淺析義大利藝術歌曲紫羅蘭

㈠ 義大利歌曲紫羅蘭屬於幾級曲目

2級。義大利歌曲紫羅蘭屬於2級曲目。義大利歌曲《紫羅蘭》是「B調」。依照十二平均律的系統，可以從任何一個半音（DO、#DO、RE、#RE、MI、FA、#FA、SOL、#SOL、LA、#LA、SI）開始。

㈡ 義大利紫羅蘭與天賜神糧誰難

天賜神糧難。
紫羅蘭在音域上沒有太大難度，旋律靈動俏皮。女高音唱起來比較輕松，而且這首歌有很明顯的好處，它的斷句比較多，適合氣息不太夠用的演奏者。
天賜神糧來自於聖經演唱這首歌時不需要做任何修飾，只需平靜的進行傳達，體現宗教音樂的聖潔氣氛。氣息飽滿，聲音連貫、均勻、干凈，切忌唱得如念經般平淡無味，要盡量營造一種凝重、虔誠的氛圍，恰當地把握歌曲豐富的內涵，有控制地完成歌曲的藝術表現內容。所以對感情的投入要求較高，演奏好比較困難。

㈢ 求義大利歌曲《紫羅蘭》的創作背景或故事背景，英文名《Le Violette》

既然是義大利語歌曲抄
那麼歌曲的名字必然是義大利語
怎麼可能是英語？！
violette義大利語就是「紫羅蘭」的意思
所以
歌曲名字是義大利語的
這首曲子是Alessandro
Scarlatti（斯卡拉蒂
1660
–
1725
義大利巴勒莫人）的三幕歌劇《il
Pirro
e
Demetrio》
寫於1694年
首演在那不勒斯的San
Bartolomeo歌劇院
後來在羅馬、米蘭、佛羅倫薩都有上演
pirro
和
demetrio都是姓氏
歌劇故事就是一對姓pirro的兄弟和一對姓demetrio的姐妹相愛的故事
最後都在一起了
故事沒啥特殊的

㈣ le violette紫羅蘭在美聲界達到了什麼水平，中階or高階

這個是美聲的初學者練習的古典藝術歌曲，這個歌是在巴洛克時期最主要的小詠嘆調之一！但是我說實話啊，提問者千萬別以為這個是練聲曲，或者說這個是初級的作品，每一首歌都不簡單，因為節奏和音高特別難掌握

㈤ 斯卡拉蒂《紫羅蘭》的簡介。

一、簡介：
《紫羅蘭》由義大利作曲家亞·斯卡拉蒂所作。這首典雅優美的古典樂曲是作者所作的「康塔塔」(17世紀由詠嘆調和宣敘調交替構成的獨唱曲)中最廣泛流傳的一首。
二、特點詳解：
1、含蓄而富有詩意的歌詞，描繪了紫羅蘭「含珠帶露，亭亭玉立」於「半隱半現」之中的姣美可愛，隱喻了優雅羞澀的少女形象，同時表達了歌中的主人公對她的「彷彿責怪我過分輕狂又過分大膽」的愛慕之心。
2、此曲旋律明快，前奏很有些古鋼琴的韻味。這首歌曲為帶有迴旋性質的三部曲式，其結構為ABAB』A。A段B大調，B段結束至關系調g小調。由節奏活躍的A段與朗誦性較強的B段交替組成。 B段中出現的向關系小調的轉換及那布勒斯六和弦(含有小三度與小六度的六和弦)的應用，豐富了歌曲的音樂色彩。歌曲中有不少地方是與鋼琴伴奏相呼應的。

㈥ 義大利歌曲紫羅蘭作者及創造背景

作者：歌德（1749年8月28日—1832年3月22日），出生於美因河畔法蘭克福，德國著專名思想家、作家、科學家屬，他是魏瑪的古典主義最著名的代表。而作為詩歌、戲劇和散文作品的創作者，他是最偉大的德國作家之一，也是世界文學領域的一個出類拔萃的光輝人物。他在1773年寫了一部戲劇《葛茲·馮·伯利欣根》，從此蜚聲德國文壇。1774年發表了《少年維特之煩惱》，更使他名聲大噪。

㈦ 義大利歌曲紫羅蘭的歌詞！！！急！！！

我問過同學了（義大利人） 他們說沒有關於紫羅蘭的歌啊 只有清潔工的， 因義大利版語紫羅蘭是lavanda， 清潔工是lavanderina。權 下面是 la bella lavanderina 的歌詞：
La bella lavanderina

La bella lavanderina che lava i fazzoletti
per i poveretti della citta.

Fai un salto, fanne un altro,
fai la giravolta, falla un』altra volta,(variazione: fai la riverenza, fai la penitenza)

Guarda in su guarda in giu
dai un bacio a chi vuoi tu.

這首歌在義大利很有名， 因為我問了班級里的同學，他們都會唱的，但是我問他們知不知道有首歌叫紫羅蘭他們說不知道，

㈧ 音樂體裁有哪些分類

問題一：歌曲體裁的種類特點 常見的歌曲體裁及其特點如下： 一般多是配合行進步伐，以強弱分明的雙節拍居多。節奏鮮明有力，旋律鏗鏘爽朗，富有朝氣，有強烈的戰斗性和時代塌仔好感。在曲式結構上，多數是句法正規、結構方整，往往表現威武、雄壯的群眾場面和勇往直前的情緒。如《 *** 進行曲》、《義勇軍進行曲》、《游擊隊歌》、《我是一個兵》等。 其藝術表現特徵為：1、旋律以昂揚向上、雄偉為多見，旋法常以跳動地和同音反復為主，有時旋律用四、五度及六、八度大跳，突出了進行曲號角性的音樂形象。2、其結構較規整，節奏鮮明，歌曲多採用單二部曲式或單三曲式，也常採用分節歌形式，一曲多詞的創作手法。3、音樂主題凝煉集中，演唱節拍多用2/4、4/4節拍，節奏上常用附點音符，和採用軍鼓基本節奏型，以保持進行步伐的整齊統一。有些進行曲體裁的歌，在題目中直接標明進行曲。如>

問題二：音樂體裁分類 聲樂體裁：清唱劇《亨德爾的彌賽亞》歌劇《供蘭朵》、音樂劇《孤獨的牧羊人》、彌撒曲和安魂曲、合唱《半個月亮爬上來》、齊唱《學習雷鋒好榜樣》與重唱《牧童》、康塔塔、牧歌、聲樂套曲和組歌《長征組歌》、藝術歌曲《我的太陽》和浪漫曲、小夜曲（勃拉姆斯）、搖籃曲（舒伯特）和船歌、宣敘調和詠嘆調（費加羅詠嘆調）等。

問題三：音樂體裁有哪些? 首先指明，音樂的體裁不應只包括器樂體裁
一.體裁
作品的存在形式。（文學體裁：詩歌、小說、散文等；音樂的體裁：交響曲、協奏曲、奏鳴曲等。）
二.音樂體裁的分類
現把音樂眾體裁分為兩大類：聲樂體裁、器樂體裁。
1.聲樂體裁：清唱劇、歌劇、音樂劇、彌撒和安魂曲、合唱、齊唱與重唱、康塔塔、牧歌、聲樂套曲和組歌、藝術歌曲和浪漫曲、小夜曲、搖籃曲和船歌、宣敘調和詠嘆調等。
2.器樂體裁：奏鳴曲和交響曲、交響音樂和交響詩、音詩、音畫、協奏曲、套曲和組曲、前奏曲和序曲、夜曲、幻想曲、隨想曲和狂想曲、軍樂和進行曲、圓舞曲、變奏曲、改編曲、創意曲、敘事曲、諧謔曲、幽默曲、練習曲、托卡塔、重奏和獨奏曲等。
：）分序號小結一下
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1. 曲調（air，法、英）具有歌唱性的器樂曲，常用於18世紀的組曲中。
2. 阿勒曼德（allemande，法）17世紀盛行於法國和英國的舞曲體裁，四拍子，節奏平穩，速度較慢，常用於組曲。同樣的名稱在19世紀指流行於瑞士鄉村的三拍子輕快舞曲，它是華爾茲的前身。
3. 贊美歌（anthem，英）英國基督教教會儀式所用音樂，有獨唱、合唱形式，歌詞大多取自聖團鉛經，用英語演唱，一般用管風琴伴奏。
4. 詠嘆調（aria，意；air，英、法；Arie，德）獨唱曲，是歌劇、清唱劇等大型聲樂作品中的重要段落，也可以是獨立的作品。具有高超的演唱技巧和幅度較大的情感抒發。
5. 敘事歌；敘事曲（ballade，法、德）⑴13、14世紀的法國世俗歌曲。⑵19世紀盛行於德國的具有敘事性的歌曲，內容常與民間故事、傳奇有關。⑶19世紀抒情浪漫的器樂曲，如肖邦和勃拉姆斯的鋼琴作品。
6. 芭蕾舞劇（ballet，意）由舞蹈演員身著劇裝在音樂伴奏下表演的戲劇。起源於文藝復興時期的義大利，後傳入法國獲得極大發展。最初的法國芭蕾舞劇音樂不僅有器樂，還有歌唱和朗誦，因此可看作是歌劇的前身（當時的歌劇中也有芭蕾舞，此傳統一直延續到19世紀末，並影響到義大利歌劇）。19世紀中葉以後出現大量優秀的芭蕾舞劇音樂，如柴可夫斯基的《天鵝湖》、斯特拉文斯基的《火鳥》等。
7. 船歌（barcarolle，法；Barkarole，德；barcarole，意）來源於威尼斯船夫歌曲的器樂曲（鋼琴曲為多，也有管弦樂曲），6/8或12/8拍戚核，速度和緩，通常是在盪漾的節奏韻律之上有一條歌唱性的悠揚曲調。
8. 搖籃曲（berceuse,法；cradle,英；lullaby,英；Wiegenlied，德）安靜溫和的聲樂或器樂小曲，節奏有如搖籃緩緩擺動。
9. 布魯斯（blues，英）一譯藍調。美國爵士樂的一種風格，源於黑人靈歌。通常為十二小節，節奏平穩，速度較慢，其名稱來源於別具特色的常降低半音的大調第三和第七級音（稱作怨音blue notes）。
10. 波萊羅（bolero，西）西班牙舞曲，三拍子，穩定的中速，用響板敲擊具有特性的節奏。拉威爾的管弦樂《波萊羅舞曲》是最著名的作品，肖邦也寫有這種風格的鋼琴曲。
11. 布列（bourrée，法；borry，boree，英；bore，意）⑴盛行於17和18世紀的法國舞曲，速度較快，通常為2/2拍。⑵現流行於法國中部奧弗涅山區的三拍子舞曲。
12. 康康（cancan，法）19世紀末盛行於法國的舞曲，快速，2/4拍，熱烈而粗俗。最著名的是奧芬巴赫所作輕歌劇《地獄中的奧菲歐》中的康康舞......>>

問題四：古典音樂的體裁（類型）都有什麼 交響曲(Symphony)
廣義的來說，交響曲是為管弦樂所寫的奏鳴曲。這個曲式源自於巴洛克時期，當時對此名稱的解釋相當於現在的歌劇「序曲」，也就是由快板-慢板-快板形式所組成的三個樂章的器樂曲。古典時期以後一般公認的模式是第一樂章：快板、奏鳴曲式；第二樂章：慢板；第三樂章：小步舞曲或詼諧曲；第四樂章：快板，輪旋曲式。
古典時期的海頓將交響曲帶向一個新高峰，莫扎特遵循其榜樣又突破，1788年最後三百的交響曲尤其出色。貝多芬史將交響曲在表現情感的能力上提升至一新局面，九首交響曲不僅擴大了樂團的編制及樂曲的長度，第九號「合唱」交響曲更把人聲引進由席勒(Schiller)作詞的「快樂頌」大合唱終樂章中。
十九世紀浪漫樂派之後，交響曲更被廣泛的創作，但形式上開始有了些微改變，或是改變樂章的數目，或是加入了聲樂，此外，受了標題音樂作曲手法的影響，更發展出「標題交響曲」之類型。如貝多芬《第六號田園交響曲》作品68。
交響詩(Symphonic poem)
是一種以標題音樂手法完成的單樂章管弦樂作品，與多樂章的標題交響曲有別，交響詩是李斯特首先在作品中引用，柏遼茲的「幻想交響曲」大有與其影響。交響詩是在音樂中發展詩的理念，用音樂來營造情緒抒發感情，表現詩的意境，氣氛和內容。交響詩的題材自由，手法不受限制，作曲家得以自由表達樂念，是在標題音樂中最發達的樂種。浪漫派後期德國音樂家理查．施特勞斯(R. Strauss，1864~1949)在交響詩方面堪稱一代宗師，他將交響詩改稱為「音詩」。
組曲(Suite)
十八世紀中期之後舞曲組曲不再受到作曲家的重視，主要是因為音樂逐漸平民化，宮廷內的舞曲不再那N的流行。浪漫樂派以後流行具有描寫性質的舞曲，通常是管弦樂曲及器樂曲的作品。大多由很多小曲組合而成，沒有一定規則可循，作曲家可自由創作，如聖桑「動物狂歡節」、舒曼「兒時情景」、穆索斯基「展覽會之畫」。另外有芭蕾舞劇中精彩的管弦管配樂，單獨用於演奏會上時的芭蕾組曲，如柴科夫斯基「睡芙人」、「天鵝湖」、「胡桃鉗」組曲。
協奏曲(Concerto)
協奏曲起源於16世紀，最初是指有樂器伴奏的聲樂曲，以別於當時盛行的無伴奏合唱(A capplla)，到巴洛克時代才指附有伴奏的器樂獨奏之意。巴洛克時期的協奏曲，大都是大協奏曲(Concerto grosso)，這是由小協奏群(Concertino)對著全體樂團(Tutti)同時演奏或是交替出現，音樂間成了一種競奏的模式。獨奏樂器協奏曲到了巴洛克後期才出現，而現在最常聽到的協奏曲式在古典時期才臻於完美。巴洛克時期著名的大協奏曲，如巴赫「勃蘭登堡協奏曲」，古典時期的協奏曲通常有三個樂章－快板、慢板、快板。
序曲(Overture)
一般都在大型音樂如歌劇、神劇、芭蕾舞劇之前演奏，具有開場及將觀眾導人戲劇氣氛的功能。古典時期，歌劇的序曲採用了奏鳴曲式，與歌劇內容緊密連結，其中莫札特的序曲最常被演奏，十九世紀時出現了獨立為演奏會用的序曲，如門德爾松「芬格爾岩洞」、柴科夫斯基「一八一二」等序曲。
小夜曲(Serenade)
小夜曲原本的解釋是夜晚時站在愛慕的女性窗下示愛所唱的情歌，古典時期盛行器樂作品的小夜曲，是一種夜間在戶外的演奏曲，供貴族王侯休閑遣興之用。小夜曲以小型合奏型態演出，一般由小型弦樂隊或管樂組樂器演奏。如：莫扎特 G大調弦樂小夜曲K525。十九世紀後小夜曲繼續發展、勃拉姆斯、德沃夏克、柴科夫斯基、理查施特勞斯、埃爾加等皆有優良作品。
進行曲(......>>

問題五：歌曲的體裁 歌曲藝術屬於音樂文化的一個重要組成部分，歌曲的體裁隨著人類社會的進步與歌唱藝術的發展而不斷拓寬范圍。一般認為，歌曲作品的體裁大致可分為民歌、藝術歌曲、群眾性歌曲、民歌改編曲、秧歌劇、影視歌曲、歌劇、清唱劇、音樂劇等種類。 民歌一般是來自於民間口頭傳唱，富於地方色彩的歌曲。民歌歌詞通俗上口，旋律優美流暢，演唱採用各民族、各地區方言，體現其神韻和風格。各國民歌均表現出各個民族特有的感情，也反映了各民族的社會生活風貌和習俗。最早的民歌伴隨著人們的語言和勞動而產生。我國廣袤土地上的56個民族由於地理環境、生活習慣、勞動方式的不同，尤其是語言及各民族音調的區別，形成了斑斕多彩的個性風格。詩經、楚辭、樂府、唐詩、宋詞、元曲及大量的說唱藝術都大量吸收了中國民歌的養分，並從中產生出了各種各樣的歌唱形式。從體裁形式上看，中國民歌大致可分為：號子、山歌和小調三種類型。如陝西民歌《攬工調》，江蘇民歌《長工苦》，浙江民歌《車水號子》，江南民歌《月兒彎彎照九州》等等。 藝術歌曲是作曲家以某種藝術表現為目的，根據文學家的詩歌而創作的歌曲，例如世界十大鬼才音樂製造人周傑倫所創造的歌曲，就是詩和曲的結合。藝術歌曲旨在通過音樂和詩歌的共同作用，激發出一種靈感和氛圍，讓聽者能夠透過某種語言深切地感受到一種特有的審美韻味。藝術歌曲通常在音樂會上表演，多為獨唱，一般都有精心編配的鋼琴伴奏，對演唱技巧有很高的要求。這種獨特的藝術效果，對於其它一些歌唱形式――如歌劇――而言，是難以達到的。與民歌相比，它無論歌詞還是曲調都經過作者精心琢磨，並賦予技巧性的藝術構思，同時，藝術歌曲異常強調伴奏的藝術處理，因此作曲家在創作藝術歌曲時把伴奏的寫作作為歌曲整體藝術構思的一個重要組成部分。各國的藝術歌曲的名稱不同，如德國稱「Lied」，俄羅斯稱「Romance」，法國稱「Melodie」等。雖然名稱不同，風格也不同，但在類型屬性上，均屬藝術歌曲范疇，是一種結構更精緻、更完美的音樂會獨唱歌曲。在歐洲音樂史上，義大利、德國、法國、俄羅斯作曲家創作的藝術歌曲保持有崇高的藝術地位。（一）義大利古典藝術歌曲義大利古典藝術歌曲主要是指17至18世紀之間,義大利作曲家們的優秀作品,它雖然距今已有幾百年的歷史,但始終是中外歌唱家們喜愛的演唱曲目及人們喜聞樂見的歌唱作品。在當今世界各國的大部分音樂院校中,都將這些作品列為歌唱專業的基礎課程,並視為學習過程中不可缺少的聲音訓練教材，正如一些聲樂教育家們認為的那樣，聲樂作品中對學生發聲最有幫助的、能培養一種好的演唱基礎的是早期的17、18世紀義大利聲樂作品。義大利古典藝術歌曲適合於歌唱初學者原因首先在語言方面。義大利語不像德語、法語有那麼多的輔音群和一些對中國人來講比較難發的音。義大利語只有「a、o、u、i、e」5個母音,並且大都是以單母音的形式出現。雖然也有二合母音和三合母音,但他們的發音卻非常規范,如「ia」、「ie」雖然是二合母音,但在演唱時它們的發音只是「i」和「a」、「i」和「e」的組合而已,其發音規律非常便於學習和掌握。並且這些母音的發音基本上都能在漢語母音的發音中找到與其相近或相似的發音。其次在旋律方面。17世紀至18世紀的義大利古典藝術歌曲在旋律進行上很少有戲劇性的跳進,旋律多平緩、優美,在演唱上要求具有控制性的音量、柔美抒情的音色和內斂含蓄的表現。另外,這些作品音域最高不超過g2 ,著重於以優美的中聲區為主,宜於表現抒情、柔美的情緒。廣泛運用於我們的歌唱教材中的義大利古典藝術歌曲有《我心裡不再感到青春火焰燃燒》、《阿瑪麗莉》、《多麼幸福能贊美你》、《紫羅蘭》......>>

問題六：音樂有幾種類型及其特點 音樂類型的定義：
1、搖滾：
什麼是搖滾樂呢？就其產生而言，它是黑人節奏布魯斯和白人鄉村音樂相融合的一種音樂形式；就其使用的樂器而言，它是以吉它、貝司、鼓為主，加上大功效的音響和諸多效果器來表現音樂的形式；就其風格而言，它分為布魯斯（Blues）、搖滾（Rock and Roll）、重金屬（Heavy Metal）、朋克（Punk）、放克（Funk）、雷鬼（Reggae）、說唱樂（Rap）等等；除此以外，搖滾樂還有演唱、舞台設計、燈光效果等方面的特點。但是這些特點加起來，只是搖滾樂的形式而已。
2、流行：
流行音樂，是指那些結構短小、內容通俗、形式活潑、情感真摯，並被廣大群眾所喜愛，廣泛傳唱或欣賞，流行一時的甚至流傳後世的器樂曲和歌曲。這些樂曲和歌曲，植根於大眾生活的豐厚土壤之中。因此，又有大眾音樂」之稱。
流行音樂起源於美國的爵士音樂。20世紀初，美國出現了一種由多民族文化匯集而成的爵士音樂。這種新興音樂，以它獨特的演奏(演唱)方式，刷新了聽眾的耳目，轟動了全美國，又很快傳遍西歐各國。
3、爵士：
爵士樂成形時間是19世紀末、20世紀初。
在眾多流行音樂中，爵士樂是出現最早並且是在世界上影響較廣的一個樂種，爵士樂實際就是美國的民間音樂。歐洲教堂音樂、美國黑人小提琴和班卓傳統音樂融合非洲吟唱及美國黑人勞動號子形成了最初的民間藍調，拉格泰姆和民間藍調構成了早期的爵士樂。
爵士樂的演唱利用無意義的「襯詞」在即興的規則下形成了風格獨特爵士唱法。
爵士樂的切分節奏復雜多樣，特別是跨小節的連續切分經常將原有的節奏整小節移位，造成一種飄忽不定的游移感。
4、民謠：
民謠唱法作為一種源自民間的演唱形式，作品的來源主要有兩種傾向，一種是根據古老的傳統民謠改編的曲目；另一種是按照傳統民謠風格創作而成的創作民謠。不管是哪種傾向，在演唱上都保留了傳統的民間敘事歌(Ballad)的特徵。演唱並不過分講究聲樂技巧，主要以自然聲為主；由於民謠的旋律相對較為平穩，這一點決定了民謠唱法淺吟低唱的特徵。同時，民謠的題材大部分都是敘述性的主題，就像兩者之間相相互交談的口吻，這一點也決定了民謠的演唱不可能大聲。介是有一個概念是不能混攪的，淺吟低唱並不代表懶散無力，聲音的狀態應該是積極的，氣息更應該自然流暢，只是語氣不需過分誇張.就像說話一樣，誇張的語氣一般很少出現在實際生活中。
5、原創音樂：
原創音樂有兩種概念：其一隻要是自己作詞作曲的音樂都可以算是原創音樂，這是一個廣義上的理解。其二有了俗定的范圍，在詞曲風格上排除了那些流行音樂話題的東西、並且特指那些還沒有正式發行的，非流行的，以傳唱為主的音樂形勢，多是民謠或者輕搖滾音樂。
6、翻唱：
「翻唱」實際上是指將已經發表並由他人演唱的歌曲重新演唱，其中根據自己的風格重新演繹但不改變原作品的一種行為。
7、輕音樂（純音樂、新世紀）：
輕音樂的種類較多，它包括一般的生活歌曲、抒情歌曲、詼諧歌曲、諷刺歌曲，還包括一些輕歌劇、圓舞曲、小型管弦樂序曲、小夜曲，以及部分管弦樂曲小品、電影歌曲、舞蹈音樂等。
輕音樂的風格和特色，較之其他音樂形式更為輕快活潑，富有風趣，特別是它的曲調格外動聽。一些交響樂、管弦樂、大合唱等作品，在手法上往往要借用和聲、配器、復調等技術手段的幫助，而輕音樂除此以外，更重要的還要靠旋律的優美來完成。因此，輕音樂對於曲調優美輕快的要求，比其他音樂形式更為嚴格。一首抒情歌曲應該是優美委婉的；一個圓舞曲必須節奏鮮明，音調悠揚，......>>

問題七：器樂體裁有哪些分類啊？越具體越好。 大體上可以概括為聲樂、器樂和戲劇音樂三大類，其中每一類還可細分。例如器樂類有幻想曲、前奏曲、托卡塔等即興性體裁，賦格、創意曲等復調性體裁，及組曲、奏鳴曲、室內樂、協奏曲等。近代交響樂隊演奏的管弦樂作品，總稱交響音樂，包括音樂會序曲、交響曲、交響組曲、交響詩等。聲樂有獨唱、重唱、合唱、康塔塔、清唱劇等；戲劇類有歌劇、舞劇、話劇配樂等。中國傳統的民族民間音樂一般分民歌、曲藝音樂、歌舞音樂、戲曲音樂和器樂5大類。其中每一類還可分為較小的體裁。如民歌中有山歌、號子、小調；曲藝中有彈詞、大鼓、牌子曲等；歌舞中有採茶、花燈、秧歌等；戲曲中有崑曲、高腔、梆子、皮黃等；器樂中有絲竹、吹打、弦索等。

問題八：現代詩歌的體裁分類有哪些 詩歌的分類有多種方法，根據不同的原則和標准可以劃分為不同的種類。基本的有以下幾種：
敘事詩和抒情詩 這是按照作品內容的表達方式劃分的。
（1）敘事詩：詩中有比較完整的故事情節和人物形象，通常以詩人滿懷 *** 的歌唱方式來表現。史詩、故事詩、詩體小說等都屬於這一類。史詩如古希臘荷馬的《伊里亞特》和《奧德賽》；故事詩如我國詩人李季的《王貴與李香香》；詩體小說如英國詩人拜倫的《唐璜》，俄國詩人普希金的《葉甫蓋尼・奧涅金》。
（2）抒情詩：主要通過直接抒發詩人的思想感情來反映社會生活，不要求描述完整的故事情節和人物形象。如，情歌、頌歌、哀歌、輓歌、牧歌和諷刺詩。這類作品很多，不一一列舉。 當然，敘事和抒情也不是絕然分割的。敘事詩也有一定的抒情性，不過它的抒情要求要與敘事緊密結合。抒情詩也常有對某些生活片斷的敘述，但不能鋪展，應服從抒情的需要。
格律詩、自由詩和散文詩
這是按照作品語言的音韻格律和結構形式分類的。
（1）格律詩：是按照一定格式和規則寫成的詩歌。它對詩的行數、詩句的字數（或音節）、聲調音韻、詞語對仗、句式排列等有嚴格規定，如，我國古代詩歌中的「律詩」「絕句」和「詞」「曲」，歐洲的「十四行詩」。
（2）自由詩：是近代歐美新發展起來的一種詩體。它不受格律限制，無固定格式，注重自然的、內在的節奏，押大致相近的韻或不押韻，字數、行數、句式、音調都比較自由，語言比較通俗。美國詩人惠特曼（1819―1892年）是歐美自由詩的創始人，《草葉集》是他的主要詩集。我國「五四」以來也流行這種詩體。
（3）散文詩：是兼有散文和詩的特點的一種文學體裁。作品中有詩的意境和 *** ，常常富有哲理，注重自然的節奏感和音樂美，篇幅短小，像散文一樣不分行，不押韻，如，魯迅的《野草》。
現代詩和當代詩
按照詩歌發展的階段分類。
（1）中國現代詩歌：二十世紀上半葉以前的詩歌稱為中國現代詩歌
（2）中國當代詩歌：二十世紀下半葉以後的詩歌稱為中國當代詩歌

問題九：請問音樂的體裁和曲式有什麼關系？ 古典主義講求清晰和富有邏輯的音樂語言、組曲和賦格曲等一批器樂體裁。作曲家們已積累起無需依賴歌詞的純音樂的創作經驗，音樂的旋律與和聲成為最為突出的兩大要素，巴洛克時期器樂音樂獲得獨立發展、歌劇序曲，它取代了撥弦古鋼琴和擊弦古鋼琴成為一種家庭樂器。具有辯證思維因素的奏鳴曲式（sonata form）成為作曲家們在許多音樂體裁廣泛使用。
巴羅克音樂100多年的發展。古典主義時期主調音樂風格已確立起統治地位。作為社交性的消遣和娛樂的如。勻稱的音樂旋律句法和段落結構，形成有三重奏鳴曲，而古典主義時期是器樂音樂繁榮的時代，它獲得迅速的發展、三重奏。此外私人客廳里還有二重奏，復調音樂盡管沒有被完全拋棄。由於私人音樂會特別是公眾音樂會的興起。交響曲――「樂隊的奏鳴曲」居古典器樂音樂的中心地位，而鋼琴奏鳴曲成為獨奏音樂體裁中最受歡迎的形式：小夜曲、不倦探索的最重要的音樂曲式，大型音樂體裁繁榮起來。
新出現的近代鋼琴受到人們的喜愛、五重奏的演奏形式、大協奏曲，聲樂藝術長期占據主導地位，作曲家在鋼琴作品的創作中形成了奏鳴曲結構的新概念和古典鍵盤風格、嬉遊曲等，取代了巴羅克音樂動機加變奏的裝飾性旋律方法，其中弦樂四重奏最受作曲家的重視，這為古典主義時期的器樂音樂繁榮奠定了基礎，開始能與聲樂並駕齊驅、四重奏，但已退居從屬地位。當交響曲逐漸以宮廷的娛樂轉變為公眾音樂會的主要曲目是，它融入了時代的精神內涵歐洲從中世紀到文藝復興

問題十：音樂旋律分為哪幾種？ 音樂的分類
按聲部和聲部狀況:1.單聲部音樂--只有一個旋律的樂曲如無伴奏的獨唱、獨奏、齊唱等；2.復調音樂--是在和諧的前提下,幾個曲調參差進入,它們既相互配合又獨立發展的一種樂曲,復調音樂在巴赫手中,達到了高度完美的境界。3.主調音樂--是指一個聲部演奏主旋律，其餘聲部用和聲給主旋律陪伴奏的一種音樂。海頓是主要代表人物。
按音樂的性質：1.純音樂--是完全靠音樂語言，而不是借用任何標題來表達作品的內容。它也有曲名，如「第一奏鳴曲」等，但著只是指音樂的體裁，並不表明樂曲的內容。欣賞者自己准備聆聽的樂曲的作曲家所處的年代、經歷、世界觀以及樂曲產生的背景等，有個大概的了解。2。標題音樂--是根據一定的主題構思並用標題暗示中心內容的器樂曲。常取材於文學、戲劇、歷史、民間傳說或現實生活。它們用詳細的文字說明全曲及每一樂章的特性。可以說，標題音樂是音樂的文學化。標題是作曲家預先指示的一個方向，以幫助欣賞者去聯想，並沒有任何局限的作用。3。輕音樂--指輕快活潑、通俗動聽、結構短小的音樂，是與嚴肅的古典音樂相對而言的。欣賞輕音樂不需嚴肅的思考和理智活動，它只給人以美的享受，陶冶人的情操。4。爵士音樂--是一種通俗的舞曲性質的音樂。是從美國黑人中興起的，這種音樂沒有固定的樂譜，每個樂手都即興演奏，保持著大致的「默契」。即興性一直成為爵士音樂的一大特點。可以認為，爵士音樂是美國音樂文化的精髓。

㈨ 談談莫扎特聲樂藝術作品研究論文

談談莫扎特聲樂藝術作品研究論文

在學習和工作的日常里，大家總免不了要接觸或使用論文吧，論文是描述學術研究成果進行學術交流的一種工具。為了讓您在寫論文時更加簡單方便，以下是我幫大家整理的談談莫扎特聲樂藝術作品研究論文，供大家參考借鑒，希望可以幫助到有需要的朋友。

《紫羅蘭》中表現了詩情畫意的情感這首作品是莫扎特在1785年6月8日創作的，其中充滿了浪漫主義氣息，成為了當時藝術歌曲題材中的典範，為後來的的舒伯特、勃拉姆等人的音樂藝術創作奠定了德奧藝術歌曲的基礎。

【摘要】 莫扎特是十八世紀歐洲古典音樂的大師，在他的一生中創作了三十六首藝術類的歌曲，並在其音樂中融和了德奧藝術歌曲風格和浪漫主義情結。賦予了音樂更多超凡脫俗的感染力和生命力，是首個開創德奧歌曲創作的作曲家。本文通過對莫扎特的聲樂藝術作品的分析研究莫扎特音樂中「聲」和「情」的融合。

【關鍵詞】莫扎特;聲樂藝術作品;「聲」與「情」;融合

莫扎特的作品在眾多的音樂大家中並不算多，但是這些作品的風格多種多樣，旋律普遍比較優美，且具有嚴謹的結構，其中很多經典歌曲在藝術歌曲歷史的長河中有著極其重要的藝術地位和價值。在這些作品中有著獨特鮮明的音樂形象和簡單質朴的音樂語匯，創作手法十分的細膩。在音樂中實現了對感情的融合。摸扎特的作品在不同的作品中利用音符和節奏的變化表現了音樂的不同情感，下面筆者就不同音樂風格中蘊含的情感進行詳細的分析。

一、溫和的情感情感和義大利音樂藝術的融合

在莫扎特《親切的平靜》中主要通過義大利文寫成具有可可風格的精緻、典雅的特徵，歌詞只有四句，內容主要主要表達了對人內心的和平和愛的贊美。在作品中莫扎特將其進行多次反復，其中的情感十分真摯，使人充分感受到和諧之美，同時具有均衡的美感。藉助小廣板的速度，整部作品的旋律十分流暢、優美，情感十分真摯，給人一種對和諧、光明和美好生活印象。這首歌由於自身古典和氣派和優雅從容的風格，經常被女性歌者所喜愛，在音樂會上經常會選擇這首曲子。

二、音樂中的詠嘆

在摸扎特的《見異思遷的鳥》和《我走進樹林》，是其在22歲時為當時的歌唱家奧古斯塔創作創作的，此時他正在Manheim逗留，以上兩首音樂均有著當時十分流行的巴黎詠嘆調風味。前者主要是通譜歌，歌曲中的旋律和織體比較簡單，像宣述調，鋼琴在伴奏中大量運用倚音，音樂風格十分活潑優雅。後面一首《我走進樹林》中充滿了戲劇性，音樂的節奏變化十分快，這個歌曲在莫扎特的創作中特別像充滿著悲劇色彩的詠嘆調。

最需要提的是莫扎特的《當露易澤焚燒她的負心情人的情書時》，雖然有著很長的歌名，但它在莫扎特所創作的歌曲中是特別的。該曲是莫扎特在1787年於維也納創作的，整部曲子是在短短的二十個小結中完成的，其中充分展示了戲劇性和悲劇氣氛，樂曲講述的是一位露易澤的女孩燒毀了她不忠的愛人寄來所有信件的故事。歌聲中宣洩女孩內心的痛苦，有時也會有優美的詠嘆。在鋼琴的伴奏中感情表達十分豐富，音樂形式變化多種多樣，感情強而有力，充分表現主人公內心情緒的起伏。在激盪的音樂中我們彷彿可以看到逐漸化為灰燼的信件和熊熊燃燒的火焰。這首曲子展示了莫扎特的抒情和戲劇才華，作曲家本身不幸人生好像就濃縮在了著短短的一首歌曲中一樣。

三、音樂中的詩情畫意

《紫羅蘭》中表現了詩情畫意的情感這首作品是莫扎特在1785年6月8日創作的，其中充滿了浪漫主義氣息，在那個時代被認為是詩和音樂的完美融合。很多音樂學者都認為這首歌在德國的歌曲藝術發展史上有著不可忽視的地位。這首歌中鋼琴伴奏是音樂史上，首次脫離了歌唱的旋律，保持了獨立性角色，似乎是作家在緩緩的敘述著心聲。這首曲子主要來自《愛爾文和艾爾米蕾》詩篇，其中主要利用擬人化的手法表達作者所嚮往的謙仰和純真的愛情。莫扎特在創作中並沒有進行傳統的分節歌處理方式，而是逐段寫成了一首含蓄並優雅的通譜歌，在描述中蘊含著深情，描述了對紫羅蘭的美好嚮往，並哀嘆其不幸的遭遇。整部音樂像是在哭泣一般，形象逼真，成為了當時藝術歌曲題材中的典範，為後來的的舒伯特、勃拉姆等人的音樂藝術創作奠定了德奧藝術歌曲的基礎。

四、天真的童趣和音樂

1791年莫扎特在即將辭世前創作了三首充滿童趣、天真優美的兒歌《初春》、《渴望春天》和《游戲》，有的人猜測這是莫扎特專門為自己的孩子所作的。歌曲中都使用了分節歌形式，結構簡短，旋律和節奏很質朴，但是音樂的語言聽起來十分美好生動、優美，充滿了天真和童趣。明快歡樂的歌曲，令人難以想像此時的莫扎特正處於貧病交加、生活悲慘的處境。他特曾經說過：即便是我的舌頭已經品嘗到了死亡的味道，但是我仍舊會保持著樂觀的創作心態。事實也正是如此，在他的三篇創作中為人們展示的是一個純凈、光明、充滿樂觀主義精神的世界，使得人們對生活充滿了信息和希望。

五、音樂中的風趣幽默

在莫扎特的作品中還利用音樂表達了風趣幽默的情感，例如《警告》和《老婦人》。這些不僅是為男低音寫的交響樂伴奏，同時也是未完成的喜劇歌劇的插曲。其中將糖果比作少女，警告天下的父親要像珍藏糖果一樣將自己的女兒保護起來。音樂內容顯示十分幽默。映射了當時社會風尚的敗壞，在音型中具有鮮明的的民間特色，朴實自然，平易流暢，顯示了莫扎特風趣幽默的一面。在《老婦人》作品中，描寫的是一位婦人對年輕人進行了品評，在表情一欄中莫扎特特別標注了要「帶有一定的鼻音」，這對歌者提出了不同尋常的要求。凸顯了作家細致的觀察力和對人物的特點的准確把握。在聲樂旋律中使用了一字一音和局部的顫音，形象的的模仿了老婦人說話的特徵，具有鮮明的形象特徵。

六、小結

本文在結合莫扎特具體作品的基礎上介紹了不同音樂中的利用的音來表現的情，兩者之間實現了很好的融合，達到了良好的音樂效果，創造了莫扎特獨特的藝術品位和魅力。

參考文獻

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[2]張天慧,李巧偉.莫扎特藝術歌曲在聲樂教學中的重要價值[J].人間,2015,(13):100-100.

[3]李翔.莫扎特歌劇、藝術作品用於聲樂教學之探究——以《鞭打我吧》《阿里路亞》為例[J].大家,2011,(02):7-9.

拓展：莫扎特鋼琴作品的風格

莫扎特的鋼琴音樂以優美、流暢、明朗、樂觀為主要特徵。莫扎特創造性繼承、發展了阿爾貝梯低音寫作手法,增強了低音的旋律性,既吸取了法國庫泊蘭古鋼琴音樂中裝飾音的曲雅趣味,又大大地改變了裝飾音的形式,使裝飾音不再僅僅裝飾作用使之為旋律的組成部分。這種新的鋼琴語匯創造,不僅形成了莫扎特鋼琴音樂所特有的纖巧、優雅的風格,而且對19世紀波蘭鋼琴家肖邦也有很大影響。

沃爾夫岡·阿瑪德烏斯·莫扎特(1756~1791),奧地利作曲家,是維也納古典樂派第2位大師。莫扎特的鋼琴音樂是他創作中重要領域,主要鋼琴作品,有20多部鋼琴協奏曲,鋼琴奏鳴曲20首,還有變奏曲、迴旋曲和幻想曲等。

莫扎特的鋼琴音樂以優美、流暢、明朗、樂觀為主要特徵。莫扎特在歌劇中表現的非凡旋律天才,也充分顯示在鋼琴音樂中,如鋼琴樂曲中不僅慢板主題氣息、寬廣、悠揚、婉轉,恰似歌劇中的詠嘆調,甚至那些輕捷綺麗的華彩經過句,也都是發自心底的歌唱。莫扎特鋼琴演奏風格,以典雅,精緻,纖巧,細膩而著稱於世。莫扎特創造性繼承、發展了阿爾貝梯低音寫作手法,增強了低音的旋律性,既吸取了法國庫泊蘭古鋼琴音樂中裝飾音的曲雅趣味,又大大地改變了裝飾音的形式,使裝飾音不再僅僅裝飾作用使之為旋律的組成部分。這種新的鋼琴語匯創造,不僅形成了莫扎特鋼琴音樂所特有的纖巧、優雅的風格,而且對19世紀波蘭鋼琴家肖邦也有很大影響。

《第十一鋼琴奏鳴化曲》創作於1778年。1772年莫扎特結束旅行演出後,回到家鄉薩爾斯堡任當地大主教宮廷樂長,為了擺脫大主教專橫、粗暴、野蠻的壓制,希望到別的宮廷謀求職位,於1778年隨母親再度赴巴黎旅行演奏,可是這位當年紅極一時的「神童」,如今在巴黎上層社會卻受到冷遇,謀求職位落空了,母親在巴黎又去世了,盡管遭到這種種不幸,但他仍寫下了5首優秀巴黎鋼琴奏鳴曲,這些樂曲情感內容深刻,大都樂觀、明朗,帶有一種啟蒙時期特有的自信和樂觀,然而樂曲中卻不時流露出悲哀的陰影籠罩著。這5首鋼琴奏鳴曲也標志著莫扎特鋼琴奏鳴曲創作的完全成熟。

《A大調 鋼琴奏鳴曲》就是其中最典型的一首樂曲,而上述莫扎特鋼琴音樂創作手法及其特徵,也充分體現在這首奏鳴曲中。《第十一鋼琴奏鳴曲》,第一樂章,是由「主題和6個變奏曲目組成的變奏套曲」。

主題:帶有再現二部曲式主題的體裁風格,近似義大利西西里舞曲民謠特性,旋律朴實,明朗富有歌唱性。在性格更為內在而抒情,音樂的安詳情緒接近了莫扎特的精神,而表現出溫暖情感的深度是空前的。主題優美的行板,6/8節拍,A大調,附點的節奏,音樂時值基本上一拍一音,旋律有意簡化,同音反復也為後面變奏留有餘地。在主題的4個樂句中,前半段為8小節,後半段為10小節:每句前半旋律流暢抒情,每句後半音響加厚是和弦式陳述。

而每樂句開始都以西西里舞曲特性節奏開始。主題的呈示部分與再現部分是歌唱性,中間部分主要是舞蹈性。整個主題是歌唱性與舞蹈性相互滲透各有側重。從總的來看「莫扎特的鋼琴奏鳴曲,不能同貝多芬32首鋼琴奏鳴曲抗衡,尤其不能同悲槍,月光,熱情比肩。但是在今天世界成千上萬架鋼琴,莫扎特和貝多芬的鋼琴奏鳴曲樂譜,永遠是放在一起的,肯定還要繼續到下個世紀,只要人還是人,保有基本的人性……」莫扎特和貝多芬的曲子總是互補的,就像大陽和月亮、樹林和飛鳥、天空和大海、永遠是互補的那樣。在我們這個星球上,哪裡擺著鋼琴,哪裡就一定有兩位作家的鋼琴奏鳴曲樂譜放在琴上,這叫做不朽。

演奏他的作品必須把握既含蓄、典雅,又玲瓏剔透的音樂風格。具體地說,應當注意以下幾點。

1.旋律性極強。

莫扎特的作品主旋律往往是簡單而極富歌唱性的。彈奏時,應清晰突出,不能草草了事,每一個音符都必須彈得透而不燥,實而不硬,富有一定的韻味。

2.要彈出晶瑩透亮的音樂。

在指觸上要以non Legato為主,用指尖觸鍵,快速而不生硬,奏出均勻清晰的音粒。

3.注重樂句的處理,強弱的對比。 莫扎特的作品很少有大起大落的強弱對比,卻差不多每一句都有漸強漸弱的曲線。其作品中很少出現f -PPP的強烈變化,但樂句與樂句之間卻經常出現前後照應,強弱對比。有如對話一般,一問一答,錯落有致。有時,短短的兩個樂句,要彈好都並不容易。

首先,每個樂句本身必須要有漸強漸弱的曲線。其次,句與句之間,必須形成強弱對比。如第一樂句可以演奏得稍微弱一點兒,像是在提出間題。

第二樂句,可以演奏得較第一樂句稍強,以達到回答問題的效果。當然,還有其它的處理方法,但都必須有所變化,形成前後力度和強弱的對比。

4.重視譜面上的所有標記。

彈奏莫扎特的作品不允許演奏者有太多的自由處理,而應較嚴格的按照譜面上的所有標記及提示進行演奏。如跳音、連音、休止等。這樣,才能較准確的表達作者的意圖。

5.正確地使用右踏板。

一直以來,彈奏莫扎特的作品是否應該使用右踏板,始終有著爭議。我認為應當使用,但要少而精煉,決不能因為使用了右踏板而使織體清晰度,句法和奏法變得含糊不清。應盡量讓人察覺不到,只是為了音色使一個難以應付的連奏變得更為容易而短時間地使用。恩格爾曾寫過「哲學和美學文獻中的莫扎特」,裡面大量列舉了歐洲哲學家和文學家,是怎樣崇拜莫扎特的,其中說:「兩百年過去了,作為歐洲精神的一個重要組成部分,莫扎特音樂不僅活著,而且還成為歐洲時代最強音之一。

誰能想像要是沒有了莫扎特音樂,歐洲精神會成什麼樣子呢?世界難免會覺得單調和寂寞。」正如德國作家司湯達所說:「被莫扎特音樂迷住的人,將無法從其他音樂家的作品中得到滿足。」

總之,要演奏和欣賞莫扎特的作品,須在正確理解,恰當地把握之後,才能使它們的美充分顯現出來。莫扎特是個天生的音樂家,他所創作出來的音樂是來自天堂的音樂。物質生活的痛苦,全然不能影響其精神。盡管生活極端悲慘,他的作品卻全無半點陰暗的氣味。都像陽春一般流露著溫暖的光,充滿了生命力。如果說貝多芬是通過音樂表現其復雜的精神生活,是人生的藝術的話,那麼莫扎特則是音樂通過了莫扎特表現其美是藝術的藝術。

莫扎特簡介

莫扎特全名沃爾夫岡·阿瑪多伊斯·莫扎特，1756年1月27日出生在奧地利薩爾斯堡的一個宮廷樂師之家，1791年12月5日卒於維也納，終年36歲。莫扎特從小就顯露出極高的音樂天賦，他4歲跟隨父親學習鋼琴，5歲開始作曲，6歲時和姐姐在父親的帶領下到慕尼黑、維也納、巴黎、米蘭、普雷斯堡等很多地方作了一次試驗性的巡迴演出，這次演出讓莫扎特名聲大噪，甚至被請進維也納的`皇宮，為皇帝做表演。這位音樂神童有著驚人的的創作速度，和輝煌的藝術成就，稱他是天才一點也不為過。在短暫的生命歷程中，他創作了二十多部歌劇，四十多首交響曲，五十餘首協奏曲，二十七首弦樂四重奏等等，共計六百二十二首作品。莫扎特的音樂節奏清晰明快，旋律悅耳動聽，很多偉人和科學家終生都非常喜愛他的音樂。歌劇是莫扎特創作的主流，他與格魯克、瓦格納和威爾第一起被稱作是歐洲歌劇史上四大巨子。莫扎特的歌劇作品具有強烈的民族性、時代性和社會性。

拓展：聲樂藝術演唱風格

聲樂藝術是音樂藝術的一種表現形式，它是世界各族人民經過時間的積淀、歷史的洗禮，在實踐中發展而來的，是人類文明藝術創造的結晶。它就像一顆璀璨的明珠，永遠屹立於世界文化之林，為人類文明的發展作出了跨越性的貢獻。

一、聲樂藝術演唱風格概述

聲樂藝術，簡單來說就是人們通過科學的練習方法，獲得美妙的聲音運用技巧，並且能夠巧妙地運用歌聲來表達音樂藝術作品中傳遞的思想感情。演唱風格描述的是音樂作品體現的主要的思想特點和藝術特徵。從音樂創作的視角來看，風格指的是藝術作品中體現出來的獨特性。關於聲樂藝術演唱風格的分類，社會上比較普遍的分法是：通俗唱法、美聲唱法、民族唱法。

二、聲樂藝術演唱風格的特徵

（一）通俗唱法的特徵

通俗唱法是當今世界藝術發展的潮流，也是音樂藝術發展的產物。它不僅體現了聲樂的流派、藝術發展狀態，也反映了人民的生活環境和社會現象。它簡潔易懂、方便學習、便於表演的娛樂方式，深受大眾的喜愛。它的傳播速度快、演奏氛圍輕松和諧、演奏方式廣泛以及較為直接地表達創作者的情感等特點，使得它迅速擁有了一大批忠實的青睞者。

（二）美聲唱法的特徵

美聲唱法即美妙地歌唱。在一個多世紀前，這種起源於17世紀義大利的演唱風格傳入中國。它旋律優美、音色嘹亮、發音自如，極大地推進了中國音樂藝術的步伐。

（三）民族唱法的特徵

民族唱法由我國民歌發展而來，是一種極具民族烙印和群眾基礎的中國傳統演唱形式。它是中國人民在大自然中辛勤勞作的時候創作出來的，具有深厚的群眾基礎，體現了中華民族的精神所在。它廣闊、雄壯、細膩、深邃的特點，展現了中華民族音樂藝術的精、氣、神。

三、對聲樂藝術演唱風格的思考

（一）對待這三種聲樂藝術演唱風格的態度

對於這三種聲樂藝術演唱風格，我們不能憑主觀臆測去評價它們的好壞與否。造詣高深的通俗作品，在唱法上也具有較高的科學性和藝術性，它們能准確地借用歌曲抒發心中的情感，擁有極高的藝術價值。我們要用批判的眼光、揚棄的精神去看待這三種演唱風格，擷取其的精華，丟棄其糟粕。

（二）聲樂藝術演唱風格的多元化

由於社會的進步，聲樂藝術的演唱風格越來越多元化。聲樂藝術不會僅僅囿於一種演唱風格，創作者們將會發揮他們無窮無盡的創造力和才華，讓聲樂藝術演唱風格更加具有藝術的高度。只有三種聲樂藝術演唱風格不斷地融合、不斷地加入新鮮的演唱方式，才能創造出更加美妙、空靈、多元化的聲樂藝術。

（三）隨著時代步伐的加快，聲樂藝術演唱風格展現出新的趨勢

由於時代的發展，區域間、民族間文化藝術交流溝通的機會增多，同一個世界、同一種音符的音樂大同思想，將會成為不可逆轉的趨勢，我們的思維和眼界將得到極大的開闊，聲樂藝術將展現出新的生命力和朝氣。如今，無論是美聲唱法、民族唱法還是通俗唱法，都是聲樂藝術的重要表現形式。但聲樂藝術並不能拘泥於唱法，甚至可以忽略唱法，只要是科學地、自然地、優美地、舒暢地表達真實情感，都極有可能成為聲樂藝術演唱風格的新趨勢。

（四）跨界演唱風格獨具魅力

跨界演唱風格擁有極強的融合性，將上述三種演唱風格以及原生態演唱風格巧妙地結合起來，取其精華去其糟粕，形成獨特的演唱風格，極具藝術感染力。值得一提的是，這種風格並不是為了演唱方法而存在，而是強調情感的表達與傳遞，豐富了聲樂藝術的多元化發展，進一步擴大了音樂市場的發展空間，值得讀者深究。

四、總結

總之，任何一種聲樂作品、演唱形式，都具有其自身的價值和意義，它們見證了人類文明歷史的發展，體現了人類的聰明才智。我們應該懷著包容、尊重、敬仰的態度去看待它們，主動擔當起傳承歷史的責任和使命。

拓展：聲樂藝術的美學構建

一、聲樂的審美概述

（一）旋律美是音樂作品的靈魂。

對歌曲創作而言，也毫不例外。作為音樂與語言結合的綜合形式，音樂是其語言體系建構的核心。聲樂美的魅力，主要取決於曲作的旋律美。曲調的整體構成，又包括旋律、節奏及和聲等。其中，旋律音調是基礎，聲樂的普及與推廣也主要依靠旋律音調的琅琅上口和情感風格的易感明快。音調美首先應該與歌詞所提供的情感或情緒特徵相適應，或是熱情歡快，或是庄嚴雄偉，或是哀婉傷感，或是悲痛欲絕等等，都要在深入挖掘詞意的同時掌握住情感的基調這一總的趨勢。

（二）歌曲的分類。

歌曲有多種形式，從旋律、和聲及節奏在歌曲創作中的地位和重要性這一角度也可嘗試對歌曲進行劃分。譬如傳統歌曲旋律特別強調「人聲性」，其情感內涵是建立在古典之雅緻基礎上的；多聲部作品就特別講究和聲的編織與協調，具有「原生性」和「學院性」傾向；至於節奏，在非洲等原生住民的音樂中或現代流行音樂創作中佔有重要地位。

（三）聲樂演唱的音質美，是聲腔美的造型基礎。

音質本身既是聲音質感的外在標准，也是歌唱發聲效果的顯現，它是建立在一定的技術與方法基礎上的。而對技術與方法的欣賞，也是聲樂美的重要原因之一。對高音崇拜，在歌劇上曾經一度泛濫就是很好的注腳。現在的流行音樂的包裝或明星效應，在很大的程度上也是建立在歌手獨特的聲腔基礎之上的。這類事例可謂不勝枚舉。

（四）聲樂聲腔的字音美，字音美也是聲腔美的重要構成。就中國聲樂藝術而言，依字行腔的聲音造型方法，就包含了全部字音美的方法與技術總和。即使是西方聲樂藝術，對字音美的追求也是一個優秀的歌唱家必須去努力的。以尼科萊蓋達為例，「蓋達不僅曲目廣泛，他的發音準確也是非常引人注目總的說來，優美的嗓音、清晰的發音、無可挑剔的技巧是蓋達的特點。」清晰的吐字構成了歌唱家們完美聲線的基礎，譬如吉利、斯基帕、比約林等蓋達崇拜的歌唱家都顯示了這方面的優點和長處。字音美是「字正腔圓」整體藝術效果的基礎。根據情感表達的需要，掌握與處理字的輕重強弱、高低抑揚、快慢疾徐、頓挫連斷等語氣、語勢，往往也構成歌唱家潤腔的依據。

二、多元化的歌唱理念

理念是行動的先導，對後續的行為起著重要的引領作用。所以要想形成多元化的演唱風格，就必須以多元化的演唱理念作為前提。民族聲樂作為我國傳統的聲樂藝術，在漫長的歷史發展過程中，已然形成了一定的審美標准和習慣。演唱者一方面要通過刻苦的訓練和豐富的實踐達到這個標准和習慣；另一方面則要認識到這個習慣和標准既不是一成不變的，也不是不能突破的。每位演唱者都可以進行個性化的嘗試和探索，也只有大膽的創新，才能形成鮮明的個人風格。

反之，如果僅是一味的模仿，即便是模仿得再像，也會始終處於別人的陰影之下，沒有個人風格，難以給觀眾留下深刻印象。比如在演唱技術方面，之前的眾多演唱者都對美聲唱法和民族唱法進行了有機融合，也取得了良好的效果。演唱者則完全可以進行更多唱法的融合，只要是科學的、優秀的，就都可以為我所用。只有樹立起一種開放的、探索的演唱觀，才能為走出單一化誤區、形成多元化演唱風格打下堅實的基礎。綜上所述，我們從兩個方面概括了聲樂藝術美的總體構成，表明構成美的因素的具體特徵和相互之間的融合關系。我們認為聲樂的審美特徵，一方面蘊涵在歌唱之中，「聲樂性」的多寡強弱是其標尺，聲與情是其核心；另一方面是由聲樂的客觀因素體現的，詞與曲的格調韻味起著風向標的作用。