铅笔花卉画法

『壹』 简单的花草怎么画

1、用铅笔画一个椭圆形，定花朵的位置；在椭圆的底部画两条曲线，确定花枝的位置回。2、在椭圆答的底部加须，花枝两侧加叶子。3、椭圆上加花瓣。4、再椭圆上加花蕊。5、略微修改一下花的轮廓。6、用黑色的彩铅笔勾出轮廓。7、最后给玫瑰花上颜色，这样一朵玫瑰花就画好了，你学会了吗？您知道吗？玫瑰除了可以代表爱情之外，还有很高的美容价值哦！

『贰』 铅笔画的玫瑰花

看看花卉图鉴。这个很有意义
比别人的好多了

『叁』 色铅笔的花草生活和花之绘哪个好

两本书都不错，画风很美很写实，适合有一定基础的读者（因为都没有太讲怎么画线稿，重点在讲上色；而型不准的话上色再好画出来的东西也不够逼真对吧）。当然具体还要看你的需求哈。

《色铅笔的花草生活》用的是辉柏嘉48色水溶彩铅。里面有20来种花，和几种果实、蘑菇，都有步骤。不过有些花的画法近似，举例显得有些重复。
《花之绘》用的是马可雷诺阿48色油性彩铅。里面有38种花，其中34种是有详细步骤的，另外4种给出了效果图和上色的色标。

个人比较喜欢《花之绘》，例子更多，步骤更细，图片的色彩更亮丽，价格也便宜一些！

『肆』 素描中花草的画法

此乃国画“白描”，十分讲究“线条”美，花瓣的娴柔，枝干的苍劲，绿叶的质感版，统统要靠用权笔顿措压力，线条的粗细、笔速急徐和张力……来表现。

道中先生初学于非厂先生的牡丹画法，精于工笔花鸟画。文革前出版过“怎样画工笔牡丹花”一书，对工笔画发展贡献殊大。他的白描勾勒，功夫十分了得，其花卉讲究写实“提炼”，得之自然，超乎自然，得众卉之神髓，精美称绝。

道中的白描用笔过于混熟，强悍气稍嫌，不宜初学。白描是学画的基本功，入门课不可不注重，还是俞致贞、田世光、马晋……较为传统，可见于荣宝斋出版的〔百花画谱〕。

『伍』 花卉怎么画

首先，我们先画一个轮廓草图，勾勒出玫瑰花蕾的大致形态。
1、画一个简单的轮廓，用中硬铅笔（HB）。该图形必须是椭圆形，像一个竖立的鸡蛋。线条可以画轻点，很快它们将不得不抹去。

『陆』 牡丹花画法 铅笔

此乃国画“白描”，十分讲究“线条”美，花瓣的娴柔，枝干的苍劲，绿叶的回质感，统统要靠用答笔顿措压力，线条的粗细、笔速急徐和张力……来表现。

道中先生初学于非厂先生的牡丹画法，精于工笔花鸟画。文革前出版过“怎样画工笔牡丹花”一书，对工笔画发展贡献殊大。他的白描勾勒，功夫十分了得，其花卉讲究写实“提炼”，得之自然，超乎自然，得众卉之神髓，精美称绝。

道中的白描用笔过于混熟，强悍气稍嫌，不宜初学。白描是学画的基本功，入门课不可不注重，还是俞致贞、田世光、马晋……较为传统，可见于荣宝斋出版的〔百花画谱〕。

『柒』 各种花卉,,花朵的色彩,水粉画法

画出优秀的水粉画及花卉要注意一下几点：
1-调色
写生时调配色彩，是建立在正确观察和理解对象的色彩关系的基础上。调配颜色不能孤立的看一块，调一块，画一块。而要考虑整个的色调和色彩关系，从整体中去决定每一块颜色。水粉画写生色彩不易衔接，也应该在明确色彩的大关系的基础上，把几个大色块的颜色加以试调，准备好再往上画。切忌脱离整体，看一块，调一块，画一块，接着又调一块改一块。水粉画颜色湿时深，干后浅，干湿变化明显。水粉画经典《天河白马》如果调色时使用粉(白色)多，或已经画了较厚的色层，再着色作画，又使用的是吸水性强的纸，颜料的干湿变化就更显著。这使水粉画调色不容易做出正确的估计。造成色彩衔接、覆盖和修改上的困难。这是水粉画的一个明显特色和难点。初学时要特别注意这个问题。所以入手时要先画重颜色。一般来说，趁画面湿时，颜色湿与湿比，一口气画完，色彩关系易于掌握。如果在一色已干的情况下再衔接、覆盖颜色，就要注意颜色的干湿变化。
2-水的使用
水的使用在水粉画中虽然不及水彩画中那样重要，但也是不可忽视的。水主要是起稀释、媒介的作用。调水粉画作品欣赏色、用笔和色层薄变化，都与水的使用，有密切关系。《水粉画》(高等教育出版社)一般来说，适当地用水可以使画面有流畅、滋润、浑厚的效果。过多的用水则会减少色度，引起水渍、污点和水色淤积。而用水不足又会使颜色干枯、粘厚，难于用笔。通常用水以能流畅地用笔、盖住底色，为宜。在画暗处、虚处和远处，一般可适当地多用水，以增强其虚远和透明感。从作画步骤来说。在铺大调子时水要用的多些，使色层较薄，便于再往上着色。在作画过程中，水太脏了要及时换。尤其是画色彩鲜明的部位，调色用水要洁净。
3-用笔
由于各种类型的笔都可以用来作水粉画，因此水粉画的用笔技巧是异常丰富的。并且是在借鉴油画。国画和水彩画笔法的过程中，不断加以发展的。水粉画中常见的笔法。
“平笔法”——笔迹隐蔽。画面色层平整；
“散除法”——笔迹显露，但色层厚薄变化不显著；
“厚除法”——色层错综重叠，用色较厚、厚薄相间；
“点彩法”——利用光色的空间、初觉混合原理，用密集的小笔触（色点）塑造形象。（这种笔法用得较少，较难掌握，初学时不宜过早效仿）

4-衔接
水粉画由于颜色干得较快、干湿变化显著，又加之用水，颜色会在画面上流动，渗化和容易产生水渍，因此熟练地掌握好衔接技巧，对于画好水粉画关系很大。水粉画的衔接主要可以分为湿接、干接和压接这三种方法。
所谓湿接，是邻接的色块趁前一块色尚未干时接上第二、三块颜色。或是两块相邻的颜色碰接上。或是一块颜色中趁湿点入其它颜色，让其渗化。再或在笔头的不同部位分别蘸上几种不同的颜色，画到纸上时利用笔肚的水分，让其自然化接。
所谓干接，就是邻接的色块在前一块颜色已经干了的时候，再接上第二、三块颜色。
所谓压接，就是相邻的色块（形体的转折或不同的物物体），前一块色画得稍大于应有的形，第二、三个色块成一种节奏感。要防止缺乏整体处理意图的凌乱用笔。接上去时，是压放在前一块色上，压出前一块色应有的形。进行压接时，要注意颜色（压接上去的颜色）的盖色力和粘着性，一般来说压上去的这块色要比已画的色块稍厚一些。
5-覆盖
所谓覆盖，就是在已画的色层上再画上一层或数层颜色。覆盖的主要作用可以概括为两点：一是使画面色层水粉画作品欣赏重叠，厚薄有变化，是塑造形象的一种技法；二是一种修改方法。水粉画颜色的盖色力是比较强的，但又各有差异，加上作画时调用清水，覆盖时掌握不好就容易使底色（被覆盖的色层）泛起，产生水渍，造成色彩污浊。有时又故意用很薄的颜色覆盖，让底层色透露出来。这些具体效果都不容易估计，所以要掌握好覆盖技巧也并非易事，得慢慢捉摸。
着色
6-固有色
固有色，就是物体本身所呈现的固有的色彩。对固有色的把握，主要是准确的把握物体的色相。
水粉画由于固有色在一个物体中占有的面积最大，所以，对它的研究就显得十分重要。一般来讲，物体呈现固有色最明显的地方是受光面与背光面之间的中间部分，也就是素描调子中的灰部，我们称之为半调子或中间色彩。因为在这个范围内，物体受外部条件色彩的影响较少，它的变化主要是明度变化和色相本身的变化，它的饱和度，也往往最高。
（1 ）起稿开始象画素描一样，先用铅笔定位置和比例，不必用橡皮，以免损坏纸面，影响着色效果。接着用颜色定稿，根据静物的色调，用赭褐或群青色定稿皆可。色线可略重一点，并可用定稿
之色薄薄地略示明暗，为下一步的着色作铺垫。造型能力强一些的，也可直接用色线起稿，不示明暗，直接着色。
（2 ）铺大色调定稿之后，迅速地观察一下整体色调和大色块关系，做到胸有成竹，尽快地薄涂。此刻不要考虑形体与笔触，根据新鲜的色彩印象大胆挥洒，造成画面的色彩环境。有的人在完成上一遍色后，就急于具体刻划。应进一步调整大色块的关系，使色彩之间的关系和总的色调，与实际感觉相吻合。
（3 ）具体塑造在大关系比较正确的基础上，进一步进行具体塑造，从画面主体物着手，逐个完成。集中画一件物体干湿变化易于掌握，也易于塑造其受光与背光不同面的色彩变化。此时眼睛要随时环扫周围，从局部入手但不能陷入局部，顾此失彼。要看该物体与背景和春他物体的关系，掌握分寸，细节可留下一步刻划。这一遍色用色要适当加厚，底色的正确部分可以保留，增加画面的色彩层次。
（4 ）细节刻划对琐碎多余的细节固然可省略，但对表现物象特征与质感的重要细节应加强刻划，画龙点睛。细节要综合到整体之中。最后的笔触最为重要，它将不被覆盖而显露给欣赏者。
（5 ）调整、完成画室外一幅静物写生，作为基本练习一般以八小时为宜，力求深刻准确。熟练之后三、四个小时也可以表现得比较充分。作画时间较长，眼睛容易疲劳，色感容易减弱，具体刻划又容易忘记整体。在写生接近完成的时候，恢复一下第一印象，检查一下画面：在深入刻划时是否有些地方破坏了整体，局部和细节的色彩有没有“跳出”画面，还有没有其他毛病。检查后，调整、修改、加工。错误之处，如画得太厚，要洗掉再画，直至完成。水粉画中干和湿的技法应控制到什么程度？有哪些应用范围？水粉画运用的干湿技法，主要指调色时含水和白粉量的多少。
7-着色方法
水粉画颜色有较强覆盖能力，但也不能毫无顾及地随便乱涂，它有自己一定的着色方法和步骤。

8-干湿技法
干画法
干画法：就是说水少粉多的意思，这种画法多采用挤干笔头所含水分，调色时不加水或少加水，使颜料成一种膏糊状，先深后浅，从大面到细部，一遍遍地覆盖和深入，越画越充分，并随着由深到浅的进展，不断调入更多的白粉来提亮画面。干画法运笔比较涩滞，而且呈枯干状，但比较具体和结实，便于表现肯定而明确的形体与色彩，如物体凹凸分明处，画中主体物的亮部及精彩的细节刻画。这种画法非常注重落笔，力求观察准确，下笔肯定，每一笔下去都代表一定的形体与色彩关系。干画法也有它的缺点，画面过多的采用此法，加上运用技巧不当，会造成画面干枯和呆板。但干画法的色彩干后变化小，对于练习色彩收效较大，也容易掌握。
湿画法
水粉画作品欣赏湿画法：此法与干画法相反，用水多，用粉少。它吸收了水彩画及国画泼墨的技法，也最能发挥水粉画运用“水”的好处，用水分稀释颜料渲染而成。湿画法也可以利用纸和颜色的透明来求得像水彩那样的明快与清爽。但它所采用的湿技法比画水彩要求更高，由于水粉颜料颗粒粗，就要求湿画时必须看准画面，湿画部位一次渲染成功，过多的涂抹或多遍涂抹必然造成画面灰而腻。但这种画法运笔流畅自如，效果滋润柔和，特别适于画结构松散的物体和虚淡的背景以及物体含糊不清的暗面。如发挥得当，它能表现出一种浑然一体和痛快淋漓的生动韵味。它的色彩借助水的流动与相互渗透，有时会出现意想不到的效果。为制造这种湿效果，不但颜料要加水稀释，画纸也要根据局部和整体的需要用水打湿，以此保证湿的时间和色彩衔接自然。有关湿画法的控制及实际操作运用，上述画法步骤中已讲得很多，不再一一细述。

『捌』 有关临摹油画花卉的具体步骤

1、准备好油画的工具：油画颜料，铅笔，橡皮泥，油，画架，画布，围裙，背景大笔刷，中笔版刷，细笔刷。权

『玖』 牡丹花铅笔画法步骤

素描牡丹：先用2b铅笔勾出型来，然后定位，修改，上少量的调子，从整体入手，把握整体的明暗和空间感，立体感。然后越改越细，最后出来的效果很不错的。

『拾』 怎么画梅花~用铅笔图片

平常要多观察画家的画，要动脑筋。还要多看梅花的实物。要了解它的习性。多观察，你就能画好了。
第一步是出枝。先用笔蘸调淡墨，在盘子边上括干些，再蘸深墨，以中锋画出最前面的枝条。起笔时用中锋，画至枝条下端渐转侧锋，务必注意行笔过程中，枝条留白断开，以便填花。也可先用较淡的墨，以侧锋画出后边的粗枝干，再加前面深枝条。要根据构图需要灵活运用。无论那种方法，枝干的穿插交错、疏密关系和断开留白等都是一样的。

第二步，用淡墨圈出花朵。注意花朵的聚散和正侧偃仰背的表现。花朵与枝干需反复交替进行。画好主要枝干，决定画面大局，画好一部分旁枝后开始画花，花画得差不多时，再在花中穿插枝梢，而后再补些花，或再添些细枝梢，这样交替进行，逐步完善，不可各步骤之间截然分开。

第三步，处理花心、剔花须、点蕊头、点花蒂。用较秃的笔，以中锋浓墨为佳。花朵的正反背侧往往通过点心才能表现出来。

第四步是点苔，收拾整理。干、枝、花等基本完成后，再回过头看看总体效果，不足之处再作充实调整。最后在适当的部位题款加印章。一幅梅花就完成了。

画圈梅，一般不着色。为托出白花，可在花瓣轮廓外围圈染淡墨。也可用淡赭石或淡草绿圈染。圈染时水分要足，力求渗化效果，切忌干涩、刻板。圈染后可再用较大的笔，加水调和成更淡的赭石或草绿，点洒于圈花或枝干间隙，（点洒时要有疏密，不宜过多）使画面层次更充实多变，总体气氛更好。花心处一般留白，或点黄粉。
也有画者，在画好后，往宣纸背面花瓣里填白粉，会使白梅更加饱满突出，增添姿色。

梅花的构图

构图，在中国画的传统理论中称作“经营位置”，也就是画面的布局。这是在理解了花卉的生长规律、结构特征、并懂得了基本造型方法和笔墨要求后，进入摹写或创作时，必然会碰到的问题。同样是一种花卉，为什么有素养的画家入画时，能给人以美的享受，而初学者则难以做到，除笔墨技巧外，画面的总体布局，即构图的合理与否是十分重要的。所以，笔墨、形体和构图是画好一幅画的主要技法要素。

中国花卉或花鸟画的构图，可以从两个方面来认识。一是处理画面的具体手法或方式，如“S”形构图，半环形构图，纵横交叉构图等。二是掌握画面布局中美的法则，如主辅、虚实、疏密、聚散、藏露、开合、呼应等。初学画梅，掌握几种具体的构图形式是必要的，但根本上是要理解和掌握构图规律，做到举一反三。灵活运用，才能千变万化，得心应手，现分别简述之。

主辅：或称“主次”、“宾主”、“主客”等，一幅画有主体，有陪衬。主体是画面的重点或中心。布局时力求主体的位置突出、醒目，其他作为陪衬，位置应隐蔽些，画行虚些。左图前面一枝梅为主，后为宾。一主一辅。一浓一淡，一高一矮、一疏一密，自然形成了鲜明的节奏与对比。切忌主次不分，平均对待。

具体运用时，也有用反衬的手法。即把矮小次要的置于前面，主体置于后面。可视构图需要和表现手法而定。

虚实：一幅画，总体布局上必须有虚实对比，一般说来，“有画处为实，无画处为虚”或者说“有笔墨处为实、无笔墨处为虚”。这都是说明画面上的空白和物象的对比关系。在构图上常有虚实相间、虚实互用、以虚显实、以实破虚等手法。花鸟画一般不画背景，留出大块空白，即是“虚”，而所画之物即为“实”，或者近者为实而远者为虚，或者主为实宾为虚，都是为了画面的对比效果。“虚”能给人以“迁想妙得”之功，所谓“意到笔不到”、“意犹未尽”也正“以虚显实”的绝妙效果。切忌满纸笔墨，所画物象占据一切空白，画得严严实实，反而使观赏者感到闭塞，失去了遐想之余地。

图45，在构图上除两枝梅花有主辅之分外，在左上方留出大块空白，即是为了求得虚实效果。
疏密：中国画理中有“密不通风，疏可走马”之法则。构图时应密处密，疏处疏，疏密有致才能节奏生动，平铺直叙，没有疏密变化则刻板平淡，观之乏味。画梅花，主要是处理好枝干、花朵、苔点等点、线、面的排列交叉关系。上图，前面主体枝干浓而密，后面辅枝淡而疏。

聚散：是指集中与分散的关系。画梅花，花朵的分布必须有聚集在一起的，有疏落分散的，聚散之间要互相联系，做到聚而不塞，散而不散，才能富有韵律，引人入胜。切忌平均分布、散点布局。

藏露、隐现：根据意境和画面艺术手法的需要，在构图时，往往某些部分要藏，某些部分要露。某些部分要画得显眼些，某些地方则要隐蔽些。一般是主体部分要醒目突出，陪衬部分隐蔽些。但有些构图，主体部分也要有藏露、隐现。如表现古梅老干为主的画面“老干新姿”，构图时尽管老干占据画面主要位置，但具体着笔时，必须处理好藏露隐现的关系。才能使画面产生大小粗细、浓淡前后等强烈对比和含蓄多变的艺术效果。

开合：是指画面构图的完整统一。门窗有开关，故事有始末，文章有开头结尾，画画同样有起有结。有的画使人感到没画完，这就是没有合好。如画一条龙，画龙身为“开”，点睛则为“合”，画龙不点睛，则是死龙。画梅花也如此，只圈点花瓣而不点花心，犹如画龙不点睛，显得没精神，也就是只开不合。无论小构图、大构图都要处理好开合关系，有的画面有几个开合，都要认真处理好，使其达到完整统一。切忌有头无尾，半途而废。

呼应：也称“顾盼”，是指画面的物象形态，色调互相协调、呼应，相映成趣。构图上应在上下、左右、前后、主辅等各个方面去考虑，使之做到顾盼有情，气脉贯通，情景交融。切忌机械凑合、各自东西互不关联。

图47，主体梅，主干上发，旁发小枝在画面上方转而下垂，和右下侧梅枝上下呼应，形成顾盼之势，使画面构图富有变化和情趣。避免了主辅两枝梅花，枝条全都上发的单调局面。

综上所述，既是一般花鸟画构图中创造形式美的重要法则，也是画梅花时应该掌握的规律。梅花构图和其他花卉大同小异，根据梅花以表现枝干为主，构图上可归纳为“长短、粗细、多少、纵横”八个字。梅花的一切构图形式，万变不离其宗，都发自这八个字。

构图力求形式优美，变化万千，时又求得统一，“变化统一”是构图的总要求。变化与统一是事物矛盾对立的两个方面。一幅画无“变”则板，“变”过则乱。也就是说，画画时在笔墨、形体、色彩等诸方面太统一，必然呆板、单调、无生机。必须造成表现手法上的各种“矛盾”，才能产生起伏、涤荡和节奏韵律等美的东西。梅花构图，也正是运用矛盾的对立统一法则，创造出各种各样的构图形式。