水果，它们在堆积的材料和颜料下坍塌了，还常常与其他凋谢的花或被虫子吞食的水果并排着。实物的短暂的美只有通过画家的画笔才能够长久保留下来，提醒人们死亡的境遇。
1864年马奈有了丰富的参考材料，画了一系列表现牡丹的画，牡丹是他喜欢的花，但是很难画，因为它凋谢得早，花瓣雨一般地骤落。画家画了第一幅画，画中他把达到不同成熟程度的花放在一只花瓶中，这样表现牡丹从花蕾至花瓣凋谢的生命的周期。他又以同样主题画了一幅较小的画，画中只有两朵牡丹花，放在整枝剪旁，整枝剪子的出现令人想到剪下来的花是肯定要死亡的。画家选择的深色背景使轮廓朦胧的白色和粉红色的花瓣的娇弱得以烘托出来，画是用画笔挥洒而成，笔蘸的颜料多而浓，有质感。简明地放在花的周围的绿叶丰富了辅助色点的组成，把花的主题固定在画的左上角。这些数笔画在布上的花，是画家献给自然主义先驱，他的朋友，也是库尔贝的密友，作家和艺术评议家尚弗勒里的，以表达对他所做出的有利于现代绘画的斗争的敬意。
《酒馆女招待》
在其印象派朋友的影响下，1870年后马奈放弃了深颜色和传统的主题，采用浅色系列，并对来自当代生活的主题感兴趣。在这些主题中，咖啡馆占有重要地位。整个19世纪，是巴黎咖啡馆的盛世。咖啡馆的种类不同：酒店、啤酒店和为消费者提供歌舞表演的咖啡音乐厅。画家们在画室工作一天后，会去那里喝杯酒，抽抽烟斗，谈谈艺术或听听流行歌手的热门曲目。在那里他们有时也遇到一些模特儿。其实，咖啡馆是人员混杂的地方，社会各阶级的人都在那里出现，即使有单身女子(卖淫女的同义词)光顾也是勉强可以接受的。

与同时代的人一样，马奈经常光顾他所在区的咖啡馆，不管是考究的还是普通的。这些地方还给了他几幅画的创作灵感，他是巴黎蒙马特山丘脚下的赖赫兹罗芬咖啡歌舞厅的常客，他现场作些表现咖啡厅顾客和后边演出场景的速写。然后，他在画室里绘成一大幅画，他对绘成的画不满意，于是把它分切成两块。接着又住另一块布上画同样的主题，这便是奥塞博物馆的这幅画。该画也遭遇了相同的命运，三边都被切割，只有右边原封未动。为了表现咖啡歌舞厅里人满为患，烟雾弥漫，人声嘈杂的景象，画家将人物拉得尽可能的近，他们主要是五类人，代表经常出现在这种地方的各个阶层：一个女招待，一个身着蓝上衣的工人、一个资产者，人们只看见他头戴的大礼帽，一个妇女，一个女歌手。他们的面孔都被故意截去一部分，目的是给人一种这是自然一瞥所见或任意截断空间的快镜照片的印象。女歌手的身子只有一半，即使其他印象派画家，尤其是德加，也运用这样的手法，这仍然让人觉得怪异。除了女招待注视着观众，其他人的目光都投向女歌手那清晰地出现在舞台上的半透明的侧影。画家这是通过画中人物的目光来安排画面空间，以使画的前后景之间有一个相向联系。画中的人物像是给压平了。惟有女招待的面孔、啤洒杯、烟斗、黑色帽自子、分枝吊灯在整个有点朦朦胧胧的构图中清晰可见。为了使咖啡歌舞厅的气氛活跃，使灯光耀眼，马奈采用一种快速和刚劲有力的印象派画家的笔法，用平行或交叉笔法着色，这样的笔法不会留下任何勾勒轮廓的边线。
这幅画是马奈对表现现代生活场景的绘画感兴趣的特别见证，德加和雷诺阿主要就是描绘这样的场景。

Ⅶ 安德烈和印象派月季区别

区别在于安德烈月季是一种适合观赏的花卉植物而印象派月季是一个大型藤本月季。
1、印象派是一个大型藤本月季，它的高度可达到四米高，它搏袜念的长势强基困健、枝条也比较的硬，它的花大、花量也多。
2、安德烈好液月季花期持久，花朵有着浓浓的花香。是一种很适合观赏的花卉植物。安德烈月季的枝干挺拔直立，生长速度极快，有非常明显的藤本植物特点。

Ⅷ 后印象派画家梵高画过11幅向日葵，他画笔下的向日葵有什么特点

这些简单地插在花瓶里的向日葵展现出令人兴奋的光彩。梵高用重画的笔触作画，像雕塑一样，在浮雕上取一块黏土。黄色和泥土色调的色彩和技法都展现了一个充满希望和阳光的美好世界。然而，在画这幅作品的同时，画家拼命想要把握的世界却慢慢却无情地溜走了。也许这幅画的表面反映了他悲惨短暂的生命走向尽头的心理状态。

其实在这幅画中，不仅色彩、线条、透视、比例都面目全非，而且完全改头换面，以满足画家随意表现自己的需求。特点:在这幅作品中，我们再也看不到自画像中的短笔触。梵高的笔触坚定有力，将向日葵灿烂的光泽和饱满的轮廓刻画得惟妙惟肖。这件作品只由华丽的黄色组成。花瓣充满张力，桀骜不驯的线条，豪放恣意、扎实有力的笔触，在明亮灿烂的底色上构成不同的色调和气势，让向日葵展露心弦。从构图色彩上看，色彩饱满，有冲击力但不混乱，从形象上表达了向日葵的样子。有点抽象但一眼就能看出是向日葵。写实和抽象之间有很好的平衡，构图也很好，比例彼此和谐。

Ⅸ 油画 画花卉时注意什么其步骤是怎样的 （请内行人答）

看你要哪种风格的了。
现以印象派为例：
1、大致看一下你要画的光源。回
2、用碳素笔打稿，不要答用铅笔。
3、先分析一下你所画画面最亮的地方和最暗的地方；最暖的地方和最冷的地方。
4、碳素笔大好大致的稿，用深色笔再修一遍整体的位置。
5、不要太怕费颜色，先用大笔画出大色块；一笔下去不要频繁地改。
6、尽管都说要响亮些，还是要画太多的纯色；不会调就选要画颜色周围的颜色去调。
7、暗部要多换颜色，不要认为暗部就是黑和灰。
8、在你认为一块很纯的颜色里，要加入周围的颜色，这就是空气的作用。
9、笔触要有方向，这样当你偶尔变化时，才会起作用，这就是你的风格。
10、大块好了，要换小笔精修。如亮部、轮廓。
好了，建议不要画俗的花卉，如：牡丹、玫瑰、月季；尤其红艳的。
最后提醒，画到80%以后，这画就是你的了。不要在死盯着画了，那样就成照片了（无聊）。
那最后20%是你赋予画灵魂的时候了，你一定要自信，不要再被眼前的事物所干扰。