花卉水彩靜物

A. 求推薦兩本色彩靜物的書，主要用來臨摹，我是初學，老師說先臨摹單個物體。最好能網購到的，學校比較偏僻

基礎色彩(第1冊):色彩靜物 [平裝]作者：王海平
水粉畫是用水調和含膠的粉質顏料繪成的色彩畫。它以色彩艷麗、明亮、柔潤、渾厚為特點，具有較強的覆蓋力，且易塗易改。它既可以吸取水彩畫的薄畫技法，也可以像油畫那樣渾厚扎實地深入刻畫。水粉畫作為一個很受歡迎的獨立畫種，它也有著自己的使用工具和材料，同時也有自身的表現技法。水粉畫工具簡單，製作方便。本書是專門針對初學色彩靜物的繪畫者編寫而成，全書盡可能地把一些理論知識形象化，圖例清晰，所舉的畫例均是常見，而又必須掌握的，對一些常出現的錯誤給予了糾正，簡潔明了，而又內容豐富。
第一章 概述
第二章 工具與材料
第三章 色彩的基本常識
一、什麼是色彩
二、為什麼要學習色彩基本知識
三、色彩的原色、間色、復色
四、色彩的要素
五、色性
六、固有色、光源色、環境色
七、色調
第四章 基本技法
一、干濕技法
二、筆觸
三、調色常識
第五章 蘋果寫生
第六章 香蕉寫生
第七章 大白菜寫生
第八章 可樂瓶寫生
第九章 瓷器寫生
第十章 啤酒瓶寫生
第十一章 布紋寫生
第十二章 單個靜物寫生訓練
第十三章 靜物的構圖
第十四章 花卉和水果寫生
第十五章 酒瓶、酒杯、水果、捲心菜寫生
第十六章 白菜、蘿卜、西紅柿、酒瓶寫生
第十七章 水果為主的靜物組合寫生
第十八章 鋼精鍋、塑料油壺、洋蔥、蘿卜、不銹鋼器寫生
第十九章 書本、顏料盒、調色盒、畫筆寫生
第二十章 色彩的質感表現
第二十一章 常見的幾種弊病及解決方法
第二十二章 作品評析

B. 如何自學畫好水彩畫

自學畫好水彩畫，簡單來說就是：
• 多看，看畫畫書，看畫家怎麼畫，看不同的畫，看的越多越好。豆瓣、視頻網站都有很多大神可以學習。
• 多試，試不同的紙、筆、顏料，試不同的畫法。
• 多畫，練習會提高技巧，這個不用特意說了。

水彩畫概述：水彩畫是用水調和透明顏料作畫的一種繪畫方法，簡稱水彩，由於色彩透明，一層顏色覆蓋另一層可以產生特殊的效果，但調和顏色過多或覆蓋過多會使色彩骯臟，水乾燥的快，所以水彩畫不適宜製作大幅作品，適合製作風景等清新明快的小幅畫作。
水彩畫的特點：水彩畫，是指以水作為媒介調和膠質顏料來完成的繪畫。18、19世紀的英國水彩畫，給水彩畫的表現力和發展注入了全新的活力，使之成為一門獨立的藝術。由於水彩畫的材料特性，使它具有鮮明的特點。
水彩畫的起源與發展：水彩畫是一個既古老而又充滿了活力的畫種。如果把用水作為調和顏料媒介的繪畫都視為水彩畫，那麼它的歷史可上溯至人類的舊石器時代。
水彩畫在繪畫訓練中的作用與地位：水彩畫作為獨立畫種，自19世紀傳入中國，很快就被中國民眾接受，並在中小學里普及開來。現在，不僅美術院校開設水彩畫教學課程，而且在其他高校， 還有中小學美術及色彩基礎教學中，均採用水彩和水粉來組織教學，培養學生的色彩表現能力，使學生掌握色彩的基本規律和知識。
水彩畫的工具：對水彩畫來說選擇適用的畫筆是很重要的，專用的水彩畫筆大致有平頭和圓頭兩類。大部分水彩畫筆是用天然與合成材料做筆毛，也有價格昂貴的貂毛畫筆。
色彩原理：色彩是水彩畫的重要表現手段和語言，學好水彩畫首先要了解色彩的基本 原理、基本知識，了解自然界色彩的變化規律以及色彩如何在水彩畫中進行運用。
色彩常識：
一、色彩的混合與變化，
二、色彩的三要素，
三、色彩感覺的心理因素
四、色彩的生理反應 ( 色彩感覺的生理因素 )
色彩在繪畫中的應用：色彩應用於繪畫 , 首先必須了解描繪物象的固有色、光源色、環境色以及它們之間的相互關系和變化。
色彩寫生的基本方法：色彩寫生是訓練和提高色彩觀察力和表現力的有效途徑。要使自己激動畫出的畫才能動人。畢加索有句名言：「要使被描繪的普通的罐子都會感受到在吶喊。」
水彩畫特有的表現方法：水彩畫側重於光色的觀察，可以說光是水彩畫的生命，水彩畫是以表現物象的光色變化為其主要造型於段。
干畫法：干畫法是指前一遍色彩干透後，再進行多次重疊與覆蓋的作畫方法。干畫法在行筆運色過程中筆觸與水跡明顯，不需要水色衍接，運用色塊和色塊之間的銜接塑造形象。
濕畫法：濕畫法是在濕潤的紙上或尚未乾透的色層上再上一遍色彩的作畫方法。畫面的色彩在未乾時相互流動，形成水色交融、濕潤柔和的效果。
水彩畫的肌理運用：表現不同物體質感的肌理效果，是水彩畫的特殊技法之一，其目的是提高水彩畫的表現力，肌理是由顏料或各種相關工具材料通過各種不同的手段而形成的各種不同的畫面效果，這種製作方法通常指用筆以外的工具幫助完成的特殊手段。
水彩畫的特殊技法：水彩畫的技法是多種多樣的，畫者可根據不同對象的需要，採用適當的技法來表現。水彩畫的特殊技法即是用特殊的工具材料和手段，造成特殊的效果。
水分的掌握：水分的運用和掌握是水彩技法的要點之一。水分在畫面上有滲化、流動、蒸發的特性，畫水彩要熟悉「水性」。
「留空」的方法：與油畫、水粉畫的技法相比，水彩技法最突出的特點就是「留空」的方法。一些淺亮色、白色部分，需在畫深一些的色彩時「留空」出來。
水彩畫的調色與運筆技巧：水彩畫顏色的調配，可以採取以下幾種方法：即混合法、溶合法、重置法以及並置法。應注意的是作畫過程中，根據畫面需要靈活運用。
水彩畫的作畫方法步驟：水彩畫寫生的全過程可分為：准備、構圖、著色、調整充實等四個階段。這四個階段又是連續地一氣呵成的，不能機械地分開，每個階段均有明確而具體的要求。
靜物畫概述：靜物畫是繪畫的體裁內容之一。如水果、蔬菜、生活用具、學慣用具、體育器械、樂器、花卉等等，內容非常廣泛。
靜物的選擇、配置：水彩靜物寫生一般都在室內進行。室內光線穩定，描繪的對象靜止不動，可以自由選擇、組合和搭配。
室內色光的變化規律：室靜物的採光，一般分頂光、側光、逆光和平光四種。室內靜物一般是間接受光，光線穩定且弱。間接受光主要是受天光的影響，所以光源色偏冷，物體的受光部也都偏冷，而暗部則都偏暖。

C. 畫水粉靜物有啥技巧呀

都瞎扯！。我不那麼畫也考上美院了，怎麼畫都行，只要畫的好，看美院附中的書或美院學生的書，感覺對就性，其他的話別信，其他的書別看

D. 怎樣畫水彩畫-(8)靜物-水彩花卉的畫法

靜物畫，是指以表現現實生活中靜止物象為內容的繪畫。凡具有審美價值的、靜止的物象都可以作為靜物畫的描繪對象。對靜物的描繪可作為獨立的畫科進行教學和創作，也可以成為繪畫作品的有機組成部分，還可以作為造型基礎訓練的重要手段。由於靜物的造型往往比較單純，靜止不動，置於室內，受光狀況常較穩定，可根據畫者的需要和能力組合描繪，對培養觀察、分析對象的能力和提高繪畫技能是條有效途徑。因此，中外均採取靜物寫生形式進行繪畫基本功訓練。對於初學者，這種形式尤為適宜。 水彩花卉的畫法 花，色彩艷麗，形態多姿，為人們所喜愛，為畫家所描繪。畫家描繪花的美姿，不但可以美化生活，振奮精神，而且可以借花的美質表現一種精神和品格，給人以美的享受和熏陶。然而，由於花的種類繁多，形狀、色彩、姿態各異，加之其質地柔軟、透明、鮮嫩，更增加了表現的難度。畫花卉是繪畫基礎訓練中較難的課題。 花有數千種，各有特色，不能一一談及。但從其外形分析，不外乎有大花和小花、單瓣和復瓣的差異。結合《丁香和波斯菊》一畫談花的畫法，就可側重介紹中小型花和單瓣花的畫法，並推及大花和復瓣花頭的畫法，有舉一反三之助。下面具體談談《丁香和波斯菊》一畫的繪制過程。 設置：丁香花小而碎，多個花頭長在一起，近似串串葡萄，姿態多樣，色彩優美，為了豐富畫面，則又尋來幾枝波斯菊，插入玻璃瓶置於丁香花的偏後部位，桌面仍感空虛，便隨意撒放了幾個花瓣。兩瓶花安放好後，作者對花的主次、疏密和不同朝向進行了調整，形成了淺灰色背景托深色花，深色花襯淺色花的狀況。這樣，一個主次分明、層次清楚、疏密適當、統一而有變化的靜物設置就顯現出來了。 構圖：根據整個靜物的組合狀況，採用了橫幅構圖。勾畫輪廓時研究了整個靜物的外形變化和留空狀況，使其既不擁擠又不空虛，外形具有節奏變化。為了表現花和葉的生動姿態和組合狀況，對花和葉的大小、疏密、前後、隱顯以及俯、仰、向、背進行了認真觀察和勾畫，主要花勾畫細致，輔助的花和葉僅勾畫其外形。這樣在勾稿時就分清了主次，給著色用筆留下了創造的餘地。 著色：著色前對整個靜物的色彩組合狀況進行了觀察，對著色方法和程序亦作了分析和安排。這組靜物比較明亮，黃灰色環境包圍著紫色和紅色兩組花束，紫、紅兩色花束又襯托著明亮的淺色花頭，色彩艷麗、層次分明、主題十分突出。著色以干濕畫法相結合，從淺到深較為適宜。根據這種分析，塗繪大調子時，從淺色花頭和水罐畫起，僅畫出淺淡的基色；然後將紙染濕，用大筆接畫背景並力求一次畫准；在背景未乾時就重疊模糊而虛遠的花和葉，井逐步畫向較清晰的及至玻璃瓶和桌子。主要花頭和前突的部分物象，等大體色干後用干後重疊法再進行加工。這幅畫朝前的淺色花頭是重點描繪對象，丁香花小而碎，加工時未一一刻畫，主要是畫出花頭組合的大的形體、色彩、明暗和層次，在其基礎上僅對個別突出花頭進行加工；波斯菊是單瓣花頭，視其單薄但有體積，描繪時我抓住它俯、仰、向、背的不同朝向，花瓣起伏及其轉折的表現，其體積狀況就顯現出來。 花難畫主要有兩方面難題：一方面是因為花的種類繁多，形色多樣，俯、仰、向、背更是變化復雜；另一方面是花束組合，外形起伏多變，花葉四散難以表現。描繪花主要在於先畫好花頭的形體起伏和明暗色彩變化，以體現其基本形體特徵和色彩，在此基礎上再抓住個別突出花瓣深入描繪，以表現其個別特徵和生動姿態；表現花的組合，首先要把握花束組合大的外形變化，然後再分組描繪其內部起伏，並靠虛實和不同朝向體現其花葉四散的整體形態，這是畫花的基本方法。總之，畫花要研究其自然生長規律，並遵照藝術規律去概括處理，任何復雜的花束都能真實、生動和藝術地表現出來。

E. 如何去學習插畫水彩

水彩畫不僅作為一種藝術風格，還因其透明、水韻，暢快、雅緻，善於表達意境的特點，被廣泛應用於書籍、雜志、廣告、動畫等等領域中。又因水彩畫材料簡捷方便的特性，剛好與商業插畫追求效率的時效性吻合。水彩的高難度，是總所周知的，想要成為一名具有職業素養的專業水彩插畫師，需要有一個系統全面的學習過程方能實現夢想，下面讓我們看看成為一名專業水彩插畫師的求索道路吧!
一 准備材料(來自知乎 祁nana)：
紙畫水彩，可以在顏料上，筆上省錢，只有紙，一定要質量好的。紙的好壞能直接影響你的畫畫感受、樂趣。讓你走好多不必要的彎路。可以買現成的4開，也可以從畫具店買最大開的，裁成小塊來畫。
水彩顏料 馬利水彩 很多國外的論壇都給了它很好的評論。性比價是最高的。畫一陣子後，對顏色有更多的要求可以去試一試溫莎，史明克，daniel
smith等牌子的水彩(當然還有好多別的，我就不一一舉例了)。好多水彩都分學生級和畫家級。建議是不要急著去買更多更好的顏色。熟悉並能很好的運用手頭上有限的顏色，會讓你更好的了解色彩的使用、混合。更多的顏色只會讓選擇變得更困難。
毛筆這么多的筆真的會讓人看的眼花繚亂呢!有必要提醒新手，剛剛開始畫，經費有限的話，只買一根貂毛的6號圓頭毛筆就夠了。買的時候注意毛筆尖在沾水後一定要能形成一個尖。2號、4號可以根據需要看著買。畫極細致的也可以考慮0-1號。纖維毛筆吸水不如貂毛多，適合畫暈染較少的畫。畫插畫類的小畫時用纖維筆，水少，好控制，容易畫出細節。用過溫莎家的學生系列套筆，個人覺得非常好用。貂毛筆水彩里最常用的就是貂毛筆了。吸水足，觸感好。當然還有松鼠毛等其它的一些，不過沒有貂毛好用。找個順手的毛筆就能開始畫。
調色盒
抹布
水桶

F. 水彩靜物創作論文

作為一個特殊形式的繪畫藝術——靜物畫，大約產生在古希臘時期，到17世紀初靜物畫發展基本成熟。17世紀以後在義大利、荷蘭、佛蘭德斯、法國等地景物畫逐漸發展成為繪畫的主要樣式之一。在現實生活中，靜物畫常常以生活里使用的器物、花卉植物和動物作為描寫對象而進行的繪畫，不同時期的靜物畫體現著不同時代的形式和風格，體現著不同作者的思想感情和審美意識。靜物寫生時，構圖是一個重要的環節，基本要求是必須美觀。美觀有無數個說法，仁者見仁，智者見智，不管怎麼說，最終要使觀眾認可，比如畫面構圖穩定或者富有動感等。靜物畫要體現出作者的審美觀，讓別人能從畫面中體會到作者的思想，通過畫面中物體的擺放看出作者的匠心。所以，對待靜物，我們要能寄物於情，寄情於物，把物擬人化。一組好的靜物畫構圖，使人感覺到它們不是物，而是能表現出像人一樣的組合，或者和諧，或者相互欺壓，或者親近，或者關系疏遠，實際上這都體現了作者對物的一種感悟，一種賦之於人性的表現，也就是物我合一，心與神遇——從物中反映出畫家所寄託的情思。這一點，在很多大師的靜物繪畫里表現得十分明顯。例如，17世紀荷蘭小畫派的靜物畫家們，他們描寫魚、水果、花卉等物，雖畫幅不大，但構圖安排巧妙，使荷蘭人看著特別親切，這就是因為他們的作品反映了荷蘭市民生活的安寧以及與自然物的親密關系。靜物雖然是些普通的東西，但它是人類在生活過程中創造的成果和大自然賜給人類的天然物品。畫家通過繪畫表達了心中的情感，才更容易引起人們對自然的共鳴。可見任何一幅優秀的靜物繪畫作品都離不開畫家的情感表現，可是如何才能在繪畫中寄情於物呢？
一、寄情於物要在物象組合及色調設計中體現。靜物寫生創作中，對整幅畫的色調設計是應賦之於情感，色調設計必然是由畫面中組合的所有物體的色相合成。唐代張彥遠認為「經營位置，則畫之總要」，因而在構圖時，不同色相的物體擺放穿插組合需要周密考慮，不僅要考慮物體之間的高與低、寬於窄、方於圓的搭配，還要考慮物與物之間的色彩冷暖對比、色彩和諧、色調情趣等綜合因素。例如，後期印象派畫家凡·高的靜物畫《向日葵》之所以有獨特的藝術魅力，就是因為他的畫面里總是洋溢著一種發自內心的呼喊。凡·高一生畫了多幅向日葵靜物油畫，但都表現出了生命對金黃色的日出和日落的光芒的嚮往，對太陽的光明的迷戀。對他來說，黃色就是太陽的顏色，就是光和熱的象徵，是光明和輝煌的象徵。他通過繪畫告訴了人們他一生都在追求一件世界上最簡單、最普通又是最不平凡的東西，這就是太陽。在他的靜物畫里，他把顏料中的黃色「家族」運用得五彩繽紛、絢麗奪目。他的《向日葵》似乎把自己的愛情都灌入靜物畫里，讓我們看到他彷彿在懷著火一樣熾熱的感情在描繪靜物。我們可以看出，凡·高的靜物畫很注重自我精神的抒發和對創作主體的客觀寫意，因而在他的靜物寫生創作中，色調設計是重要的環節。
二、寄情於物要在鋪大色調中去把握。在靜物寫生過程中，鋪大色調時就應考慮寄情的因素來表現物與物之間的大的色相區別。另外，我們還要根據擺放的靜物色彩組合，去分析、去感覺總體畫面的調子到底是藍灰還是黃灰，是綠灰還是紅灰等，或者說是冷調還是暖調。它有時像音樂曲調一樣能表現低沉、歡快、高昂、優雅和抒情等情調。畫大色調時,用筆、用色要概括，要抓住大體的明暗關系中的色彩冷暖關系，對於初學者而言，要遵循素描中的五調子關系去分析色彩，去觀察色彩，才能真正使色彩依附於形體，才能學會用色彩去表現物體的體積感、量感。此外，對物體進行概括歸納，對塊面色彩推移，不要顧及小的細節，小的色點，要學會捕捉大的色相關系，從宏觀入手，就像木匠師傅對一棵帶有樹皮的木頭，首先根據需要劈出方形還是圓形的大致輪廓，而不是一開始就去精雕細刻。木匠如此，畫家也應如此，做任何一件事都是遵守這樣的規律。靜物寫生要寄物於情就必須在確定大色調的基礎上再對每一個物體進行深入的刻畫。

G. 畫色彩靜物畫應注意些什麼

法國雕塑家羅丹說：「記著，並且好好地記著，一件真正完美的作品，沒有任何一部分比整體更加重要的。」

1.水粉作畫過程的幾個先後：(1)先深後淺一一一般作畫先從主體物的暗面或深色畫起，進而畫灰面、亮面，這樣色彩容易比較;(2)先薄後厚一一鋪大色調，用色宜薄，類似水彩畫法，這樣，可畫得快些，既是不準，也容易修改，深色畫薄些，容易表現空間;(3)先簡單後豐富一一開始鋪大色調，主要抓基本色相，調色種類不可多，要概括，然後通過多層的深入刻畫，使色調逐漸豐富微妙;(4)先大後小一一先畫對色調影響大的色塊或主體物的色調，也可先畫色感鮮明之物，把握大的色塊，以此為准，通過比較畫准其它部分色彩;(5)先色後形一一開始不要因形的制約而謹小慎微，應大膽的憑第一印象，迅速鋪出大的色彩印象，隨著作畫的深入形色兼顧，主次分明。

2.一般的作畫步驟：(1)構圖起稿一一構圖的好壞直接關繫到一張畫的成敗，決不可草率從事，首先要講究構圖的形式美，如：主次分明、均衡照應、疏密聚散、節奏韻律等。變化統一是構圖的基本原則，色彩畫的構圖還要重點從形與色的整體結合上精心設計，如：突出主調色，注意冷暖色塊的交插呼應;寫生的視點一般應高於靜物，使畫面下方留出一定空間，使布局有縱深感;主體物不能擺在正中應在畫面中心偏左或偏右的位置上;組成畫面的各物體、色塊要有聚有散;物體不可畫的過大或過小，避免堵塞與空白過多等，起稿時，初學者先用鉛筆後用重色肯定，熟練後，可直接用深色起稿。(Z)鋪大色調一一要有激情，膽大而不失形，不要謹小慎微，重視第一印象，從主體畫起，全面鋪開，筆筆相扣，一氣呵成。用大筆，可畫得快些，珍惜感覺最好的時間段。(3)深入塑造一一要多看少畫，強調一個「准」字。深入不是面面俱到，而是要主次分明，區別對待，有虛有實，有鮮有灰，在趣味中心上多下功夫，以少量的細節起到畫龍點睛的作用。這個階段要始終注意保持第一印象，不要輕易否定已鋪好的大色調。(4)統一整理一一把畫放遠些來看，從埋頭塑造階段跳出來，使感覺回到最初的印象。整體調整的著眼點，首先是空間層次的表現，加強虛實、鮮灰對比，把畫碎、畫花了的地方統一起來，藉以突出主體;其次用加深、提亮的辦法，加強物體的體積感、重量感，糾正「灰」與「粉」的弊病。經過調整，畫面就會為之一振，呈現出好的效果。

3。調色與用筆技巧：(1)只有了解與掌握顏料中各種色相的獨特面貌及相似色別間的微妙差別及混合效果，才能以較少的顏料品種，調出你所需要的色彩來，建議學畫色彩前，先畫畫調色表。(2)不同色相混合時，要有主有次，不可調得太勻。(3)「灰」色微差的調試，顯示著畫家的分寸感，微妙雅緻的色彩，是通過灰色傳達的。調有傾向的灰色，如用互補色相調時，要注意不能等量。(4)水粉畫中，白色作為調色媒體，常常用得較多，但一定要合理使用。一般來說，深色的暗面不加白或少加白，畫較亮的顏色時，將白與其它色相相混合可避免「粉」氣。(5)大膽用筆用色，只有將顏色畫到它的色彩環境里，顏色才能成為「色彩」。靈活運用多種調色、用筆手法，一般先在調色盒內稍加調合，再往紙上畫;也可蘸上顏色後直接在畫面上與別的色相調混;還可用點彩的手法，使不同色並置，遠看產生色彩空間混合的效果;有時也可用薄色相罩的技法等，根據表現的需要，可吸收油畫和水彩的某些技法，靈活掌握。(6)慎用易「泛」的顏色。如：玫瑰紅、紫紅、黑色等，尤其在畫淺灰色調時，更要預想到干後的效果。(7)用筆不一定要「面面俱到」。在描繪過程中，筆觸隙間自然形成的空白、飛白，如與周圍色彩產生微妙關系，就應保留「空白」，這樣可出現生動之感。

4.水粉色的干濕變化與「泛」色問題：水粉色在濕時深而鮮明，將干未乾時色更深，干後又變淡，認識這一變化。在畫時可適當的畫深些即「寧深勿淺」;水粉色中像玫瑰紅、紫色、黑色易泛色，在其上覆蓋時，一時看不出來，干後又泛上來。初學者不易把握，要正確把握這一性能應注意以下幾點：(1)第一層色宜薄;(2)覆蓋時宜厚;(3)底色已畫厚可洗掉或待干後再修改;(4)慎用玫瑰紅等色。

H. 推薦一下比較出名的水彩畫大師，或者比較著名的水彩畫作品，

中國：石增琇、陶世虎、王雙成
外國：查爾斯·雷德（美）、懷斯（美）、薩金特（美）、富蘭克（愛爾蘭）
請問您需要什麼詳細簡介呢？
大師？
石增琇：
石增琇
男

祖籍河北省肅寧

1949年生於天津

畢業於天津工藝美術學校、天津美術學院
中國美術家協會水彩藝術委員會委員

天津美術家協會水彩藝術委員會主任

天津美術家協會水彩專業委員會會長

天津師范大學美術與設計學院教授、研究生導師

曾於法國巴黎美術學院阿伯拉罕.賓卡斯教授《繪畫材料技法培訓班》學習結業。

水彩畫入選《中國首屆水彩人物畫展》、《全國第六、七、八屆水彩畫、粉畫展》、《全國首屆小幅水彩畫》、《中國百年水彩展》、《在風景中行走——當代水彩畫名家婺源寫生作品展》、《百年華彩樂章——第二屆中國當代優秀水彩畫家提名展》、《中國著名水彩畫家畫曲靖暨水彩畫邀請展》、《上善若水-2010中國當代水彩名家邀請展》和《首屆上海朱家角國際水彩畫雙年展》。

水彩畫獲《紀念講話發表60周年全國美展》優秀獎、天津展區銀獎；《中國水彩畫寫生精品大展》銅獎；《第二屆 「李劍晨獎」水彩雙年展》銅獎；《第十三、十四、十五屆全國群星獎美術攝影展》天津市優秀獎、銅獎、銀獎各一次。

出版《中學美術教師人物素質培養》等合著4部，《石增琇水彩畫集》、《石增琇水彩畫風景寫生集》等專著3部，其中《水彩人物畫》列入高等院校「十一五」精品規劃教材，編著《天津水彩60年》大型畫冊。

他的水彩畫曾分別入選第13、14、15、16屆《亞細亞國際水彩畫展覽》和2002、2003、2004年《亞細亞美術招待展》，水彩畫《女人體2號》入選《中國首屆水彩人物畫展》，水彩畫《日出江岸》入選《全國第六屆水彩畫、粉畫展》，水彩畫《天下之憂》獲《紀念<講話>發表60周年全國美展》優秀獎,水彩畫《女人體-4號》獲《中國水彩畫寫生精品大展》銅獎,水彩畫《陶罐》入選《全國首屆小幅水彩畫展》。

先後參加編著《中學美術教師人文素質培養》、《輔導教材－外國美術史》、《石膏像素描》、《水粉靜物寫生》、《色彩》等，出版《石增琇水彩畫集》，發表《水彩人體寫生課教學難點的解析與突破》、《新世紀亞太地區美術教育的新理念》等論文。

2003年由天津美術家協會、天津師范大學藝術學院、天津美術學院主辦《石增琇水彩畫展》。

I. 各種花卉,,花朵的色彩,水粉畫法

畫出優秀的水粉畫及花卉要注意一下幾點：
1-調色
寫生時調配色彩，是建立在正確觀察和理解對象的色彩關系的基礎上。調配顏色不能孤立的看一塊，調一塊，畫一塊。而要考慮整個的色調和色彩關系，從整體中去決定每一塊顏色。水粉畫寫生色彩不易銜接，也應該在明確色彩的大關系的基礎上，把幾個大色塊的顏色加以試調，准備好再往上畫。切忌脫離整體，看一塊，調一塊，畫一塊，接著又調一塊改一塊。水粉畫顏色濕時深，干後淺，干濕變化明顯。水粉畫經典《天河白馬》如果調色時使用粉(白色)多，或已經畫了較厚的色層，再著色作畫，又使用的是吸水性強的紙，顏料的干濕變化就更顯著。這使水粉畫調色不容易做出正確的估計。造成色彩銜接、覆蓋和修改上的困難。這是水粉畫的一個明顯特色和難點。初學時要特別注意這個問題。所以入手時要先畫重顏色。一般來說，趁畫面濕時，顏色濕與濕比，一口氣畫完，色彩關系易於掌握。如果在一色已乾的情況下再銜接、覆蓋顏色，就要注意顏色的干濕變化。
2-水的使用
水的使用在水粉畫中雖然不及水彩畫中那樣重要，但也是不可忽視的。水主要是起稀釋、媒介的作用。調水粉畫作品欣賞色、用筆和色層薄變化，都與水的使用，有密切關系。《水粉畫》(高等教育出版社)一般來說，適當地用水可以使畫面有流暢、滋潤、渾厚的效果。過多的用水則會減少色度，引起水漬、污點和水色淤積。而用水不足又會使顏色乾枯、粘厚，難於用筆。通常用水以能流暢地用筆、蓋住底色，為宜。在畫暗處、虛處和遠處，一般可適當地多用水，以增強其虛遠和透明感。從作畫步驟來說。在鋪大調子時水要用的多些，使色層較薄，便於再往上著色。在作畫過程中，水太臟了要及時換。尤其是畫色彩鮮明的部位，調色用水要潔凈。
3-用筆
由於各種類型的筆都可以用來作水粉畫，因此水粉畫的用筆技巧是異常豐富的。並且是在借鑒油畫。國畫和水彩畫筆法的過程中，不斷加以發展的。水粉畫中常見的筆法。
「平筆法」——筆跡隱蔽。畫面色層平整；
「散除法」——筆跡顯露，但色層厚薄變化不顯著；
「厚除法」——色層錯綜重疊，用色較厚、厚薄相間；
「點彩法」——利用光色的空間、初覺混合原理，用密集的小筆觸（色點）塑造形象。（這種筆法用得較少，較難掌握，初學時不宜過早效仿）

4-銜接
水粉畫由於顏色幹得較快、干濕變化顯著，又加之用水，顏色會在畫面上流動，滲化和容易產生水漬，因此熟練地掌握好銜接技巧，對於畫好水粉畫關系很大。水粉畫的銜接主要可以分為濕接、干接和壓接這三種方法。
所謂濕接，是鄰接的色塊趁前一塊色尚未乾時接上第二、三塊顏色。或是兩塊相鄰的顏色碰接上。或是一塊顏色中趁濕點入其它顏色，讓其滲化。再或在筆頭的不同部位分別蘸上幾種不同的顏色，畫到紙上時利用筆肚的水分，讓其自然化接。
所謂干接，就是鄰接的色塊在前一塊顏色已經幹了的時候，再接上第二、三塊顏色。
所謂壓接，就是相鄰的色塊（形體的轉折或不同的物物體），前一塊色畫得稍大於應有的形，第二、三個色塊成一種節奏感。要防止缺乏整體處理意圖的凌亂用筆。接上去時，是壓放在前一塊色上，壓出前一塊色應有的形。進行壓接時，要注意顏色（壓接上去的顏色）的蓋色力和粘著性，一般來說壓上去的這塊色要比已畫的色塊稍厚一些。
5-覆蓋
所謂覆蓋，就是在已畫的色層上再畫上一層或數層顏色。覆蓋的主要作用可以概括為兩點：一是使畫面色層水粉畫作品欣賞重疊，厚薄有變化，是塑造形象的一種技法；二是一種修改方法。水粉畫顏色的蓋色力是比較強的，但又各有差異，加上作畫時調用清水，覆蓋時掌握不好就容易使底色（被覆蓋的色層）泛起，產生水漬，造成色彩污濁。有時又故意用很薄的顏色覆蓋，讓底層色透露出來。這些具體效果都不容易估計，所以要掌握好覆蓋技巧也並非易事，得慢慢捉摸。
著色
6-固有色
固有色，就是物體本身所呈現的固有的色彩。對固有色的把握，主要是准確的把握物體的色相。
水粉畫由於固有色在一個物體中佔有的面積最大，所以，對它的研究就顯得十分重要。一般來講，物體呈現固有色最明顯的地方是受光面與背光面之間的中間部分，也就是素描調子中的灰部，我們稱之為半調子或中間色彩。因為在這個范圍內，物體受外部條件色彩的影響較少，它的變化主要是明度變化和色相本身的變化，它的飽和度，也往往最高。
（1 ）起稿開始象畫素描一樣，先用鉛筆定位置和比例，不必用橡皮，以免損壞紙面，影響著色效果。接著用顏色定稿，根據靜物的色調，用赭褐或群青色定稿皆可。色線可略重一點，並可用定稿
之色薄薄地略示明暗，為下一步的著色作鋪墊。造型能力強一些的，也可直接用色線起稿，不示明暗，直接著色。
（2 ）鋪大色調定稿之後，迅速地觀察一下整體色調和大色塊關系，做到胸有成竹，盡快地薄塗。此刻不要考慮形體與筆觸，根據新鮮的色彩印象大膽揮灑，造成畫面的色彩環境。有的人在完成上一遍色後，就急於具體刻劃。應進一步調整大色塊的關系，使色彩之間的關系和總的色調，與實際感覺相吻合。
（3 ）具體塑造在大關系比較正確的基礎上，進一步進行具體塑造，從畫面主體物著手，逐個完成。集中畫一件物體干濕變化易於掌握，也易於塑造其受光與背光不同面的色彩變化。此時眼睛要隨時環掃周圍，從局部入手但不能陷入局部，顧此失彼。要看該物體與背景和春他物體的關系，掌握分寸，細節可留下一步刻劃。這一遍色用色要適當加厚，底色的正確部分可以保留，增加畫面的色彩層次。
（4 ）細節刻劃對瑣碎多餘的細節固然可省略，但對表現物象特徵與質感的重要細節應加強刻劃，畫龍點睛。細節要綜合到整體之中。最後的筆觸最為重要，它將不被覆蓋而顯露給欣賞者。
（5 ）調整、完成畫室外一幅靜物寫生，作為基本練習一般以八小時為宜，力求深刻准確。熟練之後三、四個小時也可以表現得比較充分。作畫時間較長，眼睛容易疲勞，色感容易減弱，具體刻劃又容易忘記整體。在寫生接近完成的時候，恢復一下第一印象，檢查一下畫面：在深入刻劃時是否有些地方破壞了整體，局部和細節的色彩有沒有「跳出」畫面，還有沒有其他毛病。檢查後，調整、修改、加工。錯誤之處，如畫得太厚，要洗掉再畫，直至完成。水粉畫中乾和濕的技法應控制到什麼程度？有哪些應用范圍？水粉畫運用的干濕技法，主要指調色時含水和白粉量的多少。
7-著色方法
水粉畫顏色有較強覆蓋能力，但也不能毫無顧及地隨便亂塗，它有自己一定的著色方法和步驟。

8-干濕技法
干畫法
干畫法：就是說水少粉多的意思，這種畫法多採用擠干筆頭所含水分，調色時不加水或少加水，使顏料成一種膏糊狀，先深後淺，從大面到細部，一遍遍地覆蓋和深入，越畫越充分，並隨著由深到淺的進展，不斷調入更多的白粉來提亮畫面。干畫法運筆比較澀滯，而且呈枯乾狀，但比較具體和結實，便於表現肯定而明確的形體與色彩，如物體凹凸分明處，畫中主體物的亮部及精彩的細節刻畫。這種畫法非常注重落筆，力求觀察准確，下筆肯定，每一筆下去都代表一定的形體與色彩關系。干畫法也有它的缺點，畫面過多的採用此法，加上運用技巧不當，會造成畫面乾枯和呆板。但干畫法的色彩干後變化小，對於練習色彩收效較大，也容易掌握。
濕畫法
水粉畫作品欣賞濕畫法：此法與干畫法相反，用水多，用粉少。它吸收了水彩畫及國畫潑墨的技法，也最能發揮水粉畫運用「水」的好處，用水分稀釋顏料渲染而成。濕畫法也可以利用紙和顏色的透明來求得像水彩那樣的明快與清爽。但它所採用的濕技法比畫水彩要求更高，由於水粉顏料顆粒粗，就要求濕畫時必須看準畫面，濕畫部位一次渲染成功，過多的塗抹或多遍塗抹必然造成畫麵灰而膩。但這種畫法運筆流暢自如，效果滋潤柔和，特別適於畫結構鬆散的物體和虛淡的背景以及物體含糊不清的暗面。如發揮得當，它能表現出一種渾然一體和痛快淋漓的生動韻味。它的色彩藉助水的流動與相互滲透，有時會出現意想不到的效果。為製造這種濕效果，不但顏料要加水稀釋，畫紙也要根據局部和整體的需要用水打濕，以此保證濕的時間和色彩銜接自然。有關濕畫法的控制及實際操作運用，上述畫法步驟中已講得很多，不再一一細述。

J. 推薦幾位擅長畫花/靜物的油畫家把！謝謝

較早來到紐西蘭的畫家中，最有才能的是W.霍奇斯。
A.厄爾也是較早遍游紐西蘭的藝術家。他曾在新南威爾
士定居了一段時間，1827～1828年又來到了紐西蘭的北
部。他的風景畫和以毛利人為模特兒所作的習作，技巧
平乏，但十分合乎習俗，具有較高的歷史價值。19世紀
的英國移民們帶來了英國美術的光輝。移民中有許多有
才能的業余畫家,他們多用水彩作畫,旨趣十分古樸。在
風景畫中，一些關於毛利人生活的作品，可以傳達出真
實的情感，淡淡的鄉愁和對新土地的敬畏感。W.福克斯
既是一位政治家和殖民地的總督，也是一個紳士風度的
業余畫家，畫有大量有關他生活的素描和一些精美的水
彩畫。W.斯溫森畫了一系列感受性強的風景和叢林習作，
經常強調人在大自然之前顯得卑微的寓意。J.金德的水
彩畫，把腦海中所影印的平淡、井然有序的英國風景移
植到殖民地的風景之中。值得注意的是開始接受本土藝
術傳統的畫家J.A.吉爾菲蘭和C.希菲。吉爾菲蘭的素描
冊(現藏達尼丁的霍肯圖書館)十分出色，其中插圖異常
生動。他們對毛利人美術傳統的發現，拓寬了作品的領
域，為自己藝術灌注了新的生命力。吉爾菲蘭以毛利人
為模特兒連續畫了各種不同姿態的素描，精心之作《一
個土人村莊的內景》反映了封閉、群居，但充滿活力的
毛利人社會。希菲也畫毛利人，他是紐西蘭風景優秀的
闡釋者，最有觀察力的人之一。他畫紐西蘭，不只把它
視為一個廣闊和空曠的國土，而是力圖描繪出它的獨特
性。可惜吉爾菲蘭和希菲沒有發展傳統，也沒有留下追
隨者。19世紀後期的一些業余畫家，用英國浪漫主義風
格來表現紐西蘭，出色地解決了前人在風景畫中沒有解
決的技巧問題。他們利用閑暇時間作旅行寫生，不知疲
倦地尋找風景區和大自然雄偉的奇觀。由於他們洞察了
紐西蘭風景的內在構造，他們的風景畫，色彩柔和諧美、
生動自然，給人深刻的印象。
19世紀後半葉，美術機構和美術學院的建立，定期
舉辦美術展覽會，藝術家地位的提高，使得職業畫家的
生存成為可能。職業畫家最早並非出生於紐西蘭。19世
紀90年代前期，3名歐洲有經驗的畫家來到了紐西蘭,P.
van der韋爾登定居在克賴斯特徹奇,J.奈恩定居在惠靈
頓，G.P.納利在達尼丁教了一陣書後，移往奧克蘭。他
們全是職業畫家，並且多才多藝。他們帶給紐西蘭令人
興奮的新穎風格，紐西蘭也帶給他們異域的美，從而形
成了新的傳統。納利以肖像畫著名，韋爾登擅長荷蘭風
格的風俗畫和風景畫，奈恩則表現出類似於印象主義早
期風格的田園景緻和肖像畫。他們的作品十分逼真，對
紐西蘭美術產生了深刻的影響，促進了紐西蘭19世紀末
美術的發展。
20世紀初紐西蘭的美術變得更加豐富和多樣化。新
西蘭的畫家逐漸走向成熟，其中，A.W.沃爾森繼續用水
彩製作傳統的風景畫、海景和當地的灌木叢。M.O.斯托
達特作為一名風景畫家和靜物畫家在基督堂市享有崇高
的聲譽。R.麥克爾泰爾和O.莫頓的藝術對大都市產生過
震動。一位名叫F.霍金斯的女畫家，精通各門畫種，多
才多藝，被譽為「傳統主義者、現代主義者、紐西蘭民
族主義者」，是紐西蘭殖民地時期繪畫中最傑出的代表。
1952年，紐西蘭政府任命一名專職教授，管理奧克
蘭美術館，並採取了一系列有力的政策推動美術事業。
1963年以英國為模式建立了伊麗莎白二世藝術委員會，
編纂了政府對視覺美術和有關活動的綱領性文獻，還規
定了國家資助藝術事業的標准。一批有成就的畫家開始
涌現出來。T.A.麥科馬克雖沒出水彩畫的范圍，但他的
風景畫和花卉畫卻受到人們的稱贊。J.威克斯是一位粗
獷、喜愛冒險的藝術家，他旅歐歸來，廣泛地與藝術鑒
賞界為伍，在最令人喜歡的靜物畫和風景畫中作出了突
出的貢獻。油畫家M.T.伍拉斯頓和C.麥卡恩毅然地打破
風景畫和人物畫中一般的陳規，經常在寬大的尺幅上作
畫，追求獨立的線條。因為上述 4人幾乎在紐西蘭渡過
了一生，作為酬謝他們藝術的成就，政府曾為他們舉辦
藝術回顧展。在更年輕的一代人中，值得提及的是成長
中、相當數量的毛利人畫家，他們的藝術也應歸於本土
藝術的發展。