紫羅蘭在美聲界什麼水平

① 求義大利歌曲《紫羅蘭》的創作背景或故事背景，英文名《Le Violette》

創作背景：這首典雅優美的古典樂曲是作者所作的「康塔塔」，（17世紀由詠嘆調和宣敘調交替構成的獨唱曲)中最廣泛流傳的一首。含蓄而富有詩意的歌詞，描繪了紫羅蘭「含珠帶露，亭亭玉立」於「半隱半現」之中的姣美可愛。

隱喻了優雅羞澀的少女形象，同時表達了歌中的主人公對她的「彷彿責怪我過分輕狂又過分大膽」的愛慕之心。

(1)紫羅蘭在美聲界什麼水平擴展閱讀；

《紫羅蘭》由義大利作曲家亞歷山德羅·斯卡拉蒂所作。此曲旋律明快，前奏很有些古鋼琴的韻味。這首歌曲為帶有迴旋性質的三部曲式，其結構為ABAB』A。A段B大調，B段結束至關系調g小調。由節奏活躍的A段與朗誦性較強的B段交替組成。

B段中出現的向關系小調的轉換及那布勒斯六和弦(含有小三度與小六度的六和弦)的應用，豐富了歌曲的音樂色彩，歌曲中有不少地方是與鋼琴伴奏相呼應的。

斯卡拉蒂是那不勒斯樂派歌劇的創始人，共寫了115部歌劇、約700首康塔塔，以及清唱劇、彌撒曲、經文歌等，總計不下千餘首，斯卡拉蒂的歌劇大都取材於生活喜劇與歷史傳說。

他強調歌劇是用音樂表現的戲劇，反對威尼斯歌劇中那種浮華膚淺，充分發揮了音樂的抒情作用，聲樂占絕對優勢。他發展並固定了歌劇序曲、反始詠嘆調、配伴奏的朗誦調等形式。

他對半音音階、和聲、旋律、節奏的處理，樂隊的編制，聲樂的花腔等因素的運用，使他的歌劇具有鮮明的巴羅克風格。

② 麻煩問問聲樂初級水平都可以唱那些曲目

第一級

美聲唱法：

《喀秋莎》、《問》、《長城謠》、《漁光曲》、《我親愛的》、《搖籃曲》、《大海啊故鄉》、《嘎達梅林》、《紅莓花兒開》、《梅娘曲》、《北國之春》、《在我心裡》、《不要責備我吧，媽媽》、《我和我的祖國》、

《黑龍江岸邊的玫瑰花》、《我心裡不再感到青春火焰燃燒》、《黨啊，親愛的媽媽》、《小溪者在草地奔跑》、《咔嗒尼曲》、《愛情啊，快告訴我》、《讓我死亡》、《雪花》、《頁里麥》、《碼頭工人歌》、《採伐歌》、《花非花》、《牧歌》、《紅河谷》

民族唱法：

《送我一枝玫瑰花》、《女兒歌》、《康定情歌》、《瀏陽河》、《綉紅旗》、《二月里來》、《紅豆詞》、《牧羊姑娘》、《雁南飛》、《珊瑚頌》、《紅梅贊》、《絨花》、《太湖美》、《嘎俄麗泰》、《放馬山歌》、《太陽出來喜洋洋》、《彈起我心愛的土琵琶》、《小白菜》、《遊子吟》、《故鄉的小路》、《北風吹》、《大紅棗兒甜又香》、《茉莉花》、《我愛我的台灣島》、《小草》、《送別》、

《誰不說俺家鄉好》、《南泥灣》、《盼東方出紅日》、《梅娘曲》、《日月和星辰》、《綉金匾》、《邊疆的泉水清又純》、《塞外村女》、《人說山西好風光》、《王貴是個好後生》、《問》、《美麗的沙拉干追》、《秋收》、《太陽出來喜洋洋》、《滾滾江河流不盡》、《鼓浪嶼之波》、《槐花幾時開》、《走絳州》、《天下黃河十八彎》、《革命人永遠是年輕》、《我愛我的台灣島》、《雙腳踏上幸福路》、《在那遙遠的地方》

(2)紫羅蘭在美聲界什麼水平擴展閱讀：

聲音應該以小腹為根源，想像聲音透過後脊樑，到腦後，到口腔後根，整個聲音應是豎立的，靠後的。請找一找這樣的感覺：你大口咬一口蘋果，露出上牙齒，在一口咬下去的同時，發出「嗯」的聲音，感覺聲音在口腔後部和鼻腔上部的位置，這就是美聲發聲的一個共鳴點。接下來把氣息下沉，小腹膨脹，稍在小腹用力一頂，在剛才的位置發聲，男聲喉結壓下，女聲多注重聲音在腦後靠上的位置，你會發現聲音比以前要大多了。

經常靠牆練習有助於發聲，因為靠牆可以接觸你的後脊樑，讓你更容易找到感覺，並且胸腔的共鳴能和牆產生共振，讓你更容易找到胸腔共鳴的感覺。先從「米～媽」的練習開始，逐步升高，有助於練習高音氣息；再從高往低練習，這樣反復，總有一天你會找到感覺的。美聲講究「通透」，經常想像自己的聲音是豎立的，而不是扁平的；另外還講究的是「共鳴」，聲音通過胸腔或胸腔以上的共鳴後，會很圓潤、飽滿。

要體會共鳴，你可以這樣做：閉上嘴巴，發出「嗯」的音，稍帶點深情的感覺，「嗯」的長一點，會感覺頭和胸前在震動，如果氣息好，這種共鳴會給你的聲音添色不少。仔細聽聽一些高大的美國人講話，就會知道什麼叫胸腔共鳴了（外國人的胸腔結構更容易產生共鳴）。

③ 求高考美聲歌曲（中外）聽過美聲曲子的都來講一個

我都寫了一部分了才發現您是女高音，我是音樂學院的學生，也參加過高考，快大3了，呵呵。雖然是男生聲部，但是平時在外有帶學生，所以作點建議。
中國作品：如你的條件比較好（所謂好是指您的高音很方便）的話可以參考陸在易的《彩雲與鮮花》。不過，這首曲子有些難度，略帶花腔，對於普通高考生來講，沒有必要，所以正如剛才所說論你條件而定以及你要考的學院水準來定。相比之下《我愛這土地》應該是本人認為女高音（男生同時可以唱）國內作品裡面最好聽很抒情的一首了，時間大概5分鍾到6分鍾之內，看你的節拍了。應該很合你上面提到的要求了，難度中等偏上。《最後一個夢》《藍色愛情海》，作為近代女高音作品的典範，在各種比賽種有看到。
外國作品：其實在本人看來國外作品在高考中的必要性不強，然而現今有不少考生願意用一首國外的作品去拿高分。可是往往忽略了外國作品的拖分處。對於普通高考生來講，國外語言無非義大利語法語德語西班牙語為美聲作品的常用，英語偶爾會用上。可是能把這幾種語言的咬字做到很好，對於普通高考生來講，還是比較挑戰。特別是詠嘆調。用不好絕不用。
不過在這里附上幾首女高音適合唱的作品吧。藝術歌曲《紫羅蘭》托斯地的《理想佳人》斯塔德的《月亮頌》比較抒情。
詠嘆調:
莫扎特：《求愛神給我安慰》。這是《費加羅地婚禮》種伯爵夫人的唱段。
《鞭打我吧》。這是《唐璜（唐喬瓦尼）》的選段。
威爾第：其實，為你好的話，威爾第我在這里就不多講了，歌劇你可以去聽下，但是威爾第作品難度太大，不適合一個高考生來演唱。
在這里我向你推薦普契尼的作品.
普契尼：《漫步街上》。這是一首名曲，相當抒情浪漫。選自歌劇《波西米亞人》最近我正在排這部歌劇，用我們couch的話來講，女高音的最愛。《為藝術為愛情》，《托斯卡》的名段，難度不在威爾第作品之下，相當好聽，哭腔的演繹。
寫累了，寫不動了，如果有什麼需要咨詢或者幫忙的加QQ184776595就行。分不重要，只是希望以上的對您有幫助哦！加油了·

④ 從專業的角度來看，周深的美聲是怎樣的水平

你好，周深擅長低音，周深的低音區寬闊豐滿；周深的美聲有種中美結合的感覺，比純正的美聲要來的靈動歡快一些，屬於半美聲半流行的那種方式，他的這種方式獲得了很多人的喜愛，得到了很多音樂人的贊許！

周深算不上很厲害的美聲男高音，但是他的唱功是很厲害的，他唱歌幾乎每一個音準都可以掌握到極致，同時他對聲線的把握也很厲害！

希望我的回答能幫助你，謝謝！

周深

⑤ 藝考，高考時，唱什麼美聲歌好拿分，望學姐學長推薦，女聲中低型

義大利的，那個我的憂郁只為你溫雅的女神你唱唱試試，如果你要藝考，你專業老師肯定會給你找合適的

⑥ 請問考天津音樂學院聲樂系美聲，義大利文歌曲《紫羅蘭》和《親愛的爸爸》，難度上合適嗎不是考音教

樓主好，考試的時候是4首歌曲（2首義大利的2首中文的）
義大利的你說的就可以，《我親專愛的爸爸屬》這都不是小歌，《我親愛的》都可以唱的
一般義大利作品不會做太高的要求。中文歌曲的話最好是新穎一點的
因為作品太老的話老師聽起來也膩了，如果你是天津音樂學院老師授課的話到時候給老師意思一下
應該進天津這邊沒問題，天津這邊現在很好進的，走走關系都沒問題
樓主還有什麼不清楚的可以再來問我
如果我的回答幫助到您請採納哈。

⑦ 聲樂藝考美聲唱法選擇什麼義大利語的歌好呢

例如：《我親愛的》《妮娜》《我多麼痛苦》《紫羅蘭》《負心人》等等，如果基礎比較好，也可以選擇一些小型的詠嘆調，女高《鞭打我吧》《美妙時刻將來臨》等基本都是莫扎特的，女中《你們可知道》《世上沒有猶麗迪茜，我怎麼活》等，根據個人情況選擇。

另外，義大利語的發音，一定要注意。

聲樂藝考內容：

1、音樂教育類：聲樂、鋼琴、視唱練耳、音樂知識、素質面試等。

開設此類專業的高校多是師范類院校和綜合性大學，對考生的文化成績要求較高，適宜有藝術特長文化成績較好的考生報考。

2、器樂類：主科(相關器樂擇其一)、聲樂、視唱練耳、音樂知識、素質面試等。除了鋼琴外，其他所需樂器需要考生自己攜帶。

⑧ 談談莫扎特聲樂藝術作品研究論文

談談莫扎特聲樂藝術作品研究論文

在學習和工作的日常里，大家總免不了要接觸或使用論文吧，論文是描述學術研究成果進行學術交流的一種工具。為了讓您在寫論文時更加簡單方便，以下是我幫大家整理的談談莫扎特聲樂藝術作品研究論文，供大家參考借鑒，希望可以幫助到有需要的朋友。

《紫羅蘭》中表現了詩情畫意的情感這首作品是莫扎特在1785年6月8日創作的，其中充滿了浪漫主義氣息，成為了當時藝術歌曲題材中的典範，為後來的的舒伯特、勃拉姆等人的音樂藝術創作奠定了德奧藝術歌曲的基礎。

【摘要】 莫扎特是十八世紀歐洲古典音樂的大師，在他的一生中創作了三十六首藝術類的歌曲，並在其音樂中融和了德奧藝術歌曲風格和浪漫主義情結。賦予了音樂更多超凡脫俗的感染力和生命力，是首個開創德奧歌曲創作的作曲家。本文通過對莫扎特的聲樂藝術作品的分析研究莫扎特音樂中「聲」和「情」的融合。

【關鍵詞】莫扎特;聲樂藝術作品;「聲」與「情」;融合

莫扎特的作品在眾多的音樂大家中並不算多，但是這些作品的風格多種多樣，旋律普遍比較優美，且具有嚴謹的結構，其中很多經典歌曲在藝術歌曲歷史的長河中有著極其重要的藝術地位和價值。在這些作品中有著獨特鮮明的音樂形象和簡單質朴的音樂語匯，創作手法十分的細膩。在音樂中實現了對感情的融合。摸扎特的作品在不同的作品中利用音符和節奏的變化表現了音樂的不同情感，下面筆者就不同音樂風格中蘊含的情感進行詳細的分析。

一、溫和的情感情感和義大利音樂藝術的融合

在莫扎特《親切的平靜》中主要通過義大利文寫成具有可可風格的精緻、典雅的特徵，歌詞只有四句，內容主要主要表達了對人內心的和平和愛的贊美。在作品中莫扎特將其進行多次反復，其中的情感十分真摯，使人充分感受到和諧之美，同時具有均衡的美感。藉助小廣板的速度，整部作品的旋律十分流暢、優美，情感十分真摯，給人一種對和諧、光明和美好生活印象。這首歌由於自身古典和氣派和優雅從容的風格，經常被女性歌者所喜愛，在音樂會上經常會選擇這首曲子。

二、音樂中的詠嘆

在摸扎特的《見異思遷的鳥》和《我走進樹林》，是其在22歲時為當時的歌唱家奧古斯塔創作創作的，此時他正在Manheim逗留，以上兩首音樂均有著當時十分流行的巴黎詠嘆調風味。前者主要是通譜歌，歌曲中的旋律和織體比較簡單，像宣述調，鋼琴在伴奏中大量運用倚音，音樂風格十分活潑優雅。後面一首《我走進樹林》中充滿了戲劇性，音樂的節奏變化十分快，這個歌曲在莫扎特的創作中特別像充滿著悲劇色彩的詠嘆調。

最需要提的是莫扎特的《當露易澤焚燒她的負心情人的情書時》，雖然有著很長的歌名，但它在莫扎特所創作的歌曲中是特別的。該曲是莫扎特在1787年於維也納創作的，整部曲子是在短短的二十個小結中完成的，其中充分展示了戲劇性和悲劇氣氛，樂曲講述的是一位露易澤的女孩燒毀了她不忠的愛人寄來所有信件的故事。歌聲中宣洩女孩內心的痛苦，有時也會有優美的詠嘆。在鋼琴的伴奏中感情表達十分豐富，音樂形式變化多種多樣，感情強而有力，充分表現主人公內心情緒的起伏。在激盪的音樂中我們彷彿可以看到逐漸化為灰燼的信件和熊熊燃燒的火焰。這首曲子展示了莫扎特的抒情和戲劇才華，作曲家本身不幸人生好像就濃縮在了著短短的一首歌曲中一樣。

三、音樂中的詩情畫意

《紫羅蘭》中表現了詩情畫意的情感這首作品是莫扎特在1785年6月8日創作的，其中充滿了浪漫主義氣息，在那個時代被認為是詩和音樂的完美融合。很多音樂學者都認為這首歌在德國的歌曲藝術發展史上有著不可忽視的地位。這首歌中鋼琴伴奏是音樂史上，首次脫離了歌唱的旋律，保持了獨立性角色，似乎是作家在緩緩的敘述著心聲。這首曲子主要來自《愛爾文和艾爾米蕾》詩篇，其中主要利用擬人化的手法表達作者所嚮往的謙仰和純真的愛情。莫扎特在創作中並沒有進行傳統的分節歌處理方式，而是逐段寫成了一首含蓄並優雅的通譜歌，在描述中蘊含著深情，描述了對紫羅蘭的美好嚮往，並哀嘆其不幸的遭遇。整部音樂像是在哭泣一般，形象逼真，成為了當時藝術歌曲題材中的典範，為後來的的舒伯特、勃拉姆等人的音樂藝術創作奠定了德奧藝術歌曲的基礎。

四、天真的童趣和音樂

1791年莫扎特在即將辭世前創作了三首充滿童趣、天真優美的兒歌《初春》、《渴望春天》和《游戲》，有的人猜測這是莫扎特專門為自己的孩子所作的。歌曲中都使用了分節歌形式，結構簡短，旋律和節奏很質朴，但是音樂的語言聽起來十分美好生動、優美，充滿了天真和童趣。明快歡樂的歌曲，令人難以想像此時的莫扎特正處於貧病交加、生活悲慘的處境。他特曾經說過：即便是我的舌頭已經品嘗到了死亡的味道，但是我仍舊會保持著樂觀的創作心態。事實也正是如此，在他的三篇創作中為人們展示的是一個純凈、光明、充滿樂觀主義精神的世界，使得人們對生活充滿了信息和希望。

五、音樂中的風趣幽默

在莫扎特的作品中還利用音樂表達了風趣幽默的情感，例如《警告》和《老婦人》。這些不僅是為男低音寫的交響樂伴奏，同時也是未完成的喜劇歌劇的插曲。其中將糖果比作少女，警告天下的父親要像珍藏糖果一樣將自己的女兒保護起來。音樂內容顯示十分幽默。映射了當時社會風尚的敗壞，在音型中具有鮮明的的民間特色，朴實自然，平易流暢，顯示了莫扎特風趣幽默的一面。在《老婦人》作品中，描寫的是一位婦人對年輕人進行了品評，在表情一欄中莫扎特特別標注了要「帶有一定的鼻音」，這對歌者提出了不同尋常的要求。凸顯了作家細致的觀察力和對人物的特點的准確把握。在聲樂旋律中使用了一字一音和局部的顫音，形象的的模仿了老婦人說話的特徵，具有鮮明的形象特徵。

六、小結

本文在結合莫扎特具體作品的基礎上介紹了不同音樂中的利用的音來表現的情，兩者之間實現了很好的融合，達到了良好的音樂效果，創造了莫扎特獨特的藝術品位和魅力。

參考文獻

[1]王瑋涵.莫扎特藝術歌曲風格特徵及聲樂語言探微——以作品《親切的平靜》為例[J].金田,2014,04期(04).

[2]張天慧,李巧偉.莫扎特藝術歌曲在聲樂教學中的重要價值[J].人間,2015,(13):100-100.

[3]李翔.莫扎特歌劇、藝術作品用於聲樂教學之探究——以《鞭打我吧》《阿里路亞》為例[J].大家,2011,(02):7-9.

拓展：莫扎特鋼琴作品的風格

莫扎特的鋼琴音樂以優美、流暢、明朗、樂觀為主要特徵。莫扎特創造性繼承、發展了阿爾貝梯低音寫作手法,增強了低音的旋律性,既吸取了法國庫泊蘭古鋼琴音樂中裝飾音的曲雅趣味,又大大地改變了裝飾音的形式,使裝飾音不再僅僅裝飾作用使之為旋律的組成部分。這種新的鋼琴語匯創造,不僅形成了莫扎特鋼琴音樂所特有的纖巧、優雅的風格,而且對19世紀波蘭鋼琴家肖邦也有很大影響。

沃爾夫岡·阿瑪德烏斯·莫扎特(1756~1791),奧地利作曲家,是維也納古典樂派第2位大師。莫扎特的鋼琴音樂是他創作中重要領域,主要鋼琴作品,有20多部鋼琴協奏曲,鋼琴奏鳴曲20首,還有變奏曲、迴旋曲和幻想曲等。

莫扎特的鋼琴音樂以優美、流暢、明朗、樂觀為主要特徵。莫扎特在歌劇中表現的非凡旋律天才,也充分顯示在鋼琴音樂中,如鋼琴樂曲中不僅慢板主題氣息、寬廣、悠揚、婉轉,恰似歌劇中的詠嘆調,甚至那些輕捷綺麗的華彩經過句,也都是發自心底的歌唱。莫扎特鋼琴演奏風格,以典雅,精緻,纖巧,細膩而著稱於世。莫扎特創造性繼承、發展了阿爾貝梯低音寫作手法,增強了低音的旋律性,既吸取了法國庫泊蘭古鋼琴音樂中裝飾音的曲雅趣味,又大大地改變了裝飾音的形式,使裝飾音不再僅僅裝飾作用使之為旋律的組成部分。這種新的鋼琴語匯創造,不僅形成了莫扎特鋼琴音樂所特有的纖巧、優雅的風格,而且對19世紀波蘭鋼琴家肖邦也有很大影響。

《第十一鋼琴奏鳴化曲》創作於1778年。1772年莫扎特結束旅行演出後,回到家鄉薩爾斯堡任當地大主教宮廷樂長,為了擺脫大主教專橫、粗暴、野蠻的壓制,希望到別的宮廷謀求職位,於1778年隨母親再度赴巴黎旅行演奏,可是這位當年紅極一時的「神童」,如今在巴黎上層社會卻受到冷遇,謀求職位落空了,母親在巴黎又去世了,盡管遭到這種種不幸,但他仍寫下了5首優秀巴黎鋼琴奏鳴曲,這些樂曲情感內容深刻,大都樂觀、明朗,帶有一種啟蒙時期特有的自信和樂觀,然而樂曲中卻不時流露出悲哀的陰影籠罩著。這5首鋼琴奏鳴曲也標志著莫扎特鋼琴奏鳴曲創作的完全成熟。

《A大調 鋼琴奏鳴曲》就是其中最典型的一首樂曲,而上述莫扎特鋼琴音樂創作手法及其特徵,也充分體現在這首奏鳴曲中。《第十一鋼琴奏鳴曲》,第一樂章,是由「主題和6個變奏曲目組成的變奏套曲」。

主題:帶有再現二部曲式主題的體裁風格,近似義大利西西里舞曲民謠特性,旋律朴實,明朗富有歌唱性。在性格更為內在而抒情,音樂的安詳情緒接近了莫扎特的精神,而表現出溫暖情感的深度是空前的。主題優美的行板,6/8節拍,A大調,附點的節奏,音樂時值基本上一拍一音,旋律有意簡化,同音反復也為後面變奏留有餘地。在主題的4個樂句中,前半段為8小節,後半段為10小節:每句前半旋律流暢抒情,每句後半音響加厚是和弦式陳述。

而每樂句開始都以西西里舞曲特性節奏開始。主題的呈示部分與再現部分是歌唱性,中間部分主要是舞蹈性。整個主題是歌唱性與舞蹈性相互滲透各有側重。從總的來看「莫扎特的鋼琴奏鳴曲,不能同貝多芬32首鋼琴奏鳴曲抗衡,尤其不能同悲槍,月光,熱情比肩。但是在今天世界成千上萬架鋼琴,莫扎特和貝多芬的鋼琴奏鳴曲樂譜,永遠是放在一起的,肯定還要繼續到下個世紀,只要人還是人,保有基本的人性……」莫扎特和貝多芬的曲子總是互補的,就像大陽和月亮、樹林和飛鳥、天空和大海、永遠是互補的那樣。在我們這個星球上,哪裡擺著鋼琴,哪裡就一定有兩位作家的鋼琴奏鳴曲樂譜放在琴上,這叫做不朽。

演奏他的作品必須把握既含蓄、典雅,又玲瓏剔透的音樂風格。具體地說,應當注意以下幾點。

1.旋律性極強。

莫扎特的作品主旋律往往是簡單而極富歌唱性的。彈奏時,應清晰突出,不能草草了事,每一個音符都必須彈得透而不燥,實而不硬,富有一定的韻味。

2.要彈出晶瑩透亮的音樂。

在指觸上要以non Legato為主,用指尖觸鍵,快速而不生硬,奏出均勻清晰的音粒。

3.注重樂句的處理,強弱的對比。 莫扎特的作品很少有大起大落的強弱對比,卻差不多每一句都有漸強漸弱的曲線。其作品中很少出現f -PPP的強烈變化,但樂句與樂句之間卻經常出現前後照應,強弱對比。有如對話一般,一問一答,錯落有致。有時,短短的兩個樂句,要彈好都並不容易。

首先,每個樂句本身必須要有漸強漸弱的曲線。其次,句與句之間,必須形成強弱對比。如第一樂句可以演奏得稍微弱一點兒,像是在提出間題。

第二樂句,可以演奏得較第一樂句稍強,以達到回答問題的效果。當然,還有其它的處理方法,但都必須有所變化,形成前後力度和強弱的對比。

4.重視譜面上的所有標記。

彈奏莫扎特的作品不允許演奏者有太多的自由處理,而應較嚴格的按照譜面上的所有標記及提示進行演奏。如跳音、連音、休止等。這樣,才能較准確的表達作者的意圖。

5.正確地使用右踏板。

一直以來,彈奏莫扎特的作品是否應該使用右踏板,始終有著爭議。我認為應當使用,但要少而精煉,決不能因為使用了右踏板而使織體清晰度,句法和奏法變得含糊不清。應盡量讓人察覺不到,只是為了音色使一個難以應付的連奏變得更為容易而短時間地使用。恩格爾曾寫過「哲學和美學文獻中的莫扎特」,裡面大量列舉了歐洲哲學家和文學家,是怎樣崇拜莫扎特的,其中說:「兩百年過去了,作為歐洲精神的一個重要組成部分,莫扎特音樂不僅活著,而且還成為歐洲時代最強音之一。

誰能想像要是沒有了莫扎特音樂,歐洲精神會成什麼樣子呢?世界難免會覺得單調和寂寞。」正如德國作家司湯達所說:「被莫扎特音樂迷住的人,將無法從其他音樂家的作品中得到滿足。」

總之,要演奏和欣賞莫扎特的作品,須在正確理解,恰當地把握之後,才能使它們的美充分顯現出來。莫扎特是個天生的音樂家,他所創作出來的音樂是來自天堂的音樂。物質生活的痛苦,全然不能影響其精神。盡管生活極端悲慘,他的作品卻全無半點陰暗的氣味。都像陽春一般流露著溫暖的光,充滿了生命力。如果說貝多芬是通過音樂表現其復雜的精神生活,是人生的藝術的話,那麼莫扎特則是音樂通過了莫扎特表現其美是藝術的藝術。

莫扎特簡介

莫扎特全名沃爾夫岡·阿瑪多伊斯·莫扎特，1756年1月27日出生在奧地利薩爾斯堡的一個宮廷樂師之家，1791年12月5日卒於維也納，終年36歲。莫扎特從小就顯露出極高的音樂天賦，他4歲跟隨父親學習鋼琴，5歲開始作曲，6歲時和姐姐在父親的帶領下到慕尼黑、維也納、巴黎、米蘭、普雷斯堡等很多地方作了一次試驗性的巡迴演出，這次演出讓莫扎特名聲大噪，甚至被請進維也納的`皇宮，為皇帝做表演。這位音樂神童有著驚人的的創作速度，和輝煌的藝術成就，稱他是天才一點也不為過。在短暫的生命歷程中，他創作了二十多部歌劇，四十多首交響曲，五十餘首協奏曲，二十七首弦樂四重奏等等，共計六百二十二首作品。莫扎特的音樂節奏清晰明快，旋律悅耳動聽，很多偉人和科學家終生都非常喜愛他的音樂。歌劇是莫扎特創作的主流，他與格魯克、瓦格納和威爾第一起被稱作是歐洲歌劇史上四大巨子。莫扎特的歌劇作品具有強烈的民族性、時代性和社會性。

拓展：聲樂藝術演唱風格

聲樂藝術是音樂藝術的一種表現形式，它是世界各族人民經過時間的積淀、歷史的洗禮，在實踐中發展而來的，是人類文明藝術創造的結晶。它就像一顆璀璨的明珠，永遠屹立於世界文化之林，為人類文明的發展作出了跨越性的貢獻。

一、聲樂藝術演唱風格概述

聲樂藝術，簡單來說就是人們通過科學的練習方法，獲得美妙的聲音運用技巧，並且能夠巧妙地運用歌聲來表達音樂藝術作品中傳遞的思想感情。演唱風格描述的是音樂作品體現的主要的思想特點和藝術特徵。從音樂創作的視角來看，風格指的是藝術作品中體現出來的獨特性。關於聲樂藝術演唱風格的分類，社會上比較普遍的分法是：通俗唱法、美聲唱法、民族唱法。

二、聲樂藝術演唱風格的特徵

（一）通俗唱法的特徵

通俗唱法是當今世界藝術發展的潮流，也是音樂藝術發展的產物。它不僅體現了聲樂的流派、藝術發展狀態，也反映了人民的生活環境和社會現象。它簡潔易懂、方便學習、便於表演的娛樂方式，深受大眾的喜愛。它的傳播速度快、演奏氛圍輕松和諧、演奏方式廣泛以及較為直接地表達創作者的情感等特點，使得它迅速擁有了一大批忠實的青睞者。

（二）美聲唱法的特徵

美聲唱法即美妙地歌唱。在一個多世紀前，這種起源於17世紀義大利的演唱風格傳入中國。它旋律優美、音色嘹亮、發音自如，極大地推進了中國音樂藝術的步伐。

（三）民族唱法的特徵

民族唱法由我國民歌發展而來，是一種極具民族烙印和群眾基礎的中國傳統演唱形式。它是中國人民在大自然中辛勤勞作的時候創作出來的，具有深厚的群眾基礎，體現了中華民族的精神所在。它廣闊、雄壯、細膩、深邃的特點，展現了中華民族音樂藝術的精、氣、神。

三、對聲樂藝術演唱風格的思考

（一）對待這三種聲樂藝術演唱風格的態度

對於這三種聲樂藝術演唱風格，我們不能憑主觀臆測去評價它們的好壞與否。造詣高深的通俗作品，在唱法上也具有較高的科學性和藝術性，它們能准確地借用歌曲抒發心中的情感，擁有極高的藝術價值。我們要用批判的眼光、揚棄的精神去看待這三種演唱風格，擷取其的精華，丟棄其糟粕。

（二）聲樂藝術演唱風格的多元化

由於社會的進步，聲樂藝術的演唱風格越來越多元化。聲樂藝術不會僅僅囿於一種演唱風格，創作者們將會發揮他們無窮無盡的創造力和才華，讓聲樂藝術演唱風格更加具有藝術的高度。只有三種聲樂藝術演唱風格不斷地融合、不斷地加入新鮮的演唱方式，才能創造出更加美妙、空靈、多元化的聲樂藝術。

（三）隨著時代步伐的加快，聲樂藝術演唱風格展現出新的趨勢

由於時代的發展，區域間、民族間文化藝術交流溝通的機會增多，同一個世界、同一種音符的音樂大同思想，將會成為不可逆轉的趨勢，我們的思維和眼界將得到極大的開闊，聲樂藝術將展現出新的生命力和朝氣。如今，無論是美聲唱法、民族唱法還是通俗唱法，都是聲樂藝術的重要表現形式。但聲樂藝術並不能拘泥於唱法，甚至可以忽略唱法，只要是科學地、自然地、優美地、舒暢地表達真實情感，都極有可能成為聲樂藝術演唱風格的新趨勢。

（四）跨界演唱風格獨具魅力

跨界演唱風格擁有極強的融合性，將上述三種演唱風格以及原生態演唱風格巧妙地結合起來，取其精華去其糟粕，形成獨特的演唱風格，極具藝術感染力。值得一提的是，這種風格並不是為了演唱方法而存在，而是強調情感的表達與傳遞，豐富了聲樂藝術的多元化發展，進一步擴大了音樂市場的發展空間，值得讀者深究。

四、總結

總之，任何一種聲樂作品、演唱形式，都具有其自身的價值和意義，它們見證了人類文明歷史的發展，體現了人類的聰明才智。我們應該懷著包容、尊重、敬仰的態度去看待它們，主動擔當起傳承歷史的責任和使命。

拓展：聲樂藝術的美學構建

一、聲樂的審美概述

（一）旋律美是音樂作品的靈魂。

對歌曲創作而言，也毫不例外。作為音樂與語言結合的綜合形式，音樂是其語言體系建構的核心。聲樂美的魅力，主要取決於曲作的旋律美。曲調的整體構成，又包括旋律、節奏及和聲等。其中，旋律音調是基礎，聲樂的普及與推廣也主要依靠旋律音調的琅琅上口和情感風格的易感明快。音調美首先應該與歌詞所提供的情感或情緒特徵相適應，或是熱情歡快，或是庄嚴雄偉，或是哀婉傷感，或是悲痛欲絕等等，都要在深入挖掘詞意的同時掌握住情感的基調這一總的趨勢。

（二）歌曲的分類。

歌曲有多種形式，從旋律、和聲及節奏在歌曲創作中的地位和重要性這一角度也可嘗試對歌曲進行劃分。譬如傳統歌曲旋律特別強調「人聲性」，其情感內涵是建立在古典之雅緻基礎上的；多聲部作品就特別講究和聲的編織與協調，具有「原生性」和「學院性」傾向；至於節奏，在非洲等原生住民的音樂中或現代流行音樂創作中佔有重要地位。

（三）聲樂演唱的音質美，是聲腔美的造型基礎。

音質本身既是聲音質感的外在標准，也是歌唱發聲效果的顯現，它是建立在一定的技術與方法基礎上的。而對技術與方法的欣賞，也是聲樂美的重要原因之一。對高音崇拜，在歌劇上曾經一度泛濫就是很好的注腳。現在的流行音樂的包裝或明星效應，在很大的程度上也是建立在歌手獨特的聲腔基礎之上的。這類事例可謂不勝枚舉。

（四）聲樂聲腔的字音美，字音美也是聲腔美的重要構成。就中國聲樂藝術而言，依字行腔的聲音造型方法，就包含了全部字音美的方法與技術總和。即使是西方聲樂藝術，對字音美的追求也是一個優秀的歌唱家必須去努力的。以尼科萊蓋達為例，「蓋達不僅曲目廣泛，他的發音準確也是非常引人注目總的說來，優美的嗓音、清晰的發音、無可挑剔的技巧是蓋達的特點。」清晰的吐字構成了歌唱家們完美聲線的基礎，譬如吉利、斯基帕、比約林等蓋達崇拜的歌唱家都顯示了這方面的優點和長處。字音美是「字正腔圓」整體藝術效果的基礎。根據情感表達的需要，掌握與處理字的輕重強弱、高低抑揚、快慢疾徐、頓挫連斷等語氣、語勢，往往也構成歌唱家潤腔的依據。

二、多元化的歌唱理念

理念是行動的先導，對後續的行為起著重要的引領作用。所以要想形成多元化的演唱風格，就必須以多元化的演唱理念作為前提。民族聲樂作為我國傳統的聲樂藝術，在漫長的歷史發展過程中，已然形成了一定的審美標准和習慣。演唱者一方面要通過刻苦的訓練和豐富的實踐達到這個標准和習慣；另一方面則要認識到這個習慣和標准既不是一成不變的，也不是不能突破的。每位演唱者都可以進行個性化的嘗試和探索，也只有大膽的創新，才能形成鮮明的個人風格。

反之，如果僅是一味的模仿，即便是模仿得再像，也會始終處於別人的陰影之下，沒有個人風格，難以給觀眾留下深刻印象。比如在演唱技術方面，之前的眾多演唱者都對美聲唱法和民族唱法進行了有機融合，也取得了良好的效果。演唱者則完全可以進行更多唱法的融合，只要是科學的、優秀的，就都可以為我所用。只有樹立起一種開放的、探索的演唱觀，才能為走出單一化誤區、形成多元化演唱風格打下堅實的基礎。綜上所述，我們從兩個方面概括了聲樂藝術美的總體構成，表明構成美的因素的具體特徵和相互之間的融合關系。我們認為聲樂的審美特徵，一方面蘊涵在歌唱之中，「聲樂性」的多寡強弱是其標尺，聲與情是其核心；另一方面是由聲樂的客觀因素體現的，詞與曲的格調韻味起著風向標的作用。

⑨ le violette紫羅蘭在美聲界達到了什麼水平，中階or高階

這個是美聲的初學者練習的古典藝術歌曲，這個歌是在巴洛克時期最主要的小詠嘆調之一！但是我說實話啊，提問者千萬別以為這個是練聲曲，或者說這個是初級的作品，每一首歌都不簡單，因為節奏和音高特別難掌握

⑩ 美聲唱法為什麼誕生在義大利

藝術歌曲的變遷歷史

文藝復興是十四世紀末至十六世紀在歐洲一些國家先後發生的文化和思想革命運動，它要求以「人」為本，反對神的權威，反對教會的禁慾主義和來世思想，歌頌愛情，肯定現世生活。義大利是文藝復興的發源地，新興資產階級特別需要新的音樂來豐富它的精神生活，在帕萊斯特理那(Ciovanni Pietiuig Palestrina，1525—1594)和拉索(Qiando di Lasso，1532—1594)已將多聲部復調合唱發展到高峰頂點的情況下，許多義大利作曲家想尋求新的創作天地，以發揮他們的才智。他們認為在一首歌曲中同時存在多條獨立旋律的進行，不同聲部同時唱出不同歌詞對表達詞義和情感都是一種干擾，於是提出了「向對位法宣戰」，恢復古希臘單聲歌曲的主張，以利於表達人的思想感情。於是卡奇尼(Giulio Caccini，1546—1618)出版了題名為「新樂曲」的獨唱歌曲集，附上通奏低音伴奏。為恢復早已被遺忘的古希臘悲劇，藝術家們探索試驗、在實踐中卻創造出一種新的藝術形式——歌劇。作曲家佩里(Jacopo Peri，1561—1633)和詩人里努奇尼創造了歌劇《達芙尼》，1597年在宮廷里作非正式演出(樂譜現已失傳)，1600年他們又寫出了《優麗狄茜》(Euridice)，並作公開演出，於是1600年便成為歌劇誕生之年。

為了使宣敘調的演唱能取得像古希臘人在廣場上朗誦悲劇台詞那樣響亮的效果，就得有充分的呼吸支持，消楚的咬字和洪亮又能傳遠的聲音，為了改進演唱的方法，就產生了「美聲」(bel canto)唱法，可以這樣說：美聲「是早期歌劇的產物」。

與此同時產生的其它種類的聲樂作品，如坎佐那(Conzone)樂器伴奏的獨唱歌曲康塔塔(Cantata)，清唱劇(Oratorio)等也逐漸完成了向主調音樂的轉變，並有不少佳作問世。

1607年蒙特維爾第創作了歌劇《奧菲歐》(Orfeo)，在這部作品中，音樂的旋律性大大加強，出現了詠嘆調式的歌曲和主調風格的多聲部合唱，並擴大了樂隊，從而使音樂在歌劇中的作用大大提高，這部古老的歌劇至今仍在演出，並有一定的舞台效果。大家熟悉的阿麗安娜(Ariana)的悲歌《讓我死亡》以古典式的感情表達使當時的觀眾淚流不止。蒙特維爾第使歌劇成為義大利最廣泛的雅俗共賞的藝術形式，上至王公貴族，下至平民百姓，大家都熱衷於創作、演唱和觀賞歌劇，義大利和歐洲各大城市都效仿威尼斯建立起歌劇院。繼蒙特維爾第之後，活躍在威尼斯的是卡瓦利(Pietro Francesco Cavalll，1602—1676)和切斯蒂(Marco Antonio Cesti，1623—1669)，他們更為重視詠嘆調寫作，在旋律的抒情性上也有所發展。切斯蒂的作品還很重視聲樂技巧的發揮。

在17世紀和18世紀之交，歌劇藝術的中心地從威尼斯移至那波里。那波里樂派的代表作家是亞·斯卡拉蒂(Alessandro Scarlatti，1660—1725)。那波里樂派特別注意發揮人聲美，使聲樂水平特別是花腔技巧，得到空前提高。這個樂派在18世紀上半葉聞名於全世界，歐洲許多國家都有這個樂派的大師在工作。但那波里正歌劇是在宮廷劇院的條件下發展起來的，因而不免受到了貴族觀眾享樂主義趣味的腐蝕影響而日趨衰落，雖經約梅里(Niccolo Jomelli，1714—1774)等努力，也未能克服其危機。與此相反，接近民間生活的那波里喜歌劇卻得到發展，代表人物有佩戈萊西(Giovani Battista Pergolesi，1710—1736)、普契尼(Nicolo Piccini，1718—1880)、帕伊謝洛(Giovani Pasiello，1740—1816)等。

那波里樂派奠基者亞·斯卡拉蒂的創作能夠保持戲劇要求和音樂要求的一致性，沒有他的後繼者的那些弊病，他確立了三段體詠嘆調形式，第三段重復第一段音樂素材時，演唱者可添加裝飾和花腔。他的創作對學習聲樂技巧頗為有益。

十七世紀義大利歌劇在國外傳播，促成了一些國家民族歌劇的誕生。法國，原籍義大利的宮廷作曲家呂利(Jean Baptiste Lully，1632—1687)寫出了受到法國古典悲劇朗誦聲調影響的法語宣敘調，並在歌劇中加進了豪華的芭蕾舞場面。拉莫(Jjean Philippec Rameau，1683—1764)是繼呂利之後的一位富有獨創性的法國作曲家。他的歌劇作品，在藝術風格上比呂利有更多的旋律性和抒情性，和聲的運用清晰、新穎，使用管弦樂隊也更為充分。英國作曲家帕塞爾(Heny Purcell，1659—1695)寫過大量的配劇音樂，其中有不少好的歌曲。他在晚年寫的《狄朵與埃涅阿斯》(Dido and Aeneas)是英國的第一部民族歌劇，遺憾的是後繼乏人。

在音樂史上，一般把文藝復興後的十七世紀初至十八世紀中葉這段時期稱為巴洛克時期，在創作上取得成就者大多是義大利人。但巴洛克音樂的集大成者卻是兩位德國人——巴赫(Johnn Sebastian Bach，1685—1750)和亨德爾(George Friderie Handel，1685—1759)，他們繼承過去的傳統，吸取同時代各國音樂的成就，使他們的創作達到前所未有的高度，對後來的歐洲音樂產生了不可估量的深遠影響。巴赫沒有創作過歌劇，其聲樂作品大多是以宗教為主要內容的合唱，而且比較注意發展德國本國音樂的傳統。亨德爾則不然，他廣泛地學習了意、法、德、英各國的音樂文化，創作了大量的歌劇和清唱劇。美籍華裔斯義桂教授在滬講學時，再三強調要多唱亨德爾的作品，以利於聲音的規范。

十八世紀下半葉七、八十年代德國掀起了「狂飆突進」文藝運動，提倡和人民接近，使用人民的語言，柏林歌曲作曲家舒爾茲(Johan Abraham Peter Schulz，1747—1800)、賴夏特(Johan Friedrich Relchardt，1752—1814)和策爾特(Carl Friedrich Zelter，1758—1832)創作了頗受人民歡迎的「民間風格歌曲」他們以民歌曲調為素材以哥德(Johann Wolfgag Goethe)等著名詩人的詩篇作為歌詞，寫出了簡單而有藝術性的歌曲。賴夏特和策爾特還是哥德的好朋友，他們的歌曲主要是用哥德的詩譜成的。與此同時，晚年的格魯克(Christoph Willibald Gluck，1714—1787)也在維也納推進這一運動。

維也納古典樂派的幾位大師在交響樂、歌劇、清唱劇、協奏曲、重奏曲、奏鳴曲……等各個領域都取得輝煌成就，他們雖然不很注意藝術歌曲寫作，但他們有限的作仆品卻推進了德奧藝術歌曲的發展。如海頓在歌曲中加上前奏和間奏，增強了鋼琴伴奏的作用。莫扎特也寫了三十多首受人喜愛的歌曲，其中的《紫羅蘭》是一首當時罕見的具有濃厚的浪漫風格的通譜歌，為剛剛興起的藝術歌曲體裁樹立了一個典範。貝多芬用哥德詩譜寫的歌曲，真摯純朴，也是不可多得的佳作。三位大師的創作，為舒伯特(Franz Peter Schubert，1797—1828)、舒曼(Robert Schulmann，1810—1856)、勃拉姆斯(Johahnnes Brahms，1833—1897)……開拓出十九世紀德奧藝術歌曲的燦爛前程。

帶伴奏的獨唱歌曲文藝復興後期興起於義大利，但是這種寫作勢頭並沒有在義大利等國家持續下去，因為義大利人後來更熱衷於創作更為精緻而復雜的歌劇詠嘆調；而德國人則熱衷於寫芭蕾舞音樂；英國自珀塞爾以後，長期沒有出現偉大作曲家，連改編民歌這類事情，也要請外國人海頓(Franz Joseph Haydn，1732—1809)和貝多芬代勞；只有在德國，這種藝術歌曲在十八世紀下半葉古典時期就有了初步的興盛，而且順利地導向十九世紀浪漫主義藝術歌曲的空前繁榮。

從歌劇誕生以來的十七、十八世紀古典歌曲，它的內容反映了當時的先進思想，在聲樂寫作技術上亦有可供借鑒之處，而在風格的純正和表現古典美方面則是無與倫比的。它們是發展美好音質，學習真正的美聲唱法過程中必不可少的經典，是全世界聲樂教學普遍採用的好教材。

十七、十八世紀的「美聲唱法」(Bel Canto)，也有稱之謂「美聲唱法的黃金時代」。與十九世紀大歌劇形成後的「美聲唱法」，即「新美聲時期」的唱法上是有所區別的。大歌劇形成前的義大利歌劇稱之謂正歌劇或嚴肅歌劇(Opera Seria)。正歌劇中唱主角的都是閹人歌手，如著名的義大利閹人歌手法瑞奈里(Farinelli)和卡法瑞里(Caffarell)等都是人人皆知的歌唱家，很多歌劇作曲家如蒙特維爾第、卡西里米、亨德爾、格魯克、莫扎特等都為閹人歌手創作。

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