寫實水彩花卉

① 水粉顏料中暖色有哪些

圖案的色彩總結起來有以下兩個特點：第一，用色有一定的限量。這不僅因為裝飾本身需要高度的歸納與提煉，要用有限的色彩表現豐富的物象，更因為在現實生活中，圖案設計要與不同的生產工藝相結台，受成本與工藝因素的限制，用色也不宜太多。第二，設色有較高的自由度。這是指圖案的色彩可以根據裝飾需要任意設定，完全不必考慮真實的自然色彩，紅花綠葉可以畫成紫花藍葉，碧水藍天可以繪成玄水橙天。誇張的色彩對比變化和迷人的色調處理，是圖案色彩的魅力所在。

基於圖案色彩的這兩個特點，我們首先應了解一些色彩的基本知識，再結合實踐訓練掌握圖案色彩的配色規律。

一）色彩的基本特性

自然界中的色彩是千變萬化的，色彩的變化主要由色彩的三個要素——色相、明度、純度及心理要素——色性來決定。

1、色相

色相即色彩的相貌，是一個顏色區別於其他顏色的特徵。色相分為有彩色系和無彩色系，無彩色即黑、灰、白系列，是沒有純度的顏色。

一般來說，有彩色12色相環中的各色都有較明確的色相，它們由紅、黃、藍三原色產生間色橙、綠、紫，再由原色、間色產生復色。12色相環繼而可產生24、48等色相環，它們均有很鮮明的色彩傾向，可稱它們為純色。純色產生的明度和純度的變化，構成了豐富的色彩變化。

2、明度

明度是指色彩的明暗或深淺。純色本身就有明度變化，從12色相環圖中我們可以看到，黃色明度最高，紫色明度最低，其他顏色則依次形成明度的過渡轉化。此外，在無彩色系中，白色明度最高，黑色明度最低，黑與白之間有明度漸變的灰色系列。要提高一個顏色的明度，可適量加入白色；要降低一個顏色的明度，可適量加入黑色，但在加白或加黑的同時，顏色的純度也會降低。

明度色標是我們認識和區別色彩明度的重要工具。

一般情況下，人們把明度低於3度的顏色叫暗色，明度高於7度的顏色叫明色，3度和7度之間的色叫中明色。

3、純度

純度是指色彩的鮮艷度或飽和度，也叫彩度。從理論上講，三原色純度最高，間色次之，復色、再復色則純度逐漸降低。但無論怎樣，色相環上的顏色仍有較高的純度。當一個純色加入黑、白、灰或補色(色相環上相對180。的兩個顏色)時，其純度就會降低，純度降低到一定程度，顏色就會失去其明確的色相。就好比在現實生活中，許多物象我們很難說清它的色相，只好說它們偏紅或偏綠等。所以說，純度越高．顏色的色相傾向越明確，純度越低顏色的色相傾向越弱，當顏色純度降至為零時，就成為無彩色灰色

在這個純度色譜中，接近純色的色叫高純度色，接近灰色的色叫低純度色，處於中間狀態的叫中純度色。

4、色性

色性是指色彩的冷暖傾向、冷暖感覺。色性是由人對現實生活中不同事物顏色的感受而產生的一種感官經驗聯想，如：由紅黃色聯想到火焰、血液而產生溫暖感，由藍紫色聯想到冰雪、大海而產生寒冷感等。所以說色性是人的一種主觀心理要素。

色彩的冷暖也是相對而言的，在兩極之間冷暖色的過渡漸變顯示了不同色相的冷暖關系。任何一個顏色的冷曖感覺是由周圍色彩的對比決定的，如綠色與黃色相比偏冷，與紅色相比更冷，而與藍色相比它又偏曖。在同類色相中，如黃色，檸檬黃要比中黃冷，橙黃則比中黃暖。一個度較低的顏色，與暖色相比它可能偏玲，與冷色相比它可能偏暖。所以說色彩的冷暖是相對的，一個顏色會隨周圍色彩環境的變化而轉變自身的冷曖性質。此外．一個顏色加白後會變冷，加黑後會偏暖。

總之，色彩需要比較．要獲得一個顏色理想的明度、純度和色性，只有把顏色擺在一起進行比較和調整，才能達到我們所設想的效果。

二）圖案色彩的配置

圖案的色彩強調歸納性、統一性和誇張性，尤其注重對整體色調的設定。如何搭配好整幅圖案的顏色?我們可以從以下幾方面探尋規律並進行練習。

1、圖案基本色調的設定

圖案的色調是指一幅畫面總的色彩傾向。色調可以是亮色調或暗色調，鮮艷色調或含灰色調，也可以是冷色調或暖色調，或是有某一色相傾向的色調，如：紅色調、綠色高、黃色調等。每一種色調中的顏色均可以有色相、明度、純度及色性的變化，使色彩更加豐富。在調配一幅圖案的顏色之前，首先要對圖案的色調有一個總體的構想，確定大的色彩基調，具體的顏色搭配都應與基調的構想相符與呼應。顏色的面積比例關系對色調起著至關重要的影響。

2、調和色的配置

調和色包括同類色和鄰近色，這類色彩的色相差別小，對比弱．比較容易達到和諧的習果。

我們把色相接近的那些色（色相環中相距30度左右的色）稱為同類色；色相差別適中的那些色（色相環中相距50度左右的色）稱為鄰近色。

(1) 同類色

一般指單一色相系列的顏色，如：黃色系，藍綠色系等。同類色因色相純，效果一般極為協調、柔和，但也容易使畫面顯得平淡、單調。同類色在運用時應注意追求對比和變化，可加大顏色明度和純度的對比．使畫面豐富起來。

以24色相環來劃分。色相環中相距45度角，或者彼此相隔二三個數位的兩色，為同類色關系，屬於弱對比效果的色組。同類色色相主調十分明確，是極為協調、單純的色調。它能起到色調調和、統一，又有微妙變化的作用。

藍綠色系

(2) 鄰近色

指色相環上90~以內的顏色，如：黃色與綠色，藍色與紫色等。鄰近色因相相距較近．也容易達到調和．而且色彩的變化要比同類色豐富。鄰近色在運用時，同樣應注意加強色彩明度和純度的對比，使臨近色的變化范圍更寬更廣。

色相環中相距90度角，為鄰近色關系，屬於對比效果的色組，色相間色彩的傾向近似，色調統一和諧、感情特性一致。類似色較同類色顯得安定、穩重的同時又不失活力，是一種恰到好處的配色類型。

對比：同類色-類似色-對比色-互補色

3、對比色的配置

對比色是指色相環上的120'』以外的顏色．其中處於180'相對應的兩色叫補色，對比最為強烈。對比色的效果活潑、刺激，變化豐富，在應用時要注意色彩的調和與統一。配置對色可以採用以下的手法使畫面協調。

色相環中相距135度角，或者彼此相隔『八九個數位的兩色，為對比色關系，屬於強對比效果的色組，色相感鮮明，各色相互排斥，既活潑又旺盛。配色時，可以通過處理主色與次色的關系達到調和。 在24色色相環中彼此相隔十二個位數或者相距180度角的兩個色相，為互補色關系。互補色組合的色組是對比最強的色組，使人的視覺產生刺激性、不安定性的感覺。配色時通過主色相與次色相的面積大小， 或者分散形態的方法來緩和過於激烈的對比。

(1) 降低純度

對比色在顏色純度較高時對比比較強烈，如果將對比色一方或幾方純度降低，比如加人灰色或將對比色彼此少量互調，可使色彩變得含蓄、溫和，達到既變化豐富又和諧統一的效果。

(2) 面積的調整

對比色在面積較大而均等時往往對比最為強烈，如果將一種對比色作主色，大面積使用，其他對比色為輔色，少面積點綴，可以使對比減弱，達到統一。也可以將對比色分割成較細小的面積並置使用，類似空混的手法，使色彩遠看能混合成一體，從而達到統一

(3) 無彩色的調和

在對比色配置中運用黑、白、灰、金、銀等光彩色,將對比色間隔開，是使對比色達到協調統一的極有效的手法。

(4) 色彩系列化過渡

按照色相環的順序，選擇兩個對比色之間的系列色相與對比色同時使用，如在使用橙色與藍色的同時，使用黃橙、黃、黃綠、綠、藍綠等色，並將它們秩序化排列，使對比色產生一種漸變的效果，達到和諧統一。

4、其他藝術作品色彩的提取配置

圖案的色彩也可以借鑒繪畫、攝影、民間美術、工藝美術品等其他類型的藝術作品的顏色搭配。因為這些藝術作品本身已有比較完整的構思和比較理想的色彩效果，特別是現代風格的繪畫作品及民間工藝品的色彩更具有較高的概括性和裝飾性。可以直接仿照，但應往意造型上要有較大區別，以避免畫面效果過於相似。

借鑒攝影及寫實繪畫作品的色彩要注意歸納、提煉，因為這類作品往往顏色變化較多，過於細膩、微妙，不符台圖案的色彩要求。在借鑒及運用其他類藝術作品的色彩時，同樣要注意局部顏色與整體色調的比例關系，顏色的穿插及位置的安排均要仔細推敲，方能恰到好處。

5、自然色彩的提取配置

大自然中|年多事物本身就有很好的色彩搭配，如：花卉昆蟲、飛禽走獸、石頭草木及海洋生物等，它們美妙的顏色配置是我們主觀無法設想出來的，為圖案的顏色設計提供了很直觀的參照。我們在平時要注意觀察生活．經常到大自然中去收集各種類型的色彩組合素材，將它們記錄下來。

許多自然物的顏色配置是可以直接提取使用的，在運用中，除了要保持顏色的色相、明度及純度關系相對准確之外，尤其要注意各顏色的面積比例關系和位置關系，這是保持自然色彩原有整體感覺無大偏差的重要因素，如果忽視這一因素，將顏色的比例關系搞錯，如將某種顏色面積使用過大或過小，或將某種特有的顏色位置關系打亂，就會改變色彩原有的色調，無法達到我們所期望的色彩效果。

三）圖案顏料的調配方法

繪制圖案的顏料工具很多．在這里我們僅介紹一下最常用的並適合於課堂練習使用的工具顏料。

1、常用的圖案顏料及其特性

常用的圖案顏料主要有水粉顏料和水彩顏料，其中以水粉顏料使用最多。

(1) 水粉顏料

也叫水粉色、廣告色，有鉛袋裝和瓶裝兩種．瓶裝廣告色又有普通型和濃縮型(也叫圖案色)。一般濃縮型的廣告色更加細膩、純凈，比較好用。水粉顏料調配方便，覆蓋力強，可薄可厚，可干可濕，既能大面積平塗，又可以進行細致描繪，修改容易，所以是圖案繪制最基本、最普遍使用的顏料。

(2) 水彩顏料

水彩是一種透明的水溶性顏料，主要依靠水分來控制顏色的薄厚、濃淡，調配方便，但覆蓋力差。水彩可以大面積渲染，也可以做細部刻畫，但不宜反復修改。水彩的效果明快、淡雅、韻味獨特。

2、圖案顏料的調配方法

(1) 水粉顏料

一般都要加水溶解，將顏料中的膠調開。水粉顏料保持適當的干濕度很重要，顏色太稀不容易塗勻，覆蓋力及飽和度都較差；太干又會使毛筆滯住，不容易畫得平整、工細。

買來的水粉顏色是有限的，要產生豐富的色彩變化，就要把顏色進行混台調配。鄰近色相調可產生豐富的色相變化，如黃色與綠色相調，可產生許多不同傾向的黃綠色；對比色相調在色相變化的同時，還會產生不同程度的純度變化，如綠色中調入紅色，會呈現出橄欖綠色，再加入紅色，就會變成棕綠色直至棕色，純度逐漸降低。顏料中加人白色可使明度提高．但會使顏色有偏冷傾向，純度也有所降低；加入黑色可使顏色明度、純度降低，色相則偏暖(但不絕對，如黃色加黑後會偏綠而變冷)。

此外，買來的水粉顏色都較鮮艷，直接使用往往效果生硬，不易協凋，使用時可加人一些沉著色調配一下，如：土黃、褚石、土紅、鈷藍、橄欖綠、熟褐等，使顏色變得「熟」一些。相混的顏色越多，色彩的純度就會越低。

(2) 水彩顏料

水彩顏料是通過顏料中的水分來調整顏色的深淺及純度。水彩除了可以像水粉色那樣相互混合調出各種顏色之外，主要是運用疊色的方法來產生豐富的色彩變化。

因水彩具有透明性，後畫的顏色覆蓋先畫的顏色時，可以透出先畫顏色的色相。同色相疊加台使顏色變濃、變深·不同色相疊加會產生新的色相，如黃色與藍色疊加產生綠色。若是對比色疊加，則會使顏色純度降低變臟。用水彩色畫圖案要從淺到深，不宜畫得遍數太多，否則會失去水彩顏料明快淡雅的特點。

總之，圖案顏料的調配經驗要靠大量的實踐訓練來獲取，只有不斷反復的調試，相互比較，才能得到比較理想的色彩。

二、圖案色彩設計的基本步驟

步驟（1）設計草圖：可用鉛筆在一般的草稿紙上將構思畫出，並逐漸確定下來。用透明拷貝紙將草圖拷貝下來。

步驟（2）先著底色再拷印：如圖形有底色，先將底色平塗好，待干。如沒有底色可直接上色，將拷貝紙上的圖形用硬鉛筆（如 3H型鉛筆）把圖形拷印到已打好的干底色上。用力大小視印痕清晰度來定。

步驟（3）著色：將調好的色彩用所需技法描繪到拷貝好的底色上。

三、幾種色調的變化練習

圖案色彩的色調大體分為冷、暖、灰等三種基本色調，但我們在訓練時，可進行更為細致的色調訓練。如以下七種色調是最為必要的練習。

1．同類色色調：即將一個單色調入白色或黑色，使畫面色彩出現深淺變化的色調，既諧調又統一，色彩雖單純但很素雅。調此色調時要注意明度的深淺變化，面積比例安排得當。切不可出現深淺失衡的效果，否則色調會過亮或過暗。

2．類似色色調：即色輪表中同在60°－90°的相接近的色彩，如紅、橙、黃及藍、綠、紫都分別屬於類似色的范圍。與同類色相比，色彩選擇稍多變化（參看色輪表）。這種調子的變化因色距較近，雖有變化但很容易協調，因它們中都含有相同色素。很多圖案的調子中，類似色的調子被普遍採用。

3．對比色色調：指色輪表當中與120°－180°相對應的色彩，我們都稱為對比色，其中我們熟悉的紅——綠色、黃——紫色、青——橙色都是屬於對比色。其中紅—一綠色對比在圖案中最為常用，有「萬綠叢中一點紅」之稱，色彩對比強烈，襯托性較強，兩色在並置時如作些面積、強弱、中間色間隔等手段，效果更佳。

4．高明度色調：整個畫面的色彩均使用明度較高的色彩，每個色彩均加有不同程度的白色或淺色（如淡黃、淺綠等），力求色調明亮、淡雅的效果。

5．中明度色調：此類調子均保持深色和淺色的均勻配製，並使色相保持中等明度的效果。色彩的純度上變化不大，可配入部分較淺或較暗的色彩，但主體色塊仍以中明度色彩為主，如我們常用的土黃、朱紅、赭石、湖藍、草綠等色，基本屬於中明度色相。

6．低明度色調：要求所採用的色彩為明度較低、較灰，色彩純度偏弱，此類調子一般多選用較深色彩，如黑色、深藍、深紅、深褐及深綠等色來調取。在低明度色調里也應增加少量的中、高明度的色塊，以加強低明度色調中的層次，以免出現暗色一塊的沉悶效果。低明度色調的特點是色澤深沉、穩重、諧調。

7．高純度色調：運用純度較高的色彩進行設計，盡量保持每套色的鮮明度，使畫面具有對比強烈、色彩明快的效果。

8．低純度的色調：根據低純度色彩的特點，多調用較趨灰性的色彩來著色，保持畫面始終呈現一種色調典雅、協調的整體效果。

〔小結〕

1、色彩的變化主要由色彩的色相、明度、純度及色性決定的。

2、圖案的色彩強調歸納性、統一性和誇張性，注重對整體色調的設定。

3、常用的圖案顏料主要有水粉顏料和水彩顏料，其中以水粉顏料最為常用。

〔作業練習〕

1、圖案的色彩有什麼特點？

2、什麼是調和色？什麼是對比色？

3、如何協調對比色的配置？

4、色調變化練習：同類色色調、類似色色調、對比色色調、高明度色調、中明度色調、低明度色調、高純度色調、低純度色調的各一幅。

② 怎樣做平面構成的肌理作業，望您說詳細點，謝謝謝謝

肌理是物質材料與表現手法相結合的產物，是作者依據自己的審美取向和對物象特質的感受，利用不同的物質材料，使用不同的工具和表現技巧創造出的一種畫面的組織結構與紋理。任何物體表面都有其特定的紋理變化，這種特定的紋理變化所呈現出的神奇的視覺感受，正是繪畫藝術所探求的肌理效果。肌理在繪畫藝術中的審美價值不可低估，它有著其它表現手法難以實現的美學特質。
水彩畫不僅有絢麗的色彩、高雅清新的格調、豐富的表現形式，而且還有最使畫者心醉神迷的那種難以名狀、自然天成、亦真亦幻、神奇美妙的藝術效果。這種水與彩的交融所產生的效果是自然物象藉助作者主觀與客觀、有意與無意的創作活動而呈現出來的，這種物體表象特徵所呈現出的特殊視覺語言，就是水彩畫有別於其它畫種而特有的語言魅力，即水彩畫的肌理美。肌理之美下面結合教學與創作的實踐，分別從幾個方面論述水彩畫的肌理之美。
自然肌理與藝術肌理之美
大自然千姿百態，世間有萬物之貌，這是構成視覺形象最基本的要素。生活是藝術表現、藝術創作的源泉，就水彩風景而言，同樣如此。天空的絢麗多彩、大海的浩瀚波瀾、山寨的老牆木屋、晨煙的依稀夢幻、古道的曲折逶迤、山岩的鬼斧神工、陽光的嫵媚燦爛、雨霧的朦朦朧朧、枯樹的斑駁滄桑、幼苗的生機盎然，無不呈現出奇妙無限、變幻無窮的自然肌理之美。
物體表面都有一層「肌膚」，在自然的造化中，它有著各種各樣的組織結構，或平滑光潔，或粗糙斑駁，或輕軟疏鬆，或厚重堅硬。這種種物體表面的組織紋理變化，使之形成一種客觀的自然形態，即肌理，從而給人以不同的視覺感受。肌理並不都是美的，只有當它在一個特定的空間、特定的環境、特定的光線之下才能呈現出某種美感。畫家正是從這里汲取了藝術的靈感，把這種自然肌理感覺恰當地運用到視覺語言表現中去，創造出人為的藝術肌理之美。如美國畫家懷斯在《冬日的磨坊》、《蘋果酒桶》等作品中表現了斑駁的油漆、千瘡百孔的斷壁殘垣、粗糙的柵欄等，在生活中這些物象也許並沒有什麼美感可言，然而當它們經過畫家藝術化的加工處理後，便以藝術美的嶄新面貌呈現出來，從而表達出特定的審美因素和審美意味。水彩畫不論什麼樣的表現形式與內容，都不是對生活的簡單再現，更不是純客觀的摹仿，它是畫家在生活體驗基礎上的一種升華和表達。
羅丹曾說：「藝術家所見的自然，不同於普通人眼中的自然。」其中的道理是值得深思的。那些普普通通的景物，一旦成為藝術家描繪的對象，便被賦予了特別的意義，這個意義就是借景抒懷、寓情於景，使自我的審美理念、精神追求找到了抒發的物體依託。在這種特定的情景中，人與物、情與景融為一體。自然的肌理一旦溶入畫家的情感，便激發起畫家創造的激情，使之成為畫家「借題發揮」的對象，它們被畫家利用各種材料、工具、手法、特技等方法創造出各種各樣惟妙惟肖、無窮變幻的藝術肌理來，從而成為一種新的視覺語言。對水彩畫來講，獨特的工具使之具有得天獨厚的肌理創造本領，這是其它畫種不可比擬的。當然，這種以各種手段製作出來的藝術肌理是經過畫家主觀化了的紋理，即使是隨意潑灑的水跡，也同樣會留下畫家對物象的主觀感受，這就使得藝術肌理在某種意義上更具審美的意蘊。
藝術肌理在藝術實踐中的運用，不但能豐富藝術的表現力，而且還能增加畫面的生動性、趣味性。當面對雄渾磅礴的太行山，那層層的山岩、斧劈狀的石痕，使我們感受到大自然內在的感人力量。當身處煙花三月的江南水鄉古鎮，在淡淡的晨霧里，那水淋淋、意切切，那空濛秀美、細雨無聲，給人以輕靈雋永、意猶未盡的朦朧美。這不僅僅是大自然與物象的外表之美，在這些外表與可視的肌理背後還蘊藏著更為深層的意境之美。種種自然肌理無不關聯著人們的心理想像，將各種自然肌理紋樣作為視覺信息轉化成繪畫語言便產生出藝術肌理，使之傳情達意，這無疑將會豐富和拓展水彩藝術的表現力度，使水彩畫的表現與心理效應之間達到高度的吻合。
具象寫實的肌理美
肌理作為視覺藝術的一種基本語言形式，同色彩、線條一樣具有造型和表達情感的功能。在具象寫實的水彩畫表現中，肌理可以再現物體表面豐富多變的特徵，具有意想不到的造型效果。肌理在傳統寫實風格的水彩畫中運用非常廣泛。像威廉、透納、薩金特這樣的寫實主義水彩畫大師，不但能嫻熟地駕御水彩畫的工具性能，還能在水彩畫的創作中突破古典程式的束縛，大膽探索與拓展特殊技法與肌理效果在水彩繪制中的運用。英國水彩畫家亨特在巨幅水彩《十一月風光》中第一次運用潑灑的特殊技法，使畫面上的水與色相互作用，從而在偶然中尋找機遇，巧妙地利用顏料自由生發的圖形進行繪制創作。這是對傳統水彩畫的延伸與變革，手繪的痕跡被部分的肌理取代，從而使水彩畫創作中的情感釋放找到了一種新的載體形式。美國水彩大師安德魯·懷斯、瑞典畫家佐倫等人的水彩作品是傳統與現代觀念的完美結合，他們把油畫、版畫的一些技法優勢，通曉吸納，為我所用，在保持水彩透明、純真基點上，採用潤色噴染法、油水分離法、刀刮法、拓印法，這些特技所產生的肌理效果，既豐富了水彩畫內涵，又拓展了其外延。我國著名水彩畫家王肇民對具象寫實風格潛心追求、深度挖掘，他的多幅作品如《靜物系列》、《木棉花》等，是當代中國寫實風格的水彩作品中最具肌理之美的典範之作，特別是他創造的在水彩紙上做肌理底子的畫法使水彩畫堅實雄厚、深沉博大。在用筆用色上，他吸收了我國畫像石、畫像磚及石窟壁畫的厚實感，既有功力，又有哲理，表現了純朴、酣暢、厚重的肌理之美。
肌理不僅可以表現物體的不同質感，同時，也使畫面呈現多樣的視覺效果，不同的肌理對比，可以使人感受到不同的審美意蘊。如水彩特技中的灑鹽法，它利用鹽粒遇水溶化的特性，在畫面濕時撒上鹽粒，鹽粒滲化將顏色擠開，形成了一顆顆類似雪花狀的小白點，恰似百花競放又似雪花飛舞。又如在花卉靜物的寫生中，隨意在背景上滴下幾顆水滴，畫面立刻就會打破遠景上的平板狀態，生動起來，與前景上的花朵相映成趣。同樣，顏料滲溢出的肌理與樹枝的生長形態具有某種同構關系，運用自然滲化的方法表現密密麻麻的樹枝，更增添了畫面的自然天趣。
抽象寫意的肌理美
水彩畫中的所謂「抽象寫意」與「具象寫實」是一種相對的概念，相互獨立又相互依存，在特定條件下也可以在同一畫面上達到互補與和諧。具象是情系自然的脈絡，抽象是通往理性思維的樞紐。抽象與寫意的肌理在水彩畫的表現中有著其它畫種無法比擬的得天獨厚的優勢。水的品格是清澈、明凈、流動，色彩的特性是變幻、神妙、詭奇。水與彩的交融，構成了一個晶瑩亮麗的世界、一個水色淋漓的世界、一個瞬息萬變的世界。水色在流動、撞擊、融合、分解的過程中產生了種種神奇美妙的肌理效果。盡管很難看出與生活實際相符的具體形象，但是卻給我們帶來了許許多多相關的視覺聯想，似乎看到了生物進化的萌動、天體運動的軌跡，似乎是細胞、海藻、星雲、波光、森林、花朵在混沌狀態中的忽隱忽現。這種特殊的視覺肌理之美，更強調於精神世界的視覺形象化，在象徵與聯想中尋找一種潛意識的東西，從而達到「大象無形」、「物我兩忘」的超然境界。著名美籍華裔水彩畫家程及以中國寫意山水畫的意象表現為基礎，創造性地探索出獨具東方藝術風格的抽象水彩畫表現方法，他的代表作品《秋色》、《白蓮》、《大象無形》等在肌理表現上融潑灑、沖積、拓印、罩染、皴擦和勾勒為一體，從而達到「雖有人作，宛自天開」的藝術境界。
總之，水彩畫在肌理表現的手法上是非常寬泛的，它既可「意在筆先」，又可「意在筆後」，從而形成水彩畫表現的「千言萬語」。從自然肌理之美中尋找藝術肌理之美，這是水彩畫真正的特點和優勢。它既能藉助肌理把物象表現到惟妙惟肖的程度，也可以利用肌理把畫面表現得朦朧飄渺；它既能在具象中包含抽象的意味，又可以在抽象中產生真實與靈動。從藝術語言審美的探求中挖掘水彩畫肌理表現的內在潛力，將會不斷賦予水彩藝術新的內涵，開拓新的語境，形成新的風格。

③ 油畫、水彩畫、中國畫有什麼區別

東西洋文化，根本不同。故藝術的表現亦異。大概東洋藝術重主觀，西洋藝術重客觀。東洋藝術為詩的，西洋藝術為劇的。故在繪畫上，中國畫重神韻，西洋畫重形似。兩者比較起來，有下列的五個異點：
(一)中國畫盛用線條，西洋畫線條都不顯著。線條大都不是物象所原有的，是畫家用以代表兩物象的境界的。例如中國畫中，描一條蛋形線表示人的臉孔，其實人臉孔的周圍並無此線，此線是臉與背景的界線。又如畫一曲尺形線表示人的鼻頭，其實鼻頭上也並無此線，此線是鼻與臉的界線。又如山水、花卉等，實物上都沒有線，而畫家盛用線條。山水中的線條特名為「皴法」。人物中的線條特名為「衣褶」。都是艱深的研究工夫。西洋畫就不然，只有各物的界，界上並不描線。所以西洋畫很像實物，而中國畫不像實物，一望而知其為畫。蓋中國書畫同源，作畫同寫字一樣，隨意揮灑，披露胸懷。19世紀末，西洋人看見中國畫中線條的飛舞，非常贊慕，便模仿起來，即成為「後期印象派」。但後期印象派以前的西洋畫，都是線條不顯著的。
(二)中國畫不注重透視法，西洋畫極注重透視法。透視法，就是在平面上表現立體物。西洋畫力求肖似真物，故非常講究透視法。試看西洋畫中的市街、房屋、傢具、器物等，形體都很正確，競同真物一樣。若是描走廊的光景，競可在數寸的地方表出數丈的距離來。若是描正面的(站在鐵路中央眺望的) 鐵路，競可在數寸的地方表出數里的距離來。中 國畫就不然，不歡喜畫市街、房屋、傢具、器物等立體相很顯著的東西，而歡喜寫雲、山、樹、瀑布等遠望如天然平面物的東西。偶然描房屋器物，亦不講究透視法，而任意表現。例如畫庭院深深的光景，則曲廊洞房，盡行表示，好似飛到半空中時所望見的；且又不是一時間所見，卻是飛來飛去，飛上飛下，幾次所看見的。故中國畫的手卷，山水連綿數丈，好像是火車中所見的。中國畫的立幅，山水重重疊疊，好像是飛機中所看見的。因為中國人作畫同作詩一樣，想到那裡，畫到那裡，不能受透視法的拘束。所以中國畫中有時透視法會弄錯。但這弄錯並無大礙。我們不可用西洋畫的法則來批評中國畫。
(三)東洋人物畫不講解剖學，西洋人物畫很重解剖學。解剖學，就是人體骨骼筋肉的表現形狀的研究。西洋人作人物畫，必先研究解剖學。這解剖學英名曰anatomy for art students，即藝術解剖學。其所以異於生理解剖學者，生理解剖學講人體各部的構造與作用，藝術解剖學則專講表現形狀。但也須記誦骨骼筋肉的名稱，及其形狀的種種變態，是一種艱苦的學問。但西洋畫家必須學習。因為西洋畫注重寫實，必須描得同真的人體一樣。但中國人物畫家從來不需要這種學問。中國人畫人物，目的只在表出人物的姿態的特點，卻不講人物各部的尺寸與比例。故中國畫中的男子，相貌奇古，身首不稱。女子則蛾眉櫻唇，削肩細腰。倘把這些人物的衣服脫掉，其形可怕。但這非但無妨，卻是中國畫的好處。中國畫欲求印象的強烈，故擴張人物的特點，使男子增雄偉，女子增纖麗，而充分表現其性格。故不用寫實法而用象徵法。不求形似，而求神似。
(四)中國畫不重背景，西洋畫很重背景。中國畫不重背 景，例如寫梅花，一支懸掛空中，四周都是白紙。寫人物，一個人懸掛空中，好像駕雲一般。故中國畫的畫紙，留出空白餘地甚多。很長的一條紙，下方描一株菜或一塊石頭，就成為一張立幅。西洋畫就不然，凡物必有背景，例如果物，其背景為桌子。人物，其背景為室內或野外。故畫面全部填塗，不留空白。中國畫與西洋畫這點差別，也是由於寫實與傳神的不同而生。西洋畫重寫實，故必描背景。中國畫重傳神，故必刪除瑣碎而特寫其主題，以求印象的強明。
(五)東洋畫題材以自然為主，西洋畫題材以人物為主。中國畫在漢代以前，也以人物為主要題材。但到了唐代，山水畫即獨立。一直到今日，山水常為中國畫的正格。西洋自希臘時代起，一直以人物為主要題材。中世紀的宗教畫，大都以群眾為題材。例如《最後的審判》、《死之勝利》等，一幅畫中人物不計其數。直到19世紀，方始有獨立的風景畫。風景畫獨立之後，人物畫也並不讓位，裸體畫在今日仍為西洋畫的主要題材。
上述五條，是中國畫與西洋畫的異點。由此可知中國畫趣味高遠，西洋畫趣味平易。故為藝術研究，西洋畫不及中國畫的精深。為民眾欣賞，中國畫不及西洋畫的普通。
參考資料：豐子愷《中國畫與西洋畫》
中國畫簡稱國畫,有著民族形式和風格,畫具主要是毛筆和顏料,畫紙是宣紙或絹帛,表現手法主要運用線條和墨色進行創作.
根據個人愛好

④ 繪畫的種類

繪畫的種類有很多，下面具體講講：

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一、水墨畫

1.水墨畫中又包含彩墨畫。水墨畫一般僅用水與墨即黑白兩色來創作，彩墨畫則屬於進階的水墨畫。

2.水墨人物。水墨人物與寫意人物類似，但筆法上有較為明顯的不同，水墨人物更多的用大手筆。

3.水墨山水。水墨山水與寫意山水相比，筆法上更加細膩，當然，顏色是最重要的區別之一。

4.彩墨花鳥。彩墨畫與西式水彩畫有點類似，顏料是他們的最大不同，但退暈漸變的手法是比較類似的。

二十二、彩鉛畫

是一種介於素描和色彩之間的繪畫形式。它的獨特性在於色彩豐富且細膩，可以表現出較為輕盈、通透的質感。

⑤ 生活中的肌理有哪些呢（越多越好）

日常生活中很多帶有肌理的東西，放在紙上的有：樹葉、樹皮以及紋路清晰的花瓣。當然，一些粗糙的石頭也有肌理效果。木頭紋、常吃的橘子皮裡面那白色的一面也有肌理。此外，很多物體表面的花紋也都是肌理。

肌理構成即指將不同物質表面的肌理通過一定的手段進行構成設計。不同的物質有不同的物理屬性，因而也就有不同的肌理形態。肌理可以採用兩類構造方法：即規則構造法和偶然構造法。

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表現方法

1、繪寫：用各種筆和不同顏料，直接在紙上畫出肌理效果。

2、噴灑：將顏料調和成適當濃度的液體，再用噴筆或其他工具噴灑在紙上。

3、熏炙：用火焰在紙上烤成一種熏黑或燃燒後的痕跡的肌理。

4、拼貼：將各種紙材或平面材料通過組合，編排，貼在有色或無色的紙上。

5、拓印：用顏料塗在凹凸不平的物體表面，再用紙拓印下來。

⑥ 國畫與一般的水彩水粉畫的最大區別

國畫與一般的水彩水粉畫的最大區別在於「國畫」是中國畫，而「水彩、水粉」則是西洋畫。

水粉，就是用水來調和的，顏料里有少量的油質，來保持是顏料不幹。畫的時候用水調色。有專賣的水粉畫紙張。也有其專門的筆。筆分羊毫，狼毫，兼毫等。狼毫硬，羊毫軟，看個人喜好。畫面容易修改，覆蓋能力強。但不提倡反復修改，畫面容易變臟。畫面干後，會比你調的時候的顏色灰一些。這是因為水分蒸發掉的原因。

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國畫的種類：

1、人物畫。

要畫好人物畫，除了繼承傳統外，還必須了解和研究人體的基本形體、比例、解剖結構，以及人體運動的變化規律，方能准確的塑造和表現人物的形和神。 畫人物有幾種表現方法，各有所長，如：白描法，勾填法，潑墨法，勾染法。

2、山水畫。

山水畫的組成包括：山、水、石、樹、房、屋、樓台、舟車、橋梁、風、雨、陰、晴，雪、日、雲、霧及春、夏、秋、冬氣候特徵等

3、水墨畫。

指純用水墨所作之畫。基本要素有三：單純性、象徵性、自然性

4、院體畫。

這類作品為迎合帝王宮廷需要，多以花鳥、山水，宮廷生活及宗教內容為題材，作畫講究法度，重視形神兼備，風格華麗細膩。因時代好尚和畫家擅長有異，故畫風不盡相同而各具特點

5、工筆畫。

工筆畫須畫在經過膠礬加工過的絹或宣紙上

6、文人畫。

泛指中國封建社會中文人、士大夫所作之畫。以別於民間畫工和宮廷畫院職業畫家的繪畫，北宋蘇軾提出「士夫畫」，明代董其昌稱道「文人之畫」，以唐代王維為其創始者，並目為南宗之祖。

7、花鳥畫。

花鳥畫的畫法大致可分為二類：工筆花鳥；寫意花鳥。昆蟲亦有工、寫之分。表現的方法有：白描（又稱雙勾）、勾勒、勾填、沒骨、潑墨等等。他和山水一樣，有悠久的歷史。花鳥畫的學習步驟不外乎臨摹、寫生、創作。表現的主題有：竹、蘭、梅、菊、牡丹、荷花等；禽鳥有：雞、鵝、鴨、仙鶴、杜鵑、翠鳥、喜鵲、鷹；昆蟲有：鸚鵡、蝴蝶、豐、蜻蜓、蟬，雜蟲有：蟈蟈、蟋蟀、螞蟻、蝸牛、蜘蛛等。

⑦ 工筆畫和水彩畫有什麼區別例如，在繪畫步驟，上色和繪畫工具上有哪些不同

一、工筆畫和水彩畫的畫法上有區別

工筆畫，亦稱「細筆畫」，屬中國畫技法類別的一種，工筆畫與「寫意畫」對稱。工筆畫屬於工整細致一類畫法，如宋代的院體畫，明代仇英的人物畫等。

水彩畫是用水調和透明顏料作畫的一種繪畫方法，簡稱水彩，由於色彩透明，一層顏色覆蓋另一層可以產生特殊的效果，但調和顏色過多或覆蓋過多會使色彩骯臟，水乾燥的快，所以水彩畫不適宜製作大幅作品，適合製作風景等清新明快的小幅畫作。

二、工筆畫和水彩畫的特點上有區別

工筆畫在長期的歷史發展中建立了一套嚴整的技法體系，從而形成這一畫體的獨特風格面貌，其特點歸納如下：

1、以線造型是中國畫技法的特點，也是工筆畫的基礎和骨幹。工筆畫對線的要求是工整、細膩、嚴謹.一般用中鋒筆較多。

2、以固有色為主，一般設色艷麗、沉著、明快、高雅，有統一的色調，具有濃郁的中國民族色彩審美意趣。

水彩畫就其本身而言，具有兩個基本特徵：一是畫面大多具有通透的視覺感覺；二是繪畫過程中水的流動性。由此造成了水彩畫不同於其他畫種的外表風貌和創作技法的區別。顏料的透明性使水彩畫產生一種明澈的表面效果，而水的流動性會生成淋漓酣暢、自然灑脫的意趣。

三、工筆畫和水彩畫的畫紙上有區別

工筆畫用熟宣紙或是熟絹，是生宣紙或生絹經過一定比例的膠礬水刷制而成。其性能是不滲水。熟宣紙當前有不少品種，如清水書畫宣、冰雪宣、書畫箋、蟬翼箋、雲母箋等。以上熟宣紙中有薄有厚，膠礬水有濃有淡。

水彩畫畫紙可以選用冷壓水彩紙，水彩紙的表面顆粒有粗細之分，水彩畫紙張通常是由棉、亞麻(Linen)、碎布(Cotton Rags)或木漿等材料所製成，木漿制紙很便宜，放置過久容易變質、發黃及碎裂，通常做為速寫練習之用。

好的水彩紙應該是由棉、亞麻或碎布所製成，而且紙張本身或樣品目錄均會標示其成分。酸鹼度為中性。並有廠牌的浮水印，是優良品質的保證。

參考文獻：網路-工筆畫

參考文獻：網路-水彩畫

⑧ 中國畫與水彩畫有什麼區別

一，注重細節上的區別

中國畫注重神韻，水彩畫更注重形似。如果將中國繪畫比喻為抒情詩，那麼水彩畫就如寫實照。

二，繪畫形式上的區別

中國畫簡稱「國畫」，主要是指中國傳統的水墨畫和彩墨畫。它是以水為媒介，用毛筆、墨和礦物顏料、植物顏料，在宣紙或絹上作畫的一種繪畫形式。

水彩畫起源於西方，是歐洲文藝復興時期發展起來的。它也是以水為媒介，運用艷麗且多為透明的水彩顏料，在白紙上作畫的一種繪畫形式。

三，概念上的區別

在大概念上，我們可以這樣認為：水彩畫是以「彩」為原料，「水」為媒介，在專用的「硬白紙」上作畫，且十分注重光影效果的一種色彩艷麗的繪畫形式。

四，繪畫工具上的區別

中國畫一般用毛筆，水彩畫一般用水彩筆。

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中國畫，簡稱"國畫"，它是用毛筆、墨和中國畫顏料在特製地宣紙或絹上作畫，題材主要有人物、山水、花鳥，技法可分工筆和寫意兩種，富於傳統特色。國畫可分為人物畫、山水畫、花鳥畫三種。

中國畫按技法分： 工筆畫， 寫意畫， 小寫意畫，大寫意畫， 重彩畫， 水墨畫，白描畫， 敦煌壁畫。

中國畫大致可分為；人物，山水、界畫、花卉、瓜果、翎毛、走獸、蟲魚等畫科；有工筆、寫意、鉤勒、設色、水墨等技法形式，設色又可分為金碧、大小青綠，沒骨、潑彩、淡彩、淺絳等幾種。

主要運用線條和墨色的變化，以鉤、皴、點、染，濃、淡、干、濕，陰、陽、向、背，虛、實、疏、密和留白等表現手法，來描繪物象與經營位置；取景布局，視野寬廣，不拘泥於焦點透視。有壁畫、屏幛、卷軸、冊頁、扇面等畫幅形式，輔以傳統的裝裱工藝裝璜之。

⑨ 用各種材料來製版產生了怎樣的肌理效果和美感

肌理是造型藝術特有的美感特徵，因所有工具或材料的不同而表現出不同的感覺。是物體表面的組織紋理結構，即各種縱橫交錯、高低不平、粗糙平滑的紋理變化。例如油畫和中國畫的肌理就因為使用了不同的工具和材料而不同。另外在學多當代藝術作品中已有對顯示中的各種材料的大量使用,就形成了各種肌理效果。它之成為美術的語言之一，就在於不同工具和材料所表現出來的美感特徵已成為藝術家進行各種情感和觀念表達的重要組成部分之一。
在繪畫中，肌理是物質材料與表現手法相結合的產物，是作者依據自己的審美取向和對物象特質的感受，利用不同的物質材料，使用不同的工具和表現技巧創造出的一種畫面的組織結構與紋理。任何物體表面都有其特定的紋理變化，這種特定的紋理變化所呈現出的神奇的視覺感受，正是繪畫藝術所探求的肌理效果。肌理在繪畫藝術中的審美價值不可低估，它有著其它表現手法難以實現的美學特質。
水彩畫不僅有絢麗的色彩、高雅清新的格調、豐富的表現形式，而且還有最使畫者心醉神迷的那種難以名狀、自然天成、亦真亦幻、神奇美妙的藝術效果。這種水與彩的交融所產生的效果是自然物象藉助作者主觀與客觀、有意與無意的創作活動而呈現出來的，這種物體表象特徵所呈現出的特殊視覺語言，就是水彩畫有別於其它畫種而特有的語言魅力，即水彩畫的肌理美。
水彩畫的肌理之美：
一、自然肌理與藝術肌理之美
大自然千姿百態，世間有萬物之貌，這是構成視覺形象最基本的要素。生活是藝術表現、藝術創作的源泉，就水彩風景而言，同樣如此。天空的絢麗多彩、大海的浩瀚波瀾、山寨的老牆木屋、晨煙的依稀夢幻、古道的曲折逶迤、山岩的鬼斧神工、陽光的嫵媚燦爛、雨霧的朦朦朧朧、枯樹的斑駁滄桑、幼苗的生機盎然，無不呈現出奇妙無限、變幻無窮的自然肌理之美。
藝術肌理在藝術實踐中的運用，不但能豐富藝術的表現力，而且還能增加畫面的生動性、趣味性。當面對雄渾磅礴的太行山，那層層的山岩、斧劈狀的石痕，使我們感受到大自然內在的感人力量。當身處煙花三月的江南水鄉古鎮，在淡淡的晨霧里，那水淋淋、意切切，那空濛秀美、細雨無聲，給人以輕靈雋永、意猶未盡的朦朧美。這不僅僅是大自然與物象的外表之美，在這些外表與可視的肌理背後還蘊藏著更為深層的意境之美。種種自然肌理無不關聯著人們的心理想像，將各種自然肌理紋樣作為視覺信息轉化成繪畫語言便產生出藝術肌理，使之傳情達意，這無疑將會豐富和拓展水彩藝術的表現力度，使水彩畫的表現與心理效應之間達到高度的吻合。
二、具象寫實的肌理美
肌理作為視覺藝術的一種基本語言形式，同色彩、線條一樣具有造型和表達情感的功能。在具象寫實的水彩畫表現中，肌理可以再現物體表面豐富多變的特徵，具有意想不到的造型效果。肌理在傳統寫實風格的水彩畫中運用非常廣泛。像威廉、透納、薩金特這樣的寫實主義水彩畫大師，不但能嫻熟地駕御水彩畫的工具性能，還能在水彩畫的創作中突破古典程式的束縛，大膽探索與拓展特殊技法與肌理效果在水彩繪制中的運用。
肌理不僅可以表現物體的不同質感，同時，也使畫面呈現多樣的視覺效果，不同的肌理對比，可以使人感受到不同的審美意蘊。如水彩特技中的灑鹽法，它利用鹽粒遇水溶化的特性，在畫面濕時撒上鹽粒，鹽粒滲化將顏色擠開，形成了一顆顆類似雪花狀的小白點，恰似百花競放又似雪花飛舞。又如在花卉靜物的寫生中，隨意在背景上滴下幾顆水滴，畫面立刻就會打破遠景上的平板狀態，生動起來，與前景上的花朵相映成趣。同樣，顏料滲溢出的肌理與樹枝的生長形態具有某種同構關系，運用自然滲化的方法表現密密麻麻的樹枝，更增添了畫面的自然天趣。
三、抽象寫意的肌理美
水彩畫中的所謂「抽象寫意」與「具象寫實」是一種相對的概念，相互獨立又相互依存，在特定條件下也可以在同一畫面上達到互補與和諧。具象是情系自然的脈絡，抽象是通往理性思維的樞紐。抽象與寫意的肌理在水彩畫的表現中有著其它畫種無法比擬的得天獨厚的優勢。水的品格是清澈、明凈、流動，色彩的特性是變幻、神妙、詭奇。水與彩的交融，構成了一個晶瑩亮麗的世界、一個水色淋漓的世界、一個瞬息萬變的世界。水色在流動、撞擊、融合、分解的過程中產生了種種神奇美妙的肌理效果。
總之，水彩畫在肌理表現的手法上是非常寬泛的，它既可「意在筆先」，又可「意在筆後」，從而形成水彩畫表現的「千言萬語」。從自然肌理之美中尋找藝術肌理之美，這是水彩畫真正的特點和優勢。它既能藉助肌理把物象表現到惟妙惟肖的程度，也可以利用肌理把畫面表現得朦朧飄渺；它既能在具象中包含抽象的意味，又可以在抽象中產生真實與靈動。從藝術語言審美的探求中挖掘水彩畫肌理表現的內在潛力，將會不斷賦予水彩藝術新的內涵，開拓新的語境，形成新的風格。

⑩ 有關臨摹油畫花卉的具體步驟

1、准備好油畫的工具：油畫顏料，鉛筆，橡皮泥，油，畫架，畫布，圍裙，背景大筆刷，中筆版刷，細筆刷。權