静物花卉临摹
㈠ 初中考高中美术基本常识[``艺体生]
先学几何.买书回来临摹.
注意透视和明暗.
学的还可以的时候就买静物书临摹.
觉得还可以了就写生.画画自己家里的瓶瓶罐罐.
等画好这些了.就去找个班跟着学.
但是一定要注意.一定要正确的.
有一些不好习惯,一旦养成,是很不好改的.
所以我劝你还是找个老师学.
打好基础了,在自己学.
素描，简而言之就是单色画。却又不尽然，毕竟素描涵盖与牵连的东西太多，解决的问题也太多，素描过程是同一时间要考虑许多问题的综合思维活动。当今美术院校各专业都把它作为基础课，虽然各专业的侧重点不同，油画重体积、调子，国画重线条，版画、设计重结构等；但素描的共性是差不多的。同时，素描作为独立的艺术种类，自有其独特的艺术价值，当然，专门的素描艺术家并不多，大都是兼职者，如诸位大师们，他们寥寥几笔的创作草稿就已经价值不菲，你根本不用分是基础性强的速写还是独立的艺术品。这些即便看似寥寥几笔的素描作品，其后面的功力也非常了得，有时随便一条起伏弯曲的线条，体现的却是艺术家对形体、结构、特征、节奏、韵味、艺术史的深刻理解与掌握，于其背后的艰辛也自然不言而喻了。
下面谈谈本人对素描的理解，又或者可以说是十几年来教与学的体会。下面几部分有内容上的交叉，这是素描的综合性决定的，每一部分只是素描综合体中的一个理解侧面，它们的关系是分解与重组。
1. 理解多少就能表现多少
总体来讲，素描是很理性的，素描的过程是脑、眼与手高度结合的人的活动。大脑是总指挥，充实的理性显得尤为重要；眼睛偏感性，生动、鲜活，但常常出现片面与误差；手只是实现脑眼商量的结果的工具，只要听话就行了，属于技术类（当然还有其它工具）。所以大脑要不断地学习与思考，只有思考才会有创新，会思考是人区别于动物的最大特征。首先，要学美术史，了解美术的发展过程，了解诸大师独特的成长过程、艺术理念、风格区别及技巧表达，经过不断评判思考后才能给自己正确地定位，促使自己更好地发展，从而避免茫然失措和重复浪费；学习素描就不能不学习达?芬奇、米开朗基罗、拉斐尔、丢勒、鲁本斯、康伯夫，仅仅知道契斯恰科夫是不够的。解剖学、透视学诞生给素描注入了更多的科学理性因素，而解剖学、透视学这两门学科就需要花时间精力去学习与掌握，比如：表现一个人，仅仅了解表面的轮廓起伏而不知道其下的骨骼构造、肌肉走向作用及视觉上的透视变形是不行的；每画一条线、一个起伏都要能体现解剖学和透视学知识，这些内在知识能使素描作品更深刻、更完整。构图知识使素描作品更趋于完美和个性化，更有画面感、更有艺术性。对结构、特征、比例、形体、朝向、节奏、对比、点、线、面等要素的熟练运用与驾驭，无疑对素描的充分表达起到深度与广度的关键作用，几何概念的把握与深入塑造技能又起到画面的宏观与微观的调控作用。照相机的发明、网络时代的来临使素描从客观的世界中解脱出来，从而更关注后工业化人的思想情感的无限空间，素描更呈现多元风貌。
显然，拥有如此丰厚的知识储备，你就要做个优秀的指挥家 ，而且要在直觉、激情中尽情地艺术表现。
2. 基础·能力·素质
素描是造型艺术的基础，素描学习训练的目的在于培养学习者正确的认识能力、观察能力、造型能力、表达能力和审美能力，宽厚扎实的基础已经成为进入艺术殿堂必备的素质，就如同高楼大厦的根基，厚实、深藏、无华；也像武术中的站桩功，站都站不稳，“功夫”也只是个花架子。初学者学习素描一定得沉住气耐住寂寞，要能吃苦，要有难度意识，冰冻三尺非一日之寒，古人百步穿杨、庖丁解牛也非一日之功。但光凭理头苦干是不行的，要有意识地培养自己正确的观察与表现能力。观察方法通常指整体与比较，如：眯着眼睛看大体，在整体中比。而细节特别是精彩的细节却要瞪大眼睛地近距离观察，而且你描绘的如是正面，最好从侧面或顶部来观察物象，这样多角度的立体考察对表现物象的结构、起伏、特征、转折是有帮助的；要能敏锐地判断感悟到表达对象独特的形象特征、精神气质，能从平凡中发现美的形式、美的韵味，并能迅速地选择相适应的又是自己的方法加以表现、处理。素描作为一种绘画形式，有其自身的艺术生命力，单凭“基础”两字已难以容纳素描的全部意义，它不单是打基础那么简单。有时，培养良好的审美素质，可以为一生的艺术活动奠定基础。
3. 基本功与创造力
基本功好，是不是就创造力强呢？不一定。事实上很多优秀的艺术家的基础功并不很“扎实”，特别在艺术走出现代派进入后现代的当今，创新观念成为主流。但在我国，那种只顾埋头拉车不抬头看路的纯技术“人才”还大有人在，这也可以说是我们基础教育的一大通病。我们之所以要搞素质教育，现在又要推进基础教育的课程改革，主要是针对我们人才的创造力的普遍低下这一致命问题的。我们不缺扎实的基本功，而且可以说世界领先，我们缺的是领引世界的原创力。所以，处理好基础教学与创造性思维的培养两者之间的关系就显得非常重要。现在，有必要更新我们的基础观，打基础不只是死记硬背、机械重复训练，也可以是广泛的阅读、欣赏、见识、交流、合作、讨论、调查、综合、比较、怀疑、探究、想象、创造、逆向思维、发散思维、打破常规等，在日常学习生活中逐渐培养创造力。打素描基本功与训练创造力应该是可以同步的，因为素描负载着全部有价值的艺术信息，也包含创造力，艺术的本质就是“创新”，回顾一下美术史就清楚∶只有具备创新价值的艺术家才能被记载。所以，要做个学艺上的有心人。
4. 关于主动性
学习素描的主动性，一是指行动上的积极实践，二是指思维上的勤于探索。二者合二为一，光说不练不行，光练不想也不行。我们常说某人学习很主动、作品很有想法，就有这意思。即使是初学素描，也不能纯客观地再现，一定要加入自己的主观感受、理性理解和主观处理。以通过学习素描来感受生活、认识艺术。要用自己的大脑来思考，要用自己的眼睛来看世界。主动性是一种学习状态，一种会自觉寻求各种方式获得知识、能力的方法，要珍惜利用书店、图书馆、网络、美术馆、博物馆等学习资源，不要太依赖你的教师，要能积极自修，勤于动脑，放眼世界，要会主动地对各种信息进行知识分类、归纳、批判、取舍。在多元中不迷失自己，在前进中不断学习。
5. 到位与拉开
“到位”的内容包括构图、结构、特征、形体、比例、朝向、节奏、力度等等，到位是一种基本功、一种能力，它同我们通常听到的“准确”、“逼真”的意思并不完全相同。“到位”更多地是指主观感受、艺术上的到位，层次要高一些，主观的发展空间也大些，就是“真实”也只是艺术上的真实。“拉开”则是一种人文素质，一种主观手段，“拉开”的内容包括∶艺术语言、形体特征、黑白灰、主次、虚实、强弱、刚柔、浓淡、曲直、前后、疏密等，是更高意义上的简化与归纳，它比“到位”又更加主观、自由，是艺术家个体主观能动性的精神表现，是一幅成功素描作品的重要指标，是风格的俗与雅、格调的高与低的主要区别所在。
“到位”与“拉开”，相当于客观与主观、描写与表现、丰富与简练的关系；它们对立统一、相互牵扯；过分的“到位”显得沉闷、平庸，需要“拉开”来注入生气与活力；过分的“拉开”又显得花、碎、简单，需要“到位”加以整合，难就难在如何掌握这个“度”，或者说“恰到好处”，适当的“过点”也并无坏处。齐白石的“似与不似之间”理论也有这一层意思。
6. “黑白灰”的重要性
这里强调“黑白灰”概念的重要性，完全是出于多年经验的明证，因为它的确给我及众多学生带来许多好处。将素描或者所有色彩的学习、设计、创作中导入“黑白灰”概括手法，特别对于初学者将有事半功倍好的效果。具体的操作是：将表达的物象，不管有多复杂、多凌乱，在明度上都把他（它）们概括归纳为画面黑白灰三大块，这是一种对宏观整体的主观把握和有序组织，而任何一块又包涵许多层次（调子、体面），只是它们必须在“黑”、“白”或者“灰”的绝对统治之下；一般“灰”块的层面较为丰富，“黑”块的层面较为简练，三大块各自的面积具体而定，但必须得有。这样就可以很容易地克服画面的“灰”、“乱”、“脏”等初学者常见毛病，从而使作品的画面结构更加有力、层次更加分明、组织更加有秩序。
“黑白灰”是一种对画面主动的整体把握与控制，它的意义可能还会更多。
7. 线条的意义
世上本无纯粹的线条，苏派只承认点的连续排列（面）。然而，艺术就是艺术，是人的精神产物，虽然有科学性，但绝不能等同于科学的“真”，一加一并非等于二，艺术里是没有标准答案的。线条是主客观世界反映在艺术家精神世界的产物，线条是视觉艺术最基本的语言，是一种概括和“抽象”，它既古老又现代，而且永远不会过时；所以在素描世界里艺术家与线条是形影不离的，一出手就是线，更可以根据主客观的需要尽情发挥。线条的艺术表现力是非常强的，我们至今无不被千年前的敦煌壁画中飞天飘逸的线、以及永乐宫壁画中大气恢弘的线条所折服。线条不仅表现物象的轮廓、区域、结构、特征、转折（形体或两色之间）、节奏等，还可以表达艺术家的主观情感，当时的冲动、激情，是一种主观的高度提炼，有时成为作品中的灵魂所在，于是就有了线的硬实有力、线的行云流水、线的运动及线的旋律等。线条的运用其实很讲究，既理性又感性，并非“外形线”那么简单，线条要注意表达出物象的来龙去脉：线的前后穿插、线的粗细强弱，哪里该用？哪里不该用？怎么贯气、怎么疏密对比？都有学问。仅一个边线，就有造型、特征、空间、虚实、强弱等内涵的体现。线条应该比调子（面）层次高，因为它是艺术家主观的产物，是一种“精神表现”。
8. 调子是服务者
要端正一个认识∶不要为调子而调子，调子只是形体结构的服务者。就是说，即使用调子要体现内在的结构、起伏，要围绕形体结构这一中心来进行，反对用似是而非、模棱两可或者重无用处的调子；调子最好配合线条来运用，线条是外轮廓的高手，调子是表现内形体积、质感、层次的强者；如果线条是建筑中的地基框架，那么调子则是内外装饰，两者相辅相成、相互补充、相互促进。以前盛行的苏派素描，把调子推到至高无尚的位置，什么只有一个高光不用涂调子其余全都要涂调子，什么没有实际存在的线只有看不见的面啦，这种过于物理、刻板的教学理论体系，使得当时神州一片灰暗、软弱、无力。在艺术上，过度求科学的真就丧失自己本应有的许多特有的优势。
不过，调子还有一种功效：可以渲染背景气氛、调节画面节奏，使画面浑然一体，更加美整。
9. 强调“特征”的意义
在初学素描就导入“特征”概念，会有一种走捷径的感觉。“特征”包括在所表现的物象中，也包括作者所表达的艺术语言、风格。首先，形体结构与特征结合起来，就可生产“象什么”的第一印象，如某人看起来像苹果、像冬瓜、像剪刀，成语中“骨瘦如材”，还有俗称的“月儿眉”、“三角眼”、“大蒜鼻”、“樱桃嘴”等等；还可以用“外形特征”和“内形特征”来描述；“外形特征”可借鉴剪纸艺术某些技巧；其它的，如画面阴影、空白、发须、衣领、布纹等，总之，你认为值得描述的对象及细节，都可以有意挖掘其特征美；抓特征美就是人为的主观突出对象某些与众不同的特点，或重视某些画面可视的形，“宁过勿不及”，这样“严重”地对待，促使画面远看有视、近看有“形”，大的整体、小的局部都会显得耐看，有分量。“特征”的概念，在素描表现中应该是贯彻始终的。
10. 重视“修改”
这里的“修改”类似于一般意义上的调整，所不同的是：调整大都基于常规的循序渐进，而“修改”则是基于主动表现中的果敢、直干；因为敢画、敢错，才有“修改”的必要；而每一次的“修改”都是一次思索、进步的过程，有时大刀阔斧的“修改”竟是一种升华、或是一种起死回生。因此，不用怕脏、不用过分地小心谨慎，要敢做敢为；不用担心留有改过的痕迹，这痕迹应该是前进的足迹。
“修改”是一种脚踏实地的学习态度，一种自信进取的学习探索。初学者常常一错就重来，总想立竿见影、急功近利、一鸣惊人，却不知是一种浮躁的表现。
以上诸言，虽然本人屡试屡灵，但也只是一家之言，难免片面、失准；不过也算是肺腑之言，自以为在多元化能够并存的今天应该还有它的位置，因为，有关素描教学的讨论永远也不会结束。
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初学美术正规训练范画速写
很多初学绘画者，包括有些已经进行过一些素描训练的学画青少年想画速写，总感到无从下手。在与这些初学绘画者的接触中，我总是尽量告诉他们一些速写方面的训练方法，但是有更多同样需要这方面知识和技法的初学绘画者，我无法接触到。他们中有许多人由于学习条件所限，没有机会接触这方面的老师。为此，我想借这次出版机会，将自己十几年来的一些速写教学心得和方法整理编写出来，献给那些有志于学画的青少年，为他们的学习助一臂之力，使他们在速写学习的过程中少走弯路，掌握正确的学习方法，接受到较为科学的速写正规训练指导。
学画难吗？美术教育家徐悲鸿先生曾说过，有中等以上智力的人，通过努力，都能学好绘画。看来只要肯努力，钻进去，逐渐摸到规律，原来感到难的问题也就变得不难了。在初学绘画的青少年中，有的人儿童时代就画过儿童画，有的临摹过卡通画、连环画等，有的虽然没有动手画过速写，但一直对速写很感兴趣。这些都是通向速写专业训练的良好开端。
速写是在较短时间内迅速将对象描绘下来的一种绘画形式，它具有收集绘画素材、训练造型能力两大方面的功能。速写最能表现出绘画者敏锐的观察能力和对物质世界的新鲜感受，画面生动感人，是速写的一个显著特征。因作画时间短，在描绘对象时，放笔直取，它可随时描绘我们周围生活中的任何物象，特别擅长描写运动中的对象和转瞬即逝的动态。速写描绘的题材远远超出课堂上素描练习内容的范围。所以，常画速写能使我们养成注意观察周围生活的良好习惯。长期坚持画速写，可为日后搞美术创作和美术设计积累下丰富的艺术素材。速写又是一种锻炼动手能力的良好训练方法。我们提倡从学画阶段开始就养成画速写的良好习惯。有些内容的速写训练又可以理解为素描的短期作业形式，在进行相对长时间的素描训练的同时，多画速写，做到长、短期作业穿插进行，是绘画基础训练的一种良好方法，因此，速写又是一种对素描训练的辅助练习形式。
有些绘画大师，如十七世纪荷兰画家伦勃朗、十八世纪英国画家荷加斯、十九世纪德国画家门采尔等都是速写方面的高手，我国许多著名画家在速写领域也取得了很高成就，形成了独特的个人风格。如叶浅予、阿老、黄胄、刘文西、周思聪等。他们中间有的从没有机会进入正规美术院校学习，而是以速写作为绘画训练的基本形式走上成功之路的。有志于学习绘画的青少年，只要肯努力，保持高度热情，勤学苦练，多动脑筋，方法得当，持之以恒，就一定能画好速写，为绘画学习打下坚实的基础。
速写要求在较短的时间内画出所需要表现的对象。所以，以线条形式来描绘形象，是速写表现中最直截了当的一种方法。线条除了具有描绘对象形体的功能外，其自身还具有艺术表现功能，它可体现出丰富的内涵，如力量、轻松、凝重、飘逸等美感特征。作者在画速写的时候，会不知不觉将自己的艺术个性，通过线条的运用而流露出来。以线造型是速写中最常用的表现形式。除此之外，线面结合也是常见的形式之一。有时在结构转折处衬些明暗调子，能增加速写艺术的表现力，使画面的气氛更加变幻丰富。除以上两种形式外，纯明暗的速写较少见。当然有些画家因追求自己画风的需要而作这样的形式探索也是有的。但这不能成为初学速写者训练过程中追求的目标。
本书主要讲授速写的一些基本知识和训练方法，试图在初学者对绘画的一般兴趣和写实造型规律之间架设一座桥梁，愿大家一起走进绘画学习的专业训练阶段。
速写的工具与材料
速写用的笔，初学者可选用2B型号的铅笔或炭笔，因这两种笔在速写训练过程中较易掌握，待有一定基础后也可用钢笔和毛笔作画。
速写用纸没有什么特别讲究，70克左右的普通白纸即可，也可用新闻纸（印报纸用的纸），新闻纸适宜用炭笔作画。初学者可利用各种零散纸练习。现在一些美术品商店出售专门的速写本，这为速写练习提供了更多的方便。
另外，外出画速写时，应准备一个小画板或小画夹。
绘画是一种将长、宽、深三维空间中的立体物画到长、宽二维平面的纸面上，但又要产生准确、真实的立体感的表现形式，因而绘画艺术离不开透视知识的运用。
一般来说，透视形式主要有两种，即平行透视和成角透视。平行透视是指所画立方体的某一立面与画面相互平行，这个面不发生透视消失现象；成角透视是指立方体的相互垂直的两个立面都与画面成一定的角度，在画面上，两个立面都发生透视消失现象。
视平线是指与人的眼睛等高的那条水平线。心点是指作画者垂直于画面上的那一点。
速写训练的基本方法
速写训练是对学画者观察能力、分析能力、理解能力和表现能力的全面训练。速写训练中对观察力的训练，不仅要训练眼睛看得准，还要训练在作画时有正确的观察方法。什么是正确的观察方法？一般说来，以我们平时看东西的习惯来作画，往往是看到哪里画到哪里，这是一种局部的观察方法，用这种看一点画一点的观察方法作画，不能做到表现对象的本质关系。我们要画好速写，就要改变这种局部观察的习惯，学会整体观察的方法，养成整体观察对象各种造型结构关系的习惯。这种整体观察方法要求在作画时观察对象要有整体意识，在画某一点、某一局部时，不要只盯着一点看，而是要将所画的这一点、这一局部与其他部位相互比较，对所要画的局部与其他部位的上下左右关系及它们之间的内在结构关系做到心中有数，从整体关系下笔。这种比较的过程，实际上就是整体分析和理解对象的认知过程。正确的观察方法，只有通过大量的练习，才能逐步真正掌握。速写训练是练眼、练脑同时又是练手的过程。绘画是一门技艺性很强的艺术，下面就速写训练的一般顺序及一些学习方法和作画步骤进行阐述。
一、由简到繁
初画速写，可先从较简单的描绘对象入手。如一个小木凳，一双随便摆放的雨靴，一件挂在墙上的衣服。作画时先画对象外形轮廓的大关系，用直线画出基本形，注意线条的长度比例及各线条的倾斜度。在此之后，再充实些细节。例如画一张凳子，凳面与凳腿的关系是大关系，而榫头及局部特征等都是细节，这些细节可在进一步深入阶段逐渐画完。
“繁”的物象是指结构关系较复杂的对象。如：枝叶茂盛的大树、衣纹繁多的人物等，作画方法也和画“简”的东西一样，先从大的方面入手，确定了大的关系后，再充实细部。要将复杂的物体理解为是由各种简单部分组成的，然后将各简单部分画在复杂的大关系之内，这样完成起来就有条不紊。画复杂物象较难处理的一点，就是整体与局部的关系。画各个细部时，要注意到它们各部分之间的关系，同时还要照顾到整体的大关系，不要因描绘细部而使整体显得琐碎。只要我们把握好先画大关系，后充实细部的原则，画“繁”的对象便不会感到困难。
由简到繁的训练从大的题材上讲，可先画花卉，后画树木风景，最后画人物。
二、由静到动
初画速写，应先从静止的对象画起，稍熟练之后，再描写处于运动状态下的物象。静止的物体或处于不动状态下的人，有利于初学速写者在作画时能从容地观察对象，反复比较所描绘对象的各种结构关系，使初学速写者能在认真研究描绘对象各种结构关系的基础上下笔。作画时用线要肯定，线条是为了表达对象的形体关系，交待清楚结构造型而画的。线条的来龙去脉要有根据，这个根据就是被描绘物的结构。
初学速写者在作画时应将所画的速写与描绘对象进行反复比较，从而纠正画得不准确的部位。速写造型练习的最佳描绘对象就是静止的物象和不动的人物。我们看到许多速写范画，一个轮廓有时有几根复线。这就是对作品进行矫正而产生的痕迹。
画动的物象，如动态人物、动物等，需要在掌握一定的静态速写的基本功后再结合结构规律、运动规律加以训练，这样画起来就容易得心应手了。有关动态速写的注意事项及作画步骤，在后面的有关部分将会阐述。
三、由慢到快
画速写并不像我们有些初学者所想象的那样，下笔如写草书，一挥而就。因为画速写的过程，是一个对形体观察、理解、表现的造型过程。这一过程，初学者须仔细体会，扎实描画。逐渐熟练了，画速写的速度就会快起来。初学者应先画慢些，如人物速写每幅可在45分钟至1个小时左右完成，以后可逐步过渡到半小时画一张或一刻钟画一张。并且在训练过程中还要不时的将慢、快训练方法穿插进行，这样才能在速写训练中既得到扎实的练习，又掌握到速写的一些方式方法。
四、从描绘有规律的对象到描绘无规律的对象
初学速写者首先要画一些有规律的对象，这样有利于把握造型的准确性，并掌握速写的一些技巧。描绘有规律的对象，可先画一些基本形明确的花卉和重复出现的有规律的人物动态。在掌握了一些速写基本技法之后，再画一些无规律的对象，如杂乱无章的灌木丛，转瞬即逝的不规则的人物动态。有规律的对象较易把握，通过中轴对称性原则，可以获得较准确的轮廓。而规律感不强的对象，则较难把握，需要有一定速写基础后，方可对之速写。
五、临摹与速写相结合
学画速写的过程，应该是临摹优秀速写范画与对着对象写生相交替进行训练的过程。临摹的目的是为了学习前人的技法，如对形象的概括、取舍、交待结构以及一些用笔用线的技巧等等，尽可能在临摹中获得体会。另外，类似速写形式的优秀的线描画、连环画都可以临摹。通过临摹可以学到一些概括形体、处理衣纹、疏密穿插等方面的速写技法。另外在初学速写的过程中还要多临摹优秀的艺用人体解剖图谱，以求在临习的过程中掌握人体的基本结构知识。要做到临摹与速写反复交替进行，这样临摹才能有体会，才能将临摹中学到的东西运用到速写中去，真正变为自己的东西.
还有就是,你喜欢服装设计,.就要好好的练习速写.
㈡ 儿童 花卉静物(衫布、窗帘布、花瓶、桌面)美术写真教程
去书上找类似的画，然后临摹
㈢ 色彩静物要怎么画呢
在水粉静物写生中，我们时常会遇到画得“粉气”这一问题，往往要时时提防，担心画面处理不当而陷入“粉气”、“苍白”的境地。
造成画面“粉气”的原因是多方面的，归纳起来主要有三个原因。
第一个原因是在表现物体的色彩层灰差别时，到处都以白色来调和，以此区分明度，使整个画面粉质的比重过大，从而产生“粉气”的感觉。特别是在表现物体受光面的色彩时，有些考生为了使受光面表现出较高的明度而一味加白色，从而丧失了物体的固有色倾向，画面的“粉气”也就随之而来。须知，即使是画物体的高光，也只应以白色蘸少许光源色及固有色，这样画出的物体高光才会符合该物体的色彩倾向关系。而且不同物体的高光色彩应该是各不相同的，切忌用白色去画所有物体的高光。
造成“粉气”的第二个原因是在表现物体的暗部时，不适当地调入较多的白色。一般在水粉写生中，暗部的色彩比较忌讳加进白色。因为水粉的白色与其他深色相调，干燥后就会特别“粉气”，重不下来。因此，通常是用柠檬黄、粉绿、土黄、橘黄、湖蓝等颜色，根据暗部的冷暖倾向调和深色以表现暗部的色彩变化。另外采用湿薄的调色方法可减弱暗部的明度，以此来表现暗部反光及表现暗面的明度差异，从而回避使用白色。当然不是绝对不能使用白色来表现暗部的色彩，对一些明度很高的物体，如白色瓷盘，暗部当然也需用白色与其他色彩相调。即使是表现色彩很深的物体，有经验的作者在表现暗部色彩的不同明度层灰时，也会用少量的白色调配暗面的色彩，色彩不必调熟，只是灵活地表现一些反光部分并在小中范围内提上几笔，这样非但不会产生“粉气”的感觉，相反会形成丰富、饱满的色彩美感。
造成画面“粉气”的第三个原因是调色盒中的颜料被未洗干净的笔蘸颜色时弄脏，或因调色盘在较长的作画时间里未及时清洗，或用含白粉的笔去蘸调色盘中的颜料，影响了颜料的强度，而使画面产生“粉气”的感觉。
㈣ 彩色素描花卉比素描静物难画
肯定难啊抄
色彩本事就比素描难 色彩不光要注意素描关系 还要考虑色彩冷暖关系
色彩花卉应该算色彩静物里面比较难的了 要保证花的整体和色彩艳丽 没有很多调整修改的余地，比较难。
我觉得应该单独临摹花卉比较成熟了 再写生
㈤ 在画静物素描的时候，该注意什么
静物写生几点注意
1:静物写生的意义
静物写生，对形体质感的表白现，主要靠笔触、线条和色调的对比变化。例如，表现坚硬光滑的物体如铁器，陶器，玻璃等，要有严密的线条、均匀的色调、笔触不 要很明显；表现松软物体如毛线制品、棉花制品等，要用较松散的线条，色调不要过于均匀，色调中要有较鲜明和较琐碎的笔触；画绸缎，笔触和色调要有跳跃感， 以表现其闪光的特点，但在跳跃之中，笔触和色调的过渡要柔和，以表其光滑柔软的特点．学习表现不同物体的质感，可以丰富表现技巧，提高素描造型能力。但由 于素描工具的局限性，只能要求质感的相对真实。
2．静物组合的原则
(1)体现生活气息，合乎情理。
这是首要的一点，富有生活气息便能产生自然美，合乎情理便能产生某种情调或意味．因此，在选择静物前应先有构思，不要盲口拼凑一堆静物。
(2)有中心、有变化、有对比。
摆静物应先选一个主体静物，一般形体较大，也就是要大于从属的静物，占据构图的主要位置，在构思和色调上起决定作用。选择从属的，也就是配角静物，其形体 要小于或低于主体静物。搭配的静物可以是一个，也可以是多个，应该考虑它们在大小、高低、方圆、深浅及质感上的变化，不要过于单一或过于杂乱，这样才能获 得既有中心秩序，又有对比变化的理想效果。
3：静物构图的形式美法则
不论选择什么样的静物，体现的情调如何，若想摆十较理想的组合关系，画出较理想的构图，就要认识别构图形式美的一般规律。静物写生形象比较丰富，是培养构图能力和认识构图形式美的良好机会．应引起重视。
一般说来，较好的构图必然符合美的规律，其优点如下：
1：集中而不单调；2：稳定而不呆板；3：饱满而不滞塞；4：活泼而不散乱；5：有主有次；6：有远有近；7：疏密相间；黑白有致；8：考虑动势；9：不分割画面。
以上各点除“考虑动势’外，都是比较容易理解的。静物是处于静止状态的，但由于视觉心理的作用，在某种情况下，静物也会产生某种动势，给人某种动的感觉， 包括动势的方向感，力量感等，从而影响构图的形式美。如将—把茶壶放在桌子上，那么，茶壶嘴所指的方向就是茶壶的动势方向．将两把茶壶放在桌子上，茶壶嘴 同朝一个方向，可以使这种动势感加强并产生形式美；如果壶嘴朝着不同的方向，则会产生不同的动势和不同的形式美．将一把水果刀放在桌子上或盘子里，其刀尖 所指的方向构成它的动势方向；如果将两把水果刀放在一起，不同的摆法会产生不同的动势。一个圆罐和一个苹果．如果单看其中任何个，都不会产生某种方向的动 势；若把它们放在一起，就会产生某种动势．一般地说，较小物体所处的位置，即是这组物体的动势指向，如果沿着这种指向在较小物体的前面再放一个更小的物 体，这种动势就会更加强烈，形成一边倒的动势形式；如果在相反的方向放一个物体，则会使这种动势有所抵消，构成某种动势的平衡。
在静物组合，背景的衬布也会构成某种动势．衬布呈垂直状，动势最为稳定；如果是呈倾斜状，或它的折纹呈倾斜状，就会形成某种动势并带有方向性．如果这种方向性和静物的动势方向相—致，则会加强静物的动势感；如果相反，则会减弱具动势感，产生某种视觉平衡．
以上所述只是构图的最基本的原则，在实践中应灵活运用。可以说，组织和摆放静物的过程就是艺术实践的过程，就是学习和提高的过程。所以，应学会组织静物，从而画出较理想的作品(见下图)．
4：静物质感的表现技法
静物写生，对形体质感的表白现，主要靠笔触、线条和色调的对比变化。例如，表现坚硬光滑的物体如铁器，陶器，玻璃等，要有严密的线条、均匀的色调、笔触不 要很明显；表现松软物体如毛线制品、棉花制品等，要用较松散的线条，色调不要过于均匀，色调中要有较鲜明和较琐碎的笔触；画绸缎，笔触和色调要有跳跃感， 以表现其闪光的特点，但在跳跃之中，笔触和色调的过渡要柔和，以表其光滑柔软的特点．学习表现不同物体的质感，可以丰富表现技巧，提高素描造型能力。但由 于素描工具的局限性，只能要求质感的相对真实。
素描静物
1:静物写生的意义静物写生，对形体质感的表现，主要靠笔触、线条和色调的对比变化。
例如，表现坚硬光滑的物体如铁器，陶器，玻璃等，要有严密的线条、 均匀的色调、笔触不要很明显；表现松软物体如毛线制品、棉花制品等，要用较松散的线条，色调不要过于均匀，色调中要有较鲜明和较琐碎的笔触；画绸缎，笔触 和色调要有跳跃感，以表现其闪光的特点，但在跳跃之中，笔触和色调的过渡要柔和，以表其光滑柔软的特点．学习表现不同物体的质感，可以丰富表现技巧，提高 素描造型能力。但由于素描工具的局限性，只能要求质感的相对真实。
2．静物组合的原则 (1)体现生活气息，合乎情理。这是首要的一点，富有生活气息便能产生自然美，合乎情理便能产生某种情调或意味．因此，在选择静物前应先有构思，不要盲口 拼凑一堆静物。 (2)有中心、有变化、有对比。摆静物应先选一个主体静物，一般形体较大，也就是要大于从属的静物，占据构图的主要位置，在构思和色调上起决定作用。选择 从属的，也就是配角静物，其形体要小于或低于主体静物。搭配的静物可以是一个，也可以是多个，应该考虑它们在大小、高低、方圆、深浅及质感上的变化，不要 过于单一或过于杂乱，这样才能获得既有中心秩序，又有对比变化的理想效果。
3：静物构图的形式美法则不论选择什么样的静物，体现的情调如何，若想摆十较理想的组合关系，画出较理想的构图，就要认识别构图形式美的一般规律。静物写 生形象比较丰富，是培养构图能力和认识构图形式美的良好机会．应引起重视。一般说来，较好的构图必然符合美的规律，其优点如下： 1：集中而不单调；2：稳定而不呆板；3：饱满而不滞塞；4：活泼而不散乱；5：有主有次；6：有远有近；7：疏密相间；黑白有致；8：考虑动势；9：不 分割画面。以上各点除“考虑动势’外，都是比较容易理解的。静物是处于静止状态的，但由于视觉心理的作用，在某种情况下，静物也会产生某种动势，给人某种 动的感觉，包括动势的方向感，力量感等，从而影响构图的形式美。如将—把茶壶放在桌子上，那么，茶壶嘴所指的方向就是茶壶的动势方向．将两把茶壶放在桌子 上，茶壶嘴同朝一个方向，可以使这种动势感加强并产生形式美；如果壶嘴朝着不同的方向，则会产生不同的动势和不同的形式美．将一把水果刀放在桌子上或盘子 里，其刀尖所指的方向构成它的动势方向；如果将两把水果刀放在一起，不同的摆法会产生不同的动势。一个圆罐和一个苹果．如果单看其中任何个，都不会产生某 种方向的动势；若把它们放在一起，就会产生某种动势．一般地说，较小物体所处的位置，即是这组物体的动势指向，如果沿着这种指向在较小物体的前面再放一个 更小的物体，这种动势就会更加强烈，形成一边倒的动势形式；如果在相反的方向放一个物体，则会使这种动势有所抵消，构成某种动势的平衡。在静物组合，背景 的衬布也会构成某种动势．衬布呈垂直状，动势最为稳定；如果是呈倾斜状，或它的折纹呈倾斜状，就会形成某种动势并带有方向性．如果这种方向性和静物的动势 方向相—致，则会加强静物的动势感；如果相反，则会减弱具动势感，产生某种视觉平衡．以上所述只是构图的最基本的原则，在实践中应灵活运用。可以说，组织 和摆放静物的过程就是艺术实践的过程，就是学习和提高的过程。所以，应学会组织静物，从而画出较理想的作品
4：静物质感的表现技法静物写生，对形体质感的表白现，主要靠笔触、线条和色调的对比变化。例如，表现坚硬光滑的物体如铁器，陶器，玻璃等，要有严密的线 条、均匀的色调、笔触不要很明显；表现松软物体如毛线制品、棉花制品等，要用较松散的线条，色调不要过于均匀，色调中要有较鲜明和较琐碎的笔触；画绸缎， 笔触和色调要有跳跃感，以表现其闪光的特点，但在跳跃之中，笔触和色调的过渡要柔和，以表其光滑柔软的特点．学习表现不同物体的质感，可以丰富表现技巧， 提高素描造型能力。但由于素描工具的局限性，只能要求质感的相对真实。
1．确立构图
推敲构图的安排，使画面上物体主次得当，构图均衡而又有变化，避免散、乱、空、塞等弊病。
2．画出大的形体结构
用长直线画出物体的形体结构(物体看不见部分也要轻轻画出），要求物体的形状、比例、结构关系
准确。再画出各个明暗层次(高光、亮部、中间色、暗部，投影以及明暗交接线)的形状位置。
3．逐步深入塑造
通过对形体明暗的描绘(从整体到局部，从大到小)逐步深入塑造对象的体积感。对文要的、关键性的
细节要精心刻划。
4．调整完成
深入刻划时难免忽视整体及局部间相互关系。这时要全面予以调整(主要指形体结构还包括色调、质感、空间、主次等等)，做到有所取舍、突出主体。
素描静物的学习方法
素描静物写生是石膏几何形体写生的延伸和发展，它描绘的范围很广，瓜果、蔬菜、花卉 、瓶罐、文具等都可作写生的内容。
素描静物写生主要是训练我们的构图能力和造型能力。对初学者来说，一方面通过由简到繁的静物组合写生，掌握构图规律，做到画面对象大小比例安排得当，视 点高低适宜；
另一方面，也可以自己布置静物作画，从中学习构图的基本知识（如统一和变化；对比和调和；对称和均衡：比例和节奏；静感和动感等等），逐步掌 握构图能力，静物的形体结构实际上仍是不同的几何形体的组合，但它比石膏几何形体更不观则、更复杂。这样我们在静物写生中，更应该强调对形体组合关系和结 构关系的理解。
在静物写生中，各种物体都是由不同质材构成的，硬软、粗细、轻重、厚薄等等的“质” 感是不一样的，质感的表现主要通过对比的手法，当然也有赖于物体色调准确的描绘。
在素描静物写生中，物体的透视规律还是应该继续予以重视的，以求不断加深对透视规律的理解。
素描静物写生的工具可用铅笔、木炭、炭精条等。
素描静物写生的观察方法和作画步骤大致上和素描石膏写生相同，只要我们树立整体的观察方法，通过不断的写生实践，就一定能逐步掌握素描静物写生的能力和技巧。
写生步骤：
科学、严格的方法步骤不仅能够保证作业顺利进行，更可以培养我们的整体观察能力和描绘能力。
1．确立构图
推敲构图的安排，使画面上物体主次得当，构图均衡而又有变化，避免散、乱、空、塞等弊病。
2．画出大的形体结构
用长直线画出物体的形体结构(物体看不见部分也要轻轻画出），要求物体的形状、比例、结构关系
准确。再画出各个明暗层次(高光、亮部、中间色、暗部，投影以及明暗交接线)的形状位置。
3．逐步深入塑造
通过对形体明暗的描绘(从整体到局部，从大到小)逐步深入塑造对象的体积感。对文要的、关键性的
细节要精心刻划。
4．调整完成
深入刻划时难免忽视整体及局部间相互关系。这时要全面予以调整(主要指形体结构还包括色调、质感、空间、主次等等)，做到有所取舍、突出主体。
形体素描
以结构线条来描绘对象的素描，我们暂且称它为形体素描。在这种素描静物画中，作者对被描绘的 物体以几何形体结构为原则，予以简化和强化。由于采用透视的截面剖析的描绘方法，物体的结构组合关系以及物体的前后、左右的空间状态在画面上肯定、明确， 清晰可见。这种形体素描的优点在于锻炼学生对形体结构的理解能力与空间的想象能九 由于线条本身具有多种的表现力，因此，使学生的艺术表现手段更为自由、生动。结构线的运用，直接表现出和暗示着物体之间的质量、体积、远近、方位、对比等 特点，并且排除了那种如实的描绘物体明暗和细节的方法，代之以线条表达形体复杂的体与面的结合，因而获得比自然形态更强烈的艺术形象。
㈥ 美术五级和六级考什么
1、素 描 级别考试时间用纸规格内容与要求考核标准初级一级90 分钟八开单个几何形体写生要求：配合一块单色衬布，光线集中稳定。构图适当，形体基本准确，有简单的明暗关系（黑、白、灰）二级90 分钟八开两个几何形体组合写生要求：配合一块单色衬布，光线集中稳定。构图适当，比例、形体基本准确，结构完整。有简单的黑、白、灰关系。三级120 分钟八开多个几何形体组合写生（三个以上）要求：配合一块单色衬布，光线集中稳定。构图适当，比例、结构准确，能较好地表现几何形体的立体感，明暗关系明确。中级四级120分钟四开陶罐与两至三个几何体组合写生要求：配合一块单色衬布，光线集中稳定。构图适当，比例、结构准确，能完整地表现明暗关系和三度空间及质感的差异。五级150分钟四开陶罐、白盘子及一个水果写生要求：配合一块单色衬布，光线集中稳定。构图适当，比例、结构准确，黑、白、灰关系明确，能较好地表现静物的立体感和质感。六级150分钟四开单个石膏像圆面五官写生（口、眼、鼻、耳）要求：配合一块单色衬布，光线集中稳定。构图适当，比例、结构准确，能准确地表现物体的立体感和质感，刻划深入。高级七级150分钟四开石膏圆面面像写生要求：（亚力山大、贝多芬、勇士、战神）构图完整，人物五官比例、透视准确、素描关系完整，刻划深入，有质感和体积感。八级180分钟四开石膏头像写生要求：伏尔泰、阿格力巴、塞内卡、朱利亚诺·美第奇(小卫)构图完整，形体结构准确，形象肖似，刻划深入细致，黑、白、灰关系明确有空间感和立体感.九级180分钟四开中青年男子头像或石膏头像写生要求：马赛、荷马、塔头、罗马王构图完整，形体结构准确，形象肖似，画面统一完整，有一定表现技巧。素描关系明确，有空间感、质感和量感。
2、水 彩 级别考试时间用纸规格内容与要求考核标准初级一级90 分钟八开我喜欢的玩具以默记的手法，可夸张表现较好熟悉水彩的性能，有基本的调色能力，构图完整。二级90 分钟八开我熟悉的人以默记的手法，可夸张表现肖像画。较好熟悉水彩的性能，画面色彩能表现出大致冷暖效果，构图完整。三级120分钟八开美丽的风景以默记的手法，表现自己熟悉或想象中的风景。运用色彩表现出画面的前后关系，较好体现色彩的关系，构图适当。中级四级120分钟八开临摹静物写生有陶罐和水果的静物。构图基本稳定，能较好地体现对象的色彩关系，前后关系。五级120分钟八开简单静物写生陶罐两至三个水果，白盘子、一块衬布。构图基本稳定，能运用色彩表现景物基本形体，和较正确的色相。六级180分钟四开静物写生用瓜果、蔬菜、陶瓷器皿，和衬布组成静物构图完整、能较好地运用色彩描绘对象，有色彩明度，冷暖，纯度等要素的区别，色调统一。高级七级180分钟四开有一定难度的静物写生选用具有不同造型及表面质地的，陶瓷器皿及其它器物和多块衬布及若干水果组或色彩鲜明有对比效果的静物。构图完整、色彩关系正确，丰富而协调，能表现出空间，立体感，能熟练运用水彩画工具，材料，掌握一定的水彩画技法。八级180分钟四开花卉静物写生以瓶插花卉为主体物，配以水果组成静物，衬布可以比较简单，要求花卉能鲜明突出，主次分明，色彩有对比而协调。形体突出，花卉色彩鲜明，形象特点明确，表现效果概括生动，具有立体感和空间感，笔法能与形体结构相结合。九级180分钟四开较复杂的静物写生用不同瓜果、陶瓷、金属、玻璃器皿等组成静物，内容充实饱满，色彩变化统一。画面构图完整而生动。造型正确具体，能用色彩表现出器物的立体感和空间效果。色彩具有变化统一的美感，画面层次分明，有整体感，并能掌握比较熟练的表现技法。
3、水 粉 级别考试时间用纸规格内容与要求考核标准初级一级90 分钟八开我爱吃的水果以默记的手法，可夸张表现较好熟悉水粉的性能，有基本的调色能力，构图完整。二级90 分钟八开我熟悉的人以默记的手法，可夸张表现肖像画。较好熟悉水粉的性能，画面色彩能表现出大致冷暖效果，构图适当。三级120分钟八开美丽的风景以默记的手法，表现自己熟悉或想象中的风景。运用色彩表现出画面的前后关系，较好体现色彩的关系，构图适当。中级四级120分钟八开临摹静物写生有陶罐和水果的静物。构图基本稳定，能较好地体现对象的色彩关系，前后关系。五级120分钟八开简单静物写生陶罐两至三个水果，白盘子、一块衬布。构图基本稳定，能运用色彩表现景物基本形体，和较正确的色相。六级180分钟四开静物写生用瓜果、蔬菜、陶瓷器皿，和衬布组成静物构图完整、能较好地运用色彩描绘对象，有色彩明度，冷暖，纯度等要素的区别，色调统一。高级七级180分钟四开有一定难度的静物写生选用具有不同造型及表面质地的，陶瓷器皿及其它器物和多块衬布及若干水果组或色彩鲜明有对比效果的静物。构图完整、色彩关系正确，丰富而协调，能表现出空间，立体感，能熟练运用水粉画工具，材料，掌握一定的水粉画技法。八级180分钟四开花卉静物写生以瓶插花卉为主体物，配以水果组成静物，衬布可以比较简单，要求花卉能鲜明突出，主次分明，色彩有对比而协调。形体突出，花卉色彩鲜明，形象特点明确，表现效果概括生动，具有立体感和空间感，笔法能与形体结构相结合。九级180分钟四开较复杂的静物写生用不同瓜果、陶瓷、金属、玻璃器皿等组成静物，内容充实饱满，色彩变化统一。画面构图完整而生动。造型正确具体，能用色彩表现出器物的立体感和空间效果。色彩具有变化统一的美感，画面层次分明，有整体感，并能掌握比较熟练的表现技法。
4、书 法 级别考试时间用纸规格内容与要求考核标准初级一级90 分钟四尺三开自选一段楷书，准确对临。字数不少于四个字（必须成句）。能较好模仿书法中的一段书写技能，（自带临摹字贴，须落款）。二级90 分钟四尺三开自选一段正书。（楷、隶、篆）准确对临。字数不少于12个字（必须成句）。
㈦ 欧式静物油画图片及价格
油画，是欧洲著名的画种之一，主要用调和颜料作于木板纸板和画布上，具有别的画种所没有的色泽，能活灵活现的表现事物的张力，因而在欧洲风靡几个世纪。欧洲因此而诞生看许多优秀的画家，例如梵高，达芬奇等，他们都是油画大家，善于描绘景物之美，善于表现人物的神态，十分的传神，他们所做的油画都享誉于世，至今魅力不减，吸引着世界各地的收藏爱好者前来观看。越来越多的人喜欢购置欧洲静物油画图片来装扮房间，今天小编就给大家介绍欧洲的静物油画图片和价格。
欧洲静物油画的发展：欧洲的油画最初起源于蛋彩画，十四世纪因为科技和文化的发展，绘画的材料和技法发生了改变，画家开始使用处理过的布料进行绘画，许多人觉得在布料和木板上绘画更舒适，人们纷纷效仿，颜料的革新，进一步推动了油画的盛行，到16世纪，欧洲油画也传入东方，后根据历史考察，油画曾一度出现在16世纪中叶的中国，由此可见油画在全世界的影响之大。
欧洲静物油画图片介绍：欧洲的油画创作品种很多，主要是古典，近代和现代这三大类。创作的主体有人物，静物，风景等，其中最盛行的便是欧洲油画中的静物，许多静物油画更是被封为油画的经典之作，许多厂商因此而进行欧洲静物油画进行制作，做成图片，像梵高的著名静物之作向日葵就是最畅销的油画图片之一!还有较多的，厂商把手绘静物油画进行装裱，然后出售。一副美丽的静物油画图片往往提升房间的静谧和品格。
欧洲静物油画图片的价格：一般的静物油画的价格在在300元左右，这一般是对名画的临摹制作，在许多的酒店，宾馆多有使用，我们也可以在客厅或者书房使用，这往往会渲染房间的气氛，是个不错的选择。手绘的欧洲油画价格在500元以上，均价在800元左右，根据成画的质量来断定，一般以花卉等静物的为主要进行创作，还有的是根据消费者进行定制，此等静物油画的价格在2000元以上。
以上就是小编为大家介绍欧洲静物油画图片和价格，油画是欧洲绘画的代表画种，闻名世界，从十六世纪开始风靡几个世纪，诞生了不少的绘画大家!他们遗留了不少的传世之作，人们热爱名画，因此进行临摹制作，经常悬挂在房间内。静物油画图片的价格在300元左右，精美手绘的静物油画的价格在800元左右，专属定制的油画图片比较费时费力，因此价格较高，在3000元左右，但这也丝毫不影响人们的热情和购买力，您也可以根据自己的喜好定制专属的欧洲油画静物图片。
㈧ 画水粉静物有啥技巧呀
都瞎扯！。我不那么画也考上美院了，怎么画都行，只要画的好，看美院附中的书或美院学生的书，感觉对就性，其他的话别信，其他的书别看
㈨ 画水粉静物时要注意什么
水粉画的五个关键技法 一、用 水 法
学生对水粉画的基本理论和基本技巧稍作了解后，学生就可以开始画水粉画。画水粉画的关键之一是用水。适当地用水可以有效地塑造形体，表现色彩。用水不成功，一副画就不成功。水粉画是用水调和粉质颜料作画的画种，该颜料里含有胶质，加水稀释后会产生不同的效果。画水粉静物一般情况下用水要尽量少，要惜水如金。水和色要协调，色多水多，色少水少。
笔头以颜色为主稍蘸水即可，用完一种颜色，笔头要用水洗净，用吸水布挤干笔头，再上色，后蘸水，以免弄脏下一笔色，初学者养成此习惯很重要。
表现较轻、薄、透的物体时水要略多，水多色少易灰脏，画时新鲜，水干后泛色、颜色变浅、变灰、无质感。水少色多易干、枯、涩，表现不出质感、光泽，不利于色彩衔接。亮部色稍薄，运笔快，利用白纸底色，一次成功用色，色彩漂亮而干净，灰暗部水要少，颜色要多，效果才显厚重。
二、调 色 法
调色是水粉画色彩能否表现丰富的关键。调色不当画面会出现生、灰、脏、乱、火、菜（色彩假）等现象。一般说来，在掌握用水的技巧后，做画时把任何一个物体的色彩分析出色彩层次，逐层逐步表达出来。主要物体和物体亮部宜画厚，次要物体及背景宜画薄。
要使画面和物体色彩丰富，调色的技巧是：将颜料在调色盘上摆开，在该物体固有色周围逐一添加其他颜色，形成既有联系又有区别的某一色彩系列，表现出丰富的色彩体系。
具体做法：1、以画面主要色调及主要色为主，选定固有色，如红、黄、绿等任一颜色做首选色。2、画任何一个物体，选定固有色后，将该色颜料在调色盘上摆开，在其周围逐一相加，调出系列色相。如苹果――选调黄色，用来画半明部，亮部在黄、的基础上加少量白粉，高光可先适当空白，画明暗交界线在固有色上加普兰和少量的紫，使黄苹果从明到暗为浅黄、黄、中黄、绿黄、深黄等系列。这样色与色之间既有联系又有区别，适当运用可表现丰富的色彩及体积感。注意要表达出苹果的三大面和五调子。3、用笔颜色的厚薄要区别对待，一般要遮盖白纸为宜，亮部、半明部宜略薄，利用白纸底衬亮色块，使色彩明快；明暗交界线、暗部宜画厚重；亮部、半明部色相不准要待干后用较干色，也可厚画。4、色彩成系列中，颜色相加，种类不宜多（易脏），忌量相同（易灰）和反复搅拌（色不新鲜），白与黑相加应一点一点加入适可即止，不要一下子加入较多（易脏）。5、如调出色相不明确或与邻近笔触差距太大的色，属脏色，应洗净笔头，重新调，一幅好画以没有脏色为宜。任何颜色都有自己深浅不同的色相，脏色使画宜灰、闷、无质感。
三、用 笔 法
用笔造型时主要要注意方向、块面和速度。用笔速度要有轻重缓急，排列色块笔触的方向等要从物体的结构和表现需要出发。块面要看被画物体具体位置和被画快面大小而定。用笔时要根据物体体积规律，因势象形。用笔基本技法有：
1、摆：调出厚薄适度的颜料，看准被画部位，轻起轻落，稳准的铺排到位，速度略慢。
2、刷：用大号笔或底纹笔，含较多的颜料和水快速铺开大色调关系（切忌反复平涂可适当留白）此笔法宜画背景或衬布和主要、较大块面物体的底色。
3、嵌：用小笔侧锋看准要画部位，用笔将色按到位后，再向后快速提起，宜画细部及投影面积不大，着色较浅或较深的地方。
4、勾：与嵌相似有按勾与挑笔分别，主要用于画细部。
5、揉：两色并排过渡地方过于生硬或对比明显，可适当配色或含少量水，于其间来回轻力揉动，使颜色衔接自然，过渡丰富耐看。
6、点：用小笔表现细微的地方和琐碎的造型。
7、擦：用笔速度要快，笔和色要干，只用笔尖与纸面接触，宜画反光和高光，及制造蓬松或粗糙的肌理效果。
8、洗：表现特别的烟雾或朦胧效果，以及调色不准或不协调之处，可含水较多无色的笔洗之，再用干笔吸掉颜料。此法不宜多用，否则画面反复擦洗，易弄脏已画好的色块及产生变色。
四、造 型 法
掌握了用水法、调色法、用笔法之后，就要掌握造型法。首先要分析被画物体形体向背，分面、分块以及各块面倾斜的方向、面积的大小，用不同笔触顺面的结构方向铺排，使物体色彩生动有序，既表现了丰富的色彩，又造就了形体与结构。具体做法：1．笔触首先要在分析形体结构及块面之后用笔表现，顺应形体趋势或旋转方向而铺排，块面要准确，衔接要轻松自然。2．大、中、小笔视不同地方而用，一般先用大笔铺大块，形成画面大调子，再用中笔衔接处理，最后用小笔完善。3、干、湿、厚、薄视物体质感而定、主次而定。一般主要物体宜厚、宜干，次要物体宜湿、宜薄。4、每画一笔应求变或略加深色或略加浅色。一种色画完要洗尽笔头，挤干脏水，再画第二种色，使笔保持新鲜、干净，不致弄脏画面；也换一枝笔画。5、背景、衬布宜用大块笔触及色块表现。6、所有物体最高部位的高光最后再上色。
造型时要注意①笔触块面大小；②运笔及块面的方向背景；③色彩的深浅变化
五、调 整 法
一幅画待画面大体色彩关系表现较完整，一幅画快结束前，往往有画面色彩局部或整体平淡或灰、乱的现象，这时要用调整法强调亮面和高光，加深暗部及投影，处理画面色彩对比关系，如深物体色相的浅背景，浅色物体的深背景等。明确把握画面黑、白、灰的层次及冷暖关系等，运用恰当，调整适度能达到事半功倍的效果。
调整分为色调的调整、色彩的调整和造型的调整。1、色调调整：主要有最深色彩系列，中间色彩系列，亮调子系列。2、色彩的调整：对主色调的系列调整，次调色系列、对比色系列调整，冷色调和暖色调的调整，冷暖协调色统一和谐。3、造型的调整：主要物体要精画，要饱满准确，次要物体略画，外型要准确生动，衔接要轻松、自然、有序，主次分明，详略得当。使画面色彩调子黑、白、灰拉开，层次丰富有序，加深最深的，提亮最亮的，拉开整幅画面色彩空间。
水粉画画法与步骤：
（一）观察： 1、观察的内容：观察要全面、系统。具体来说：要从形、体、色三方面去观察，要形成头脑中的整体印象，便于构思画面及想象色调与构图。①静物的形，哪一个最大，哪一个最小，哪一个最左，哪一个最右，哪一个适中，各有什么特点。②静物的体：每一个物体体积结构的特点及块面组合，以及哪个物体空间位置最前，哪一个物体空间位置适中，哪一个空间位置最后，以及形与体、物与物之间的远近、高低、向背等空间关系。③静物的色：整组静物色彩的冷暖基调是什么，最深色物体是什么，次深的物体是什么，最亮色物体是什么，画面什么色与什么色属灰调（中间调子），什么色与什么色属黑调（深色调），什么色与什么色属白调（浅色调）。2、观察的方法：在动笔之前，应该用足够的时间观察、研究、分析物体的形象、形体特征，要形成完整的印象。坚持多看、多分析，不但深化认识和理解的程度。①整体地观察：整体地观察是观察的核心，从整体到局部、从局部到整体，养成整体观念及表现的习惯。整体观察形、体、色形成第一印象。②联系地观察：在整体中，局部与局部之间相互依存，有内在联系。其中解剖关系、空间关系、透视关系要通过联系地观察，增强整体内容的把握能力。③本质的观察：任何表面物象都以其本质为依据，不认识、不理解事物的本质，也就不可能真正理解现象，产生盲目性。在色彩中形体结构与色彩色调都包含着深刻、复杂、又协调的明暗素描关系，加深本质地理解，可以提高表现能力。看名家名画，也能进步的道理也基于此。
（二）构图：一般分为两个阶段，整体构图与深入构图。①在观察的基础上把整组静物的外轮廓线及单个物体的外轮廓线、主要结构线大体位置以简洁概括的线条，轻轻描画在画稿上，要注意各物象的大小向背及相关关系是否正确，以及形体比例是否协调。②深入构图：以抓结构为主，从整体形到局部形，根据观察分析的结构及相关空间，抓结构线、明暗交界线及投影线，可适当表现明暗，要注意准确性与生动性，相互联系地检查与修改。1、整体构图：整体构图布局，主要物体与次要物体的位置、空间、大小等，背景及次要物背宜画虚，主要物宜画略重，初学者宜用铅笔构图，再直接上色（单色比较薄）。2、深入构图：深入构准形体、比例、空间、主次后，确定明暗，交界线及投影，分出画面大体明暗部位。
（三）上色彩：1、上色彩的步骤（一般有三种画法）：①先画背景，其次台面及衬布，最后画主要物体。②先画主要物体，其次台面、衬布最后背景。③先画衬布台面，其次静物，最后背景。2、上色调的方法（一般有三种画法）：①从物体暗部画起，再画灰部，最后画亮部。②从物体亮部画起，再画灰部，最后画暗部。③先画灰部，再画亮部，最后画暗部。初学者以方法②和步骤①为最好。以上介绍的步骤和方法各有优缺点，对初学者来说方法②与步骤①可保持画面的单纯、明快和色彩亮丽。因初学者往往色彩感觉不丰富，画色彩易越画色彩感觉越迟钝，最终画脏，故方法②和步骤①可避免初学者画脏、画丢、画坏。①初学者先采用方法②和步骤①训练等具有一定调色、用水、用笔、调整等基本技巧后，再采用其它画法和步骤。3、以湿画法用大笔“刷”的技巧铺背景大体色，要注意背景的微妙色差及明暗过渡；画背景留出主要物的外轮廓，不要画伤主要物外形；要适当留出背景高光较白部位；背景宜上浅下深，光源近处浅，远处深。4、画背景适当用水，干、湿结合用笔铺排，宜近浅、远深与背景连成一体，转折色处色略深，抓大感觉铺大体色，物体适当留白，以画大皱纹与肌理为主。5、画主要物体从亮部画起，先画固有色，调准固有色，同时在调色盘上将色摆开一一对应上色，画所有物体半明部的大体固有色，注意同样的物体近处应亮，远处应略暗，形成色彩空间次序。如色彩不准或面积不当，可待完全干后，再覆盖；画主要物体颜色要纯正，厚重，饱和，以“摆”的技法为主。稳准铺排到位；笔触要顺应物体结构。6、画主要物体时，在固有色的基础上加深颜色调色。衔接铺排与固有色有区别又要有联系。每一笔颜色要有区别，画到此时应适当加深背景、衬布的层次，尤其是色较深的部位，有深色与浅色的对比，才能把握好浅色的程度与画面的协调。7、画主要物体时，在固有色变化后的灰色基础上进一步调深，画明暗交界线。在明暗交界线的色上略加固有色。使色变浅，再画暗部可恰当表现暗部色及反光。
（四）调整：作画中要机动、灵活地运用用水法、调色法、用笔法、造形法，最后用调整法。无论用哪一种上色方法及步骤都必须从整体着色、着大体色、逐步逐层整体推进深入，切忌一下子把某个物体画完。待整体完成所有物体亮部、灰部、暗部之后，用调整法调整画面。加深最暗的、点亮最亮的、减弱最跳的、提高较灰的达到整体协调的画面效果。
调整要注意首先调整主要物体的色彩，色彩分层及变化，调整物体造型、形体结构，外轮廓等；画面明暗对比，色彩冷暖对比；画出最亮部分的高光及衔接。