鮮花油畫名畫
❶ 記得一幅世界名畫，不記得叫什麼名字了
畫名：《塵世樂園》（The Garden of Earthly Delights
畫家：十五至十六世紀的多產荷蘭畫家波希［Hieronymus Bosch, 1450-1516］
圖片連結：http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/8/80/GardenED.jpg
波希最有名的是《樂園》這件三連畫的左幅，描繪樂園中的亞當與夏娃與眾多奇妙的生物；中幅以大量裸身的人體、巨大的水果和鳥類描寫人間的樂園；右幅則是地獄的情境。
❷ 名畫背後||雷諾阿《採花的女郎》
一個有關嫉妒的離奇故事。
《採花的女郎》創作於一個非常關鍵的時期。這幅畫作深刻地暗示了莫奈第一任妻子和第二任妻子之間強烈的嫉妒。
1865年，年方十八歲的卡米爾·湯希爾與莫奈相遇後，很快便墜入愛河，並成為莫奈早年許多作品的模特。由於卡米爾出身卑微，莫奈的父親拒絕她成為家庭的一份子，但盡管如此，兩人仍於1870年結為夫婦。
1866年到1875年間，莫奈與雷諾阿終生不渝的友誼正處於最親密的時期，兩個男人常常將畫架擺在一起，並肩作畫。
卡米爾常常出現於兩人的畫作中，其中包括《採花的女郎》。畫作誕生的時期，正是印象坦沖信主義蓬勃發展的重要時期。
畫上的她站在法國巴黎郊外聖克盧(St.Cloud,舊皇宮所在地)的田野上，手握剛採下的一束鮮花。為了拿手裡的花，她暫時把陽傘撇在了一邊。在雷諾阿畫下判差這幅作品的一年後，卡米爾一病不起，並於1879年死去，死時年方32歲——她的健康狀況本來就不好，在生下次子米歇爾(Michel)之後更是雪上加霜,不久便死去。
莫奈第二任妻子愛麗絲·何西蝶是一個非常有嫉妒心的女人，她毀掉了所有能讓她聯想到卡米爾的物品。只有這幅照片在洗劫中倖存了下來。這幅照片1871年拍攝於荷蘭，在愛麗絲不知情的情況下，被私人珍藏下來。由此，我們就不難理解：為什麼印象主義歷史中如此迷人的神秘人物，幾乎只能通過以她為原型的畫作為我們所知。
（摘自網路侵刪讓輪）
❸ 欣賞一幅名畫
《向日葵》
中文名稱 靜物:十五朵向日葵(簡稱"向日葵")
英文名稱 Still Life:Vase with Fifteen Sunflowers
法文名稱 Vase avec quatorze tournesols
荷蘭文名稱 Veertien zonnebloemen in een vaas
創作地點 阿爾 Arles
創作時間 1888年8月
類型 油畫 Oil on canvas
尺寸 93.0x73.0cm
現存 倫敦國家畫廊 London,National Gallery
編號 F 454,JH 1562
在世界繪畫作品排行榜前十名的作品中，梵谷（Vincent van Gogh，1853～1890）佔有四幅：《加歇醫生》、《沒鬍子的自畫像》、《鳶尾花》和《向日葵》，數量位居第一。盡管四件作品中《向日葵》賣價最低，僅4000萬美元，但《向日葵》是最先創造印象派油畫拍賣世界紀錄的作品，梵谷因此畫而享盛名。
《向日葵》確立梵谷在世界畫壇的地位
這幅《向日葵》油畫高99厘米，寬76厘米，作於1888--1889年間，是梵谷以向日葵為題材的十三幅作品中最大的一幅。畫面中，即將枯萎的向日葵象徵著在巴黎的角落裡奄奄一息的梵谷，呈血紅色的莖被剪斷，如同梵谷的生命被切斷，明亮的黃色和陰暗的淺藍色形成對比，似乎是一種非現實的美。畫面左上角用「跳動」的紅點塗過。這「跳動」的色點融匯在筆觸的淺藍色中，這一片小小的火焰，意味著畫家的生命之火。評論界認為，就是這一幅《向日葵》確定了梵谷在世界畫壇上的地位。
這幅《向日葵》原為英國著名私人收藏家、采礦工程師出身的礦業家貝蒂爵士和夫人伊迪絲所有，他們是一九三四年在巴黎買進這幅畫的，無人知道當時他們付了多少錢。此畫後由其遺囑執行人交給佳士得拍賣行拍賣。佳士得拍賣行印象派 部朗德爾在拍賣會前曾向客戶介紹說：「在現代藝術中沒有比《向日葵》更富有魅力的了，這幅畫是最令人難忘的，世界各地都把它制在海報、聖誕卡和日歷等各種東西上。這幅畫完全可期待打破繪畫作品拍賣的世界紀錄」。
1987年3月30日（梵谷誕辰134周年紀念日），佳士得拍賣行隆重推出荷蘭繪畫大師梵谷的巨作《向日葵》，拍賣這幅作品前後用了4分半鍾。「起拍價500萬英鎊。」拍賣師高聲宣布。價格很快上升到1000萬英鎊，這正是拍賣行對這幅畫事先估計的成交價。買主一個個退出競價，競爭漸漸集中到兩位通過電話報價的經紀人身上，兩位不露身份的顧客在熱線電話中竟相不讓。閃光燈、攝像機的鏡頭對准了經紀人。價格仍在上升：2000萬英鎊，2100萬英鎊……「2250萬英鎊，最後一次報價，還有加價的嗎，」拍賣師手舉櫻桃木小槌。「成交！」《向日葵》最後被日本安田水上火災保險公司以2250萬英鎊（約4000萬美元，58億日元）的價格買走。英國當局為平息民憤留住此畫，曾援引超過 13400美元的藝術品必須取得出口許可和英國公民享有優先購買權的法令，等待願出同樣售價的英國買主出現。結果沒有人捨得出那麼多的錢，只能眼睜睜地看著這幅《向日葵》在精心護衛下運往日本。
從拍賣開始到將《向日葵》自倫敦運往東京，安田公司大肆渲染，廣而告之，吸引了億萬人關注的目光。如今這幅畫被放置在安田公司營業大廳中央，成為一件絕妙的廣告品，無聲地顯示著安田公司雄厚的經濟實力。安田公司一時名聲大振，保險生意接踵而至。同時，僅參觀名畫的門票收入千一年就達數千萬日元。《向日葵》的拍賣，也使梵谷的名聲一躍而起，在世界畫壇獨領風騷。
日本泡沫經濟催化世界藝術市場
20世紀80年代，日本經濟繁榮，一躍成為世界經濟大國。許多有錢的企業和大富翁都把目光瞄準高價位的西方藝術品，作為收藏和投資。1987年3月，安田公司耗資58億日元成功購得《向日葵》，日本政府不滿安田公司的過分渲染，大藏省指責他們損害了日本國的形象。可指責歸指責，並沒有阻止日本商人的搶購風：1988年，日本零售業巨頭三越百貨公司以47.7億日元購得畢加索的名作《雜技演員與年輕丑角》；西武百貨公司以13億日元購得莫奈的名作《睡蓮》；1989年11月，日本奧特波利斯公司以75億日元（約1570萬美元）拍得畢加索的佳作《皮耶瑞特的婚禮》；1990年日本紙業大王齋藤分別以8250萬美元和7810萬美元購得梵谷的名畫《加歇醫生》和雷諾阿的《紅磨坊街的舞會》；金融大亨高橋治憲購買德國現代藝術大師基弗的11幅作品花了逾千萬美元，地產大亨鶴卷購買塞尚的《水中倒影》也花了500多萬美元。僅1990年一年，日本人收購世界名畫就花了33億美元。
日本富商不僅搶購名畫，而且在拍賣行業中投下了巨資。據資料顯示，日本東京的愛知公司在1991年已控制了英國著名的佳士得拍賣公司6.4%的股份，是佳士得的五大股東之一。根據日本海關統計資料，1987年1月至8月日本從海外購入87萬多幅畫，總金額734億日元。其中從歐美購入的名畫有12000多幅，約685億日元，平均每幅畫價約538萬日元。這些名畫有畢加索、梵谷、雷諾阿、塞尚以及莫納等著名畫家的作品。截止到1989年11月，蘇富比和佳士得拍賣行所賣出世界名畫中，美國人只購買了其中25%，歐洲購買了其中34.9%，而日本人的購買量達39.8%，成了拍賣行最大的買主。
然而，好景不長。進入90年代後，日本經濟開始顯露頹勢，出現零增長，甚至出現了負增長。破產倒閉或周轉不靈的富商巨賈們紛紛拋售手中的世界名畫。高橋治憲購買的基弗的11幅作品運抵東京倉庫不久，因公司相繼倒閉，這11幅作品未及拆封便又被賣出，齋藤的《加歇醫生的肖像》與《紅磨坊街的舞會》最終以7000萬美元和3500萬美元賣出。經濟學界認為，日本企業當年瘋狂投資的那部分錢是交了「廣告費」，日本公司的投資行為亦被作為MBA課堂的「經典案例」。
《向日葵》：梵谷一生追逐的太陽
梵谷1853年3月30日出生在荷蘭的一個小村莊，他的父親是牧師。他很早就表現出一種只會在心中苦惱、不願與外界交往的性格，由於缺乏與周圍人交往的能力他被人指責為生性孤僻。他年輕時在一家美術商行工作，23歲時他決定當一名傳教士。直到26歲時，他才認識到繪畫是他真正喜愛的職業，初始臨摹米勒作品。在安特衛普，他看到了日本的浮世繪，掌握了用色技巧；到巴黎後遇見了高更，繪畫技巧更加嫻熟。1888年2月，他移居法國南部的城鎮阿爾。
在阿爾，梵谷每天天不亮就出發，尋找一個吸引他的地方開始畫畫。傍晚，他帶著完成的油畫回家。他把自己變成了一部繪畫機器，三個月的時間完成了190幅作品，幾乎是他在巴黎兩年時間所畫的總和。鄉野的果園鮮花盛開，他懷著極大的熱情描繪著向日葵、桃花、梅花、杏花。他只是不停地畫，畫得好與不好無所謂，他陶醉於色彩之中。
梵谷對向日葵的喜愛和到阿爾追求陽光，是對旋轉、炎熱的天體的一種憧憬。《向日葵》有著單純的色面和明確的造型，是梵谷同類作品中的優秀之作。它以黃色調為主，加上一點青色和綠色，奏響了一支黃和綠的交響曲。這些花在畫面上有一種裝飾性的安排，由於筆觸有力，顯得富有生命力。他畫看到的東西，畫他的感受，他用自己的方式解釋大自然，利用他的表現手段來表達他極其強烈的思想感情。
向日葵是梵谷的崇拜物，因為在他的眼裡，向日葵是太陽之光，是光和熱的象徵，是他內心翻騰的感情烈火的寫照，也是他苦難生活的縮影。夏天裡，梵谷表現出一種異常旺盛的創作慾望。梵谷在給他弟弟的信中說：「我想畫上半打的向日葵來裝飾我的畫室，讓純 凈的或調和的鉻黃，在各種不同的背景上，在各種程度的藍色底子上，從最濃的委羅奈斯的藍色到最高級的藍色，閃閃發光；我要讓這些畫配上最精緻的塗成橙黃色的畫框。就像哥特式教堂里的彩繪玻璃一樣。」
梵谷全部傑出的、富有獨創性的作品，基本上是在他生命最後的六年中完成的。他最初的作品，情調常是低沉的，可是後來，他大量的作品即一變低沉而為響亮和明朗，好象要用歡快的歌聲來慰藉人世的苦難，以表達他強烈的理想和希望。他的畫面上不單充滿了陽光下的鮮艷色彩，而且不止一次地頂著烈日描繪令人逼視的太陽本身，來描繪向日葵。一位英國評論家說：「梵谷用全部 精 力追求了一件世界上最簡單、最普通的東西，這就是太陽。」
❹ 這是一幅外國畫,是世界名畫。畫中是一位歐洲少女,頭上帶著發帶,披肩金色長發。身 這是一幅
應該是小艾琳。也叫康達維斯小姐。雷諾瓦畫作，好像是法國培冊人，印象派畫家吧。不過她手裡沒有捧花，是背景有花。你可以查查看是不是配友宏這幅畫。
我很喜歡這幅畫哦，呵呵。是油告鍵畫中最美麗的十個女人之一呢。
❺ 義大利文藝復興時期畫家波提切利的名畫《春》,講訴了什麼樣的故事
波提切利的名畫《春》是根據波利希安的一則寓言故事創作而來，故事大致意思是說眾神在春天的清晨一同漫步在林蔭草坪之上。
文藝復興時期涌現了非常多優秀的作品，幾乎奠定了現代美學的基礎，比如波提切利另外的作品《維也納的誕生》，達芬奇的《最後的晚餐》《蒙娜麗莎》以及米開朗琪羅的《創世紀》。這些作品無不體現出極高的美學價值和人文取向，蛋彩畫的《春》整體線條流暢，色彩表現鮮明，氣氛的營造應該是波提切利的巔峰，而且九位神的動作、生態以及衣著沒有重復、各有特點，幾乎已經完全定義了神話中神的形象，讓人印象深刻，或許是當代美術學子頂禮膜拜的存在吧。
❻ 畢加索的名畫格爾尼卡不同位置的具體含義
《格爾尼卡》，畢加索作，1937年，布面油畫，305．5×782．3厘米，普拉多博物館藏巧搏敬。
油畫《格爾尼卡》，是畢加索作於30年代的一件具有重大影響及歷史意義的傑作。它用象徵性的藝術手法對銀州30年代西班牙內戰期間德國納粹空軍轟炸西班牙小鎮格爾尼卡，殺害數千無辜平民百姓的事件進行了控訴，有力的揭露了侵略戰爭的罪惡和法西斯的暴行。
此畫是受西班牙共和國政府的委託，為1937年在巴黎舉行的國際博覽會西班牙館而創作。畫中表現的是1937年德國空軍瘋狂轟炸西班牙小城格爾尼卡的暴行。作為一個具有強烈正義感的藝術家，畢加索對於這一野蠻行徑表現出無比的憤慨。他僅用了幾個星期便完成這幅巨作，作為對法西斯獸行的遣責和抗議。 畢加索雖然熱衷於前衛藝術創新，然而卻並不放棄對現實的表現，他說：「我不是一個超現實主義者，我從來沒有脫離過現實。我總是待在現實的真實情況之中。」這或許也是他選擇畫《格爾尼卡》的一個重要原因吧。然而他此畫的對於現實的表現，卻與傳統現實主義的表現方法截然不同。他畫中那種豐富的象徵性，在普通現實主義的作品中孝慎是很難找到的。畢加索自己曾解釋此畫圖像的象徵含義，稱公牛象徵強暴，受傷的馬象徵受難的西班牙，閃亮的燈火象徵光明與希望……。當然，畫中也有許多現實情景的描繪。畫的右邊，一個婦女懷抱死去的嬰兒仰天哭號，她的下方是一個手握鮮花與斷劍張臂倒地的士兵。畫的左邊，一個驚慌失措的男人高舉雙手仰天尖叫，離他不遠處，那個俯身奔逃的女子是那樣地倉惶，以致她的後腿似乎跟不上而遠遠落在了身後。這一切，都是可怕的空炸中受難者的真實寫照。 在這里，畢加索仍然採用了剪貼畫的藝術語言。不過，畫中那種剪貼的視覺效果，並不是以真正的剪貼手段來達到的，而是通過手繪的方式表現出來。那一塊疊著另一塊的「剪貼」圖形，僅限於黑、白、灰三色，從而有效地突出了畫面的緊張與恐怖氣氛。
❼ 波提切利的名畫《春》賞析是什麼
波提切利的名畫《春》賞析：
維納斯漫步在月光下，如皇後般庄嚴，如春風般和煦，她走過的路上，萬物萌發，鮮花盛開。神話中的維納斯是美麗的象徵；也是一切生命之源的化身。
波提切利筆下的維納斯是代表生命之源的女神。畫面左上方是風神，他擁抱著春神，春神又擁著花神，被鮮花裝點的花神向大地撒著鮮花；畫面中間立著女神維納斯，在她頭頂處飛翔著手執愛情之箭的小愛神丘比特。
波提切利的名畫《春》的內容：
這是一幅描繪大地回春，歡樂愉快的主題。然而，畫中人物的情態，畫面並無歡樂之氣氛，像春天裡吹來一陣西北風，籠罩著一層春寒和哀愁；若有所思的維納斯，旁若無人，進入自己的內心世界；三美神的舞姿似乎是受命起舞，頗有逢場作戲的感覺，令觀賞者不解。
自文藝復興始，人文主義精神滲入文藝創作，畫家往往藉助於宗教神話題材和神的形象，寄託自己對社會、自然和人生的思想情感，傳達自己的理想，在波提切利所塑造的藝術形象中，都寓含著對現實的惶恐不安。畫家當時體弱多病，抱病從命作畫，這種心境所創造的藝術形象自然也就憂郁哀傷了。
❽ 一幅世界名畫 一個花瓶 裡面插滿鮮花 油畫 求這幅畫的名字
插滿鮮花的花瓶這是西方油畫裡面最常見的題材啊！以這個為題的世界名畫太多了，光梵高就有十幾幅——向日葵，鳶尾花等~~~你是指什麼顏色的花瓶，瓶里是許多不同種類的花還是單一品種的？
有許多花種的有：
作者：讓·范·惠桑
-
jan
van
huysum
作品名稱：《花瓶里的花朵》
-Flowers
in
an
Urn
作品尺寸：寬
60厘米
高
79.9厘米
作品年代：1720
作品材質：畫布油畫
這個畫家畫了很多花瓶中的花的題材的世界名畫，最擅長寫實型靜物花卉油畫，不知道你要找的是不是這幅，以前油畫書上有這張。
❾ 西方名畫《春》
第一篇~~
這幅《春》，是義大利畫家桑德羅•波提切利的力作。據說是他在37歲時，為了慶祝勞倫佐的婚禮而創作的。
波提切利其實是他的綽號，義大利的意思是「小桶」，他少年時就表現出非凡的藝術天分，在年輕時就被上流貴族鎖賞識，他的畫作在當時就很轟動了，也因此成為佛羅倫薩畫派的代表。
《春》就是他的代表作之一。整幅畫以天後赫拉的金蘋果園為背景，畫中的維納斯被眾神圍繞，優雅安詳，溫柔高雅，美得令人感動。
波提切利很擅長描繪女神的美麗，而且不是用傳統的繪畫手法的明暗造型來突出主體，而是用幾乎完美的線條勾勒出了女神的容光煥發。
畫面上的各路神仙匯聚一堂，共同迎接春天的到來。右邊的代表著「華美，貞潔，歡悅」的「美惠三女神」她們是宙斯和大洋女神的女兒。而畫面右邊的是身著盛裝的帕爾塞弗捏，她有兩種身份，一種是掌管地獄的「冥後」，另一種是「春神」。在這里顯然是第二種了。
在春神身後，口中銜著鮮花的是花神，名字叫做：芙洛爾，很奇怪的是她竟然是西風之神的情人，在這幅畫里，西風之神膚色鐵青，正吹著自己的情人花神趕來和春神見面呢。
這幅畫的內涵非常豐富，還有很多細節耐人尋味，比如據說畫面上有50多種不同的花草都清晰可辨，不能不敬佩大師的驚人水平的。
第二篇
關於這一作品的主題，歷來眾說紛紜。一般認為，它是作者通過對羅馬神話中喚醒春天的諸神的富於想像力的描繪，表現人與自然和和諧相處的寓意畫。它原是為裝飾佛羅倫薩卡斯德羅庄園的餐廳而創作的，體現了義大利文藝復興早期新興資產階級的生活趣味和審美理想。作品表現了波提切利精緻明凈的獨特畫風，從而奠定了它在世界美術史上的重要地位。
《春》這幅作品，又被稱為《維納斯的盛世》。在中世紀的宗教繪畫中，一般只有聖母瑪利亞才被安排在拱型之下。波提切利在這里借用了這種形式，在維納斯身後，波提切利利用樹枝與背景天空將樹型有意識的留出了這樣的一個拱型。深色的背景樹林，恰好在她的周圍豁然開朗，突出了維納斯主角的地位。她左手提著衣裙，右手稍微舉起，儀態端莊、典雅。
波提切利是一位帶著一絲淡淡憂傷，憧憬和追求理想美的抒情詩人。
波提切利的代表作也是一幅布上畫，現藏烏菲齊美術館。此畫取材於詩人波利齊亞諾的詩歌。藝術家以自己的思想去解釋古代神話中的形象，畫面的情節是在一個優美雅靜的樹林里展開的，美麗端莊的維納斯位居中央，她以閑散幽雅的表情等待著春之降臨。在她左右，三位女神（阿格萊亞、賽萊亞、攸夫羅西尼）互相攜手翩翩而舞，在維納斯的左邊，春神弗羅娜正以優美飄逸的健步向觀者迎面而來，她全身披戴著飾花的盛裝身後是春風之神莎菲爾和一位希臘少女。這種對於人性的贊美，在波提切利的作品中具有非凡的美感。而且，波提切利以其秀逸的風格、明麗燦爛的色彩和流暢輕靈的線條，在文藝復興諸大家中獨樹一幟。但在文藝復興後，有較長時期西方人士未能對他作出恰當評價，直到19世紀浪漫主義和英國拉菲爾前派運動中，他才倍受贊揚，被人們推崇為義大利文藝復興前期的大師。由於他極善於運用線條，與東方藝術有異曲同工之妙，這一點也深得中國及日本研究者的重視。
❿ 世界名畫大全
世界名畫大全
世界名畫大全，世界上有很多的名畫，一些畫的價值是價值連城甚至是無價之寶，世界上的畫家成千上萬，但是歷史留名的卻不多，而世界聞名的就更是少之又少，以下分享世界名畫大全。
世界名畫大全1
世界十大名畫之一蒙娜麗莎
《蒙娜麗莎》是義大利文藝復興時期畫家列奧納多·達·芬奇創作的油畫，現收藏於法國盧浮宮博物館。
該畫作主要表現了女性的典雅和恬靜的典型形象，塑造了資本主義上升時期一位城市有產階級的婦女形象。
該作品代表了文藝復興時期的美學方向，作品折射出來的女性的深邃與高尚的思想品質，反映了文藝復興時期人們對於女性美的審美理念和審美追求。
《蒙娜麗莎》是達·芬奇最喜愛的作品，作者生前一直把它留在自己的身邊。
直到達·芬奇去世後，法國國王弗朗西斯一世用了一萬二千金幣，才從達·芬奇的弟子手中買下凳輪。
現藏｜法國羅浮宮
世界十大名畫之一最後的晚餐
《最後的晚餐》是藝術家達·芬奇於文藝復興時期創作的大型壁畫，是達·芬奇代表作之一，世界著名畫作，收藏於義大利米蘭聖瑪利亞感恩教堂。
達·芬奇以《聖經》中耶穌跟十二門徒共進最後一次晚餐為題材，將人物的驚恐、憤怒、懷疑、剖白等神態，以及手勢、眼神和行為，都刻畫得精細入微，惟妙惟肖。
1980年該畫被列為世界文化遺產。
這幅在格雷契寺院食堂牆壁上的宏大畫面，嚴整、均衡，而富於變化，無論從構思的完美、情節的緊湊，人物形象的典型塑造以及表現手法的純熟上都堪稱畫家藝術的代表。
它也是人類最優秀的繪畫作品之一，由於它的問世而使達·芬奇名揚世界。
現藏｜義大利米蘭聖瑪利亞德爾格契修道院
世界十大名畫之一格爾尼卡
《格爾尼卡》是西班牙立體主義畫家帕勃洛·魯伊斯·畢加索於20世紀30年創作的一幅巨型油畫，長7.76米，高3.49米。
該畫是以法西斯納粹轟炸西班牙北部巴斯克的重鎮格爾尼卡、暴殺害無辜的事件創作的一幅畫，採用了寫實的象徵性手法和單純的黑、白、灰三色營造出低沉悲涼的氛圍，渲染了悲劇性色彩，表現了法西斯戰爭給人類的災難。
這幅畫運用立體主義的繪畫形式，以變形、象徵和寓意的手法描繪了在法西斯獸行下，人民驚恐、痛苦和死亡的悲慘情景。
畫面左側，一位悲痛欲絕的母親懷抱因戰爭而死去的嬰兒仰天哭喊，她的身後立著一個恐怖的牛頭，牛臉上流露出殘忍的獰笑。
根據畢加索曾在其他繪畫作品中以牛頭表示邪惡歲岩的習慣分析，這個牛頭代表了法西斯的殘暴和黑暗。
畫的中間部分，一匹被刺傷的馬昂頭張著嘴，發出哀鳴，據畫家本人說，這匹馬象徵西班牙人民，它代表受難的西班牙。
馬的身下躺著一名死去的戰士，他的右手握著被折斷的劍，劍旁有一朵鮮花，這朵花是對死去戰士的悼念。
一個婦女從窗子里探出身體，右手舉著一盞油燈，油燈的左上方有一盞像眼睛似的電燈，燈光像鋸齒一樣射向四周，這些象徵揭露，畫家要將這一切罪惡和黑暗置於光照之下，讓全世界都明了。
現藏｜馬德里國家索菲亞王妃美術館
世界十大名畫之一星月夜
摯愛深夜的梵高在聖-雷米的初期所畫的這幅"星月夜"是凡·高深埋在靈魂深處的對世界的感受。
在這件作品中, 閃爍於碧藍色夜空中的星星, 格外奪人眼目。
每一顆大星、小星迴旋於夜空中, 新月也形成一個漩渦, 星雲與棱線宛如一條巨龍不停地蠕動著。
暗綠褐色的.柏樹像一股巨形的火焰, 由大地的深處向上乎粗御旋冒; 山腰上, 細長的教堂、尖塔不安地伸向天空。所有的一切似乎都在迴旋、轉動、煩悶、動搖, 在夜空中放射艷麗的色彩……這幅油畫是他所畫的為數不多的, 不靠直接觀察對象, 而用虛構的形與色, 憑想像創造某種氣氛的作品中的一幅。
現藏｜紐約現代藝術博物館
世界十大名畫之一大宮女
安格爾的藝術「清高絕俗，庄嚴肅穆」，這一切可以通過他的重要作品《大宮女》體現出來。
畫中，安格爾放棄了很多不必要的細節，使之統一在一片安詳靜謐的和諧氣氛之中，就像是精心計算過一樣，每一個「數字」所代表的都是和整體息息相關的極其「危險」的事件，隨意改動其中的任何一處，都會使整個畫面徹底坍塌。
這也似乎驗證了古希臘哲學家畢達哥拉斯「數與和諧」的理論，畢氏仰望夜空，都能感覺到星辰的組合像是用數字組成的音樂，他曾說他有很多次真的聽到了「諸天音樂」。在這幅畫上，比例、色彩像數字一樣按一種奇妙的秩序排列著，華麗而不失平和。
安格爾早年游學義大利時，也一定通過古希臘的藝術作品感受到了畢達哥拉斯哲學的這種富於神性的美。故意拉長的身體，似乎體現了一種古希臘雕刻的肅穆庄嚴的美感。
藝術並不是盲目地復制現實，而是對傾入全部感情的生活中綻放的精神之花的傾力表達。這是一種美感，不需要任何理由。
齊白石說作畫「妙在似與不似之間」，在形體脫開世俗的桎梏之後，精神才會完滿。這也表現在他的很多絕妙的素描之中。
現藏｜巴黎羅浮宮
世界十大名畫之一戴珍珠耳環的少女
《戴珍珠耳環的少女》，是十七世紀荷蘭畫家約翰內斯·維米爾於1665年創作完成的一幅油畫。
該畫描繪了一名身穿棕色衣服，佩戴黃、藍色頭巾的少女，以少女戴著的珍珠耳環作為視角的焦點。
該畫背景鋪滿黑色，襯托出少女的形象。畫面中的少女穿一件棕色的外衣，白色的衣領、藍色的頭巾與垂下的檸檬色頭巾相互映襯，她側身轉頭面向畫外，嘴唇微微張開，左耳佩戴的珍珠耳環若隱若現，少女的形象與黑色的背景形成對比，凸顯立體。
世界名畫大全2
《蒙娜麗莎》
《蒙娜麗莎》是義大利文藝復興時期畫家列奧納多達芬奇創作的油畫，現收藏於法國盧浮宮博物館，是世界上最著名的畫作之一。該畫作主要表現了女性的典雅和恬靜的典型形象，塑造了資本主義上升時期一位城市有產階級的婦女形象。
《蒙娜麗莎》代表了文藝復興時期的美學方向；該作品折射出來的女性的深邃與高尚的思想品質，反映了文藝復興時期人們對於女性美的審美理念和審美追求。
《星月夜》
《星月夜》是荷蘭後印象派畫家文森特梵高於1889年在法國聖雷米的一家精神病院里創作的一幅油畫，是梵高的代表作之一，現藏紐約現代藝術博物館。
在這幅畫中，梵高用誇張的手法，生動地描繪了充滿運動和變化的星空。整個畫面被一股洶涌、動盪的藍綠色激流所吞噬，旋轉、躁動、捲曲的星雲使夜空變得異常活躍，脫離現實的景象反映出梵高躁動不安的情感和瘋狂的幻覺世界。
《最後的晚餐》
《最後的晚餐》是義大利藝術家列奧納多達芬奇所創作，以《聖經》中耶穌跟十二門徒共進最後一次晚餐為題材。
畫面中人物的驚恐、憤怒、懷疑、剖白等神態，以及手勢、眼神和行為，都刻畫得精細入微，惟妙惟肖，是所有以此題材創作的作品中最著名的一幅。收藏於義大利米蘭聖瑪利亞感恩教堂。
《格爾尼卡》
《格爾尼卡》是西班牙立體主義畫家帕勃洛魯伊斯畢加索於20世紀30年創作的一幅巨型油畫，長7.76米，高3.49米，現收藏於馬德里國家索菲亞王妃美術館。
該畫是以法西斯納粹轟炸西班牙北部巴斯克的重鎮格爾尼卡、殺害無辜的事件創作的一幅畫，採用了寫實的象徵性手法和單純的黑、白、灰三色營造出低沉悲涼的氛圍，渲染了悲劇性色彩，表現了法西斯戰爭給人類的災難。
《創造亞當》
《創造亞當》 是米開朗基羅於1511年至1512年創作的西斯廷禮拜堂天頂畫，是《創世紀》的一部分。該壁畫描繪的是《聖經創世紀》中上帝創造人類始祖亞當的情形，按照事情發展順序是創世紀天頂畫中的第四幅。作為世界名畫之一，後世出現了許多《創造亞當》的仿作。
《吶喊》
《吶喊》是挪威畫家愛德華蒙克1893年創作的繪畫作品，共有四個版本，分別是：創作於1893年的第一個版本，其作品作為蛋清木板畫；繪於1893年的第二個版本，該畫作為彩蠟木板畫；第三個版本，創作於1895年，為彩粉木板畫；第四個版本為蛋清木板油畫。
該畫作的主體是在血紅色映襯下一個極其痛苦的表情。在當時蒙克的眼中，奧斯陸峽灣充滿著發抖的、血紅的幻覺，讓人感到恐懼，甚至有些惡心。
在《吶喊》畫作中，蒙克所用的顏色雖然與自然顏色的真實性是一致的，表現方式上卻極度誇張，展現出了他自己的感受，畫作里的線條扭曲，與橋的粗壯挺直形成鮮明對比，蒙克將畫面中沉悶、焦慮並且孤獨的情感，表現到了一種極致。《吶喊》是表現主義繪畫的代表作品。
2012年5月3日，在紐約蘇富比印象派及現代藝術專場拍賣上，1895年創作的版本（第三版）《吶喊》，以1.199億美元拍出。
《記憶的 永 恆》
《記憶的永恆》是西班牙超現實主義畫家薩爾瓦多達利於1931年創作的布面油畫，現藏於美國紐約現代美術館。
《記憶的永恆》以袖珍面的技法，描繪了一個死寂般寧靜的曠野。平靜如鏡的海、一馬平川的沙灘、荒涼的海岸，以及一個不可能在這個環境中出現的方形台座、一塊板、一棵樹。
面面突出表現了像軟餅似的三塊鍾表和一塊沒有變形的紅色鍾表，上面爬滿了黑色螞蟻，方台上一塊軟表上還歇著一隻蒼蠅。
和所有的超現實主義畫家一樣。達利在創作這幅畫時也受到了弗洛伊德「潛意識」學說的影響。根據達利的說法，這幅畫中表現了一種「由弗洛伊德所揭示的個人夢境與幻覺」，自己夢中的每一個意念都是自己不能選擇的，畫家則負責盡可能精密地記下自己的下意識。
世界名畫大全3
1、《蒙娜麗莎》
《蒙娜麗莎》描繪了一位端莊秀美的西方婦女肖像，她面龐秀麗，形象逼真，似乎是真人的存在。坦然自信的神態流露出不可捉摸的帶有神秘的微笑，呈現出一種高貴而不可侵犯的尊嚴，看的人彷彿也隨之自尊、自重起來，這是對人的一種贊頌。
《蒙娜麗莎》是文藝復興時期的作品，此前是中世紀宗教統治的時代，是對人類壓抑的時代，其作品都是以神為題材的。《蒙娜麗莎》一反傳統，畫的是活生生的人，以真人為表現內容，此可以領悟到其思想意義的內涵，這是代表新興資產階級打碎教會精神枷鎖的革命。
2、《最後的晚餐》
達芬奇《最後的晚餐》是他接受米蘭聖馬利亞·德烈·格拉契修道院的訂件時作的。這是一個傳統的聖經題材。兩個世紀來，許多著名畫家在這一題材上嘗試過，但都存在某種不足，首先是人物缺乏心理沖突，故事的戲劇性展開不生動。
而達芬奇這幅油畫，已揚棄了過去所有這一題材的表現缺點，從人物的活動、性格、情感和心理反應等特徵上，深化了故事的寓意性
通過耶穌與猶大的沖突反映出人類的正義與邪惡之間的對立。實際上它所展現的，正是當時義大利社會上凡是正直的人們，都能看到的光明與黑暗的斗爭的縮影。
3、《西斯廷聖母 》
西斯廷聖母為拉斐爾聖母像中的代表作，它以甜美、悠然的抒情風格而聞名遐邇。至1574年，一直保存在西斯廷教堂里，故得此名。現為德國德累斯頓茨溫格博物館古代藝術大師館收藏。
拉斐爾：(1483-1520)是文藝復興義大利藝壇三傑之一。他沒有達芬奇那樣經驗豐富博學深思，也沒有米開朗基羅的雄強偉健的英雄氣概。可是他雖然只活了三十七歲，卻成為文藝復興盛期最紅的油畫家。
4、《創造亞當》
《創造亞當》是根據創世紀第二章：耶和華神用地上的塵土造人，將生氣吹在他的鼻孔里，他就成了有靈的活人，名叫亞當，耶和華在東方立了一個伊甸園子，把所造的人安置在那裡。
米開朗基羅為了集中注意力於大神的創造，以及亞當的誕生，便把神和亞當安量在左右兩邊的空中和陸地上。右邊是耶和華大神，飛翔在空中，他左手抱著天使們，右手伸向亞當。
亞當全身裸體，躺在左邊的陸地上，一手伸向大神。神與人的手指象接電似的相互交流，這里表現了充滿精力的老人和年輕而美麗的生命的誕生。體現了創造者的權威和被創造者的信心。
5、《泉》
《泉》是安格爾（裸）女形象中最負盛名的一幅，安格爾從1830年在義大利佛羅倫薩逗留期間就開始創作《泉》，但一直沒有完稿。二十六年以後，當他已是七十六歲高齡時才畫完此畫。
《泉》實現了他對人體美與古典美完美結合的形式追求。在這里，他展示了人類普遍贊美的恬靜美、抒情美和純潔美。推薦：東方之筆，國畫大師張大千的作品特色
6、《日出印象》
這幅名畫是莫奈於1873年在阿弗爾港口畫的一幅寫生畫。他在同一地點還畫了一張《日落》,在送往首屆印象派畫展時，兩幅畫都沒有標題。一名新聞記者諷刺莫奈的畫是「對美與真實的否定，只能給人一種印象」。莫奈於是就給這幅畫起了個題目《日出印象》。
它作為一幅海景寫生畫，整個畫面籠罩在稀薄的灰色調中，筆觸畫得非常隨意、零亂，展示了一種霧氣交融的景象。日出時，海上霧氣迷朦，水中反射著天空和太陽的顏色，岸上景色隱隱約約，模模糊糊看不清，給人一種瞬間的感受。
為了尋找這種超現實的幻覺，達利專門前去精神病院了解病人的意識。在達利看來，精神病人的言論和行動往往是人的潛意識世界最真誠的反映。1931年8月達利完成了《記憶的永恆》。
7、 《三位音樂家》
《三個音樂家》是畢加索以幾何形體造型的立體主義的代表作。這里，幾何結構集中到畫面中心線，同時向外到畫的邊緣又更加鬆散和開放，這樣，人物便明確地出現了。畢加索能把線結構與調和得很雅緻的短筆觸結合起來。
《三個音樂家》是20年代初畢加索在重新運用一種古典主義的、不朽的、色彩有力地變化風格創作的同時，又探索一種以鮮明的色彩、平塗的手法、幾何抽象的形象組合進行立體主義風格的創作。
畫中三個樂師以幾何抽象色塊造型、平面化構圖、平塗手法製作。作品的主題是歡樂的，同時又有一種肅然庄嚴的氣氛。