花卉静物绘画

A. 静物简笔画的绘画手法

静物是人工布置的物体，安排应宾主分明、错落有致，即集中饱满而不堆砌庞杂，或单纯雅致而不贫乏单凋。静物画的构图是实物布局的再现，布置若得当，则画面表现充实。
1．画面内容：画面内容首先是要做到“物体归类”。静物画选择物体较自由，并无固定的格式要求。
也许是习惯为人们提供的启示吧，人们在选择时形成了一些自然的倾向：其画面内容和形式，应力求统一得当，多寡适中；主体要基本归类，陪衬物和背景做到宾主分明，虚实而不紊乱。
其次是“选择得体”。若以花卉为题材的静物画，则应以某种花卉为主体，适当配备少量比主体稍小的其他花卉，使其形态结构和大小尽量与主体协调，过分繁杂则易分散主体。
如果菊花、芙蓉同量入画，虽形体相仿，而宾主难分；主体不慎分散，则势必削弱了它的艺术感染力 。
2．实物体积：实物要做到大小匀称、长短适度。静物在配备物体时，各物体的体积要匀称适度，彼此不要悬殊太大，入画才有美感。过大的物体勉强入画，会有压抑膨胀之势；过小的物体搬上画面，又有琐碎零星之感；体积悬殊太大，又有轻重不稳之弊。
画面上各物体的形体比例应与实物同大，以增加物体的真实感；各物体之间的距离应当适宜，各物体之间距离过大或过小都易失真。因此，对实物体积的大小及其画面的形象，应注意配合默契。 为了便于概括，把静物类型归纳成三大类：一是类似长方形体、方形体；二是类似圆球体、椭圆球体；三是类似锥体、类似圆柱体等。
有的静物类型不易分清，如花瓶的颈部是柱体，而腹部是球体。此类静物应该细致观察、精心分析，才能得出该物体基本类型的归属。 静物简笔画，应该牢牢记住静物是由基本形体组合而成的要领。
用基本形体组合时应符合静物特点。按照静物的构造和长宽比例以及各部分前后、高低、穿插的关系去勾画。
有的静物简单，用基本形概括容易；有的静物较复杂，用基本形概括较难，应进行取舍，使它简约、生动。
着手画物体时，首先走好大体雏形，确定位置、长度、比例，把静物当作整体来观察，用大的基本形体去概括地表现它；其次是抓主要结构线，并进行前后、左右比较，此时应当“多看少画”；最后补充次要的部分使之完整。总之，先整体抓主次关系，再深入局部；也可以从某局部开始画，但要着眼于整个形体，若不然，画到最后就难免乱了章法，不可收拾了。
如 “静物的画法与步骤”所示，左侧图中，平柜及其上的电视机是画面的中心，应当先予以确定，其余的家具、灯等则是后来确定的；右图的画法同然。

B. 色彩静物要怎么画呢

在水粉静物写生中，我们时常会遇到画得“粉气”这一问题，往往要时时提防，担心画面处理不当而陷入“粉气”、“苍白”的境地。
造成画面“粉气”的原因是多方面的，归纳起来主要有三个原因。
第一个原因是在表现物体的色彩层灰差别时，到处都以白色来调和，以此区分明度，使整个画面粉质的比重过大，从而产生“粉气”的感觉。特别是在表现物体受光面的色彩时，有些考生为了使受光面表现出较高的明度而一味加白色，从而丧失了物体的固有色倾向，画面的“粉气”也就随之而来。须知，即使是画物体的高光，也只应以白色蘸少许光源色及固有色，这样画出的物体高光才会符合该物体的色彩倾向关系。而且不同物体的高光色彩应该是各不相同的，切忌用白色去画所有物体的高光。
造成“粉气”的第二个原因是在表现物体的暗部时，不适当地调入较多的白色。一般在水粉写生中，暗部的色彩比较忌讳加进白色。因为水粉的白色与其他深色相调，干燥后就会特别“粉气”，重不下来。因此，通常是用柠檬黄、粉绿、土黄、橘黄、湖蓝等颜色，根据暗部的冷暖倾向调和深色以表现暗部的色彩变化。另外采用湿薄的调色方法可减弱暗部的明度，以此来表现暗部反光及表现暗面的明度差异，从而回避使用白色。当然不是绝对不能使用白色来表现暗部的色彩，对一些明度很高的物体，如白色瓷盘，暗部当然也需用白色与其他色彩相调。即使是表现色彩很深的物体，有经验的作者在表现暗部色彩的不同明度层灰时，也会用少量的白色调配暗面的色彩，色彩不必调熟，只是灵活地表现一些反光部分并在小中范围内提上几笔，这样非但不会产生“粉气”的感觉，相反会形成丰富、饱满的色彩美感。
造成画面“粉气”的第三个原因是调色盒中的颜料被未洗干净的笔蘸颜色时弄脏，或因调色盘在较长的作画时间里未及时清洗，或用含白粉的笔去蘸调色盘中的颜料，影响了颜料的强度，而使画面产生“粉气”的感觉。

C. 如何画静物---（我是初学者）

静物素描是绘画学习的基础。面对我们日常生活中熟悉的生活用品：水果、玻璃用品、陶器、蔬菜、花卉等，我们要去研究它、画好它，并教会学生如何去描绘它，并不是一件容易的事情。很多考生都有这样的体会，素描画了很久，但就是画不好，没有长进，问题出在哪里呢？根据我个人多年的教学经验，画好一幅静物素描需要把握好这五个要素：辅助线、比例、透视、构图、整体关系。
辅助线
线条在绘画艺术中最具生命力、表现力和想象力。作为一切造型艺术基础的素描，在造型语言的运用上，就更应注重线条的运用，而我们的基础素描教学有时却忽视了这一点。
通常我们在教学的时候，经常讲到的是明暗交界线、结构线、外轮廓线、内轮廓线，这些学生都知道。但是在作画的时候还是画不好形，原因何在呢？这跟辅助线的运用有密切联系。辅助线对于初学画的学生来说并不陌生，它是指在形体塑造的过程中所借助的假设线。这些线在实际上是不存在的，它是帮助我们造型的一种辅助工具，而不借助辅助线是很难把对象画对称的。同时，在构图的时候，也会运用到辅助线，通过辅助线可以快速、准确地确定好构图的位置。
比例
比例是指物体间或物体各部分的大小、长短、高低、多少、窄宽、厚薄、面积等诸方面的比较。不同的比例关系形成不同的美感。观察与表现比例关系有个较好的方法，如先抓住相比关系因素的两极，再确定中间部分，依次分割下去，就可以确定出任何复杂的比例关系。而要把形画好，比例在画画的过程当中就显得格外重要了。在静物素描中，每一个物体本身存在着一种比例关系，它的这种关系比石膏几何体要复杂得多，要想把这种关系画正确，需要经常用比例关系来约束自己。通常在这个环节的教学过程中，学生容易走过场。原因在于老师在评价一幅作品的时候，更多的是看重画面效果，而不会照着所摆放的静物来评价，只要比例关系不是很严重，一般都不会作为重点去讲解，因此学生也就忽略了比例的重要性，直到画石膏头像或者人头像的时候才发现形老是画不准，比例老是有问题，有的学生因此逐渐对画画失去了信心，甚至认为画画实在是太难了。谁知这一切都是“比例”惹的祸。
透视
一切物象都占有一定的空间，物与物之间也存在着一定的空间距离。如画者与写生物的空间距离、被画物体之间的空间距离、被画物本身前后的空间距离、被画主体与背景的空间距离等等。在素描中，利用物体的透视变化产生距离感，表现空间的技法，最基本的方法就是透视原理的运用。
但透视一般不应该放在开头讲，因为在学生还不具备画线的能力和找倾斜度的能力的时候，把透视放在前面讲会带来动手方面的困难。静物素描教学中圆的透视是最难画的，我们日常生活中的生活用品：水果、玻璃用品、陶器、蔬菜、花卉等大多数是由“圆形”组成。举一个最简单的例子：“一个酒瓶”涉及到的圆就有四五个了，而要将这些圆的透视画好，可不是一件容易的事情。
构图
构图是对画面内容和形式整体的考虑和安排。构图的原则是，变化中求统一。构图有三个要点：画面主题图形的位置、非主题图形的位置以及与主题图形的关系、画面底形的位置与图形的关系。
在三个要点中，第一要点是构图的决定因素，它在画面中的位置决定了画面的样式。静物素描写生构图的应用相对简单，只要将对象的主要部分置于画面中心，将对象整体与边框距离处理得当，背景底形不重复，就是成功的构图。但需要注意的是，“画面中心”并不是画面的等分中心，它是以人的视觉方式确定的。这一中心，是以黄金分割定律原理确定的位置，即以1∶0.618的比例分割画面，得出画面中的四个相交位置，这四个位置即是接近画面中心的“构图中心点”。我们可以将写生对象的主要部分，置于其中任何一点，即可得到优美的构图形式。
整体关系
学生在作画时，在涂明暗调子的过程中始终要树立整体的观念。静物素描就是训练学生对复杂的形体、色调的理解与驾驭。一个整体是由若干个局部组成的，没有局部的整体，是空洞的，不真实的，然而，没有整体的局部，再精彩、再深入也是毫无意义的。因为静物素描的目的，不光是练就一手“好活”，而更重要的是培养一种艺术思维的“想法”和如何观察事物的“看法”。离开了这两点，静物素描练习也就失去了它的意义。有人说：“素描就是比较，比较，再比较。”这话虽然有点偏颇，但也有一定道理。既然整体是关系到一幅素描作业的成败，那么局部与局部、局部与整体的关系就显得非常重要。如何解决这种关系，就是靠比较的方法，比色调的深浅，比形体比例的长短、宽窄、大小，比透视关系的远与近、虚与实。根据这种比较画出来的物象，才是客观对象真实存在的一面。
画好静物素描的关键，在于找到一种好的学习方法和途径，并且有针对性、有目的性地去训练，你就会发现原来画好一张素描并不是那么难。

D. 水粉画的植物应该怎么画！！

水粉画具有很强的表现力，静物、风景、人物、植物花卉都能表现的很到位，因为植物花卉相对来说造型比较复杂，而且其色彩关系较难把握，很容易画乱，这时候就需要进行色彩花卉的专项训练，还要掌握好一些基本的技巧。

1、首先要单色起稿，有秩序的绘画。很多同学看到植物花卉之后就会发懵，那么多花瓣与叶子不知道从何处下笔，这时候要根据花的品种进行分析，一般静物中的植物花卉是配合着花瓶来摆设的，露出来的花卉分为花头、花茎、叶子。在色彩关系上要有主次，有所取舍。把握住花卉大的明暗关系与体积关系的同时，再去画一些细节，最主要的是花头的表现，要画出花的特征，像菊花、月季、百合花等它们都有较强的主观特征，一般情况下花瓣是有单瓣与复瓣的交叉，要尽量表现出厚度，而花瓣之间要表现出长短、宽窄的变化，还要体现出花瓣疏密的关系。
2、花茎也很关键，在表现的时候记住一点，可以根据主观的思想意识来表现，因为茎是线条，起到调节画面的作用，不用按部就班，切忌死板生硬笔直的画出来。叶子是起到点缀作用，围绕着花头进行有取舍的表现，不要一画一大片，这样就喧宾夺主了，叶子在色彩上也要淡雅一些，多进行一些调和，不能用纯度太高的绿色来表现。
3、在色彩的表现上要注意笔触的应用，花瓣画的要灵动，调色时不要每一笔调和的很均匀，有一些色彩之间的交叉也是可以的。花卉的纯度明度要根据前后关系进行强化，把该突出的部分画的较为鲜艳一些，干花除外，注意高光的处理，不要以为复杂的花卉就没有高光了，暗部、反光、中间色调、亮部、高光都需要出现在主要的花卉当中。
注意上述的几点，在练好植物花卉的同时，更要有全局意识，在大构图中，可能植物花卉就成了附属了，这就需要在绘画过程中灵活的分析和处理画面。

E. 静物简笔画的主要内容

静物画常是某些画种作基础训练的内容，又是一种独立的绘画形式。静物简笔画以家用瓶罐器皿、花卉草叶、瓜果蔬菜、花布色布、丝绸呢绒、标本、小型工具等为描绘对象。
此外，根据画家的爱好，可把静物画的内容扩大到鱼蟹禽鸟、历史文物之类。
甚至可以说，除了风景画和人物画之外的大部分物体，都可以作为静物画描绘的内容。
静物画是各国家各民族各时代生产水平、生活条件、风俗习惯的客观反映。
有的物体是由两种或两种以上的几何形体组合而成的。如家具、家电用品大都是长方形，炊具、茶具等一般是圆形，书、报、杂志是方形，火车、汽车等交通工具是方、圆的组合等。
尽管物体的外形复杂多样，因观察角度的不同导致外形还各有变化，但这些变化都可以用基本形、基本形的变形或组合形来表现。
只要掌握物体的外形特征，再仔细体会构成基本形体的各要素，然后归纳概括，画静物简笔画就比较容易了。

F. 什么是静物画 静物画的构图方法有哪些

什么是静物画？即以相对静止的物体为主要描绘题材的绘画。这种物体（如花卉、蔬果、器皿、书册、食品和餐具等等）必须是根据作者创作构思的需要，经过认真的选择，经过精心地摆布和安排，使许多物体在形象和色调的关系上，都能达到高度表现，总的谐和，能传出物象内在的感情。静物画中所描绘的这些物体，虽很普通，但它却包含了深刻的意义。
如早在宋代李嵩的《花篮图》，精心描绘了堆满花篮的各种春花，给人以春意盎然、百芳争艳、万物扶疏的感觉。宋人《出水芙蓉图》通过对芙蓉花的细腻描绘，给人以清新恬静和芙蓉花丰盛、娇柔而挺健的美感。在现代的静物画作品中，如齐白石的《蔬菜》和《樱桃》，虽寥寥数笔，却深刻地抒发了画家对今天生活的无限热爱。并使观感者联想到人们日常生活中所接触和所必需的一些东西；联想到江南初夏麦黄季节的美好图景。
什么是静物画？静物画表现生动活泼、鲜明有力，具有给人以鼓舞、使人兴奋向上，引人对生活产生无限热爱的艺术感染力。一幅好的静物画，必须要尽可能的充分表现出有助于描绘出对象的精神实质的正确的形象和色彩。
构图是默画作业的第一步。要充分运用变化与统一，对称与均衡，对比与调和等形式来组织一幅比较完美的静物默画作业。
素描静物默画的构图法则
素描静物默画的构图法则一、素描静物默画的构图安排构图的安排是构图中考虑的首要因素，要做到将诸因素合理地安排在画面当中。你所画的物体在画面中首先要做到大小适当，过大，显得画面拥挤堵塞；过小，画面显得空荡；画得偏上，给人感觉顶天；画得偏下，又让人感觉物体往下坠；偏左或偏右会使人感到画面失衡而不稳定。安排构图时一定要充分理解变化统一的规律，同时画面主体物占多大面积，留多少空白空间，主体物安排在什么位置，空白空间留在那里才合理美妙，这些问题都反映考生的构图能力和审美修养。
素描静物默画的构图法则二、素描静物默画中几种常用的构图形式构图的形式很多，也很复杂，各种绘画形式有各种绘画形式的构图规律，就静物默画而言所采用的构图基本形式多为：水平、垂直、倾斜、曲直线形、金字塔形、三角形、圆形环状和十字交叉形等。这几种构图各有各的审美特点：水平构图有安静、祥和感，垂直构图有严肃、雄壮感，倾斜构图有动态感，曲直线形构图则有柔美、变化感，金字塔构图有稳重、庄严感，三角形构图有稳定感，圆环状构图有紧密感，而十字交叉形构图又会产生动中有静感。
素描静物默画的构图法则三、注意素描静物默画中规定内容的摆布与组合在掌握了前面讲到的一些构图的基本形式之后，默画物体的摆布与组合就是体现和完善构图形式的重要环节。一般素描静物默画考试的题目中包括的内容都有三至五个，比如一个火锅、一只碟子、一把勺子、几个苹果、一块衬布等。考生在默画时必须认真审题，分析题中物体的大小、主次，再作符合构图形式的得体安排。

G. 什么是静物画，静物画的含义

我们在学习绘画的过程当中，静物画是我们的必须课，从艺考的培训到大学绘画专业的训练都把静物画当作重点来看待，那么静物画的具体含义是什么呢？下面就来解释一下静物画的含义。

我们不应该将静物画看成仅仅是初学者入门时画的画，从而有所忽视。静物作为一个画种，在人们审美的心目中已占有相当的位置，许多画家如斯奈德斯、赫达、夏尔丹、塞上、塞尚、梵高等耗费了一生中多数乃至全部精力，在这个领域上进行研究，而且为人类留下了为数不少的极其宝贵的艺术珍品。

H. 静物画可以追溯到古埃及。你认为这些年来静物艺术代表或说明什么

西方的静物画，从文献记载看大约在古希腊的古典时期就已经产生了，其萌芽甚至可以追溯到爱琴美术中克里特的陶器彩绘，如其中以独幅画方法描绘的花卉。若以动物画来看，则爱琴美术中已有独立的壁画作品，如《海豚图》、《羚羊图》、《怪兽图》等等。至迟在希腊化时期（公元前332～前30年）它已成为一种相对独立的绘画形式。在古罗马帝国时期，静物画可能已经比较普遍，在庞贝城遗址所留存的壁画中，就有不少独立的静物画和动物画作品。如《桃子与玻璃瓶》、《器皿、鸡蛋和猎物》、《水果盘与双耳尖底瓶》；动物画有《树与蛇》、《花丛中的鹭鸶》、《鹭鸶与蛇》等。从技巧方面看，当时主要使用明暗造型手法，能够表现物体的体积感和质感，对构图、空间、透视的处理也有一定的认识。可以说这是西方静物画的第一个发展期，可惜的是这个时期没能延续下去。欧洲中世纪时，基督教美术的兴起使作为独立绘画门类的静物画、动物画基本绝迹，只有某些静物、动物形象作为宗教画中的象征物或背景点缀而存在。
随着欧洲文艺复兴运动的发展，肯定现世幸福的人文主义思想使当时的艺术开始关注和表现人的生活和生活环境，于是静物画作为独立的绘画题材在17世纪再度兴起并正式成为西方绘画的重要样式。一般认为欧洲近代最早的静物画，是意大利画家巴尔巴里在1504年所作的《静物：鹧鸪与铁臂铠》。到17世纪，静物画在意大利和北欧（主要是荷兰、佛兰德斯）渐趋普遍。17世纪的静物画以荷兰画派最具成就，不仅静物题材多样，而且描绘细腻、华丽、精美、质感极强。主要代表画家有J．D．de海姆、P．克拉斯、W．考尔夫、A．van贝耶林等。如果说17世纪的荷兰画派是欧洲静物画创作的第一个高峰，那么18世纪法国画家夏尔丹的作品则代表了静物画发展的第二个高峰。他把静物的题材范围扩大到了以往不被人们注意的形象上——朴实、简单的厨房用具和食物，把极普通的对象变成了富于美感的艺术品。18、19世纪，静物画获得广泛长足发展，产生了无数的佳作，风格也日趋多样。另一方面，静物画还成为画家练习技巧和学院美术教学的一种手段而得到普及。
从19世纪末的后印象主义开始，静物画进入了一个新的探索阶段。塞尚在静物画创作中追求绘画的形式语言美感，开拓了静物画创作的新天地。并且启迪了西方现代艺术追求形式创新的新方向，开启了现代主义之门。其后，野兽主义、立体主义等现代主义流派进一步发展了静物画创作的新形式。

I. 儿童 花卉静物(衫布、窗帘布、花瓶、桌面)美术写真教程

去书上找类似的画，然后临摹

J. 推荐几位擅长画花/静物的油画家把！谢谢

较早来到新西兰的画家中，最有才能的是W.霍奇斯。
A.厄尔也是较早遍游新西兰的艺术家。他曾在新南威尔
士定居了一段时间，1827～1828年又来到了新西兰的北
部。他的风景画和以毛利人为模特儿所作的习作，技巧
平乏，但十分合乎习俗，具有较高的历史价值。19世纪
的英国移民们带来了英国美术的光辉。移民中有许多有
才能的业余画家,他们多用水彩作画,旨趣十分古朴。在
风景画中，一些关于毛利人生活的作品，可以传达出真
实的情感，淡淡的乡愁和对新土地的敬畏感。W.福克斯
既是一位政治家和殖民地的总督，也是一个绅士风度的
业余画家，画有大量有关他生活的素描和一些精美的水
彩画。W.斯温森画了一系列感受性强的风景和丛林习作，
经常强调人在大自然之前显得卑微的寓意。J.金德的水
彩画，把脑海中所影印的平淡、井然有序的英国风景移
植到殖民地的风景之中。值得注意的是开始接受本土艺
术传统的画家J.A.吉尔菲兰和C.希菲。吉尔菲兰的素描
册(现藏达尼丁的霍肯图书馆)十分出色，其中插图异常
生动。他们对毛利人美术传统的发现，拓宽了作品的领
域，为自己艺术灌注了新的生命力。吉尔菲兰以毛利人
为模特儿连续画了各种不同姿态的素描，精心之作《一
个土人村庄的内景》反映了封闭、群居，但充满活力的
毛利人社会。希菲也画毛利人，他是新西兰风景优秀的
阐释者，最有观察力的人之一。他画新西兰，不只把它
视为一个广阔和空旷的国土，而是力图描绘出它的独特
性。可惜吉尔菲兰和希菲没有发展传统，也没有留下追
随者。19世纪后期的一些业余画家，用英国浪漫主义风
格来表现新西兰，出色地解决了前人在风景画中没有解
决的技巧问题。他们利用闲暇时间作旅行写生，不知疲
倦地寻找风景区和大自然雄伟的奇观。由于他们洞察了
新西兰风景的内在构造，他们的风景画，色彩柔和谐美、
生动自然，给人深刻的印象。
19世纪后半叶，美术机构和美术学院的建立，定期
举办美术展览会，艺术家地位的提高，使得职业画家的
生存成为可能。职业画家最早并非出生于新西兰。19世
纪90年代前期，3名欧洲有经验的画家来到了新西兰,P.
van der韦尔登定居在克赖斯特彻奇,J.奈恩定居在惠灵
顿，G.P.纳利在达尼丁教了一阵书后，移往奥克兰。他
们全是职业画家，并且多才多艺。他们带给新西兰令人
兴奋的新颖风格，新西兰也带给他们异域的美，从而形
成了新的传统。纳利以肖像画著名，韦尔登擅长荷兰风
格的风俗画和风景画，奈恩则表现出类似于印象主义早
期风格的田园景致和肖像画。他们的作品十分逼真，对
新西兰美术产生了深刻的影响，促进了新西兰19世纪末
美术的发展。
20世纪初新西兰的美术变得更加丰富和多样化。新
西兰的画家逐渐走向成熟，其中，A.W.沃尔森继续用水
彩制作传统的风景画、海景和当地的灌木丛。M.O.斯托
达特作为一名风景画家和静物画家在基督堂市享有崇高
的声誉。R.麦克尔泰尔和O.莫顿的艺术对大都市产生过
震动。一位名叫F.霍金斯的女画家，精通各门画种，多
才多艺，被誉为“传统主义者、现代主义者、新西兰民
族主义者”，是新西兰殖民地时期绘画中最杰出的代表。
1952年，新西兰政府任命一名专职教授，管理奥克
兰美术馆，并采取了一系列有力的政策推动美术事业。
1963年以英国为模式建立了伊丽莎白二世艺术委员会，
编纂了政府对视觉美术和有关活动的纲领性文献，还规
定了国家资助艺术事业的标准。一批有成就的画家开始
涌现出来。T.A.麦科马克虽没出水彩画的范围，但他的
风景画和花卉画却受到人们的称赞。J.威克斯是一位粗
犷、喜爱冒险的艺术家，他旅欧归来，广泛地与艺术鉴
赏界为伍，在最令人喜欢的静物画和风景画中作出了突
出的贡献。油画家M.T.伍拉斯顿和C.麦卡恩毅然地打破
风景画和人物画中一般的陈规，经常在宽大的尺幅上作
画，追求独立的线条。因为上述 4人几乎在新西兰渡过
了一生，作为酬谢他们艺术的成就，政府曾为他们举办
艺术回顾展。在更年轻的一代人中，值得提及的是成长
中、相当数量的毛利人画家，他们的艺术也应归于本土
艺术的发展。