蓬帕杜玫瑰

① 蓬巴杜的油畫《蓬巴杜夫人》

弗郎索瓦·布歇的組畫《德·蓬帕杜爾夫人》為我們留下了足夠的有關這位法王情婦的肖像畫。 布歇與夫人的審美情趣非常接近，很受夫人賞識，後成為她的繪畫教師，為夫人畫過多幅肖像，這是其中最優秀的一幅。
畫中人物形象，在高貴、典雅、莊重中隱含嫵媚，纖細優美的身體著瑰麗華貴服飾，嬌嫩光澤的面部，雙眼神情發著光芒，她側身靜坐於畫面，在高貴華麗環境襯托下發出奪目光輝，從她背後鏡子里反射出對面的書櫥與桌下隨意而放的書籍，可見夫人博學多才，稍加註意夫人周圍散亂著的配物都有表明夫人身分的含義。
布歇在這幅肖像中使用藍綠色調，表現了貴族夫人的高雅，運用極細膩的筆法精微刻畫衣著配飾的質量感，浮華的飾物被畫得有觸摸真實感。就造型技巧而論，布歇是一流的。
畫中明顯帶有巴洛克風格的飾品、衣裝均出自布歇之手。可惜的是，布歇把她畫成了一個只有肉感美的、似乎精神空虛的女人。時人評價說「像玫瑰色陶土捏成的、用綢緞和鮮花包裹的玩偶」，該組畫真實感之差，可見一斑。 此畫作於1756年間，約有35×44厘米大，現藏英國愛丁堡蘇格蘭國立美術館。

② 「玫瑰色蓬帕杜爾式」的瓷器是指什麼

從1757年~1764年法國塞弗爾(Severs)瓷窯產品大多是蓬帕杜爾夫人所喜歡的玫瑰色底，所以亦稱「玫瑰色蓬帕杜爾式」。

③ 哪一部外國文學讓你受益匪淺

對自己影響最大的一本書應該就是《唐吉訶德》吧！唐吉訶德和桑丘潘沙，兩種人兩個完全不同的人生，兩種不同的世界觀，卻書寫了不同的人生。

先來說說唐吉訶德吧！全身散發著一種傲氣，是一個瘋瘋癲癲的游俠狂。在我的眼裡他就是我們年輕的時候，天不怕地不怕，敢於天爭一爭，可笑的是，唐吉訶德在自己的理想世界裡橫沖直撞，就算碰的頭破血流也不改初心。可悲的是，他一心志成，卻不被世人所理解，常常好心辦壞事。可敬的是，他常常路見不平拔刀相助，是理想和正義的捍衛者。他所反映的是我們年少的時候，對未來充滿幻想，充滿期待，充滿憧憬。可是現實並非如此，在現實的社會中處處碰壁，角角楞楞的我們在社會切，逐漸被默的圓潤起來，變得沉默，變得穩重。也許唐吉訶德並不想成為現在的模樣，可是他無能為力。

唐吉訶德活的越來越像桑丘潘沙，逐漸講求實際，那些曾經的夢想，曾經的期待，以化為烏有，他活在當下，為自己著想，為自己的生計而活。桑丘潘沙像我們步入了中年，越來越安穩。不再那麼胡鬧，不再那麼折騰。因為他明白了不安安穩穩的，丟棄曾經的夢想才能活的更好，如果不安於現狀，他就會背擠出生活的軌道，被淘汰。他任由生活擺布，任由命運擺布，任由人生擺布，而他做的只有忍受，因為這樣才能活的更好，才能不社會淘汰社會淘汰。因為他以看透了人生的真諦。在那麼折騰，在那麼胡鬧，它已成為過去，以不屬於他的這個年齡

他們不同的活法，卻書寫了我們的一生，隨著年齡的增長，放棄了那所謂的夢想，那份執著，那份期待，將他們埋沒在心底，時不時的回憶一下，自己的年少輕狂。他們是自己美好的回憶。每當夜深人靜的時候，將它們拿出來，看看以前的自己是多麼的可笑，多麼的單純，多麼的簡單，而現在，自己快不認識自己了。是生活改變了我們，還是我們主宰了生活？

推薦大家看一下，不錯的一本書。

④ 法國塞弗爾瓷器的裝飾特點是什麼

法國塞弗爾(Severs)瓷窯是最著名的瓷器產地，路易十五世(LouisXⅤ，1710—1774)的寵姬蓬帕杜爾夫人(MadamedePompadour，1721—1764)是該窯的庇護者。塞弗爾瓷器的裝飾特點是在器皿的兩面中央繪以羅可可式的裝飾紋樣，多以青、綠、黃或玫瑰色為底。從1757年至1764年該窯產品大多是蓬帕杜爾夫人所喜歡的玫瑰色底，所以亦稱「玫瑰色蓬帕杜爾式」。現藏巴黎布特·巴列博物館的《水壺與水缽》便是代表作品，器物的造型帶有羅可可式的優美曲線，水壺的兩面和水缽的四面裝飾著白底金色的植物紋樣，其餘部位均以玫瑰色為底。另外，塞弗爾窯的白色瓷塑也是相當精緻的，不少有成就的雕塑家也都從事過瓷塑的設計，它與德國流行的彩色瓷塑趣味迥然。巴黎盧浮宮藏的《泉》雖然是一件彩色瓷塑，但它與青銅底座的組合卻非常諧調，是一件成功的陳設品。

水壺與水缽

⑤ 歐洲的瓷器也分為哪兩種

歐洲的瓷器也分硬瓷和軟瓷兩種，硬質瓷與中國瓷器一樣，採用高嶺土為原料，燒色程度高；軟質瓷以陶土和玻璃為原料，燒色程度低，壁體呈白色半透明狀。德累斯頓的硬瓷燒制方法在當時是極為保密的，盡管法國自1769年開始掌握了硬瓷燒制的方法，但18世紀法國主要是以軟質瓷為主。法國塞弗爾(Severs)瓷窯是最著名的瓷器產地，路易十五世(LouisXⅤ，1710年～1774年)的寵姬蓬帕杜爾夫人(MadamedePompadour，1721年～1764年)是該窯的庇護者。塞弗爾瓷器的裝飾特點是在器皿的兩面中央繪以羅可可式的裝飾紋樣，多以青、綠、黃或玫瑰色為底。從1757年～1764年該窯產品大多是蓬帕杜爾夫人所喜歡的玫瑰色底，所以亦稱「玫瑰色蓬帕杜爾式」。現藏巴黎布特·巴列博物館的《水壺與水缽》便是代表作品，器物的造型帶有羅可可式的優美曲線，水壺的兩面和水缽的四面裝飾著白底金色的植物紋樣，其餘部位均以玫瑰色為底。另外，塞弗爾窯的白色瓷塑也是相當精緻的，不少有成就的雕塑家也都從事過瓷塑的設計，它與德國流行的彩色瓷塑趣味迥然。巴黎盧浮宮藏的《泉》雖然是一件彩色瓷塑，但它與青銅底座的組合卻非常諧調，是一件成功的陳設品。

在英國，自18世紀以來，斯特弗德希地區的斯脫克(全稱「托倫特河畔斯脫克」Stoke-on-Trye)，相繼出現威爾頓、喬桑·韋奇伍德(JosiahWedgwood，1730年～1795年)等著名陶藝家，迎來英國陶瓷史上的新紀元。而喬希亞·斯普特父子同享有英國陶藝之父稱號的韋奇伍德一樣，為英國近代陶瓷工藝的發展作出過傑出貢獻。大喬希亞·斯普特以改進轉移貼花而著稱；小喬希亞·斯普特則以完成硬質骨灰瓷而名垂史冊。

歐洲自1709年在德國德累斯頓首次成功地燒制硬質瓷之後，1718年分別在德國的柏林、奧地利的維也納、法國的塞弗爾先後出現瓷窯。相比之下，丹麥皇家哥本哈根窯的創建，在時間上晚了幾十年(1775年建窯)。當然，1730年丹麥已經招聘外國化學家和技術人員，並在他們的幫助下燒出瓷器，但這時的瓷器只是軟質瓷。

皇家哥本哈根瓷窯的創建者、化學家F.H。米勒，早就對研究硬質瓷表現出極大的熱情。自1771年建成瓷窯開始，就不曾間斷地進行硬質瓷的研製，終於在1775年燒製成功丹麥最早的硬瓷。

水壺與水缽

⑥ 歐洲的瓷器的分類有哪些

歐洲的瓷器也分硬瓷和軟瓷兩種，硬質瓷與中國瓷器一樣，採用高嶺土為原料，燒色程度高；軟質瓷以陶土和玻璃為原料，燒色程度低，壁體呈白色半透明狀。德累斯頓的硬瓷燒制方法在當時是極為保密的，盡管法國自1769年開始掌握了硬瓷燒制的方法，但18世紀法國主要是以軟質瓷為主。法國塞弗爾(Severs)瓷窯是最著名的瓷器產地，路易十五世(Louis X Ⅴ，1710年－1774年)的寵姬蓬帕杜爾夫人(Madame de Pompadour，1721年－1764年)是該窯的庇護者。塞弗爾瓷器的裝飾特點是在器皿的兩面中央繪以羅可可式的裝飾紋樣，多以青、綠、黃或玫瑰色為底。從1757年－1764年該窯產品大多是蓬帕杜爾夫人所喜歡的玫瑰色底，所以亦稱「玫瑰色蓬帕杜爾式」。現藏巴黎布特•巴列博物館的《水壺與水缽》便是代表作品，器物的造型帶有羅可可式的優美曲線，水壺的兩面和水缽的四面裝飾著白底金色的植物紋樣，其餘部位均以玫瑰色為底。另外，塞弗爾窯的白色瓷塑也是相當精緻的，不少有成就的雕塑家也都從事過瓷塑的設計，它與德國流行的彩色瓷塑趣味迥然。巴黎盧浮宮藏的《泉》雖然是一件彩色瓷塑，但它與青銅底座的組合卻非常諧調，是一件成功的陳設品。

水壺與水缽

⑦ 蓬帕杜夫人的藝術造詣

蓬帕杜夫人最著名的兩項建造成就是巴黎的塞夫勒瓷器廠和陸軍士官學校。她把樊尚瓷器廠遷到了塞夫勒，自己的一所住宅附近。在她的推動下，塞夫勒瓷器成為寫字桌上的一種流行飾品，塞夫勒瓷器的經典粉紅色因此就叫做蓬帕杜玫瑰紅色。
蓬帕杜夫人鍾愛新的建築和裝飾藝術，她所採用的式樣也因此被稱為「蓬帕杜風格」。在這些興趣的促使下，小翠安農宮。小翠安農宮是建築師加布里埃爾最知名的建築，專門為蓬帕杜侯爵夫人設計，被認為是法國最完美的建築之一。在凡爾賽宮的王室教堂邊，她還修建了兩座劇院，並成立了一個劇團，為國王進行了122場演出。
蓬帕杜發型也是以蓬帕杜夫人命名的，這種發型就是由她開始推行的。留這種發型的男性把前面的頭發向上梳起，女性則在前額上留一綹卷發。20世紀50年代，蓬帕杜發型在男性鄉村搖滾樂藝術家和演員中風靡一時，其中包括馬龍·白蘭度和詹姆斯·迪恩。20世紀後期，著名的鄉村搖滾樂歌手布萊恩·塞瑟留的也是這種發型。另外，還有一些拉丁式的蓬帕杜發型，它們與歐洲和阿根廷的探戈時尚潮流關系更密切，偶爾也與20世紀後期的其他一些音樂風格有關。
蓬帕杜夫人與洛可可藝術洛可可來自法語詞rocaille，原指用石塊和貝殼裝飾庭園，後引申為洛可可式布置或裝飾，是18世紀流行於歐洲、特別是法國的一種高雅昂貴的裝飾風格，常用於室內設計、繪畫、建築和雕塑。主要特點是輕快柔美、裝飾精緻，強調漂亮而不是深度，主題偏重於羅曼蒂克、神話、幻想、日常生活而不是沉悶的歷史或宗教事務。這種藝術風格富有優美的動感，線條運用好玩有趣，著色柔美雅緻。洛可可藝術的鼎盛時期大致與路易十五統治法國的時期（1715-1774）相對應，這與蓬帕杜夫人的促進不無關系。
蓬帕杜夫人是一位很有才藝的女性，對洛可可室內裝飾具有很好的鑒賞力。她對凡爾賽宮進行了洛可可式的裝飾，還僱傭時尚裝飾用品經銷商把中國式花瓶變成了帶有洛可可鍍金青銅手柄的花瓶狀水罐。在裝飾方面，完全成熟的洛可可式風格主要以蔓藤花紋、貝殼、細致的曲線和不對稱的裝飾為特點，在巴黎蘇比斯府第達到了爐火純青的巔峰狀態。整體效果絢麗鮮活，背景與18世紀的貴族社會生活非常相稱，而且強調個人隱私和對人際關系的崇拜。
在洛可可繪畫中，巴洛克繪畫所特有的那種強烈的勻稱、濃重的色彩和英雄主義主題也都讓位於輕快細膩的動感、淺淡的色彩和各種愛的主題，如華托畫作中的羅曼蒂克式愛情、布歇畫作中的性愛以及夏爾丹作品中的母愛。蓬帕杜夫人資助的華托和布歇都是洛可可風格的代表性畫家，洛可可彩粉畫中的粉紅色和薄荷色是蓬帕杜夫人最喜歡的顏色。
18世紀60年代，洛可可藝術風格開始走向衰落，一些批評家抨擊它沒有品味、輕浮，象徵著一種腐朽的社會，後來與巴洛克藝術一起被新古典主義所取代。但兩個多世紀以來，藝術家對洛可可風格的懷舊式詮釋為其豐富了新的內容，如在服裝設計上出現了以華託命名的華托背（指女式禮服從領口到下擺有寬襇的不束腰背部）。蓬帕杜夫人領導了追求快樂漂亮的洛可可時代，今天的設計師們把對這種風格的了解作為2006年時尚創新的基礎，美麗豪華仍然被視為女性服飾創新設計中的一個核心要素。

⑧ 「玫瑰色蓬帕杜爾式」的代表作品是什麼

現藏巴黎布特·巴列博物館的《水壺與水缽》便是「玫瑰色蓬帕杜爾式」的代表作品，器物的造型帶有羅可可式的優美曲線，水壺的兩面和水缽的四面裝飾著白底金色的植物紋樣，其餘部位均以玫瑰色為底。

⑨ 請問「後洛可可主義」是什麼概念呀

洛可可藝術

目錄
洛可可藝術概念
雕塑
繪畫
時裝與傢具
建築

洛可可為法語rococo 的音譯，此詞源於法語 ro- caille(貝殼工藝）。 意思是此風格以岩石和蚌殼裝飾為其特色。是巴洛克風格與中國裝飾趣味結合起來的、運用多個S線組合的一種華麗雕琢、纖巧繁瑣的藝術樣式。
巴羅克藝術盡管有呆板的禮儀，有形式上的驕矜和誇張，但它畢竟是一個陽剛的時期。而緊隨其後的時期，即洛可可藝術，是大約自路易十四 1715年逝世時開始的，則顯得更為講究，更為矯飾，更為呆板，因而也更為柔弱。可以認為，這個時期的一個標志是18世紀初歐洲瓷器使用的普及。原先，人們一直是用笨重的銀餐具飲食，用大塊的石頭創作巨大的雕塑，而現在則是用易碎的瓷器來作餐具，也製作小巧玲瓏的瓷塑像，從而反映了這個風流時期的精神。
君主政體和教會的絕對權威在17世紀促進了那些有活力的表現形式向前發展，而它們正是專制主義的代表人物為了自我表現以及具體解釋他們的專橫權力要求而需要的。在18世紀，這些權威人物喪失了威望，這不僅因為一些世俗和教會的貴族由於放盪的品行而在思想道德上威風掃地，還因為自然科學和哲學發展了理性思維，使人們有能力認識到了舊社會制度的缺點。這種依據批判性思維得到的充滿樂觀的自信，以及與此相連的對自身能力的無限自信，最終也導致了個人感情價值的高雅化。人們喜歡牧歌式的輕松愉快的抒情，喜歡阿那克里翁式的詩篇，不願再要17世紀悲劇中那種符合道德的歌頌義務、榮譽和意志的英雄史詩，而是更喜歡喜劇的真實及其貼近現實的典型化和精彩的對話風格。
在這個時期里，造型藝術是這個在思想道德上得到解放的社會的一個忠實的僕人。盡管如此，洛可可藝術並不是一種獨特的、創造性的或者與巴羅克藝術截然不同的藝術風格，因為又是橢圓形的，並且，還有兩個比較小的橢圓廳介於中央大廳和西廠之間。總之，在教堂內部，橢圓廳和圓廳反復交叉滲透，這種「多聲部性」簡直可以跟巴赫創作的一首賦格曲相比。
洛可可藝術風格的倡導者是蓬帕杜夫人(1721～1764)，她不僅參與軍事外交事務，還以文化「保護人」身份，左右著當時的藝術風格。蓬帕杜夫人原名讓娜·安托瓦內特·普瓦松，出生於巴黎的一個金融投機商家庭，後成為路易十五的情婦，被封為侯爵夫人。在蓬帕杜夫人的倡導下，產生了洛可可藝術風格，使17世紀太陽王照耀下有盛世氣象的雕刻風格，被18世紀這位貴婦纖纖細手摩挲得分外柔美媚人了。
洛可可世俗建築藝術的特徵是輕結構的花園式府邸，它日益排擠了巴羅克那種雄偉的宮殿建築。在這里，個人可以不受自吹自擂的宮廷社會打擾，自由發展。例如，逍遙宮或觀景樓這樣的名稱都表明了這些府邸的私人特點。尤金王子的花園宮就是一個節奏活潑的整體，由七幢對稱排列的樓閣式建築構成，其折疊式復斜屋頂從中間優美勻稱地傳至四個角樓的穹頂處（圖202）。上面有山牆的單層正廳具有幾乎是中產階級的舒適，兩個寬展的雙層側翼則顯示出主人的華貴，卻又沒有王公貴族的驕矜。兩個寬度適中的單層建築介於塔式的樓閣之間，而樓閣的雄偉使整個建築具有堅固城堡的特點——總之，極為不同的建築思想，卻又統一在一種優雅的內在聯系中。正是這種形式與風格簡直相互矛盾的建築群體漫不經心的配置，清楚地體現出了洛可可藝術的精神。
維爾茨堡大主教府的樓梯廳為巴羅克晚期建築的優雅留下了一個好印象。諾伊曼在這里大手大腳地浪費空間，設計了兩個互相對稱的樓梯廳，但只有其中一個建成。然而，僅只這一個就足以賦予這宏偉的內部空間一種壯觀的氣氛了，並且，這種氣氛又由此傳給了前廳、花園廳和朝覲廳等一系列建築（圖207）。威尼斯人堤埃坡羅在樓梯廳和朝覲廳畫的天頂畫，把建築藝術的魅力發揮到了無可比擬的程度。天花板被 600平方米的巨大天頂畫化解為五顏六色的光，它們就像是從敞開的天空射進室內來的。這天空充滿了光怪陸離的形象，它們巧妙地掩蓋了建築與繪畫的界限（例如，狗就像是站在凸出的橫線飾上）。石膏花飾也擠入了畫中，而畫中的人物則利用他們手上的雕塑物品佔有建築空間。憑借著這種幻覺手法，實現了繪畫、雕塑和建築藝術的完全統一。
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洛可可藝術概念
1、意義與背景

洛可可藝術(Rococo art)是法國十八世紀的藝術樣式，發端於路易十四（1643～1715）時代晚期，流行於路易十五（1715～1774）時代，風格纖巧、精美、浮華、繁瑣，又稱「路易十五式」。
十八世紀被看成是「理性的時代」或「啟蒙運動」的時代，哲學家從過去假設上帝存在進而推論所有事物的工作，轉換為依據實驗和觀察的理性方法去推論世間的萬象，幾乎將神學從哲學中剔除，選擇傾向世俗的路線，趣味從注重高尚的教化轉向尋求輕浮的快感。藝術的風格，在音樂家莫札特、海頓，文學家蒲伯、艾狄生、福爾泰，畫家華鐸、康斯博羅中，貫穿著一種共同主題，它把理性與優美趣味同輕松、明晰、秩序井然的材料相互配合起來。
路易十四常在凡爾賽宮開各種舞會，藉著繁瑣的禮儀與無意義的職務折騰貴族們，再以富麗堂皇的宮廷裝飾營造悠閑的環境，有利搞風流韻事，以便消耗貴族們的精力，使他們無暇去策劃造反。因此藝術家授命編造一種理想生活的極樂世界情景，其唯一的目的是塑造出一個悠閑的、實際上是懶惰的社會快樂。
洛可可是相對於路易十四時代那種盛大、庄嚴的古典主義藝術的，這種變化和法國貴族階層的衰落，與啟蒙運動的自由探索精神（幾乎取代宗教信仰），及中產階級的日漸興盛有關。
洛可可在形成過程中還受到中國藝術的影響，特別是在庭園設計、室內設計、絲織品、瓷器、漆器等方面（如《中國人物小陶瓷》，麥爾，德國，1768）。由於當時法國藝術取得歐洲的中心地位，所以洛可可藝術的影響也遍及歐洲各國。
洛可可藝術的繁瑣風格和中國清代藝術相類似，是中西封建歷史即將結束的共同徵兆。
2、詞源與含義

從詞源來看，rococo 一詞與法語rocaille（岩狀飾物）相關。早在17世紀，法語rocaille 一詞常用以稱謂岩洞，（也有一說即文藝復興時代傳到義大利的中國假山設計），和庭園中的貝殼細工，travail de rocaille (岩狀工藝）為 travail 的同意語。洛可可即由「岩狀工藝」和「貝殼工藝」引伸而來，指室內裝飾、建築到繪畫、雕刻以至傢具、陶瓷、染織、服裝等各方面的一種流行藝術風格。
洛可可的另一種解釋初見於《法蘭西大學院詞典》，指為「路易十四至路易十五早期奇異的裝飾、風格和設計」。有人將「洛可可」與義大利「巴洛克」相關連，把這種「奇異的」洛可可風格看作是巴洛克風格的晚期，即巴洛克的瓦解和頹廢階段。
3、洛可可藝術的特質
①曲線趣味，常用C形、S形、漩渦形等曲線為造形的裝飾效果。
②構圖非對稱法則，而是帶有輕快、優雅的運動感。
③色澤柔和、艷麗。
④崇尚自然。
⑤人物意匠上的諧謔性、飄逸性，表現各種不同的愛，如浪漫的愛、性愛、母愛等。
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雕塑
從維爾茨堡的實例可以清楚看出，在巴羅克晚期要明確地區分建築和雕塑是頗不容易的，因為雕塑起裝飾作用，是統一在建築藝術品的整體范圍之內的。有時，它也會反過來起到賦予建築物審美意義的作用，就像韋爾頓堡修道院教堂那樣（圖208）。在這里，建築方案是讓聖喬治祭壇處於「適宜的光線之中」。出於這個理由，建築師科斯米斯·達米安·阿薩姆只讓教徒大廳有較暗的光線，而且用一個巨大的上部建築遮住祭壇，從而使教徒處於神秘的幽暗之中。但是，他在祭壇後面的廳里開了個很大的窗戶，讓耀眼奪目的光線從窗戶涌進來，直達中堂。而他的兄弟埃吉德·奎林·阿薩姆則在這個熠熠閃耀的光源中心安放了聖喬治的騎馬立像，從後面間接給塑像以效果顯著的光線。這位聖徒在祭壇的檯子上就像一個超凡的幻像，周圍是神聖的光輝，給處於黑暗中的塵世以救助和光明。一個宗教事件在這里變成了熱鬧的戲劇表演，恰與當時的劇院相類似，因為劇院也在演出敘述超凡故事的戲劇。
巴羅克晚期雕塑藝術的戲劇特點還可以用當時採用的材料來證明。因為一切都是針對感性效果和令人眼花繚亂的第一印象的，所以不是選用砂岩或大理石，而是採用質地較差的材料，如大理石膏（把碾細的彩色砂岩與石膏混合，再澆制並磨光），或者木頭，然後再給木頭塗上一層模擬石頭的顏色。這種塑像不能仔細觀賞，也就是說要起一定的蒙蔽作用，就好像舞台上的布景那樣。
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繪畫
無拘無束地盡情戲耍的樂趣，擺脫一切思索而獲得感官快樂的樂趣，在這個時期的繪畫中得到了或許是最完美的表現，因為它不需要理性的協助就能直接使眼睛感到滿意和愉悅。由於有了洛可可瀟灑風雅的繪畫，早在「為藝術而藝術」這一概念形成很久之前，我們就見到了一種需要由其自身而不是由其內容來評價的藝術。
這種輕松愉快在華托的新畫種中表現得最為完美，因而使他獲得了學院特意為他創造的「風流慶典大師」的頭銜。他的作品主要有《發舟西苔島》，西苔島是一個崇拜愛情女神阿佛洛狄忒的希臘島嶼。它就像游園會上的一場超脫塵世的表演，正如當時在貴族府邸里流行的那樣。在愛情島那閃耀著希望之光的遠景前面，戀人們的隊列在一種飽和的溫暖色彩當中移動，使人與自然超出朦朧的輪廓相聚，踏上一隻周圍有小愛神盤旋的、揚著玫瑰紅色船帆的金色小船里。男士們殷勤風雅，女士們身著絲綢衣裙，儀態萬方，還有那種求愛、矜持和順從的表情之嫵媚，這一切都賦予周圍景緻以遠離塵囂的寧靜和詩意的氣氛，從而體驗到人的最溫柔的情感。這是一個外表優雅的世界，與宮廷的現實毫無關系，藝術家並不想向觀賞者隱諱這點。因為正如他的畫面上的演員都是那個時代的社會的理想人物一樣，景色也是一塊只能夢想出來的樂土，正像在溫馨、明亮的色調中自然形態失去了其真實性，而化為純繪畫的結構那樣。
半個世紀以後，就像華托所了解的那樣，在弗拉戈納爾那裡，這永遠也唱不完的愛情詩演變成了一場淺顯的愛情游戲。鞦韆上的那位女士——據說是一位富有的男爵的戀人——代表了18世紀的婦女普遍喜愛扮演的一個角色：在與她的多情戀人演出的二重唱中，飾演嬌小玲瓏、賣弄風情的牧羊女。一幅奇妙的公園景色，在淺淡的色調中像布景似的不真實，是這首田園小詩發生的地點，散發出一種天真游戲的氣息，可是又不無刺激。女士是那種既天真又成熟的類型，正是洛可可風格崇尚的類型，善於以巧妙的天真來實現自己的目的。在這兒，鞦韆能使她不受直接的糾纏，這種感覺鼓勵她極盡賣弄風情之能事。她毫不在意地讓她的寬大裙衫飄舞，讓戀人見到迷人的情景。依然不大明確的是：那隻興高采烈地高高盪起的鞋到底是對著誰的呢？是那位男士還是那位被牽扯進來的小愛神塑像？在背景上還有第三個演員，他負責推鞦韆——那麼，他是一場三角戀愛的參與者嗎？
但是，洛可可風格這種無憂無慮的、往往顯得輕佻的舉動，在繪畫中不只是得到了欽佩與認可，它有時也引起了對這個社會進行批評的意見。英國人威廉·荷加斯就是這樣。他以一系列既是諷刺又是譴責的漫畫抨擊了他那個時代的傷風敗俗。它們得到了公眾的喜愛，但並不是由於其社會批評和道德教育的目標，而是由於那種寫實的幽默的表現方式。因此，這種抗議對相關的人和事並沒有什麼效果，只有革命才會對這種譴責作出評判。
我們從現代的角度審視18世紀的洛可可藝術，應該說蓬帕杜夫人是那些喜歡豪華風格者的代表人和組織者，有「眾望所歸」的特徵。所以，才有洛可可風格作品出現後在貴族引起「共鳴」的時尚。也可以說，貴族們崇尚華麗的風氣，誘發了洛可可藝術。當時上層社會的男男女女無不熱心並親自參加工藝活動，以至於這些舉動有的達到令人譏笑和荒誕不經的地步。16世紀，當衰敗的瓦盧瓦王的國王查理九世答應送給西班牙國王一支他親自製作的槍時，那位西班牙大使為之驚詫不已。18世紀，路易十六的妻子瑪麗成天抱怨她的丈夫沉湎在他的作坊中，甚至無暇顧及妻子，路易十六在他的作坊中潛心鑽研的是鍾和鎖的奧秘。在這兩例中我們似乎瞥見了那些把命運強加於他們身上的角色不相適應的悲劇性人們。這些人在體力勞動中發現了一個聊以自慰的世外桃源。但這對於不理朝政的帝王來說卻是不祥之兆。
風靡一時的奇想多變的洛可可風格隨著蓬帕杜夫人的亡故而終止，被路易十五另一情婦杜巴利夫人倡導的新古典主義而取代。但是，洛可可風格的璀璨之處，自有它超時代藝術生命力所在，現代人都公認它是19世紀下葉新藝術運動的前奏。而那些倖存的藝術精品，至今還散發著光芒，並向人們述說著那個歲月的時尚和人們不知道的故事。
法國洛可可繪畫
洛可可風格的繪畫以上流社會男女的享樂生活為對象，描寫全裸或半裸的婦女和精美華麗的裝飾，配以天堂般的自然景色或異鄉風景（如威尼斯、羅馬）奇物（向日葵、玉米等）。它一方面不免浮華做作，缺乏對於神聖力量的感受；另一方面卻以法國式的輕快優雅使畫面完全擺脫了宗教的題材。愉悅親切、舒適豪華的場景取代了聖徒痛苦的殉難。
著名畫家如：
華鐸（A.Watteau, 1684～1721），路易十五時代的宮廷畫家，他的畫看來如夢一般的生活情景，令人嚮往，產生愉快之感，紳士淑女們在森林中嬉戲、野餐，人物表情顯得優雅。其風俗畫畫風即所謂的「野宴」，被譽為「繪畫中的莫扎特」。代表作《到西西瑞島朝聖》（1717，巴黎羅浮宮）、《小丑》（約1718，巴黎羅浮宮）。
布雪（ Boucher, 1703～1770），專長在「牧歌」和「神話」為題材的繪畫，十足的貴族趣味，是隨侍國王的首席畫家，龐芭杜夫人（路易十五的情婦）的繪畫老師。代表作如《黛安娜入浴》（1742，巴黎羅浮宮）、《棕發女奴》（約1743，巴黎羅浮宮）、《龐芭杜夫人》（1756，慕尼黑老繪畫館）。
弗拉哥納爾（J.H.Fragonard,1732～1806），以華麗的沙龍生活為樂，以當代風俗為主作畫，用輕快的筆觸表現抒情、風雅的誘人畫面，代表作如《閱讀的少女》（1776，華盛頓國家美術館）、《盪鞦韆》（1766，倫敦華萊士藏）。
夏丹（ J.B.S.Chardin, 1699～1779），從靜物開始登上畫壇，而擴及人物肖像畫，非宮廷貴族的場景，僅是傳達一般平民單純而有節制的快樂，善於以沈著、樸素的色彩描繪以市民生活為題材的風俗畫。代表作廚房靜物畫《魟魚》（1728，巴黎羅浮宮）、《從市場回來》（1739，巴黎羅浮宮）。
其他：
弗朗索瓦·布歇（Francois Boucher）
讓·安東尼·華多（Jean-Antoine Watteau）
讓·雷諾雷·費拉戈納爾（Jean-Honore Fragonard）
瑞諾茲 （Sir J. Reynolds ）創辦皇家美術院「瑞諾茲派」
根茲博羅 （Thomas Gainsborough ）「根茲博羅派」
隆尼（ G. Romney ）
英國的繪畫
英國到十八世紀才有獨特本國風格的繪畫出現，雖然也採用洛可可樣式，但不大考慮貴族的需要，無論在風俗畫、肖像畫或風景畫上，都能反映英國現實生活和民族思想感情。
著名畫家有：
霍加斯（W.Hogarth， 1697～1764），平民畫家，吸取洛可可藝術瀟灑地運用色彩的一面，善於使用近乎諷刺畫的技巧，深刻沈痛地鉤劃出時代的弊病，代表作《流行婚姻：婚後》（1743～45，倫敦國家畫廊），諷刺破落的貴族強迫他們的繼承人同富商女成婚，卻因無感情基礎而產生的悲劇；《捕蝦女》（1745，倫敦國家畫廊），描繪一個性情開朗、富有生氣的瘦弱的貧家姑娘，打破傳統肖像畫以表現庄嚴、高貴氣質為主的樣式。其理論著作《美的分析》，闡述曲線是最美的線條，多方面舉例說明變化與統一法則在藝術中的運用。
雷諾茲（Sir J.Reynolds，1723～92），模仿義大利古典大師的精華，關心高尚的題材，如「史畫」，人物尊貴動人，但不重質感。除為人製作肖像畫外，對神話景象、古代歷史插曲有興趣。他於1768年創立皇家美術學院，要求藝術家如希臘羅馬一樣，也能創造出理想的人體，表達崇高的原則和純潔的美。代表作《高尚的奧古斯都》（1753～54）、《尼麗·厄布來恩》（模特兒畫像，1760 ～62，倫敦華萊士藏）、《海爾閣下》（1788-89，巴黎羅浮宮）。
康斯博羅（T.Gainsborough, 1727～88），受范．戴克影響，繪畫表現不落俗套，膚色、質感技巧成熟，此點勝過雷諾茲。除畫肖像畫外，對風景畫特別有興趣。代表作《安德魯斯夫婦》（1750，倫敦國家畫廊）、《何奧公爵夫人瑪莉》（1760，Iveagh Bequest Kenwood）。
義大利
提埃波羅(G.Tiepolo,1696～1770)，十八世紀威尼斯派最突出的代表畫家，他的風格以繼承提香和喬爾喬尼明亮的色彩與柔和的效果為特徵，其作品最大的魅力是人物形象英資勃勃、色彩明快富有感染力。也是最傑出的壁畫家、版畫家和漫畫家，曾應邀到當時歐洲各國為王室作壁畫，最著名的作品是德國費斯堡的天頂壁畫（天花板），此畫充分反映洛可可藝術的漂亮、風雅和輕松的特點，《聖母與握金翅雀的聖嬰》（1760，華盛頓國家美術館）也有相同的格調
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時裝與傢具
巴羅克時裝跟樣式主義和西班牙時裝的那種幾何形狀的嚴謹相反，深受生氣勃勃的生命意識影響，這是與建築和造型藝術的情況相同的。輪狀細褶皺領過去曾跟平展的或者襯墊的衣領形成鮮明的對比，而現在不經漿硬地垂下來，後來又乾脆讓平披在肩上的花邊領取代了。帽子都有寬邊，可以按各人的氣質製成寬式、高式或斜式，頭發自由散披。如果缺少天生的頭發，可以用假發。自路易八世起，特別是在法國，假發成了給人印象最深的特徵。那種長假發在頭頂部位蓬鬆鬈曲，然後分為兩翼垂至肩上和胸前。
男裝仍繼續採用那種下擺寬松的上衣，也可以緊貼腰身縫制。衣袖為花邊袖口，或者是只有胳臂四分之三那麼長的短袖，露出裡面的鑲了花邊的襯衫。褲子呈袋狀寬松地垂至長襪處，在那兒用玫瑰花飾帶子系起來。1675年前後，男裝出現了迄今仍然流行的三件套。上衣演變為長至膝蓋的坎肩，外面再套裝飾頗多的緊貼腰身縫制的外套，褲子是細長至膝的短褲，下面是絲織長襪和帶扣襻的鞋子。
巴羅克女裝放棄了西班牙鍾式裙那種幾何形狀的嚴謹，可是保留了寬大的髖部和緊身的胸衣。在一條顏色不同的襯裙外面，套鍾形的長裙，大多在前面打褶襇，身後拖著裙裾。洛可可女裝變得愛賣弄風情，有褶襇、荷葉邊、隨意的花邊和隆起的襯裙。一種穹頂形的鯨骨圈取代了古老的鍾式裙，造成了巴羅克晚期那種典型的女性剪影效果，從過於寬大的裙子到瘦削的肩膀，再到發型高聳的頭部，整個人顯現出一個圓錐形。
傢具在巴羅克時期增加了沙發床、寫字台、壁桌、抽屜櫃（老式抽屜櫃的一種改進型）和軟墊靠背椅等品種。跟當時的所有傢具一樣，軟墊靠背椅既穩且重，有一個向後傾的靠背，在雕花的有棱椅腿（不再旋削成圓形）之間，有桌子上普遍有的那種X形或H形的撐條。市民的巴羅克傢具愛用天然木料（實心的或者貼面的），而貴族用的傢具則往往要鍍金，顯得很華貴。
洛可可傢具從其裝飾形式的新思想出發，特點是把截為弧形發展到平面的拱形。圓角、斜棱和富於想像力的細線紋飾使得傢具顯得不笨重。各個部分擺脫了歷來遵循的結構劃分而結合成裝飾生動的整體。呆板的欄桿柱式桌腿演變成了「牝鹿腿」。面板上鑲嵌了鍍金的銅件以及用不同顏色的上等木料加工而成的雕飾，如槭木、桃花心木、烏檀木和花梨木等等。伴隨著路易十五時代的終結，這種有史以來最華麗、最風行的傢具風格才告結束。
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建築
洛可可建築的外型滿足於有節奏的布局、自然的建材或加上一層簡單的色調，而內部裝潢則五彩繽紛，形式多樣。最大特點是明顯帶有人生的享樂主義思想，它是人生現世享樂生活的舞台，主要體現在王宮貴族為自己修建的宮殿上。
巴洛克建築和洛可可建築比較：前者講究線條的韻律感、量感、空間感和豐富而有變化的立體感，並帶有繪畫般的效果。後者在前者的基礎之上更講究壁面的形式美，利用繁復多變的曲線和裝飾性的繪畫布滿壁面，甚至利用鏡子或燭台等使室內空間變得更為豐富，喜歡用舶來品（如中國瓷器、日本漆器、東方絲綢與掛毯、非洲珠寶、義大利水晶燈等）裝飾室內。
室內裝潢通常以白色為底，利用花朵、草莖、棕櫚、海浪、泡沫或貝殼等作為裝飾的圖案，帶來一種異常纖巧、活潑的趣味，但卻破壞了建築的均衡、莊重和安定的感覺，尤其是使用金、白、淺綠、粉紅等刺眼的色彩，更令人眼花繚亂，這種繁瑣、矯揉造作的風格，實在是裝飾藝術的極端。
代表作品:波夫朗（ G.Boffrand , 1667～1754），巴黎《蘇比茲宅邸》 (1736-9，例如內部的公主大廳）。德國費斯堡（Wurzburg）住宅內的《凱瑟大聽》（Kaisersaal，1749～1754），由建築師諾曼（B.Neumann,1687～1745）領導興建，提埃波羅（G.Tiepolo,1696～1770）負責裝飾天花板上的繪畫（1753）。
代表作品
波夫朗（ G.Boffrand , 1667～1754），巴黎《蘇比茲宅邸》 (1736-9，例如內部的公主大廳）。
德國費斯堡（Wurzburg）住宅內的《凱瑟大聽》（Kaisersaal，1749～1754），由建築師諾曼（B.Neumann,1687～1745）領導興建，提埃波羅（G.Tiepolo,1696～1770）負責裝飾天花板上的繪畫（1753）。 丹麥皇宮也是標準的洛可可建築。