国画花卉画稿

⑴ 国画十级是什么水平

国画考级没有十级，最高是九级。

中国画考级标准

写意花鸟
一级：使用中国画工具画出简单的花卉、蔬果或小动物。
二级：使用中国画工具画出较准确的花卉、蔬果或小动物。
三级：使用中国画工具画出较复杂的花鸟画。
四级：使用中国画工具画出较复杂的花鸟画。
五级：画出笔墨有较复杂变化的一幅较完整的花鸟画。
六级：画出一幅色、墨搭配协调的较完整的花鸟画。
七级：统一命题，画出符合题意、有意境的花鸟画。
八级：统一命题，画出符合题意，有特点的花鸟画。
九级：统一命题，画出符合题意，具有个人风格的花鸟画。

工笔花鸟
一级：拓描画稿，白描一幅简单的折枝花卉。
二级：拓描画稿，白描一幅较复杂的折枝花卉。
三级：拓描画稿，白描并单色分染主体花与叶。
四级：拓描画稿，白描并分色分染主体花与叶。
五级：拓描画稿，画一幅重彩花卉。
六级：拓描画稿，画一幅较复杂的工笔花鸟画。
七级：写生一支花卉并组成画稿，白描后分染，罩染主要花卉。
八级：在写生的基础上，独立构图完成画稿或创作画稿，白描后分染，罩染主要花卉。
九级：在写生的基础上，独立构图完成画稿或创作画稿，白描后完成

一幅工笔花鸟画。

山水画
一级：画出简单的以山、水为题材的一幅画。
二级：画出树、石、山较准确的一幅山水画。
三级：画出有远近的一幅山水画。
四级：画出一幅较完整的山水画。
五级：完成一幅较完整的山水画，要题款、用印。
六级：画出一幅较完整的山水画，要有房、桥、船等适当点景并要题款、用印。
七级：统一命题，画出符合题意，有意境的山水画。
八级：统一命题，画出符合题意，主体鲜明的山水画。
九级：统一命题，画出符合题意，具有个人风格的山水画。

写意人物
一级：画出一幅简单的人物画。
二级：画出一幅简单的人物画。
三级：画出一幅较复杂的人物画。
四级：写生简单人物。
五级：写生人物画。
六级：写生人物画。
七级：人物画创作。
八级：人物画创作。
九级：人物画创作。

工笔人物
一级：拓描画稿，白描一幅简单的人物头像（古代、现在人物均可）。
二级：拓描画稿，白描并单色分染人物主体部分。
三级：拓描画稿，白描并渲染一幅人物。
四级：拓描画稿，画一幅壁画形式人物。
五级：拓描画稿，白描并渲染一幅人物。
六级：拓描画稿，画一幅较复杂的工笔人物画。
七级：写生人物头像或半身像，并组成画稿，白描后分染、罩染人物主要部分。
八级：写生坐姿人像，并组成画稿或创作画稿，白描后分染，罩染人物主要部分。
九级：写生或默画简单的动态人像并添加简单背景，独立构图完成画稿或创作画稿，白描后分染，罩染人物主要部分。

⑵ 国画与一般的水彩水粉画的最大区别

国画与一般的水彩水粉画的最大区别在于“国画”是中国画，而“水彩、水粉”则是西洋画。

水粉，就是用水来调和的，颜料里有少量的油质，来保持是颜料不干。画的时候用水调色。有专卖的水粉画纸张。也有其专门的笔。笔分羊毫，狼毫，兼毫等。狼毫硬，羊毫软，看个人喜好。画面容易修改，覆盖能力强。但不提倡反复修改，画面容易变脏。画面干后，会比你调的时候的颜色灰一些。这是因为水分蒸发掉的原因。

(2)国画花卉画稿扩展阅读

国画的种类：

1、人物画。

要画好人物画，除了继承传统外，还必须了解和研究人体的基本形体、比例、解剖结构，以及人体运动的变化规律，方能准确的塑造和表现人物的形和神。 画人物有几种表现方法，各有所长，如：白描法，勾填法，泼墨法，勾染法。

2、山水画。

山水画的组成包括：山、水、石、树、房、屋、楼台、舟车、桥梁、风、雨、阴、晴，雪、日、云、雾及春、夏、秋、冬气候特征等

3、水墨画。

指纯用水墨所作之画。基本要素有三：单纯性、象征性、自然性

4、院体画。

这类作品为迎合帝王宫廷需要，多以花鸟、山水，宫廷生活及宗教内容为题材，作画讲究法度，重视形神兼备，风格华丽细腻。因时代好尚和画家擅长有异，故画风不尽相同而各具特点

5、工笔画。

工笔画须画在经过胶矾加工过的绢或宣纸上

6、文人画。

泛指中国封建社会中文人、士大夫所作之画。以别于民间画工和宫廷画院职业画家的绘画，北宋苏轼提出“士夫画”，明代董其昌称道“文人之画”，以唐代王维为其创始者，并目为南宗之祖。

7、花鸟画。

花鸟画的画法大致可分为二类：工笔花鸟；写意花鸟。昆虫亦有工、写之分。表现的方法有：白描（又称双勾）、勾勒、勾填、没骨、泼墨等等。他和山水一样，有悠久的历史。花鸟画的学习步骤不外乎临摹、写生、创作。表现的主题有：竹、兰、梅、菊、牡丹、荷花等；禽鸟有：鸡、鹅、鸭、仙鹤、杜鹃、翠鸟、喜鹊、鹰；昆虫有：鹦鹉、蝴蝶、丰、蜻蜓、蝉，杂虫有：蝈蝈、蟋蟀、蚂蚁、蜗牛、蜘蛛等。

⑶ 国画中的勾皴染点擦的技法指的是什么

国画中的勾皴染点擦是山水画中的基本技法。实际上可以理解为中国画家运用毛笔的方法，也就是因毛笔而产生的用笔、用墨的技法。

一、勾。先以淡墨勾描出物象轮廓，然后着色，最后依形象需要用重墨或浓色。

通过对线条的起、行、收的练习，掌握线条运行的基本规律，准确把握指、腕、肘的运行方向和力度，灵活运用各种顿挫、转折、提案。用线勾出山体外形大体轮廓或山石主要脉络结构。

二、皴。中国画技法名。是表现山石、峰峦和树身表皮的脉络纹理的画法。画时先勾出轮廓，再用淡干墨侧笔而画。

在确定山体岩石主要脉络结构的基础上，用干、湿、浓、淡、粗、细、长、短、不同笔法皴出凹凸、明暗、质感和立体感。

三、染。同时用色笔和水笔，先着色笔，再用水笔把颜色烘染开，使其色调渐淡或渐浓的笔法，一般有四种不同的染法：套染、点染、罩染、接染。

用淡墨分染山石明暗凹凸，以丰富其质感和立体感。为增强画面的气韵和整体效果，可将画稿喷湿，在用淡墨烘染，尤其烟云、恋、层次更适宜此法。

四、点。点用笔要轻灵，古人形容为“如蜻蜓点水”，在纸上轻轻一啄，迅速提起。用墨要富于变化，苔点密集的地方要浓浓淡淡，苍苍茫茫，表现出丰富的笔墨内容。

是墨稿将近完成时为丰富画面或弥补败笔之处。用重墨点苔，点“醒”和调整。点苔是用以展现树林苔草，点苔有重墨点苔和彩墨点苔。重墨点苔适宜点在岩面结构的暗凹处或突出山石的要害处，彩点苔多用于秋季和春季。

五、擦。运用擦笔须不见笔，它的作用是补勾、皴的不足，或使皴笔浑成，增加过渡墨迹。

为增强山石浑厚、苍润之感，一般采用软、松、破、秃之笔。蘸干、淡墨擦山石的亮面，或蘸干淡墨擦山石的阴面。“擦”不用线而是用枯、破笔侧峰擦面。若从画面效果出发，也可采用其他方法。“凹皱浮擦法”其效果既丰富又有质感。

(3)国画花卉画稿扩展阅读：

笔法是由行笔而形成的。行笔包括起笔、运笔、收笔三个部分，起笔和收笔逆入藏锋、自然含蓄，行笔要有力度。用笔要意在笔先，以意使笔才能因意成象，笔自动人之处在于有意趣。

笔要有力度，古人称笔 “力透纸背”、“骨法用笔”、“力能扛鼎”，就是强调用笔的功力，力度与方式，所以用笔要全神贯注、凝神静气、以意领气、以气导力，气力由心而腰，由腰而臂，由臂而腕，由腕而指，由指而笔端纸上，于是使产生了具有节奏和韵律、奇趣横生的用笔。

运笔有中锋、侧锋、逆锋、拖笔、散锋等区别，以中锋用笔最重要，它是笔法的骨。

笔锋可分中、侧、逆、拖、散数种。

中锋用笔。握笔较直，使笔头中间有力，笔锋基本上在笔痕的中央，笔痕呈圆柱形。

侧锋用笔。笔锋略向左右倾斜，使笔尖、笔腰同时一侧着力，笔痕变化较多，有时出现一面光一面成锯齿形的效果，能同时表现线与面。

逆锋用笔。将笔头倒逆而行。顺笔作画时，笔根在前，笔尖尾随；逆锋用笔则相反，笔尖在前，笔根尾随，自上而下，自右而左逆毛而行，具有苍劲、古拙的效果。

拖锋用笔。拖锋也叫拖笔、露锋。笔头侧卧于画面，顺毛而行，笔痕舒展流畅，自然松动。

散锋用笔。笔毛散开而笔痕丰富虚灵、轻松飘逸、面积较大，皴擦点簇常用散锋。

五代荆浩在《笔法记》中提出：“凡笔有四势，谓筋、骨、肉、气。笔绝而不断谓之筋，起伏成实谓之肉，生死刚正谓之骨，迹画不改谓之气。”

古人总结了用笔的几种特点：

1．平，如“锥划沙”，力量匀实，不结不滞，只有控制住笔，线才能平实有力。

2．圆，如“折钗股”，丰腴，光滑圆润，圆转有力，富于弹性，转折自如，刚柔相济，富于弹性而有力量。

3．留，如“屋漏痕”，高度控制，积点成线，不漂不浮，象刻进墙皮，沉稳有力。线条是高度控制，行处皆留，意到笔随。宋郭熙说：“一种使笔，不可反为笔使；一种用墨，不可反为墨用。笔与墨，人之浅近事，二物且不知所以操纵，又焉得成绝妙也哉？”

4．重，如“高山坠石”，下笔就有力量，笔的压力要大，要压得住纸，充满力量，力透纸背，入木三分。

5．变，如“百川归海”、“惊蛇入草”。

⑷ 工笔国画的绘画步骤和方法

1、工笔画的方法：白描、皴擦、点、撞水撞粉、褪色法、分染、罩染、统染、碰染、接染、平涂、烘染、皴染、擦、反衬、水注色法、点蕊

2、工笔国画的绘画步骤如下：

（一）起稿和勾线

工笔重彩落墨之后很难改动，所以起稿时一定严肃认真，要求精细准确，笔笔肯定。墨线的深浅根据对象本身的色调来决定。譬如：白色或淡色浅色画墨线要浅，重色画与质地坚硬的物象墨色要深。如枝叶还应视远近层次及光暗变化使用墨色（焦 浓 淡 重 清）

勾线除墨色深浅外，重要在用笔。用笔有强 轻 重 疾 徐等变化。线条有粗细，长短，曲直之粉要根据物质质感用笔。一张好的白描也是一张好画。

最后，题款 盖章，一幅画才算完成。

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白描：以线为表现手段的画法，依靠线本身的刚柔，粗细、巧拙，方圆，疏密等变化来表现各种物象。同时线条本身也具有一定的抽象审美效果。白描就整个中国画来讲也是一门独立的艺术，作为工笔白描，一般线形变化不大，细而均匀，为敷色留有余地。

皴擦：绘画里常遇到土、石、树桩等物类，用笔中常以皴增强质地和厚重感，亦是线的补充，较讲究用笔。一般要求自然而顺势，不故作姿态。擦，更加隐笔。一般只是丰富皴的技法，有时亦起修改皴的败笔的作用。

染法：有许多种，一般有平涂、分染、罩染等，平涂多在做色底及画面局部平涂颜色时用，不宜见笔痕，分染是分出物体结构的染法，有高染与低染两种，染在物中间凸起部位并造成一点立体意味的是高染，罩染是在已分染过色墨的部分罩上某种颜色，这样能产生厚重而沉着的色彩变化，烘托一般是在物之外烘染出一部分色墨，以便加强主物的塑造，实际上有染扩大的意味，月云雪边多用。

点：在绘画中点的用途极广，视所打处可为花草野卉、可为苔点、也可不计何物仅为画面的装饰用。点是小点，是扩大了的点,斯法在画作中常用。用点时一般求用笔的一致统一。

撞水撞粉：些画法灵活多变，有色粉相撞法，亦有色粉水撞法，也有互用者。一般是以含水量大的笔画出对象的形结构再以色墨粉相撞生趣，因水化不溶而发生变化，活泼生动。

褪色法：以层层积色方式，一层层上色时退出一部分，设色越多层次越多，画花鸟及草类杂物中常用。

分染：除单独使用，还常用于为罩染打底色，为平涂开醒。方法是用两支笔，一支蘸色，一支蘸清水，先用色笔从最深部位开始染起，接着用水笔轻刷使颜色逐步向外晕开，使其越越淡，不留痕迹。

罩染：罩染时，不能急于求成，要薄薄地罩，一遍不足，可以再罩，笔上含色要饱，用笔直要轻，不可来回涂抹，以免把底色搅起。

统染：笔上含色要饱，用笔要轻，防止把分染的效果破坏掉。

碰染：有两种不同颜色，从叶子或是花瓣的两端同时染色，然后在叶或花瓣中间碰到一起，使其自然衔接，形成统一整体的方法。

接染：用一种颜色趁湿接着染另一种颜色，使颜色相互渗接在一起的方法。这种方法合适在同一体面中包括几种不同颜色的情况，其特点是既省力，效果也活，有一种流动感。

平涂：涂时颜色要薄、水分要适度，要一笔接一笔顺涂，不要来回涂抹。平涂的方法，除单独使用外，还用于打底色，衬托、罩染等方面。

烘染：为了突出某些主题或表现一些特定的环境，气氛而在物象周围进行大面积的渲染的方法。

皴染、擦染：就是见笔的一种染法。多用来染石头、树干。

反衬：在渲染过程中用颜色从纸或绢的背后衬上颜色，使正面的颜色更加深厚明艳。

水注色法：多用于石头和树干。先用墨染出石头或树干的轮廓（墨色要有浓淡变化），可以把水分用得足足的，要水墨汪汪，趁墨迹未干时，注入清水或重墨，把平板的颜色冲开，产生丰富的变化。

点蕊：点花蕊在画花中是很重要的。点蕊时用尖笔蘸上饱满的颜色，在尖上一滴滴点下去，点成一个圆珠，干后，要圆、凸、大小均匀，中间陷下一个小坑为最好。

⑸ 国画九级是什么概念

国画九级的标准：
写意花鸟:统一命题，画出符合题意，具有个人风格的花鸟画。
工笔花鸟
一级：拓描画稿，白描一幅简单的折枝花卉。
二级：拓描画稿，白描一幅较复杂的折枝花卉。
三级：拓描画稿，白描并单色分染主体花与叶。
四级：拓描画稿，白描并分色分染主体花与叶。
五级：拓描画稿，画一幅重彩花卉。
六级：拓描画稿，画一幅较复杂的工笔花鸟画。
七级：写生一支花卉并组成画稿，白描后分染，罩染主要花卉。
八级：在写生的基础上，独立构图完成画稿或创作画稿，白描后分染，罩染主要花卉。
九级：在写生的基础上，独立构图完成画稿或创作画稿，白描后完成
一幅工笔花鸟画。
山水画
一级：画出简单的以山、水为题材的一幅画。
二级：画出树、石、山较准确的一幅山水画。
三级：画出有远近的一幅山水画。
四级：画出一幅较完整的山水画。
五级：完成一幅较完整的山水画，要题款、用印。
六级：画出一幅较完整的山水画，要有房、桥、船等适当点景并要题款、用印。
七级：统一命题，画出符合题意，有意境的山水画。
八级：统一命题，画出符合题意，主体鲜明的山水画。
九级：统一命题，画出符合题意，具有个人风格的山水画。
写意人物
一级：画出一幅简单的人物画。
二级：画出一幅简单的人物画。
三级：画出一幅较复杂的人物画。
四级：写生简单人物。
五级：写生人物画。
六级：写生人物画。
七级：人物画创作。
八级：人物画创作。
九级：人物画创作。
工笔人物
一级：拓描画稿，白描一幅简单的人物头像（古代、现在人物均可）。
二级：拓描画稿，白描并单色分染人物主体部分。
三级：拓描画稿，白描并渲染一幅人物。
四级：拓描画稿，画一幅壁画形式人物。
五级：拓描画稿，白描并渲染一幅人物。
六级：拓描画稿，画一幅较复杂的工笔人物画。
七级：写生人物头像或半身像，并组成画稿，白描后分染、罩染人物主要部分。
八级：写生坐姿人像，并组成画稿或创作画稿，白描后分染，罩染人物主要部分。
九级：写生或默画简单的动态人像并添加简单背景，独立构图完成画稿或创作画稿，白描后分染，罩染人物主要部分。

⑹ 国画入门

中国画与西洋画相比有着自己独特的特征，还表现在其艺术手法、艺术分科、构图、用笔、用墨、敷色等多个方面。按照艺术的手法来分，中国画可分为工笔、写意和兼工带写三种形式。工笔就是用画笔工整细致，敷色层层渲染，细节明彻入微，用极其细腻的笔触描绘物象，故称“工笔”。而写意呢？相对“工笔”而言，用豪放简练的笔墨描绘物象的形神，抒发作者的感情。它要有高度的概括能力，要有以少胜多的含蓄意境，落笔要准确，运笔要熟练，要能得心应手，意到笔到。兼工带写的形式则是把工笔和写意这两种方法进行综合的运用。

从艺术的分科来看，中国画可分为人物、山水、花鸟三大画科，它主要是以描绘对象的不同来划分的。而中国画中的畜兽、鞍马、昆虫、蔬果等画可分别归入此三类。

中国画在构图、用笔、用墨、敷色等方面，也都有自己的特点。中国画的构图一般不遵循西洋画的黄金律，而是或作长卷，或作立轴，长宽比例是“失调”的。但它能够很好表现特殊的意境和画者的主观情趣。同时，在透视的方法上，中国画与西洋画也是不一样的。透视是绘画的术语，就是在作画的时候，把一切物体正确地在平面上表现出来，使之有远近高低的空间感和立体感，这种方法就叫透视。因透视的现象是近大远小，所以也常常称作“远近法”。西洋画一般是用焦点透视，这就像照相一样，固定在一个立脚点，受到空间的局限，摄入镜头的就如实照下来，否则就照不下来。中国画就不一定固定在一个立脚点作画，也不受固定视域的局限，它可以根据画者的感受和需要，使立脚点移动作画，把见得到的和见不到的景物统统摄入自己的画面。这种透视的方法，叫做散点透视或多点透视。如我们所熟知的北宋名画、张择端的《清明上河图》，用的就是散点透视法。《清明上河图》反映的是北宋都城汴梁内外丰富复杂、气象万千的景象。它以汴河为中心，从远处的郊野画到热闹的“虹桥”；观者既能看到城内，又可看到郊野；既看得到桥上的行人，又看得到桥下的船；既看得到近处的楼台树木，又看得到远处纵深的街道与河港。而且无论站在哪一段看，景物的比例都是相近的，如果按照西洋画焦点透机的方法去画，许多地方是根本无法画出来的。这是中国的古代画家们根据内容和艺术表现的需要而创造出来的独特的透视方法。

在用笔和用墨方面，是中国画造型的重要部分。用笔讲求粗细、疾徐、顿挫、转折、方圆等变化，以表现物体的质感。一般来说，起笔和止笔都要用力，力腕宜挺，中间气不可断，住笔不可轻挑。用笔时力轻则浮，力重则饨，疾运则滑，徐运则滞，偏用则薄，正用则板。要做到曲行如弓，直行如尺，这都是用笔之意。古人总结有勾线十八描，可以说是中国画用笔的经验总结。而对于用墨，则讲求皴、擦、点、染交互为用，干、湿、浓、淡合理调配，以塑造型体，烘染气氛。一般说来，中国画的用墨之妙，在于浓淡相生，全浓全淡都没有精神，必须有浓有淡，浓处须精彩而不滞，淡处须灵秀而不晦。用墨亦如用色，古有墨分五彩之经验，亦有惜墨如金的画风。用墨还要有浓谈相生相融，做到浓中有淡，淡中有浓；浓要有最浓与次浓，淡要有稍谈与更淡，这都是中国画的灵活用笔之法。由于中国画与书法在工具及运笔方面有许多共同之处，二者结下了不解之缘，古人早有“书画同源”之说。但是二者也存在着差异，书法运笔变化多端，尤其是草书，要胜过绘画，而绘画的用墨丰富多彩，又超过书法。笔墨二字被当做中国画技法的总称，它不仅仅是塑造形象的手段，本身还具有独立的审美价值。

中国画在敷色方面也有自己的讲究，所用颜料多为天然矿物质或动物外壳的粉未，耐风吹日晒，经久不变。敷色方法多为平涂，追求物体固有色的效果，很少光影的变化。

中国画一般特点

要想简明地用几句话回答以上的问题并不容易。传统的中国画具有悠久的历史，适应中国的文化土壤而生根开花，在立意、构图、技法和程式化的表现诸方面，都具有自己的特点，这些特点，也正是目前国画理论家正在讨论总结的问题。这里试举数点。

一、首重立意胸有成竹- -中国画的构思

中国画创作，以立意为先，许多绘画理论家都首先强调这一点，不管是画山水、画人物、还是画花鸟。

唐代张彦远在《历代名画记》中有一段关于"六法"的论述："夫象物必在于形似，形似须全其骨气。骨气形似．皆本于大意而归乎用笔。"他认为立意在完．画中才能有变态、有奇意。

宋代以画梅花著名的华光和尚，法号仲仁，传为华光著作的《画梅指迷》中，有一段"画梅全决"， 开头就是"画梅全决，生意为先"。到了清代的方薰，著有《山静居画论》．在这里也强调了立意与作画之关系，他说："作画必先立意以定位置，意奇则奇，意高则高，意远则远，意深则深，意古则古"。他认为平庸者作画必平庸，俗气者作画也俗气，因为缺乏画家最宝贵的"立意"，所以作品平庸。

意人利文艺复八时期的画家达·芬奇，也有近似的近在他曾说："一个画家应当描绘两件最主要的东西，人和人的思想意图。"这与我国晋代人物画家顾消之所提出的"巧密于精思"是十分一致的。

"意"是从哪里来的？一是画家对现实生活的丰富体察、创作经验的充分积累；另一点便是画家本人的修养，这样在创作之先，画什么，怎么画，在头脑中形成了成熟的构思。

宋代画家文与可，别人称赞他"胸有成竹"，即在他没有落笔画竹之前，头脑中已经有了竹子的形象，在胸中、笔下跃跃欲出，这时便能落笔而就。"'胸有成竹"遂成为我国赞誉善于计划安排事情的成语。

在张彦远提出的"立意"之前，南产时代的谢赫即有'创意"、'明意"之说。创意之画，不落陈套，用意精当，借景以生境，笔少而意多，在这一意义上讲作为一个画家，不仅要在平时注意练笔、锤炼个人的表现技巧，更为重要者，还要认真地加强练意之功。很多习画者，常常只是注意在练笔上下功夫，而忽略了练意，这是值得注意的。

二、以线造型以形传神——中国画的造型规律

中国画是以线存形的，通过线勾出轮廓、质感、体积来。德国的诗人歌德称美术有用光表现得神态活现的那种本领，说明西洋画用光为造型手段之一。但中国画主要是以线为造型之基础，这就使中西绘画在造型手段上有明显之分野，但这并非说西洋画完全排斥用线，而是说光可以作为绘画的主要语言而用于绘画的。法国的罗丹曾经强调过："一根规定的线通贯着大宇宙"，是说造型艺术从宇宙如何分割出来的问题，也并非以此作为绘画的主要表现手段来看待。而中国画无论对山水的破线或是衣服的纹线，都积累了非常丰富的线型，巧妙地描绘着各种形象。
"以形写神"是晋代画家顾恺之的一句名言，从而确立了中国艺术神高于形的美学观。它与纯以抽象性为高的近代欧洲美学观具很大的区别，即画人不仅仅于形似．还要升高于神似，画出人的精神面貌，不停止于外形之模拟，不拘泥于自然之真实，这一论见为艺术家建立起艺术应竭力企求之高度，在这一理论指导下，历代出现许多传神写照的佳作，成为指导绘画的一个重要准则。

三、多点透视 计白当黑——中国画的构图法则

中国画既用焦点透视法，也用散点透视法，既有严守真实的画面空间和布白．也有打破真实按构图需要而平列的空间和布白，这样就使物象在画面出现时，可以按实物在画面上的艺术需要．伸长或缩短变化其形象，更换其位置。一株低于视平线的牡丹花．也可架高于祝平线之上，而取得透视的最佳效果。
中国画在空白处尤其注意经营，常常借用书法上的计白当黑．即没有画面的部位要象有画面的部位一样作认真的推敲和处理。
四、随类赋彩色彩相和- -中国画的色彩法则
中国画的色彩，不拘泥于光源冷暖色调的局限，比较重视物体本身的固有色，而不去强调在特殊光线下的条件色。画那一件物品，就赋予那一件物品的基本色，达到色与物、色与线、色与墨、色与色的调和。

五、情景相生气韵生动- -中国画的意境

中国画要求笔与墨合，情与景合、现实中无限丰富的景象，绘画家以强烈的形象感染力。画家凭借着这种感受，激起描绘这些景象的激情，于是作品作为情景相生的复写而重现，使情景交融在一起。
至于气韵生动，即是画家所创造的艺术灵境，不同于一般的写生画，应成为富有生气，新鲜而活泼，有诗一般的韵味，使观者神往无穷。如果没有表现出如此生动、如此韵味丰富的内涵，当然，就不能给予人这一些感受，而达不到中国画富有引人入胜的意境。

六、诗书画印纸笔- -中国画的独特形式

可以说只有中国画，才有题字盖印的做法，不仅文人画，可以显示其诗、书、画三绝之长，即是一般的画作，也总要题字盖印，这样才有传统艺术的浓厚风味。
题字和诗句，可以提高或补充观者对作品的欣赏和理解，也丰富了构附的变化，起到互相衬映，互为显彰，点缀与平衡构图的多方面作用。
中国画的工具和材料之性能，也决定着中国画的特色。中国画是运用绢和纸作画，特别是生宣纸的出现，更加发挥了笔趣和墨彩。宣纸的渗性，毛笔的尖锥，使得笔锋无穷变化，产生出奇妙的效果。同时形成了各种效法和描法，画法和笔法。

从写生到写意

国画在初学时以临摹作为入门的手段，逐渐地对物写生。再转而对物象写意，不仅粗笔的写意画是如此，就是细致的工笔画，也有其写意的成份。因为中国画在描绘物象时，不管是为工笔或为写意，其处理手法都带有写意性，不是简单复写一遍，而是要得其精而忘其粗，繁其所当繁，而简其所当简，对物象提炼加工的程度较高，不以光色外型的逼真为能事，着重于内在的认识。

根据董其昌的记载，好多著名的山水画家，都是以真山水为稿本进行创作的，如"李思训写海外山，马远夏圭写钱塘山，赵吴兴写营雪山，黄子久写海虞山"。当后人看这些画幅时，感到他们既是在写生，又是在写意；既师法于自然，又不为自然现象所困。拿黄子久的《富春山居图》来看，作者取材于富春山，并不就是富春山的环境地理图，他表现的是黄子久理想化了的境界。

由此说明古代画家对自然界各种物象是如何认识并表现出来，使真实物变为艺术形象，并且逐渐使之规律化、程式化，同时可以看出他们丰富的表现技法。

对照《芥子国画传》及其它画谱，再对照历代画家对这一程式的运用，读者便可以摸到从自然生态变为国画中的艺术形态，如何加工和概括的过程。从中也可理解到从写生到写意的处理加工手法，从技法上掌握中国画的造型特点。

主题突出

明代汪珂玉在《珊瑚纲》中说："古人作画，皆有深意，运思落笔，莫不各有所主"。"所主"也即是主题。主题突出，是艺术创作中的一个共性。一个主题思想形成了，便可决定用何题材去表现，再决定素材之选择，以至确定下作品的标题，采用什么样的表现方法，都要取决于主题表现的是什么。象唐代阎立本的名作《萧翼赚兰亭图》（传），这个故事的曲折情节很多，但阎立本选取的是萧翼的意在"有意、机诈和骗诱"和辩才的出于"无心、善良和受骗"两个典型情节，以突出画中的主题。主题突出在"赚"字上，其他的细节则盯以减略或概括，这是完全符合《法书要录》上对这一事实所作的记述。

在国画创作中，发现了好的题材，并不等手都能突出主题。如只求人物之生动刻划，或求画面之丰富变化，或者平铺直叙，均不能算是突出主题。作者只有从国画艺术的特有规律和表现手法来考虑应该突出什么，要善于按国画形式概括题材，确定主题，把人物的刻划，细节的组织，都用来烘托主题，使观者从画面上叮以不加解释的领会到作画者的意图何在。所以郭熙认为?quot;作画先命题为上品，无题便不成画"。

主题明确了还应给作品取个最恰当的题名，大多数情况下还要题在画面之上。标题要言简意赅，寓有深意，也可以直接地揭示出主题，也可以暗示出主题的含意，以取得画龙点睛之妙。

积累素材

文艺工作者都需要在生活中积累大量的素材。文学家使用的是文字，画家有时也用文字，但主要的是用画笔写生。在画家接触自然界的风景、花卉和人物时，要经常以速写为记录，把观察到的实物用画笔随时收集。象画家齐白石，对于各种小生。的生理结构，都有非常细致的观察和了解，这样做下去，也锻炼了美术工作者观察生活和造型的能力。

鲁迅先生提到过，"作者必须天天到外面或室内练习速写，才有进步。到外面去速写，是最有益的"。

从生活中记录下来的原始材料，如同开采到的矿石，也象是活水的源头，有无限的生动和丰富，比之于拍照片，抄画报得来的素材，亲切而深刻。在深入探索自然风光和人物的实践中，积累大量素材，同时构思新的画题，会引起无穷通思。

题材 体裁

题材不同于素材，素材是未经冶炼的矿石，题材则是从大量的素材中．经过淘沙炼金找出的最适于表达某一主题的材料。如果对素材的选取不精，会使所要表达的内容，失去鲜明性和典型性。

用一个通俗的比喻来解释体裁，好比是量体裁衣，根据不同的体型，来剪裁不同的款式。比如一面大的壁画制作，用一幅小的册页体裁就不适当。又如前面提到的《萧翼赚兰亭》，用人物画的体裁就比较好，而《长江万里图》，当然是用山水画的长卷形式为佳。而各种咏梅的诗意画，则用花卉惊现口为贴切。

在人物、山水、花卉诸种形式和体裁中又分有工笔、写意、重彩、水墨等等的不同。作者当确定画的主题之后，都应从内容出发，跟着就要考虑所要使用的体裁。诸如长幅还是短幅，是用大场面还是用特写之笔。

两个基本功

一、中国画在其形成过程中，有许多的传统表现手法，掌握这些方法，一个经常使用的办法，是；陵墓前人作品和老师的画稿。副脚七画家王石谷，临摹宋元各大家，都有相当造诣，经数十年的临摹和体验，他才感到对青山绿水有了充分的把握，这一点在临摹一章里还要细谈。

二、生活中的丰富环境，是画家最活的画本，画家应在生活中不停地磨练自己，国画家常讲求以造化为师，只有从这个丰富的宝藏中，才能开发出艺术的瑰宝，得到自然界的启示，收集广泛的素材。

两个基本功相辅而行，不可或缺，只临摹前人的稿本，日子长了，失去独自创造的能力，如果只靠写生的东西，则常常失去传统的笔致。

在画家具有了很好的国画临摹基础之后，生活则是最重要的了。清代画家石涛说"笔非生活不神"，关在屋子里瞑思苦想不行，缺点在于离开自己亲自收集来的形象，对人物的性格、精神面貌全无所知，这种形象就会概念化。反之，你在生活中画下最熟悉的人物，一闭上眼，人的精神气质、音容笑貌、都会不呼自出，就会生动得多。

就拿画人来说吧，工人和农民，虽然都是劳动者，而从个性和气质都不相同，这些就需要在生活中默默的研磨才能脱颖而出。画山水花鸟，也同样离不开实地旅行写生和体验。当然作为一个艺术工作者，除了笔墨和生活基础之外，对于人品道德的修养，尤其不可忽视。过去人们常讲的书如其人或者说画如其人，即指一个画家的人品和修养，常常自然流露于笔端。

清，王星在《东庄论画》一书中徽“学画者先贵立品”。清，沈宗春在《齐舟学画编》中说：“笔格之高下，亦如人品”，“心画形而人之邪正分焉”。都足以说明，书画评论家，对画家的艺术水平高低之外，还要全面的分析画家人品道德，只有那品艺仅高的画家才值得人们学习和尊重。

⑺ 宋人花鸟画成就最大的是那一位

山水画
山水画即风景画。风景画远在秦时代就有了萌芽，陕西凤翔出土的瓦当中既有田地和树木组成的简单风景，又有树木和人物、鸟兽所组成的画面，都很富有生活情趣。在以后的发展中，在很多画面上，包括石刻和壁画等，都把风景作为重要背景，衬托主题。
风景，包罗人类生存的一切自然环境，在人们的心目中显得很重要。所以独立成画是必然之势。它一旦成为独立的画科，便蓬勃发展。
山水画在中国画中比较突出，早在北周时期，就已渐渐形成独立的画科，展子虔所写山水，就有“写山川远近，有咫尺千里之势。”唐代，山水画已盛行，并且达到很高的造诣。李思训所画山水，笔力遒劲，格调细密；所画湍濑潺湲、云霞缥缈之景，曾被誉为“国朝山水第一，列神品”。以后的李昭道、项容、毕宏、刘商等，所画风景，都曾被列为上品。李昭道把山水与人物和建筑融为一体，画风宏赡精细。项容所作山水松石，笔法枯硬放逸，自是一家。毕宏所画松石“松如夜叉臂，鹤鹊啄；石则深凹浅凸，有立体和透空的感觉。”刘商所画松石，时人称“刘郎中松树孤标，毕庶子松根绝妙。”而名噪一时，求画者得其一松一石，弥觉珍贵。五代和北宋时期更大兴山水画之风，画家纷起。如五代荆浩、关仝、董源、巨然；宋代李成、郭忠恕、郭熙、燕文贵、范宽、许道宁、米芾等，诸家山水画已达到高峰，竞相争晖，成为中国画的一大画种。这个时期的山水画重视写实，画风严谨工整，并且不断创新立异，为以后山水画的发展打下了坚实的基础。荆浩常携笔墨写生于山中，上观巍峰，下瞰深谷。曾自题诗云：“笔尖寒树瘦，墨淡野云轻，岩石喷泉窄，山根列水平。”全从写生中得来，可谓“外师造化，中得心源。”画格苍浑庄严，气韵与笔势雄峻。章法和破法的技巧，在他的画中得到完备，成为北宋山水画技法的开创者，与关仝齐名。董源与巨然，为五代南唐画家，所作山水峰峦出没，云雾显晦，溪桥渔浦，洲渚掩映，开创江南画派风格，后世称其为“江南山水画派之祖”。宋初画家李成，初师荆、关，后隐居山林，以自然为师，凡烟云变幻、林木萧森，栈道、深涧，皆来自胸中。所画平原寒林，尤得清旷洒脱之致。徐道宁袭前人之法，笔墨矜谨；以后游太行山，感受自然造化，又变法创新，风格清润秀丽。米芾不求工细，多用水墨点染，创造了米家山水的“点法”。以描点积叠画法，突破勾、斧劈破的传统技法，开创新风格。自谓“信笔作之，多以烟云掩映树石，意似便已”。
这个时期的山水画，是以写生为基础，在自然界领悟真山真水为妙趣，得之心源而出于笔端，所以笔迹墨法，生动自然，章法气韵天成，妙在其中。所用技法勾、皴、擦、染、点等，已很完备，而且很娴熟。风格严谨浑厚，气势雄伟而端庄，是山水画发展的重要阶段，为以后的演变树立了准则。
元时山水画逐步趋向写意，以虚代实，重视笔墨气韵。凭感觉运笔，景与意结合，创造了更多的笔法、墨色和多变的构图。
技法，来自生活与实践，取法于自然界。各种皴法，以其形象命名。近石横断面平直，形似斧劈，于是用笔侧锋横扫，干湿相兼，飞白在其中，称之为“斧劈皴”。披麻法来自草木茂盛的山、石。山势转折处形成竖向皱纹，顺势而下，犹如披麻，于是聚成形象的笔道，名曰“披麻皴”。还有不规则的山石纹理，作者凭感觉应变，顺其自然，创造了多种笔法，如“乱柴皴”、“折带皴”、“马皴被”、“针头鼠尾皴”等，皆从山石纹理所组成的形象而产生笔法。山水画里的各种“点法”，从草木和青苔的形象而来。画家在观察中，取自天然的真实象貌，在用笔中，使之形象化，分别被称为“鼠足点”、“胡椒点”、“蠏爪点”、“大小混点”等。远山的树木，近石的杂草，也以“点”代之。这些形象的笔法.逐渐成为固定的模式，代代沿用。
风景画是反映大自然的形象，自然界气象万千，风云多变，寒暑干湿，冷热润燥，无不反映在山川树石。于是在用墨中相继创立没骨法、破墨法、积墨法。为了表现润含春雨的气候和季节，追求虚实结合的艺术效果，充分利用对“水”的使用。于是出现铺水法、渍水法、泼水泼墨法等，以便水与墨相破。此法来代韩拙创始，以后在宋、元、明、清的画家中，如米家父子、徐谓、董其昌、原济、朱耷等，皆深谙水法，借以接气生韵。
山水画技法，在实践中加以总结，在理论中又付诸实践，在反复推敲中对诸法作出肯定。在创作中，优秀的作品，除了成功的笔墨技巧之外，还应有浓厚的生活气息，也即是反映自然界的真实。这个“真实”是经过加工、取舍的典型形象，并使之美化。所以，要得到充实，必需在自然界吸取营养，并能深刻地领悟。提高素养，博学多识，才能达到高深的意境。如此“读万卷书，行万里路”之说与山水有缘。
作者在观察中留下记忆，“搜尽奇峰打草稿”，胸中有丘壑，笔下才能生烟云；腹稿既成，落墨成章。这是中国画的传统创作方法，历代的画家都很重视。后来者，创作之先，往往刻意摹古，学习前人技法，然后走出家门，悟大自然之妙趣，得山水之灵气。
历代画家，都有相互承袭的关系，尤其山水画。五代承唐，宋承五代，元承宋，明承元，在继承中又不断发展、创造、革新。宋代米芾山水，出自五代画家董源，“天真发露，不求工细，多用水墨点染”。又自辟蹊径。元代画家黄子久，又宗法巨然、查源，卓然自成一家。黄子久常居富春山，领略自然胜景，“每出，袖携纸墨，遇景模记，‘终日只在荒山乱石丛木深筱中坐’。”《富春山居图》出，成为名作传世。罗稚川学荆浩、关仝坡陀树石，师郭熙枯水寒林。明代唐寅、文徵明，“通古人妙迹，重观览其意，师心自诣”。远师北宋郭熙、李唐，近
学吴镇，笔墨苍润秀美。董其昌又以黄公望、倪瓒为宗师，讲求笔致墨韵，气格清润，为文人画正脉。挥向早年学董、巨，用笔圆劲而用墨湿润，纵横淋漓，自成一派；晚年收笔于黄、倪，惜墨如金，挥洒自如，得自然之妙。清初画家王翚，悉心临摹历代名作，遂熟谙诸家技法，与王时敏、王鉴、王原祁并称清代“四王”，加吴厉、恽寿平，又称“清六家”。王翚在清初画坛影响很大，素有“画圣”之称。他功力深厚，熔铸南北画派干一炉：“以元人笔墨，运宋人丘壑，而泽以唐人气韵，乃大成。皴擦不可多，厚在神气。凡设青绿，体要严重，气要轻清，得力全在渲晕。”他的影响，一直延续到近代和现代。清四家之一，王原祁的曾孙王宸，承袭家学，论者谓干皴中有润泽之趣，气味荒古。他与王昱、王玖、王愫，又称“小四王”，技法相似，风格相近，代表了清代山水画的面貌。至此，山水画技法基本上成为定式而停滞不前，长期受到束缚。
山水画技法，大约由元代始，逐渐形成固定的模式，勾、皴、擦、染、点的成法，代代相袭，绘画风格趋向类同。明末，更出现了固定的范本，用来施教。清代，王概又以明代李流芳课徒的画稿43页增编为133页而在康熙年间付印成书，名曰《芥子园》。作为初学者的门槛，风行于世，在清代20O多年中流行使用，并延续至近代，乃至现代。《芥子园》画谱的出现，更使学画者禁锢在临本之中，技法和思路都受到束缚。以固定的模式学到成法，受限于范本，不敢超越规矩，犹如结壳而不能破。破壳而出者，为数了了。所以致使清代多数山水画家陈陈相因，一味摹仿，泥古而不化。于是便闭门搬山头，造溪桥，形成主观臆造的定式，风格千遍一律，技法大同小异，章法大致相似，使山水画逐步走向衰微。清末汪昉的《仿古山水》就是典型一例。
清代山水画因受局限而处于呆滞，墨守成法，很少创新，但在固定的技法中却能达到很高的笔墨技巧，为后世留下不少精美的艺术品，并充分显示民族艺术中山水画的独特风貌，并占据重要位置。
花鸟画。
中国画中的花鸟画，远在唐时期已经形成独立的画科。它以花鸟、草木、虫蝶为题材，立意写真，表现自然之美。在人物画中，常有花鸟作为陪衬，并借以渲染画面，和山石树木一样，服务于主题，不可缺少。在唐代墓室壁画中，就描绘了不少的花鸟形象。在生活中，人们植花养鸟已经很普遍，尤其黄门贵族。所以反映在画面是很自然的。但它形成独立的画科较晚，大约在中唐以后才有以花鸟为主题的画面出现。因为是在人物画技法的基础上产生的，技巧一经俱备，便精彩夺目。
唐代画家边鸾即擅画禽鸟花木，被当时赞为“下笔轻利，用色鲜明，穷羽毛之变态，夺花卉之芳妍”。画家程修已“所作桃杏、杂卉、蜂蝶、蝉雀之类，六法俱备，造物者不能夺其妙。”被誉为“京都第一人”。以后的左全、刁光胤等，也有高深的造诣，致使前蜀画家黄荃、孔嵩拜他为师，艺得亲授；荃子居宝、居寀，继承和发扬刁光胤花鸟画的风格，形成五代、北宋间的黄氏体制，在北宋画院中被视为程式。五代初期画家腾昌佑擅作花鸟、草虫、蔬果，著名一世。他善写生，而无师承。作画下笔轻利，随类赋彩，宛然如生，诸者谓近边鸾一派。同代画家徐熙与黄荃为五代花鸟画两大流派，素有“黄家富贵，徐熙野逸”之说。所作花木、禽鸟，形骨轻秀，独创“落墨”法。草草写枝叶萼蕊，略施杂彩，也不碍笔墨，一变黄荃细笔勾勒、填彩晕染之法，被宋代画家赞为“学穷造化，意出古今”。徐熙常游山林园圃，细察动植物情状，“蔬菜茎苗，亦入图画”。相传黄荃也在居屋旁裁植竹石花木，以供观摩。由此可见，花鸟画分科之后，即重视生活，以写生为本，取其真实、自然之妙趣，为后来花鸟画的发展打下良好基础。
徐熙之孙徐崇嗣亦工写生，承袭家学，形成北宋画院的风尚。以后自创新体，摒弃墨笔勾勒，直接以彩色晕染，谓“其画皆无笔墨，惟用五彩布成”。这种“叠色渍染”，称之力“没骨法”。“没骨法”的画法广为推崇，代代延续；直至清代，画家恽寿平仍极推崇之。北宋易元吉更是主张超越时尚，“世未乏人，要须摆脱旧习，超轶古人之所未到，方可成名家”。遂重视写生，深入自然界，观察动物及乱石丛竹。又常开圃凿地，培植梅竹，畜养水禽山兽，透过纸窗而窥其动静和游息之态。所以作品更富有生趣。以后的崔白，在对花竹、禽鸟的绘制中，尤其注重写生，精于勾勒填彩，风格清淡，笔迹劲利，在继承徐、黄两体的基础上别创一种淡雅疏秀之路，一变宋初以来流行的浓艳细密的画风。
北宋末年，徽宗赵佶亲自掌管翰林图画院，并用科举的办法选拔画家，对绘画艺术事业起到推动和倡导作用。赵佶善书画。书法自创“廋金体”。绘画得吴元瑜传授，又继承崔白的风格，同时重视写生，精工逼真，细腻入微，享有“妙体众形，兼备各法”之誉。这种花鸟画的绘画风格盛极一世，朝野倾慕。影响之下，产生很多画家，如南宋杨无咎、赵伯驹、韩佑、毛益、林椿、李迪、陈可久、马麟等。这一时期的作品，多见绢本小品，内容无所不及，取材奇花珍禽，造型千姿百态，绘制工细入微，为后世遗留下很多珍贵的艺术品。
元代、明代的花鸟画，有继承，有发展，风格逐渐趋于简淡，并且逐步走向写意，论者谓“不求工而见工于笔墨之外；不讲秀而含秀于笔墨之内，遂另开写意之一派”。代表作者如王渊、李亨、王谦、林良、郭诩等。对禽鸟鱼虫、树石的画法，在继承宋代院体画派的基础上，一变为文人情趣的画风。风格飘逸，墨色灵活，千技万花，璀璨于笔端，传神于写真。文人画讲求作者的人品、学问、诗情画意。不少画家博学能文，兼工诗、书，素养全面。明代早期画家边景昭，官居武英待诏，为宫廷作画，为花鸟画法高手。论者谓“花之娇笑，鸟之飞鸣，叶之反正，苞之蕴藉，不但勾勒有笔，用墨无不合。”设色沉着妍丽，一幅画中能描绘多种禽鸟，无一不精。
院体画家中，以宣宗朱瞻基为首。先后被征入宫廷的，如戴进、石锐、周文清、商喜等，都是多能的画家，山水、人物、花卉、竹石、翎毛、草虫皆精。风格淡雅而精巧，笔法简括放纵，墨色灵活多变。形成一派文人画画风，并占据主导地位。
由于历代推崇的画家中，绝大部分为居官显要、博学多识的士大夫阶层的文人学士，他们所标举的“士气”、“逸品”，即读书人的高雅情趣，他们崇尚品藻、讲究笔墨意趣、脱落形似，以求神韵，并且重视文学与书法的修养，求得诗、书、画相合。这种对画意的要求与素养，成为中国画美学思想的重要组成部分。在《中国文人画之研究》中，对唐王维的画就曾评述：“唐王右丞授诗入画，然后趣由笔生，法随意转，言不必宫商而邱山皆润，义不必比兴而草木成吟。”以后历代文人画对国画，尤其山水花鸟画的拓展以及对水墨写意画的发展，均起到了重要作用。
文人画多取材于山水、花卉、虫蝶、草木、树石等。明清时期，尤以梅、兰、竹、菊、松、石等为主要的表现对象，以借物抒情，表达性灵，或感怀个人抱负，标榜清雅高洁之气。宋元时期，画家就常以此为题材，以后影响逐渐广泛，成为花鸟画科的分支。竹、梅、松在同一画面，称“岁寒三友”。元代吴镇在“三友”中又加菊花，名为“四友”图。明代末年，黄凤池编辑《梅兰竹菊四谱》，以后即名“四君子”，是画家乐意表现的对象，久画不衰，创作了不少优秀作品。
清代画家胡慥，尤善写菊，能尽百种，各见神妙；涤荡华美，独存霜雪。徐眉善画兰蕙，能出己意，不袭前人；姿态妩媚，如绝代佳人。朱耷所画花鸟、竹木，笔墨凝炼简括，形象多变，生动尽致；所写残山剩水，意景荒寂，所写鱼、鸟，每以“白眼向人”。不同程度表现了作者冷漠处世的心情。工写梅花的周鲲、汪士慎，也各领风姿；或赋色妍丽，或以繁枝见胜，均致气清而神腴，笔墨趣足，秀润恬静。高翔、金农也是画梅能手。笔意疏秀，墨法苍润，为扬州八怪之一。郑板桥擅画兰、竹，笔力劲峭，体貌疏朗，自称“四时不谢之兰，百节长青之竹，万古不败之石，千秋不变之人”，借以寄托坚韧倔强的品性。李方鹰善写松、竹、兰、菊，尤长画梅，纵横跌宕，苍老浑古，墨气淋漓，如同作者傲岸不羁的秉性。以后的吴大澄、任颐、赵子谦、缪嘉蕙等，皆以花卉见长，并反映了不同的个性。直到近代的吴昌硕、吴观岱、陈衡烙等，仍博取先辈诸家的气势；但奔放处不离法度，精微处照顾气魄。对用笔、施色、题款、铃印等，均慎重从事；对画面的轻重疏密，章法气韵，独运匠心，配合得宜。
纵观花鸟画的发展历程，大凡由工笔到写意，也即由写实到泼墨写意的过程。同时，也是由来自自然真实的院体画，逐渐步入融会思想意识，而且内涵丰富的文人画。文人画范围缩小，以梅、兰、竹、菊为题材的绘画遍及朝野，尤其明清时期，为民族绘画艺坛留下了很多不朽的篇章。
陕西藏画，多为明清时期的作品，虽然受到时间范围的限制，不能见其民族绘画的全貌，但从承袭关系中，仍可追溯历代发展的途径。它的艺术成就，足以反映博大的民族精神和独特的绘画形式，在人类艺术史上独树一帜，永葆民族绘画的个性和时代特征。

⑻ 国画是什么

国画即中国画，简称“国画”，我国传统造型艺术之一。在世界美术领域中自成体系。

国画大致可分为；人物，山水、界画、花卉、瓜果、翎毛、走兽、虫鱼等画科；有工笔、写意、钩勒、设色、水墨等技法形式，设色又可分为金碧、大小青绿，没骨、泼彩、淡彩、浅绛等几种。

国画主要运用线条和墨色的变化，以钩、皴、点、染，浓、淡、干、湿，阴、阳、向、背，虚、实、疏、密和留白等表现手法，来描绘物象与经营位置；取景布局，视野宽广，不拘泥于焦点透视。有壁画、屏幛、卷轴、册页、扇面等画幅形式，辅以传统的装裱工艺装璜之。人物画从晚周至汉魏、六朝渐趋成熟。山水、花卉、鸟兽画等至隋唐之际始独立形成画科。五代、两宋流派竞出，水墨画随之盛行，山水画蔚成大科。文人画在宋代已有发展，而至元代大兴，画风趋向写意；明清和近代续有发展，日益侧重达意畅神。在魏晋、南北朝、唐代和明清等时期，先后受到佛教艺术和西方绘画艺术的影响。中国画强调“外师造化，中得心源”，要求“意存笔先，画尽意在”，强调融化物我，创制意境，达到以形写神，形神兼备，气韵生动。由于书画同源，以及两者在达意抒情上都和骨法用笔、线条运行有着紧密的联结，因此绘画同书法、篆刻相互影响，形成了显著的艺术特征。

作画之工具材料为我国特制的笔、墨、纸、砚和绢素。近现代的中国画在继承传统和吸收外来技法上，有所突破和发展。

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⑼ 客厅沙发背景墙挂点什么画比较好呢

给客厅悬挂挂画是很多家庭都会选择的软装方式之一，悬挂在沙发背景墙的挂画看起来别有一番味道，只是客厅沙发背景墙挂什么画好呢?这是大家在挑选客厅沙发背景墙挂画时候都会纠结的问题，总觉得客厅沙发背景墙挂画挑选不当的话，不仅会给客厅的整体装修打折扣，而且客厅沙发背景墙挂画选择不慎对客厅风水也不好，一起看看小编推荐的客厅沙发背景墙挂画有哪些吧?

客厅沙发背景墙挂画推荐——连年有余

九有长长久久、经久不衰的意思，九条鲤鱼在水里游来游去，寓意着长久的吉祥如意，还有“如鱼得水”的意义;风水上以水为财，鱼也有旺运之说，鱼的颜色有红色和黑色，红代表正财，黑色代表横财，比喻财路广阔、财源广进。整幅画面内容积极向上，充满了温馨和谐，寓意工作和生活长久如意，旺财旺福，幸福美满!

客厅沙发背景墙挂画推荐——荷塘溢香

“荷花”寓意着纯洁、坚贞、吉祥，中国古代民间就有春天折梅赠远，秋天采莲怀人的传统，经常以荷花作为和平、和谐、合作、合力、团结、联合等的象征。它纵使是在污浊的环境中也能洁身自好，保持自己高尚的品德，这也是一种君子行为的象征。

如果说画荷实在是在画一种幽情，一种境界，一种气格，而赏荷更是一度胸怀，一种气度，一种坦然。任何场合挂一幅“荷花”题材作品，都无疑能够助人“净化自身心灵”，有了它，真乃人生一大幸事也!

客厅沙发背景墙挂画推荐——硕果清香

横幅葡萄图《硕果清香》，图中葡萄枝蔓缠绕、颗粒饱满、晶莹剔透，一串一串沉甸甸的，一颗颗晶亮亮的。一团一团，挨挨挤挤，好不热闹，看着惹人喜爱。

葡萄，自古就是文人画家们吟咏歌颂的对象，葡萄题材的作品代表着吉祥喜庆、多子多孙、“多子多福”寓意人丁兴旺、“一本万利”，是家居字画装饰中常见的吉利风水字画，此幅佳作最宜悬挂于家中客厅，餐厅等场所，既雅致清新，又别具装饰性。

客厅沙发背景墙挂画推荐——黄山旭日

旭日东升迎百福，吉祥高照纳千祥。拾阶而上，通往光明顶的阶梯有步步高升、步步为营的含义，经过千辛万苦登上泰山的最高峰，有一种“山登绝顶我为峰”的豪迈气概。画中的松树有不老常青直说，经冬不凋，取其能顶风傲雪、四季常青的特征，寓意着基业永固，长久兴旺!画面中链接台阶的有条小路，寓意也非常好，人生处处皆有路，做事有门路，赚钱有财路，路路畅通，也是通向成功的路......

客厅沙发背景墙挂画寓意一定要好，像连年有余挂画、荷塘溢香挂画、硕果清香挂画和黄山旭日挂画都是如此，这些类型的客厅沙发背景墙挂画和中式风格的客厅最搭，毕竟这些风格的客厅沙发背景墙挂画属于传统的中国文化。当然也可以选择其他类型的客厅沙发背景墙挂画，只要是客厅沙发背景墙挂画看起来漂亮且寓意好的，能够让客厅沙发背景墙挂画和客厅装修融为一体就好。