潘天壽花卉小品
A. 古代線描名畫有哪些
《奔馬》
近代 徐悲鴻 1941年作 紙本水墨 縱130厘米 橫76厘米 徐悲鴻紀念館藏
徐悲鴻（1895—1953），江蘇宜興人。
他是許多到歐洲留學然後又回國從事
以提倡寫實為宗旨的美術教育中最有影響的人物。
在作畫上，徐悲鴻青年時期以素描為最出色，
所作人體，善於將線描與明暗結合起來，外形准確，風格簡潔，有很高的藝術造詣。後以准確的造型、傳統筆墨工具畫人物、動物、花鳥和風景，
探討融會中西的「寫實彩墨」，在四十年代產生了深刻的影響。
《奔馬》是他這個時期的代表作。畫中奔馬四蹄騰空，急馳而至。
准確的骨骼結構，逼真的外形動態，一氣呵成，
水分充足的潑墨方法，形成獨具個性的徐悲鴻畫馬模式，
從而對傳統畫馬有所超越和發展。
《蝙蝠迎風圖》
近代 高劍父 1945年 李時佑藏
《蝙蝠迎風圖》似乎很少從過去的中國畫中見到，
唯民間畫工有「五蝠捧壽」、「蝠來吉祥」等彩畫。
此圖將蝙蝠的頭部用深墨大點，因宣紙的洇透，
四周有毛茸茸的感覺，蝙蝠的鼻尖上翹，
兩點深墨畫出二隻大耳朵，左右翼的設置，
根據蝙蝠雙翅的結構，翼尖加深墨，蝙蝠的形象頗為生動。
畫面右旁，數株柳條，中鋒出之，添上葉子，畫面重點突出，富有新意。
《蒼松圖》
近代 吳昌碩 紙本設色 1923年 天津人民美術出版社藏
《蒼松圖》畫兩棵松樹，並列直干沖出畫面，相互映襯，
在畫松樹主幹時一筆直下，不作屈曲，再在主幹上畫出枝幹，
在畫松針時用濃墨深墨，再以干筆畫出鱗片，使主幹顯出蒼老斑剝，
再加深墨點苔，枝葉錯落，有聚有散，益顯鬱勃古樸，蒼勁渾雄，
形似狂怪，如若怒龍伏虎之態。吳昌碩在一幅巨松樹上曰：
筆端颯颯生清風，解衣盤礴吾畫松。
是時春暖冰初解，硯池墨水騰蛟龍。
《風雨雞鳴》
近代 徐悲鴻 紙本設色 縱132厘米 橫76.6厘米
畫左上題：「風雨如晦，雞鳴不已，既見君子，雲胡不喜。
丁丑始春，悲鴻懷人之作。桂林。」
題詩取自《詩經》風雨篇而另有寓意。
1937年（丁丑年）日本帝國主義加緊對中國的侵略，
畫家借「風雨雞鳴」的詩意來抒發自己的愛國之情。
畫中立於峻峭巨石上的一隻冠紅似火的大白雄雞，
挺胸昂首望天長鳴；石旁象徵民族氣節的墨竹叢生；
背景為「風雨如晦」的漫漫長空。
《楓鷹圖》
近代 高奇峰 紙本設色
此圖畫一截粗大的楓樹，橫斜於畫面，
著意表現倚楓棲立的老鷹若有所思的神態。
老鷹頭朝下視，兩爪扒住楓樹，雙翅振起，
像似剛剛落下，形態、神情俱自然。手法上，與高劍父有很大的不同。
奇峰對畫面的處理，筆法更加趨向精巧。
楓樹老節，用濃墨重筆以撞水、撞粉法。
顯然在居廉的基礎上，又有了發展，藉以獲得更加悅目的藝術效果。
尤其是樹乾和樹葉的處理，充分利用撞水法，
不僅使樹干立體，而且有水彩畫和沒骨法效果，
樹枝兩邊深，中間淡，工秀而有變化。
《孤猿叫雪圖》
近代 高奇峰 1916年
畫家著重描寫了高山深谷的環境，一枝松樹垂下，樹枝上厚厚的積雪。一隻猿猴，吊在樹枝的末端，前肢抓著樹干，左足蹲在枝幹上，右足凌空，氣氛緊張，尤其是猿張著嘴巴，眼睛朝上，正在喧啼的真實情狀，以及刻畫猿的臉部毛發很有天然渾成的效果。從畫法及表現技巧看，還未能充分利用撞水、撞粉法，主要是傳統的筆墨，但全畫的渲染，為了突出一個「雪」字，以渲染整個的環境氛圍。
《荷》
近代 張大千 紙本設色 1935年
張大千（1899—1983），畫荷葉大筆劈掃，把用於山水畫上之「荷葉皴」，加以粗放，回用到荷葉自身，頓覺別具神采。接著，復以工筆畫花，挺秀勁健；畫葉放筆直干，痛快淋漓，似瀑布般奔騰著、呼嘯著、宣瀉而下，勢不可擋，以其寫意性和陽剛氣控制著畫面，生機勃發；而畫花卻婀娜寫實，飽滿豐腴，晶瑩而嫵媚。她不僅展示著秀色可餐的柔美，更顯示了同墨葉互補的大氣，復笑著，搖曳著，將縷縷幽香溢滿乾坤。
《荷花蜻蜓圖》
近代 齊白石 紙本設色 縱39厘米 橫35厘米
齊白石詩詞、篆刻、書法無不精工，山水、花鳥、
昆蟲、人物等都有很高的藝術成就。
此畫構圖奇特，一花、兩葉，穿插得非常巧妙，
尤其是幾片朱紅的花瓣，掩映於墨色的荷葉之中，
色彩對比強烈而又十分諧和。
葉間蜻蜓，款款而飛，俯視盪漾的微波，真使人奪「十里荷塘」之想。
《荷蛙》
近代 齊白石 紙本設色 1954年 北京榮寶齋畫店收藏
齊白石天賦聰穎, 又勤奮刻苦, 他幼時塗鴉，
就喜歡表現周圍熟悉的環境, 十多年的雕花藝匠經歷,
畫像經歷, 數以千萬計的寫生、臨摹和默畫,
培養了他對人物特別是鄉村自然物像驚人的洞察力和記憶力。
魚、蝦、蟹、蛙, 在齊白石作品中出現最多。
他筆下的青蛙, 活潑可愛, 就像是終日玩耍淘氣的孩子。
《荷蛙》是畫家91歲高齡所作, 描繪秋田的荷塘, 四隻青蛙自由自在, 活潑可愛。
《紅荷圖》
近代 吳昌碩 紙本設色 中央工藝美術學院藏
《紅荷圖》似不經意，布局卻很別致，僅畫三張荷葉，
佔有畫面絕大部分，因他用羊毫軟筆，畫荷葉、
荷梗任情揮灑，奔放雄秀，濕筆有韻，枯筆有氣，淡而不薄，
深而不板，剛柔相濟，潤而不洇，筆筆有力，墨法筆滋，意境清新、靜穆。
二朵紅荷敷薄色，質朴而惹人注目，蘆葦純以淡色出之，與荷葉深墨成對比，
主次有別，層次分明，氣勢磅礴，是真正的大寫意，具有獨特的格調。
《紅梅頑石圖》
近代 吳昌碩 紙本設色
吳昌碩畫梅花，有緣物寄情、寫物附意的特點。
他曾在一幅梅花上題雲：「苦鐵道人梅知己，對花寫照是長技。」
《紅梅頑石圖》據跟隨他多年的學生、
最具有代表性的繼承人趙雲壑的題跋，可知是吳昌碩的晚年之作。
一塊石頭，水墨淋漓，數株梅枝蟠曲向上，鐵骨錚錚，似作家之法畫之。
花似錦，紅艷欲滴，千姿百態，有含苞等放的，有盛開吐蕊的，
彷彿使人感到凌風傲霜，能聞到一縷縷的清香。
《葫蘆圖》
近代 吳昌碩 紙本設色
此畫其用筆靈活，似漫不經心，隨手點染而神采天然，
尤以葉子和藤蔓，表現活脫、自然，下面幾只葫蘆飽滿而憨態可掬。
恣縱的筆路，雖然紛披滿紙，仍然可以識得他形筆運墨的蹤跡。
《花卉》
近代 吳昌碩 王一亭合作 紙本設色 吉林省博物館藏
此圖為藝術家們雅集一堂時所繪。
王一亭畫水仙、佛手、盆架。吳昌碩畫梅花。
王一亭所繪水仙用沒骨法，筆力不如吳昌碩老到古樸。
吳昌碩畫梅花，圈花點蕊蒼勁簡老。
《花鳥》
近代 張大千 紙本設色 1934年
1934年，張大千與其兄善孖北上，9月9日，北平中山公園舉辦正社畫展，有張大千的作品40件。此幅《花鳥》系應友人之邀所畫屏風之一，畫家自謙地說：漫畫「曩素所不習者。呈正。人好用其短，可笑也夫。」在其屏風畫疏淡的裝飾味道上又不難讓人想起他早年赴日本留學學習繪畫與染織的經歷。60歲前，張大千集中精力臨摹，諸類畫種，各種流派，無分親疏。由石濤、朱耷追徐謂、陳淳及宋元諸家，直至敦煌壁畫。其畫風亦由近似石濤、朱耷而變為晉唐宋元風范。從他這幅36歲時的《花鳥》，到他46歲時的《白頭紅色葉》，即可明鑒其變化軌跡。
《花鳥》
近代 高奇峰 紙本設色
此幅《花鳥》是高奇峰為嶺南大學上海分校所作，可謂精品。
畫右伸出的樹枝，運用撞水、撞粉法，先以深墨，再以撞水、
撞粉、顏色在乾燥過程時沿所描寫的事物邊緣累積，
樹葉勾莖，技法變化繁多。樹枝上停著一隻白翁，
張嘴，眼旁黑色與嘴相連，頸至背黃赭墨相混，
右翅膀扇開，歪斜的身子與左翅相交，
尾巴垂下一條硬而細的小腿扒著樹枝。
這鳥從技法看似水彩畫，但卻堅實渾厚，
既有中國傳統花鳥的技法，又吸取了西洋技法，
從而使鳥成為畫眼。
《雞菊圖》
近代 陳師曾 紙本設色 縱132.6厘米 橫46.3厘米
陳師曾（1876—1923），名衡恪，字師曾，號槐堂，又號朽道人，江西義寧人。
與齊璜交往甚深。人物、山水、花卉俱有功力，尤長寫意，師事吳俊卿，
出入陳淳、徐渭、李鱔、趙之謙諸家，而又具有自家面目。
此圖意境新穎，筆墨超遠，富有獨特的情趣。
《蕉雀圖》
近代 陳樹人
陳樹人繪畫最大的特點，就是注重寫生，
他常說：「寫生繪畫的基礎，能寫生詹後畫中有物。」
《蕉雀圖》不受傳統技法的束縛，是對景寫生之作。
他畫蕉樹干，一筆到底，用筆的變化不多，
但卻注意被折斷了的黃葉子，已垂下傷失生命枯槁發蕉的葉子……
幹上的葉子，由於對景寫生，狀態各異，那彎曲垂下的葉枝上，
站著一隻麻雀，我們彷彿聽到他喳喳的叫聲。
畫家那清新、剛健、質朴感人的物象，使人感到親切而新鮮。
《菊石圖》
近代 陳師曾 1916年
一塊大石布滿了畫面絕大部分，鉤花點葉，
布列有序，黃、紅、白三色，各色菊花艷麗芳菲，
爭妍斗奇，形成一幅繽紛斑斕的立體畫卷。
陳師曾畫菊有時寓有身世之感，如他為賀吳成再婚畫的一幅菊花上題菊花詩雲：
「事往去年花，今年豈無再?
從容續墜歡，俯仰發新慨。寫此詩贈君，願與人常在。」
畫家悼亡兩次，結婚三次，對於朋友的再婚，自然會引起自己的感慨。
他畫菊，有時以草書筆法，一氣呵成，可謂千姿百態，巧奪天工，給人美的享受。
《菊石圖》
近代 吳昌碩 紙本設色 中央工藝美術學院藏
《菊石圖》是吳昌碩以慣用的斜對角章法而作，
集中在畫面左邊，靠頂角畫有姚黃大菊，雙鉤花瓣，
濃墨點葉，枝幹上有兩個花蕾，下面有巨石一塊，數朵魏紫，
中間隔著一朵白菊，昂首怒放，風姿綽約，濃墨深葉襯托著花朵，
花枝扶疏，畫之右下角點著大小不同的墨點，各種盛開的菊花，
呈現出鮮艷多姿，神韻秀麗，凌風傲霜，
可見畫家寄託著他清高脫俗的精神品格。
《蘭花圖》
近代 潘天壽 紙本設色 縱133.5厘米 橫33厘米 私人收藏
潘天壽是繼吳昌碩、齊白石、黃賓虹後最富有創造性的傳統型畫家。他的藝術淵源廣而雜，其所吸取卻專而精。他一方面學習以吳昌碩為首的金石筆法，自己也研究篆刻、摹寫墓碑；另一方面則宣布承繼浙派，要一味霸悍。潘天壽是一位喜歡倔強、雄健、深沉、奇偉的人。《蘭花圖》卻講究大小、疏密、正斜、錯落等章法結構，從而使得小品也雋永，韻致獨到，生動洗練，應了鄭板橋所言「刪繁就簡三秋樹，領異標新二月花」的追求。
《蘭石圖》
近代 潘天壽 縱95厘米 橫34.5厘米 私人收藏
傳統中國畫，特別是文人畫，深受中和思想的影響，總要求剛與柔、拙與巧、似與不似、實與虛、情與理、平與險的平衡與和諧。潘天壽恰恰反其道而行，要履險境，走極端，喜奇兀、強倔、壯偉甚至丑怪的造型、造境，尋找自己的藝術道路。此《蘭石圖》體現了潘天壽那種「用小構圖不大幅」的創作原則，擇其精華，去其蕪雜，言簡意賅，回味無窮，筆愈簡而氣愈壯，而且氣盛、勢旺、力足，近世罕有與匹者。
《荔枝圖》
近代 吳昌碩 紙本設色 縱109厘米 橫34厘米 私人收藏
吳俊卿（1844—1927），原名俊，字昌碩，號缶廬，又號苦鐵，浙江安吉人。
工篆刻、書法，善畫花卉，近效趙之謙、張學廣，遠師陳淳、徐渭、朱耷、原濟。
墨筆設色，無所不工，又常以篆法入畫，筆力雄健，氣韻磅礴，為近代畫家之一。
是繼任伯年而起的海派主將。
吳昌碩工詩書纂刻，擅石鼓文，善畫花卉竹石，
被稱為「雄健古茂，盎然有金石氣」。
圖中荔枝，直干聳出，迥殊凡態；
枝頭果實實，信手點染，表現得十分腴潤。
《嶺南春色圖》
近代 陳樹人 1929年
陳樹人與高劍父、高奇峰並稱「嶺南三傑」。
陳樹人的藝術風格超然於傳統的束縛，更加重視現實對象的寫生。
陳樹人曾對高劍父說：「子為其奇，我為其正，奇峰先生則執中。」
就把他們三人不同的風格談清楚了。
《嶺南春色》截取紅木棉樹之局部，巨柯挺立，
滿樹猩紅的花朵，艷麗引人。
紅木棉樹是嶺南著名的花樹，人們稱譽它為「英雄樹」。
開起花來，正像詩人們贊頌的「紅花朵要破春寒，掛滿枝頭百尺竿」。
《梅花圖》
近代 吳昌碩 紙本設色 縱159.2厘米 橫77.6厘米 上海博物館藏
《梅花圖》構圖奇特，幾條豎直線條，作為梅花主幹，小枝旁出。
右上側又伸出數乾梅枝，穿插於主幹之間。
梅花先用寫意法勾勒，再填顏色，梅乾梅枝的處理，
粗看似乎不合常規，然而細細品味，枝幹橫豎交叉，雜而不亂，
恰到好處表現出梅花的風姿，富有生活氣息。
畫家以書法入畫，筆墨蒼勁，透著幾分金石趣味。
此畫是吳昌碩花卉畫的奇絕之作，蒼勁俊朗而灑脫隨意。
《墨荷圖》
王震 紙本設色 縱150厘米 橫81厘米 中國美術館藏
王震（1867—1938），字一亭，號梅花館主、
海雲樓主。生於吳興（今浙江湖州）北郊白龍山麓，
故四十歲始以白龍山人為號。平生信佛，法號覺器。
山水、花卉、翎毛、佛像兼長。
此畫中荷花師從吳昌碩，為大寫意，筆力虯勁而老辣。
《牡丹水仙圖》
近代 吳昌碩 紙本設色 1923年 吉林博物館藏
《牡丹水仙圖》畫面下端為二排由左向右斜的水仙花，
鉤葉填石綠，花正盛開，畫面中間為一塊大石頭，
石後為一排大寫意牡丹，紅花鉤葉，三段式的構圖，
穿插有致，前後錯落。
畫家在談創作牡丹的經驗時說：
「畫牡丹易俗，畫水仙易瑣碎，只有加上石頭，才能避免這種弊病。」
此畫頗有氣勢，水仙、石頭、牡丹三者結合，
整體感很強，顯得生機蓬勃，光彩照人。
《枇杷圖》
近代 吳昌碩 紙本設色 1917年 天津人民美術出版社藏
清代惲壽平曾畫折枝枇杷，並在畫上題有：
「筆端亂擲黃金果，不屑長門買賦錢。」
吳昌碩在另一幅《枇杷圖》上有：「五月天熱換葛衣，家家廬橘黃且肥；
烏疑金彈不敢啄，忍餓空向林間飛。」
枇杷鮮果，盛產蘇州洞庭東山，有白沙廬橘，小者味甘美，
大而白者極酸，樹葉可做葯材。
《枇杷圖》，枝幹從上而下，筆能力透紙背，並列樹枝，
相互襯托，樹干椏杈，果實累累。
他畫枇杷，一筆圈成，在紙未乾時，點上墨點，
使黃金果更加惹人注意，並具有新鮮欲滴、飽含水分的感覺。
《牽牛花》
近代 齊白石 紙本設色 1952年
《牽牛花》是他晚年之作，
畫跋雲：「予偕山子曉霞山之西，大岩之東，岩之牽牛，常有花大如斗。
予九十二歲時，一日翻舊簏得予少年時手本，九十二始用之」。
由此可知，畫家所畫之物，是他早年時的稿本中得來。
他還曾為梅蘭芳畫過牽牛花，「梅畹華家牽牛花碗大，人謂外人種也。
余畫此最小者」。
《牽牛花》用筆老到，聚散穿插很有講究，
筆力健爽，紅的花朵，黑的墨葉，鮮明大方，
形成墨線叢中朵朵紅花，嬌麗動人。
《清供圖》
近代 陳師曾 1918年
此圖畫一陶盆，以重墨畫石頭，旁養盛開的水仙花，盆後有瓶，插有二朵菊花。
菊極淡，數葉稍深，疏朗且有清逸之趣。整幅畫靜謐清雅、高潔。
用筆宛轉，瀟灑流利，筆簡而不空，層次有條理，
既有成法，又不拘於成法，任意為之，自饒清逸，
獨有風貌。同時配上他的題畫短句：
「供養水仙花，開到盈盈欲折。一片歲寒清思，共芳香幽絕。
碧天雲凈雪初消，又見風吹葉，人意鍾聲俱遠，有一輪冰月。」
題句清新雋逸，與畫互相映襯。
《秋蟲菊石圖》
近代 齊白石 紙本設色 縱98.9厘米 橫33.2厘米
齊白石(1863—1957)，中國近、現代中國畫家、
篆刻家, 原名純芝, 後名璜, 字渭清, 又字蘭亭,
號瀕生, 別號白石山人、寄園、寄萍堂主人、阿芝、三百石印富翁、湘上老農等。
齊白石生於湖南省湘潭縣農家, 他自小砍柴,
上了半年村館就學木匠, 給人作雕花傢具。
此幅作品，筆墨與構圖，俱臻佳妙，一葉紅菊，
斜垂畫中，色彩鮮妍，視以淡墨石頭，氣勢峭拔，
石上著一紡織娘，更添生趣，
自題雲：「滿地紅雲粲菊英，題詩牽動故園情，
十年百劫家難想，可有山中紡績聲。」
《秋荷圖》
近代 陳師曾 紙本設色 1916年
畫家在畫上題：「荷葉生時春恨生，荷葉枯時秋恨成。
深知身在情長在，怕聽江頭江水聲。」
畫面構圖飽滿，蓮梗蓮葉布局別致，荷葉有的已枯萎，
有的正富生命力，蓮蓬挺立。
用筆秀逸多姿，剛健活潑，矩法森嚴，精氣內涵，毫無劍拔弩張之氣。
堅實沉著，鋒芒盡斂。用墨又能燥濕濃淡，任情揮灑，畫面生動自然。
畫家在詩旁蓋有朱文「深知身在情長在」的印章。
這是他有感而發。
這顆印章是陳師曾為紀念他的亡妻汪春而作的，章的邊款：
「師曾悼亡乃有此作，燈前自賞，不禁泫然。」
《秋實圖》
近代 齊白石 紙本設色 橫35厘米 縱101厘米 私人收藏
齊白石的花鳥畫最為世人稱道, 他既能作細如毫發的工筆草蟲,
又善畫簡而又簡的粗筆大寫意, 有時將這兩種方法和形式結合起來,
創造出奇妙、精絕的「魚蟲花卉」。
此《秋實圖》筆簡而意俱到，畫家從精微處著手，
將挺立在枝葉上的螳螂和麥穗下雙飛的彩蝶，
描繪得風姿生動，意趣橫生，極富表現力和感染力，
構圖也很奇巧，右邊飽滿而左邊空曠，空白處簽上
「三百石印富翁白石五百零二甲子」，使畫面顯得整體疏宕，節奏感極強。
《秋蟹圖》
近代 潘天壽 紙本設色
潘天壽擅畫寫意花鳥和山水，遠師徐渭、朱耷、原濟（石濤）等人，近受吳昌碩影響；其畫破常規、創新格，布局敢於造險、破險，筆墨濃重豪放，有金石味，色彩單純，氣勢雄闊。書法從鍾繇、顏真卿、史孝山人入手，後學秦漢、魏晉碑文，參以卜文獵碣。畫中題識，疏斜跌宕，有黃石齋（道周）風。善詩，能治印。亦畫人物，並長於指畫。這幅作品畫一隻肥大的螃蟹從盛蟹的竹簍里爬出來，很有生趣。竹簍用淡墨勾勒，清勁瀟灑，螃蟹用重墨，筆筆寫出，形象生動。淡色竹簍和重墨螃蟹，形成了對比，使畫面富有節奏感和韻律感。
《日長如小年》
近代 徐悲鴻 紙本設色 1931年
此畫左下角題：「日長如小年。
辛未夏至寫第二幅。元作贈宗白華兄矣。
靜文愛妻存。悲鴻。」
以往不少人畫鵝多畫鵝群在水中游泳嬉戲的情景，
此畫所選取的描寫角度和意境完全不同。
畫中的三隻白鵝卧於岸邊的沙土上休息，
呈相互關愛狀，畫面充滿陽光感，背景是一片生長茂盛的蘆葦。
畫面色調給人一種暖融融的審美感受，
畫家借描寫鵝與鵝的相互關系，
似乎在抒發人與人之間相互應有的關心和愛護的情懷。
此畫在筆墨及設色上既有傳統水墨寫意畫的特色，
又借鑒吸收了西洋畫的某些技法特點，
如在環境色對鵝的白色羽毛用色的影響等。
《榮貴圖》
近代 陳師曾 紙本設色
《榮貴圖》是以芙蓉和桂花相結合的諧音。
畫家用大寫意的傳統筆法，寫出六朵紅艷艷芙蓉花。
白粉鉤瓣，耀眼奪目，並以墨綠的葉片扶襯，下面一枝紅桂，
濃墨鉤莖點葉，枝葉間朱紅添蒼，紅、綠色鮮明不讓，
顯示出榮貴的高雅格調，並傲秋霜。畫家以折枝的形式，
結構嚴謹，主要通過活潑多姿的筆墨鉤染，花繁野密，富有生意。
因為陳師曾是學生物的，他對花草的實物形態結構組織，
知之甚深，固能在筆力中求氣勢，比較真實的畫出芙蓉和桂花的自然形態。
《芍葯圖》
近代 吳昌碩 紙本設色 1923年 吉林藝術學院藏
吳昌碩畫花卉手法也像「百花爭妍」那樣豐富多彩，
種類繁多，有桃花、辛荑、芙蓉、牡丹、芍葯較為艷麗、富貴；
另一類取梅、蘭、竹、菊較為清疏淡雅，尤為吳昌碩所崇尚，喜愛。
芍葯具有艷麗富貴、奼紫嫣紅的品格，在花卉中佔有獨特的地位。
芍葯在吳昌碩晚年的作品中大都爛漫開放，用鮮艷的胭脂紅來設色、
花瓣含有充分的水分，故能顯出動人的光彩，再加茂密的枝葉陪襯，
很有生氣，使大寫意花卉進入一個新的境界。
《世世太平圖》
近代 齊白石 紙本設色 1952年
白石老人出生於湖南湘潭縣杏子塢星斗塘一個貧農家裡，
一生飽經飢寒患難，憎恨舊社會的貪官污吏橫行霸道。
並親自體會到人民的痛苦。
因此繪畫上能愛憎分明。
他的審美感受和審美理想能同廣大勞動人民相一致。
《世世太平》就代表著廣大勞動人民的美學理想，
也是畫家對人民、對祖國、對和平充滿熱愛，充滿勞動人民的思想感情。
《世世太平》畫家用羊毫大筆畫出二隻柿子，籃里盛著二隻大壽桃。
為了畫好鴿子，老人還買來鴿子，養在家裡，日夕觀察其特徵。
他看了畢加索畫的鴿子，創作《和平來臨》，
他說「畢加索畫鴿子飛時要畫出翅膀的振動，
我畫鴿子飛時畫翅膀不振動，但要在不振動里看出振動來。」
《雙馬圖》
近代 高奇峰 紙本設色
高奇峰（1889—1933）畫馬與中國傳統的畫馬方法不同，
他吸取了西方藝術寫生法和幾何、光影、遠近等技法。
他畫馬具有逼真的本領。《雙馬圖》畫兩匹馬，
前一匹棕褐色，後一匹為灰白色，根據對馬的結構、
解剖、光照遠近，以堅實的素描功夫和明暗結構，
一筆不苟地畫出物象的形態，層層暈染表現了馬各部位的體積感、
質感和明暗關系，將馬畫得油光鋥亮，不同膚色刻畫得淋漓盡致。
從而創造出既具有寫實的科學因素，又有傳統藝術意念的現代美術。
他的作品具有雄健與俊美兼而有之。
《四季圖》
王震 屏 紙本水墨設色 尺寸不詳 （日）私人藏
王震早年得任伯年指點，後師吳昌碩，構圖奇崛，筆墨雄勁，
設色濃艷，肖似吳氏，為海派最後一位領袖。
此四屏幅飽醮濃墨，酣暢淋漓，很有氣勢。
在此選二屏，一屏題：「珠光魚影。癸亥冬仲。
白龍山人寫。」二屏題：「百丈松能拔地起，一聲鷹欲凌霄鳴。
B. 花鳥畫怎麼樣
根據不同標准有不同的分類。
技法兩大類：寫意花鳥畫 工筆花鳥畫 （沒骨花鳥畫可偏工或是偏寫）
題材分類：花卉 草蟲禽鳥 魚蝦 蔬果 走獸等等
時間分類：古代花鳥畫 近代花鳥畫 現代花鳥畫
《怎樣進行花鳥畫構圖》 花鳥畫的構圖，不比山水、人物。山水有山石樹木、亭台樓閣、飛瀑流泉等等，以及近、中、遠景的區別，空間距離很大；人物有男女老幼和各族、各階層的不同特點。只有花鳥畫空間距離的不大，題材內容一般。因此，構圖的問題顯得特別重要，現闡述如下： （一）賓主分明 賓是客體，主是主體。創作時首先考慮什麼是主要？什麼是次要？如果這個觀念沒有樹立, 等於舉棋不定，無法前進。那麼賓主應該怎麼處理呢？主體要由主要形象、主要位置、主要色彩和數量。次要的，一切都不能超越主體，這就叫賓主分明。給觀眾一看，誰主誰賓，非常明確。如果含糊了，立即產生兩種感覺：（1）賓主不分。誰是主、誰是賓，鬧不清楚。 （2）喧賓奪主。把次要的東西變成主要的物象出現，那就必然混亂，無法分辨。我們認識矛盾，一定要從主要和次要兩個方面著眼，作畫和解決矛盾應該是一致的。所以必須分清主次，才能很好地進行創作。譬如荷花荷葉，當然花是主體，葉是客體。作為形象，葉大占面積多，花小沒有分量。但墨葉從中，畫上一兩朵鮮紅的荷花，只要色彩艷麗，就能超過數量和形象。因此，也不能單憑形象和數量來決定，還要根據彼此之間所產生的變化，和畫面的效果來肯定賓主。這是同一物體所產生的不同變化（一般物體大，數量多是主體）；如果把不同的物體畫在一起，會怎麼樣呢？例如：從菊和疏籬是兩種不同的物體，畫在一起應該怎樣處理呢？同樣，應該認清不同物體之間的誰主誰從。現在從菊是主，疏籬是賓，那麼菊花的形象、位置、色彩、數量，都要從主體的要求進行創作。必須使兩者之間有明顯的區別，才能達到賓主分明的要求。又如：梨花小鳥，當然是小鳥是主體，梨花是客體。如果把小鳥安置在空曠處，色彩和數量之要顯眼一點，就能影響主體，否則就喧賓奪主了。大幅，畫材較多，構圖是必須選定主要畫材，重要突出，輔助畫材，一切都為主要畫材服務。根據賓主分明的原則，有計劃地周密安排。一定要有集中、由分散、有主次、有虛實、有條理、有組織、切不可零亂紛繁，莫之所是。最後，還要根據物體的前後遠近，考慮賓主問題。一般前面或近處的是主要位置，後面或遠處的是次要位置。作畫時，也需要照顧到空間距離的不同，以及賓主分明的不同要求。 (二)輕重虛實 指畫材位置的擺布。創作時要注意畫面的不平衡。上下左右，應讀有所側重。如上輕下重、上重下輕，或左重右輕、右重左輕，切不可均等。挑擔式的構圖，不可能成立。譬如作曲，始者低沉婉轉，終必激昂慷慨，中間時高時低，時緩時急，變化多端，方能回環盪漾，激動人心。音樂如此，畫豈有異。否則，何能引人人勝。構圖時更須注意不平衡之平衡。譬如：上下左右，輕重失調，必須平衡一下，才能穩住。左邊太重了，右邊要添上畫材，或者題上詩詞短跋，以求平衡。右邊很實，左邊很空，輕重太不協調啦!哪怕用上一個押角印章，也是不可缺少的，才能平衡。上邊太實，下邊太空，或者下邊太重，上邊太輕，必須添補其他畫材如蜜蜂、蜻蜒、蝴蝶、飛鳥或詩文短跋，使之平衡。但分量上要注意和原來的主要畫材有區別，否則上下均等。一定要在不影響不平衡的條件下，略求平衡為原則。一幅畫，大凡上重下輕者，有靈動之勢，如下垂之楊柳、紫藤、凌霄等量為適用，頗得動勢，有臨風搖曳之感。下重上輕者，具穩重之態。如牡丹、芍葯、菊花、月季等一般花卉都能適用。再補以石塊，使畫面產生厚重和穩定感。這種上下輕重之理，古代畫家，每多重視，也是一般法式。但還不是唯一的，最重要的還是生活和意境。有時需要突破，才有新意。所以歷代高手，往往在普泛中求不普泛。石濤所謂有法無法，乃為至法。也就是不普泛，應該在有法的基礎上求得才對哩! 中國畫一般裝裱成軸，懸掛壁間，以供欣賞。構圖時容易處理。原因是高寬相差一倍，有變化。現在四尺對開的正方形，就很難處理，原因是紙的四邊等，缺少變化。布置畫材時必須注意打破這個四邊相等，否則邊角運用受到影響。必須從上下左右四個邊角上求得變化，構圖才完美。 虛實，什麼叫虛實?指畫材黑白的有無。一般空處叫虛，畫處叫實。或疏處叫虛，密處叫實，兩者有相似處，但不能相混，和空白更需要有區別。虛實在畫面上起到調節和變化的作用，它的原則："實則虛之，虛則實之。"切不可虛則虛之，那就空洞無物。八大山人寥寥幾筆，決不是虛則虛之。那麼實則實之，太悶塞，當亦不可。因此在構圖中有兩種方法最難，一是"以虛求實"，二是"以實求虛"。八大山人的疏疏落落，十分耐看，是以虛求實。有人滿紙畫到，一無空隙，看起來很實，但實際上令人厭膩。"觸目橫斜千萬朵，賞心只有兩三枝"，這才懂得什麼是藝術。所以以實求虛，也並不容易。因此，無虛不能顯實，無實不能存虛；或者疏疏密密、密密疏疏，才有強烈的節奏感，才能百看不厭。音樂沒有節奏，不能動聽；繪畫沒有節奏，怎麼能耐看呢?虛和實應該怎樣處理呢?有畫處是實，必須實而不悶，才見空靈。空白處是虛，必須虛中有物，才不空洞。如果能夠懂得以實求虛，即所謂"擠"；也懂得以虛求實，即所謂"空"，能臻於此，其道備矣。 （三)蔬密聚散 疏密指畫材的排比交錯。它的最高原則："疏能走馬，密不通風"。何謂疏密?畫材與畫材間的排比，相距有遠有近，交錯有繁有簡。有了遠近繁簡，即成疏密。 中國畫始於一點一畫，終於無窮點，無窮畫。然排比交錯，須有三點三畫，始可成形。故三點三畫，為疏密之起點，千千萬萬之三點三畫，為疏密之終點。何謂三點三畫呢？譬如：三個墨點，兩點靠近，一點分開，形成遠近，即有疏密。三枝樹干，兩枝相交，一枝獨出，則成繁簡。所以我們在創作時，必須遵循這個原則進行思考。什麼地方要疏，什麼地方要密。疏的地方，少畫一點，使之疏到極點，馬能穿越，即成大空。密的地方，多畫一點。例如：蘭葉三片成組，一撇、二交、三破，可多畫幾組、幾十組，密到極點，風也難通，即成大實。一幅畫能大空大實，節奏感必然強烈，藝術性也就隨即產生。何謂聚散?指安置物體的位置。聚是集中，散是分開。一幅畫，有疏有密，有集中，有分散，錯綜變化，自必耐人尋味。所以我們不論畫什麼東西，三隻小雞、三朵菊花、三根籬笆，都要兩個集中，即密不通風；一個分開，便疏能走馬。處處遵循這個原則，安排物體，乃至更多物體，無處不是憑著這個要求進行創作。 (四)穿插交錯 指畫材的繁復重疊。創作時，花、葉、枝、干怎樣才能繁多而有重疊呢?必須依靠物體之間的穿插交叉。交叉有二： ①實交。兩個物體，相交一點。 ②虛交。兩個物體，本身沒有相交，但它的引長線和相交一點，也就是不交而交。 實交很有用處。物體間沒有相交，太簡單。只有兩線相交，甚至更多線相交，才能繁復。但虛交也很有用處，如遇實交太實，而又不得不畫時，就必須用虛交代替，解決實中有虛的矛盾，虛交也就不可缺少了。所以穿插交叉在花鳥畫里，非常重要，和疏密聚散有等同作用。我們創作時，可以說"疏密聚散，穿插交錯"這八個字，自始至終無時無刻不在腦中迴旋。寫意畫創作的全過程可概括為："當機立斷，隨機應變，將錯就錯，隨錯隨改"。正因為寫意花鳥，材料工具的局限，創作方法也受到影響。必須"意在筆先、胸有成竹"，也必須"落筆成形，一氣呵成，而且可一不可再"，所以"疏密聚散、穿插交錯"就顯得特別重要了。 (五)前後層次 山水畫的空間距離大，咫尺千里，有近景、中景、遠景，前後層次容易解決。寫意花鳥基本上都是近景，物體前後相距不遠，但也講前後層次。譬如：一幅畫，前面畫菊花，花後補石，石後再添細竹，一層推一層地畫過去，層層相應，豈不繁復耐看了嗎?這個物體的前後位置，在花鳥畫里也要講究的，否則就沒有層次啦! 前後層次在處理時，一般重色重墨在前，淡色淡墨在後。烘雲托月辦法，在寫意花鳥里，用處不多，當然也可以使用。至於大小處理，都用焦點透視，近大遠小。由於花鳥畫空間距離不大，所以物體的距離，不適宜遠近差距太大；也不能物體大小差別太懸殊。先師潘天壽先生說："現在有的花鳥畫，把遠景和近景結合起來，山水與花鳥結合起來，當然都是出新，但總感到有些不太調和統一。我也想出新，尤愛山花野卉，亂草叢篁，高下欹斜，縱橫離亂，天然荒率，清奇純雅，可謂高華絕俗，用來布在近景山水中，想有異古人。把山石的筆線放粗，花卉草叢的外形改小，這樣的結合，當然相對地調和一點，把距離拉近了。但咫尺千里的空間沒有了!是否得當，尚待責之異日。"先生這番話說明，他對創新問題，也在不斷探索。可見老一輩大師們的精神，那麼值得我們學習呀!我為了表現層次，想在不影響空白的作用時，前景畫花，花後補石，石後添花，花外加點，似花非花，是物非物。這樣抽象處理，層次增加了，遠近距離有了，彼此間的虛實關系也明顯了，使花鳥畫的意境，有了新的發展；同時還可以豐富色彩，反映欣欣向榮的時代精神。這樣處理，也不知道有當與否? (六)呼應氣勢 呼應是指物體之間的相互聯系。應該怎樣才好呢?有前有後應是聯系，左顧右盼、上通下達也是聯系，甚至畫內畫外，也不能沒有聯系。一幅畫，上下、左右、前後、畫內畫外，彼此之間都有聯系，那麼它的氣氛一定能團結一致，而不對立，也不分散。對立和分散，在構圖上卻最犯忌。一幅畫，如果出現互相對立，四分五裂，怎麼能讓人喜愛呢? 構圖時要講"起承轉合"，這和詩里的"起承轉合"一樣，目的是要團結一致。在承接之間，有實接虛接，以及開合要相關，反正要相依，順逆要相應等等，都有呼應聯系的作用。所以一幅畫沒有團結氣氛是不行的。這是常理，也是畫理。那麼畫內畫外的聯系，應該怎麼理解呢?譬如畫一株老乾，孤零零地畫出紙外，沒有任何東西把它從畫外收回，勢必散在外面沒有聯系，此乃一病。怎麼呼應呢?如果從穿插一二枝細干，不論是否同種花木，即使不是同種花木，也能起到內外聯系的作用，反映紙外還有更多的花木。一方面畫外的花木和畫內起到聯系作用；另方面畫內的物體和畫外的物體彼此呼應，內外一片，景外有景，無窮無盡。既擴大范圍，又可使觀眾產生更多聯想。又如：畫一群飛鳥，五隻畫在紙內，一隻後半身和半個翅膀畫在紙外，這樣，一看就感到飛鳥成群結隊，跟蹤而來的不計其數。這也是畫內外相互聯系的一種表現手法。氣勢，一般指構圖時畫材的處理而言。吳昌碩畫牡丹、菊花、松樹等花樹，收頭處，總要來幾筆枯枝槎丫。為什麼?補足氣勢。一幅畫畫完後，也常常題上直款數行。為什麼?也是補充氣勢，造成他自己的構圖形式。這些都是從構圖上求氣勢。 八大山人有亡國之痛，所以下筆縱橫馳騁，潑辣有力，充滿著反抗情緒，而且非常猛烈。這是反映在筆力上求氣勢。 潘先生有章曰："一味霸悍"，為的也是氣勢。一般文人畫的缺點：①造型能力較薄弱，技法不夠嚴謹；②用筆軟弱無力，沒有大氣磅礴的勢態。潘先生力矯時弊，認為只有大刀闊斧，以霸悍之筆出之，才能跳出文人畫的樊籠，才能畫出有時代精神的大幅創作，歌頌我們偉大的祖國。那麼，氣勢怎樣產生呢?有先天具備的，也有後天培養的。讀萬卷書，行萬里路，可以提高修養，開闊胸襟，培養氣勢。孟子說："善養我浩然之氣"，即是慢慢培養氣勢的一種方法。我們畫寫意的人，特別要注意氣度，沒有氣度，不可能畫出氣勢磅礴的作品來。 (七) 收頭鋪腳 指畫材的處理。什麼叫頭?物體的頂部稱之謂頭；什麼叫腳?物體的根部稱之謂腳。什麼叫收頭?物體的頭部畫在紙內，供觀眾欣賞，稱之謂收頭。吳昌碩以前，沒有人講過"收頭收腳 "，他是從印章的布局裡發現虛實美，就移植到構圖中加以運用，這是構圖的一個發展。潘先生也利用它，指導自己的創作。但後來發現"收頭收腳"的局面不大，常常為了收腳把畫面的范圍縮小了，不適應長幅大幅的需要，漸漸改用鋪腳。他說："腳鋪在紙外，一可以擴大視野，寬廣無邊，畫外有畫，無窮無盡；二可以引入遐想，深化意境，景外有景，依稀飄渺。"又說："昌碩先生為什麼要收腳，目的是以實求虛。所以有時候偶而還需要利用利用，解決實中求虛的矛盾。我為了擴大局面，改用鋪腳，目的是為了畫外有畫，無窮無盡。如果畫外無畫，一看就完，不可能吸引觀眾，留連忘返，陶醉在作品面前，久久不忍離去。"所以先生的畫，物體的頭部，總是結束在紙內，根部基本上擴散在紙外，畫的不多，空的很多；畫內不多，畫外很多。常常追求筆外之筆，墨外之墨，意外之意，境外之境，形成自己的"闊大雄偉，高大新奇"的個人風格，應該是構圖的又一發展。 (八)空白處理 空白是中國畫的特點之一，在構圖里十分重要，相當於音樂中的間歇。"此時無聲勝有聲"。所以在學習時要認真研究分析，從古今名畫中吸取營養，豐富自己的構思和想像。更需要深入生活，觀察、體會、發現事物的變化，用"窮則變、變則通"的規律，處理自己的創作。 空白應該怎樣處理?沒有定規定法，但有原則要求。 ①空白的形象不可雷同，大小不可相同，數量不可等同，空白與空白之間還得協調照應。必須反復檢查、認真推敲、慎重處理。 ②大空與小空之間要有區別，也要有聯系，更需要相互依存。哪怕立錐之地，也有舉足輕重的作用。 ③空白所安排的位置，不能對稱、均衡、平行或在一直線上，而要有大有小，有疏有密，有高有低，有多有少，有遠有近，錯綜變化為上。其實空白的最主要作用，是能給人們以空靈、深邃、曠達的感受；也能引起種種聯想、窺測、迴旋的餘地，彷彿詩一樣，非常含蓄、蘊藉、捉摸不定地、言盡意不盡地耐人尋味。所以有時空了比畫了更深刻奧妙。 (九)邊角運用 一張紙不論大小，都有四邊四角，一般不提這些，獨潘天壽先生強調四邊四角。他的論點是： ①畫事之布置，須注意四邊，更須注意四角。山水有山水之邊角，花鳥有花鳥之邊角，人物有人物之邊角。 ②畫之四邊四角和題款尤有相互之關系，不可不加細心注意。 ③畫面之四邊四角，使與畫外之畫材相關聯，氣勢相承接，自能得氣趣於畫外矣。綜上所言： 第一，重視邊角的作用。 第二，邊角對畫外之畫材和氣勢相承接都有關聯，方能得意趣於畫外。它和鋪腳的發現，邊角的運用，都有密切關系。潘天壽先生的畫為什麼能出奇制勝，根源就在於此。 邊角應該怎樣運用呢? ①四邊四角是險要地方，一般都迴避，不敢利用。但潘天壽先生為了出奇，特別重視邊角運用。 ②把主體安置在四邊四角，是出奇的方法之一。由於中間是四平八穩的地方，人人都用。只有人人都不用，唯我獨用，才能與眾不同。所以潘先生強調"文章要在四邊四角做。" ③上下左右四個紙邊的運用，一是要區別對待；畫材的安置，必須有多有少；面積的佔用，必須有大有小；物體的布陳，必須有虛有實；份量的安排，必須有輕有重。這樣才能變化不一，產生輕重虛實。譬如：上邊多了，下邊要少；左邊重了，右邊要輕；這邊空了，那邊要實；四個紙邊都不能等同。只有這樣，四個紙邊才有變化。因此我們在創作時，特別要注意紙邊的利用： ①從一邊畫進。上下左右。任選一邊把畫材由外到內畫進。 ②可以兩邊畫進。上下左右，任選兩邊，把畫材由外到內畫進。 ③亦可從三邊畫進。任選三邊，把畫材由外向內畫進。 ④更可從四邊畫進。四邊都利用，把畫材由外畫進。從四個紙邊畫進，構圖就繁復耐看，如果只從一邊畫進，比較簡單，容易單調，小幅可以，一般要利用兩個紙邊才能繁復。特別大幅構圖，一定要利用三邊或四邊安置畫材。只有上下左右都被利用了，才能四處布滿，內容豐富。相互呼應，自然耐看，引人人勝。上面講的構圖，都是由外到內的。還有一種構圖，是由內到外的。把物體從紙內某一部分起筆，漸漸畫到紙邊，再向外伸展。可一邊畫出，也可兩邊、三邊乃至四邊畫出紙外。但必須隨時收回紙內。否則散在外面，無法團結起來，不合"起承轉合"的要求。所以這種構圖比較難處理。很少有人運用。至於四角處理，同樣要注意"空"和"實"，切不可左右皆空或左右皆實；也不可上下皆空或上下皆實。應該左角空了，右角要實；上角空了，下角要實。而且四個角的空度，應該有大小不同的區別，才有變化。只有無前景的人物和缽古花卉的構圖，四邊四角均未利用。 (十)題款印章 它的作用，可補畫面的不足，從內容到形式都很需要，也是中國畫不可缺少的組成部分。所以一幅畫畫完後，必須題款蓋印，這也是中國畫的特點之一。我們應該繼承發揚。那麼怎樣處理呢? ①內容 題款的范圍，非常廣泛。詩、詞、賦、曲、畫理畫論，短評跋語，小品散文，有韻無韻，皆可題用。與畫材有關者亦可，與畫材無關而若即若離，似切非切者亦可。譬如潘天壽先生題詩： 《睡貓圖》--"日當午，正深藏，黠鼠莫道貓兒太懶睡虎虎。" 《青蛙》--"江南水滿田，蛙咯咯，聲連天，歌頌禾黍豐收，歲歲復年年。" 作者小詩：《櫻花小鳥》--"窗外聲聲!正陽春三月，細雨輕盈，叢叢花影縱橫。" 《題楊花》--"楊柳垂條條，春來似舞腰，留春春不住，飛絮又飄飄。蒙蒙撲面，一去迢迢，隨風忽上下，任爾一身遙！以上四首，既非律絕，又非古體。句無程式，字無定數，不求平仄，惟皆用韻，輕松活潑，抒情題畫，聊增意趣耳! ②形式 可橫題直題，亦可長題短題。窮款，只寫年月、姓名、別號、地點。 一處題、兩處題、三處以上題均可。惟須與構圖全局協調，要求不悶塞，不影響布局為原則。題中空處、實處、畫處均可。但須虛實相應，疏密相間為原則。 ③題法(款式) 可方正整齊，嚴陣密布；亦可婉蜒橫斜，勢如龍蛇。但須疏密得勢，虛實調節，款即是畫，畫即是款，能與畫材融為一體，變化萬千者為上。 ④字體 籀、篆、八分、隸、章草、飛白、行書、草書八體均可。但須與畫法風格取得統一為佳。尤其善書者，一筆下去，線里有線，抑揚頓挫，才能書中有畫，畫中有書。 ⑤印章 這是一門高深學問，有條件應該深入研究。這里談的是構圖上的需用問題。 圖章有大小方圓，正長扁畸等多種形象。也有姓名、閑章、押角、起首之分。不可任意亂用。蓋的位置也有一定章規。起首章蓋在款的右邊起首處。姓名章蓋在款的左邊或款的下邊(直對款)。閑章蓋在款的左邊或其它地方，也可蓋在兩邊的畫上。押角章蓋在左右兩下角。大小不一、兩邊不能都蓋。至於蓋與不蓋和蓋少蓋多，根據畫面需要而定。上下款題完後，左邊要蓋印。有時為了氣勢、分量、色彩等需要，可以多蓋幾方。但須注意大小相應，距離要銜接，防止松擠。朱白相間，才有變化，方能增加藝術性。蓋印很有講究，要和構圖密切配合。歷代高手，每都重視，須向古今名人學習，研究他們怎樣處理。特別昌碩先生的治印，造詣精深，有直追秦漢之譽。所以他不僅本身善於鐫刻，而且蓋在畫上的印章，大小、位置、距離、朱白、多少等等，都仔細考慮，我們要好好借鑒。因此，題款印章，也是不可忽視的重要一環。
C. ;揚周八怪;指的是哪八個人
金農、鄭燮、黃慎、李鱓、李方膺、汪士慎、羅聘、高翔。
1、金農（1687—1763），字壽門、司農、吉金，號冬心先生、稽留山民、曲江外史、昔耶居士、壽道士等，錢塘（今浙江杭州）人，布衣終身。清代書畫家，揚州八怪之首。
他好游歷，卒無所遇而歸。晚寓揚州，賣書畫自給。嗜奇好學，工於詩文書法，詩文古奧奇特，並精於鑒別。書法創扁筆書體，兼有楷、隸體勢，時稱「漆書」。五十三歲後才工畫。其畫造型奇古，善用淡墨干筆作花卉小品，尤工畫梅。
2、鄭板橋（1693-1765），原名鄭燮，字克柔，號理庵，又號板橋，人稱板橋先生，江蘇興化人，祖籍蘇州。康熙秀才，雍正十年舉人，乾隆元年（1736年）進士。官山東范縣、濰縣縣令，政績顯著，後客居揚州，以賣畫為生，為「揚州八怪」重要代表人物。
鄭板橋一生只畫蘭、竹、石，自稱「四時不謝之蘭，百節長青之竹，萬古不敗之石，千秋不變之人」。其詩書畫，世稱「三絕」，是清代比較有代表性的文人畫家。
3、李鱓[shàn]（1686年—1756年），字宗揚，號復堂，別號懊道人、墨磨人，清康熙二十五年（1686）生，乾隆二十一年（1756）卒，江蘇揚州府興化人，明代狀元宰相李春芳第六世孫。
清代著名畫家，「揚州八怪」之一。康熙五十年中舉， 康熙五十三年召為內廷供奉，其宮廷工筆畫造詣頗深，因不願受「正統派」畫風束縛而遭忌離職。乾隆三年出任山東滕縣知縣，頗得民心，因得罪上司而罷官。後居揚州，賣畫為生。
4、汪士慎（1686—1759）清代著名畫家，書法家。字近人，號巢林、溪東外史等，漢族，安徽休寧人，寓居揚州。
工分隸，善畫梅，神腴氣清，墨淡趣足。暮年一目失明，仍能為人作書畫。
5、高翔（1688--1753），字鳳崗，號西唐，又號犀堂、西堂、樨堂等，別號山林外臣，擅畫山水花卉，間作佛像人物。篆刻與汪士慎、丁敬齊名。又與高鳳翰、潘西鳳、沈鳳並稱"四鳳"。高翔少年時期崇尚石濤，後與石濤結識為友，常相往來，情誼深長，受益頗深，是石濤的摯友和忠實追隨者。
D. 怎樣進行花鳥畫構圖 詳細
《怎樣進行花鳥畫構圖》 花鳥畫的構圖，不比山水、人物。山水有山石樹木、亭台樓閣、飛瀑流泉等等，以及近、中、遠景的區別，空間距離很大；人物有男女老幼和各族、各階層的不同特點。只有花鳥畫空間距離的不大，題材內容一般。因此，構圖的問題顯得特別重要，現闡述如下： （一）賓主分明 賓是客體，主是主體。創作時首先考慮什麼是主要？什麼是次要？如果這個觀念沒有樹立, 等於舉棋不定，無法前進。那麼賓主應該怎麼處理呢？主體要由主要形象、主要位置、主要色彩和數量。次要的，一切都不能超越主體，這就叫賓主分明。給觀眾一看，誰主誰賓，非常明確。如果含糊了，立即產生兩種感覺：（1）賓主不分。誰是主、誰是賓，鬧不清楚。 （2）喧賓奪主。把次要的東西變成主要的物象出現，那就必然混亂，無法分辨。我們認識矛盾，一定要從主要和次要兩個方面著眼，作畫和解決矛盾應該是一致的。所以必須分清主次，才能很好地進行創作。譬如荷花荷葉，當然花是主體，葉是客體。作為形象，葉大占面積多，花小沒有分量。但墨葉從中，畫上一兩朵鮮紅的荷花，只要色彩艷麗，就能超過數量和形象。因此，也不能單憑形象和數量來決定，還要根據彼此之間所產生的變化，和畫面的效果來肯定賓主。這是同一物體所產生的不同變化（一般物體大，數量多是主體）；如果把不同的物體畫在一起，會怎麼樣呢？例如：從菊和疏籬是兩種不同的物體，畫在一起應該怎樣處理呢？同樣，應該認清不同物體之間的誰主誰從。現在從菊是主，疏籬是賓，那麼菊花的形象、位置、色彩、數量，都要從主體的要求進行創作。必須使兩者之間有明顯的區別，才能達到賓主分明的要求。又如：梨花小鳥，當然是小鳥是主體，梨花是客體。如果把小鳥安置在空曠處，色彩和數量之要顯眼一點，就能影響主體，否則就喧賓奪主了。大幅，畫材較多，構圖是必須選定主要畫材，重要突出，輔助畫材，一切都為主要畫材服務。根據賓主分明的原則，有計劃地周密安排。一定要有集中、由分散、有主次、有虛實、有條理、有組織、切不可零亂紛繁，莫之所是。最後，還要根據物體的前後遠近，考慮賓主問題。一般前面或近處的是主要位置，後面或遠處的是次要位置。作畫時，也需要照顧到空間距離的不同，以及賓主分明的不同要求。 (二)輕重虛實 指畫材位置的擺布。創作時要注意畫面的不平衡。上下左右，應讀有所側重。如上輕下重、上重下輕，或左重右輕、右重左輕，切不可均等。挑擔式的構圖，不可能成立。譬如作曲，始者低沉婉轉，終必激昂慷慨，中間時高時低，時緩時急，變化多端，方能回環盪漾，激動人心。音樂如此，畫豈有異。否則，何能引人人勝。構圖時更須注意不平衡之平衡。譬如：上下左右，輕重失調，必須平衡一下，才能穩住。左邊太重了，右邊要添上畫材，或者題上詩詞短跋，以求平衡。右邊很實，左邊很空，輕重太不協調啦!哪怕用上一個押角印章，也是不可缺少的，才能平衡。上邊太實，下邊太空，或者下邊太重，上邊太輕，必須添補其他畫材如蜜蜂、蜻蜒、蝴蝶、飛鳥或詩文短跋，使之平衡。但分量上要注意和原來的主要畫材有區別，否則上下均等。一定要在不影響不平衡的條件下，略求平衡為原則。一幅畫，大凡上重下輕者，有靈動之勢，如下垂之楊柳、紫藤、凌霄等量為適用，頗得動勢，有臨風搖曳之感。下重上輕者，具穩重之態。如牡丹、芍葯、菊花、月季等一般花卉都能適用。再補以石塊，使畫面產生厚重和穩定感。這種上下輕重之理，古代畫家，每多重視，也是一般法式。但還不是唯一的，最重要的還是生活和意境。有時需要突破，才有新意。所以歷代高手，往往在普泛中求不普泛。石濤所謂有法無法，乃為至法。也就是不普泛，應該在有法的基礎上求得才對哩! 中國畫一般裝裱成軸，懸掛壁間，以供欣賞。構圖時容易處理。原因是高寬相差一倍，有變化。現在四尺對開的正方形，就很難處理，原因是紙的四邊等，缺少變化。布置畫材時必須注意打破這個四邊相等，否則邊角運用受到影響。必須從上下左右四個邊角上求得變化，構圖才完美。 虛實，什麼叫虛實?指畫材黑白的有無。一般空處叫虛，畫處叫實。或疏處叫虛，密處叫實，兩者有相似處，但不能相混，和空白更需要有區別。虛實在畫面上起到調節和變化的作用，它的原則："實則虛之，虛則實之。"切不可虛則虛之，那就空洞無物。八大山人寥寥幾筆，決不是虛則虛之。那麼實則實之，太悶塞，當亦不可。因此在構圖中有兩種方法最難，一是"以虛求實"，二是"以實求虛"。八大山人的疏疏落落，十分耐看，是以虛求實。有人滿紙畫到，一無空隙，看起來很實，但實際上令人厭膩。"觸目橫斜千萬朵，賞心只有兩三枝"，這才懂得什麼是藝術。所以以實求虛，也並不容易。因此，無虛不能顯實，無實不能存虛；或者疏疏密密、密密疏疏，才有強烈的節奏感，才能百看不厭。音樂沒有節奏，不能動聽；繪畫沒有節奏，怎麼能耐看呢?虛和實應該怎樣處理呢?有畫處是實，必須實而不悶，才見空靈。空白處是虛，必須虛中有物，才不空洞。如果能夠懂得以實求虛，即所謂"擠"；也懂得以虛求實，即所謂"空"，能臻於此，其道備矣。 （三)蔬密聚散 疏密指畫材的排比交錯。它的最高原則："疏能走馬，密不通風"。何謂疏密?畫材與畫材間的排比，相距有遠有近，交錯有繁有簡。有了遠近繁簡，即成疏密。 中國畫始於一點一畫，終於無窮點，無窮畫。然排比交錯，須有三點三畫，始可成形。故三點三畫，為疏密之起點，千千萬萬之三點三畫，為疏密之終點。何謂三點三畫呢？譬如：三個墨點，兩點靠近，一點分開，形成遠近，即有疏密。三枝樹干，兩枝相交，一枝獨出，則成繁簡。所以我們在創作時，必須遵循這個原則進行思考。什麼地方要疏，什麼地方要密。疏的地方，少畫一點，使之疏到極點，馬能穿越，即成大空。密的地方，多畫一點。例如：蘭葉三片成組，一撇、二交、三破，可多畫幾組、幾十組，密到極點，風也難通，即成大實。一幅畫能大空大實，節奏感必然強烈，藝術性也就隨即產生。何謂聚散?指安置物體的位置。聚是集中，散是分開。一幅畫，有疏有密，有集中，有分散，錯綜變化，自必耐人尋味。所以我們不論畫什麼東西，三隻小雞、三朵菊花、三根籬笆，都要兩個集中，即密不通風；一個分開，便疏能走馬。處處遵循這個原則，安排物體，乃至更多物體，無處不是憑著這個要求進行創作。 (四)穿插交錯 指畫材的繁復重疊。創作時，花、葉、枝、干怎樣才能繁多而有重疊呢?必須依靠物體之間的穿插交叉。交叉有二： ①實交。兩個物體，相交一點。 ②虛交。兩個物體，本身沒有相交，但它的引長線和相交一點，也就是不交而交。 實交很有用處。物體間沒有相交，太簡單。只有兩線相交，甚至更多線相交，才能繁復。但虛交也很有用處，如遇實交太實，而又不得不畫時，就必須用虛交代替，解決實中有虛的矛盾，虛交也就不可缺少了。所以穿插交叉在花鳥畫里，非常重要，和疏密聚散有等同作用。我們創作時，可以說"疏密聚散，穿插交錯"這八個字，自始至終無時無刻不在腦中迴旋。寫意畫創作的全過程可概括為："當機立斷，隨機應變，將錯就錯，隨錯隨改"。正因為寫意花鳥，材料工具的局限，創作方法也受到影響。必須"意在筆先、胸有成竹"，也必須"落筆成形，一氣呵成，而且可一不可再"，所以"疏密聚散、穿插交錯"就顯得特別重要了。 (五)前後層次 山水畫的空間距離大，咫尺千里，有近景、中景、遠景，前後層次容易解決。寫意花鳥基本上都是近景，物體前後相距不遠，但也講前後層次。譬如：一幅畫，前面畫菊花，花後補石，石後再添細竹，一層推一層地畫過去，層層相應，豈不繁復耐看了嗎?這個物體的前後位置，在花鳥畫里也要講究的，否則就沒有層次啦! 前後層次在處理時，一般重色重墨在前，淡色淡墨在後。烘雲托月辦法，在寫意花鳥里，用處不多，當然也可以使用。至於大小處理，都用焦點透視，近大遠小。由於花鳥畫空間距離不大，所以物體的距離，不適宜遠近差距太大；也不能物體大小差別太懸殊。先師潘天壽先生說："現在有的花鳥畫，把遠景和近景結合起來，山水與花鳥結合起來，當然都是出新，但總感到有些不太調和統一。我也想出新，尤愛山花野卉，亂草叢篁，高下欹斜，縱橫離亂，天然荒率，清奇純雅，可謂高華絕俗，用來布在近景山水中，想有異古人。把山石的筆線放粗，花卉草叢的外形改小，這樣的結合，當然相對地調和一點，把距離拉近了。但咫尺千里的空間沒有了!是否得當，尚待責之異日。"先生這番話說明，他對創新問題，也在不斷探索。可見老一輩大師們的精神，那麼值得我們學習呀!我為了表現層次，想在不影響空白的作用時，前景畫花，花後補石，石後添花，花外加點，似花非花，是物非物。這樣抽象處理，層次增加了，遠近距離有了，彼此間的虛實關系也明顯了，使花鳥畫的意境，有了新的發展；同時還可以豐富色彩，反映欣欣向榮的時代精神。這樣處理，也不知道有當與否? (六)呼應氣勢 呼應是指物體之間的相互聯系。應該怎樣才好呢?有前有後應是聯系，左顧右盼、上通下達也是聯系，甚至畫內畫外，也不能沒有聯系。一幅畫，上下、左右、前後、畫內畫外，彼此之間都有聯系，那麼它的氣氛一定能團結一致，而不對立，也不分散。對立和分散，在構圖上卻最犯忌。一幅畫，如果出現互相對立，四分五裂，怎麼能讓人喜愛呢? 構圖時要講"起承轉合"，這和詩里的"起承轉合"一樣，目的是要團結一致。在承接之間，有實接虛接，以及開合要相關，反正要相依，順逆要相應等等，都有呼應聯系的作用。所以一幅畫沒有團結氣氛是不行的。這是常理，也是畫理。那麼畫內畫外的聯系，應該怎麼理解呢?譬如畫一株老乾，孤零零地畫出紙外，沒有任何東西把它從畫外收回，勢必散在外面沒有聯系，此乃一病。怎麼呼應呢?如果從穿插一二枝細干，不論是否同種花木，即使不是同種花木，也能起到內外聯系的作用，反映紙外還有更多的花木。一方面畫外的花木和畫內起到聯系作用；另方面畫內的物體和畫外的物體彼此呼應，內外一片，景外有景，無窮無盡。既擴大范圍，又可使觀眾產生更多聯想。又如：畫一群飛鳥，五隻畫在紙內，一隻後半身和半個翅膀畫在紙外，這樣，一看就感到飛鳥成群結隊，跟蹤而來的不計其數。這也是畫內外相互聯系的一種表現手法。氣勢，一般指構圖時畫材的處理而言。吳昌碩畫牡丹、菊花、松樹等花樹，收頭處，總要來幾筆枯枝槎丫。為什麼?補足氣勢。一幅畫畫完後，也常常題上直款數行。為什麼?也是補充氣勢，造成他自己的構圖形式。這些都是從構圖上求氣勢。 八大山人有亡國之痛，所以下筆縱橫馳騁，潑辣有力，充滿著反抗情緒，而且非常猛烈。這是反映在筆力上求氣勢。 潘先生有章曰："一味霸悍"，為的也是氣勢。一般文人畫的缺點：①造型能力較薄弱，技法不夠嚴謹；②用筆軟弱無力，沒有大氣磅礴的勢態。潘先生力矯時弊，認為只有大刀闊斧，以霸悍之筆出之，才能跳出文人畫的樊籠，才能畫出有時代精神的大幅創作，歌頌我們偉大的祖國。那麼，氣勢怎樣產生呢?有先天具備的，也有後天培養的。讀萬卷書，行萬里路，可以提高修養，開闊胸襟，培養氣勢。孟子說："善養我浩然之氣"，即是慢慢培養氣勢的一種方法。我們畫寫意的人，特別要注意氣度，沒有氣度，不可能畫出氣勢磅礴的作品來。 (七) 收頭鋪腳 指畫材的處理。什麼叫頭?物體的頂部稱之謂頭；什麼叫腳?物體的根部稱之謂腳。什麼叫收頭?物體的頭部畫在紙內，供觀眾欣賞，稱之謂收頭。吳昌碩以前，沒有人講過"收頭收腳 "，他是從印章的布局裡發現虛實美，就移植到構圖中加以運用，這是構圖的一個發展。潘先生也利用它，指導自己的創作。但後來發現"收頭收腳"的局面不大，常常為了收腳把畫面的范圍縮小了，不適應長幅大幅的需要，漸漸改用鋪腳。他說："腳鋪在紙外，一可以擴大視野，寬廣無邊，畫外有畫，無窮無盡；二可以引入遐想，深化意境，景外有景，依稀飄渺。"又說："昌碩先生為什麼要收腳，目的是以實求虛。所以有時候偶而還需要利用利用，解決實中求虛的矛盾。我為了擴大局面，改用鋪腳，目的是為了畫外有畫，無窮無盡。如果畫外無畫，一看就完，不可能吸引觀眾，留連忘返，陶醉在作品面前，久久不忍離去。"所以先生的畫，物體的頭部，總是結束在紙內，根部基本上擴散在紙外，畫的不多，空的很多；畫內不多，畫外很多。常常追求筆外之筆，墨外之墨，意外之意，境外之境，形成自己的"闊大雄偉，高大新奇"的個人風格，應該是構圖的又一發展。 (八)空白處理 空白是中國畫的特點之一，在構圖里十分重要，相當於音樂中的間歇。"此時無聲勝有聲"。所以在學習時要認真研究分析，從古今名畫中吸取營養，豐富自己的構思和想像。更需要深入生活，觀察、體會、發現事物的變化，用"窮則變、變則通"的規律，處理自己的創作。 空白應該怎樣處理?沒有定規定法，但有原則要求。 ①空白的形象不可雷同，大小不可相同，數量不可等同，空白與空白之間還得協調照應。必須反復檢查、認真推敲、慎重處理。 ②大空與小空之間要有區別，也要有聯系，更需要相互依存。哪怕立錐之地，也有舉足輕重的作用。 ③空白所安排的位置，不能對稱、均衡、平行或在一直線上，而要有大有小，有疏有密，有高有低，有多有少，有遠有近，錯綜變化為上。其實空白的最主要作用，是能給人們以空靈、深邃、曠達的感受；也能引起種種聯想、窺測、迴旋的餘地，彷彿詩一樣，非常含蓄、蘊藉、捉摸不定地、言盡意不盡地耐人尋味。所以有時空了比畫了更深刻奧妙。 (九)邊角運用 一張紙不論大小，都有四邊四角，一般不提這些，獨潘天壽先生強調四邊四角。他的論點是： ①畫事之布置，須注意四邊，更須注意四角。山水有山水之邊角，花鳥有花鳥之邊角，人物有人物之邊角。 ②畫之四邊四角和題款尤有相互之關系，不可不加細心注意。 ③畫面之四邊四角，使與畫外之畫材相關聯，氣勢相承接，自能得氣趣於畫外矣。綜上所言： 第一，重視邊角的作用。 第二，邊角對畫外之畫材和氣勢相承接都有關聯，方能得意趣於畫外。它和鋪腳的發現，邊角的運用，都有密切關系。潘天壽先生的畫為什麼能出奇制勝，根源就在於此。 邊角應該怎樣運用呢? ①四邊四角是險要地方，一般都迴避，不敢利用。但潘天壽先生為了出奇，特別重視邊角運用。 ②把主體安置在四邊四角，是出奇的方法之一。由於中間是四平八穩的地方，人人都用。只有人人都不用，唯我獨用，才能與眾不同。所以潘先生強調"文章要在四邊四角做。" ③上下左右四個紙邊的運用，一是要區別對待；畫材的安置，必須有多有少；面積的佔用，必須有大有小；物體的布陳，必須有虛有實；份量的安排，必須有輕有重。這樣才能變化不一，產生輕重虛實。譬如：上邊多了，下邊要少；左邊重了，右邊要輕；這邊空了，那邊要實；四個紙邊都不能等同。只有這樣，四個紙邊才有變化。因此我們在創作時，特別要注意紙邊的利用： ①從一邊畫進。上下左右。任選一邊把畫材由外到內畫進。 ②可以兩邊畫進。上下左右，任選兩邊，把畫材由外到內畫進。 ③亦可從三邊畫進。任選三邊，把畫材由外向內畫進。 ④更可從四邊畫進。四邊都利用，把畫材由外畫進。從四個紙邊畫進，構圖就繁復耐看，如果只從一邊畫進，比較簡單，容易單調，小幅可以，一般要利用兩個紙邊才能繁復。特別大幅構圖，一定要利用三邊或四邊安置畫材。只有上下左右都被利用了，才能四處布滿，內容豐富。相互呼應，自然耐看，引人人勝。上面講的構圖，都是由外到內的。還有一種構圖，是由內到外的。把物體從紙內某一部分起筆，漸漸畫到紙邊，再向外伸展。可一邊畫出，也可兩邊、三邊乃至四邊畫出紙外。但必須隨時收回紙內。否則散在外面，無法團結起來，不合"起承轉合"的要求。所以這種構圖比較難處理。很少有人運用。至於四角處理，同樣要注意"空"和"實"，切不可左右皆空或左右皆實；也不可上下皆空或上下皆實。應該左角空了，右角要實；上角空了，下角要實。而且四個角的空度，應該有大小不同的區別，才有變化。只有無前景的人物和缽古花卉的構圖，四邊四角均未利用。 (十)題款印章 它的作用，可補畫面的不足，從內容到形式都很需要，也是中國畫不可缺少的組成部分。所以一幅畫畫完後，必須題款蓋印，這也是中國畫的特點之一。我們應該繼承發揚。那麼怎樣處理呢? ①內容 題款的范圍，非常廣泛。詩、詞、賦、曲、畫理畫論，短評跋語，小品散文，有韻無韻，皆可題用。與畫材有關者亦可，與畫材無關而若即若離，似切非切者亦可。譬如潘天壽先生題詩： 《睡貓圖》--"日當午，正深藏，黠鼠莫道貓兒太懶睡虎虎。" 《青蛙》--"江南水滿田，蛙咯咯，聲連天，歌頌禾黍豐收，歲歲復年年。" 作者小詩：《櫻花小鳥》--"窗外聲聲!正陽春三月，細雨輕盈，叢叢花影縱橫。" 《題楊花》--"楊柳垂條條，春來似舞腰，留春春不住，飛絮又飄飄。蒙蒙撲面，一去迢迢，隨風忽上下，任爾一身遙！以上四首，既非律絕，又非古體。句無程式，字無定數，不求平仄，惟皆用韻，輕松活潑，抒情題畫，聊增意趣耳! ②形式 可橫題直題，亦可長題短題。窮款，只寫年月、姓名、別號、地點。 一處題、兩處題、三處以上題均可。惟須與構圖全局協調，要求不悶塞，不影響布局為原則。題中空處、實處、畫處均可。但須虛實相應，疏密相間為原則。 ③題法(款式) 可方正整齊，嚴陣密布；亦可婉蜒橫斜，勢如龍蛇。但須疏密得勢，虛實調節，款即是畫，畫即是款，能與畫材融為一體，變化萬千者為上。 ④字體 籀、篆、八分、隸、章草、飛白、行書、草書八體均可。但須與畫法風格取得統一為佳。尤其善書者，一筆下去，線里有線，抑揚頓挫，才能書中有畫，畫中有書。 ⑤印章 這是一門高深學問，有條件應該深入研究。這里談的是構圖上的需用問題。 圖章有大小方圓，正長扁畸等多種形象。也有姓名、閑章、押角、起首之分。不可任意亂用。蓋的位置也有一定章規。起首章蓋在款的右邊起首處。姓名章蓋在款的左邊或款的下邊(直對款)。閑章蓋在款的左邊或其它地方，也可蓋在兩邊的畫上。押角章蓋在左右兩下角。大小不一、兩邊不能都蓋。至於蓋與不蓋和蓋少蓋多，根據畫面需要而定。上下款題完後，左邊要蓋印。有時為了氣勢、分量、色彩等需要，可以多蓋幾方。但須注意大小相應，距離要銜接，防止松擠。朱白相間，才有變化，方能增加藝術性。蓋印很有講究，要和構圖密切配合。歷代高手，每都重視，須向古今名人學習，研究他們怎樣處理。特別昌碩先生的治印，造詣精深，有直追秦漢之譽。所以他不僅本身善於鐫刻，而且蓋在畫上的印章，大小、位置、距離、朱白、多少等等，都仔細考慮，我們要好好借鑒。因此，題款印章，也是不可忽視的重要一環。
E. 文人畫的尾聲與近代國畫大師又會撞擊出什麼樣的火花呢
活躍於清朝中期的「揚州八怪」或許應該作為中國文人畫發展的尾聲而被敘述。自清代嘉慶（1796—1820年在位）、道光（1821—1850年在位）時期至20世紀初，傳彩菱圖統社會逐步沒落，因近代歷史的來臨和社會的轉型，古代文人所依存的文化環境隨之變遷，西方文明東漸，比一千多年前傳播的佛教文化強大、迅猛得多，繪畫也發生了新的變化。視為正宗的文人畫流派和皇室扶植的宮廷畫日漸衰微，辟為通商口岸的上海和廣州，成為新興的繪畫中心，出現了融合西方技法的海派和嶺南畫派。
「揚州八怪」或「揚州畫派」，指18世紀中葉雲集於揚州的一批文人畫家，包括金農、黃慎、鄭燮、李鱓、李方膺、羅聘、華嵒、高峰翰、閔貞、邊壽民等人。「揚州八怪」被認為富於個性，他們對待傳統的態度與略早的「四王吳惲」不同，很少將精力花在董其昌所謂「南宗」繪畫的追摹上，而是承接石濤的影響，將徐渭、八大山人作為知音。「揚州八怪」大多不擅長山水，畫花鳥、梅竹才是他們的拿手好戲。他們畫梅、蘭、竹、菊「四君子」比擬自己的品格，畫石也說要表現內心的「堅貞」。清朝乾隆年間（1736—1795年），揚州是繁華的消費城市，商業氣氛濃厚，這些文人雅士中不乏以出售字畫為生的人。比之章法嚴謹的山水畫，大寫意花鳥畫更適合展示筆墨的縱橫恣肆，也便於像書法那樣一揮而就。
「揚州八怪」中最具文人氣質的是金農（1687—1764年，號冬心先生）和鄭燮（1693—1765年，號板橋）。金農一度生活貧困，憤世嫉俗，但性好游歷，曾飽覽名山大川。據說他50歲後才開始習畫，從學習宋代的文同、元代的王冕人手，形成其特有的簡朴風格，人稱「金農體」。常以淡墨干筆作花卉小品，所作梅花，枝幹橫斜，花蕊繁密，氣韻靜逸。偶畫山水、道釋人物，造型稚拙，情趣別致，並長於題詠。鄭板橋曾做小吏，他因為災荒時為民眾申請賑濟而得罪官方，憤而辭職，流落至揚州，從此以賣畫為生。像八大、石濤那樣，鄭板橋借書畫宣洩心中的憤懣，彰現自己的清高和理智。他也是一位只以墨色作畫的畫家，最以蘭竹著名，其畫筆意縱橫挺勁，清新秀逸，情緒外露，極富視覺張力，以傳統文人眼光看，內秀稍顯不足。
「海派」是活躍於對外通商口岸城市上海的畫家的統稱，其中一些人的繪畫活動已超越了傳統文人畫的范疇。最能體現該流派特徵的畫家是趙之謙（1829—1884年）、任伯年（1840—1896年）、吳友如（約1840—1893年）和吳昌碩（1844—1927年）。在這個時代，文人不再享有從前通常擁有的殷實家境和高尚的社會身份，而幾乎與他們曾經蔑視的「畫工」為伍。以賣畫勉強維持生計的趙之謙，不可能像早年的董其昌那樣，悠閑地鑒賞、把玩價值連城的古代字畫，他的寫意花鳥畫必須兼顧顧客所要求的華麗和文人堅持的高雅兩方面。與明代和清初前輩的畫作比較，趙的畫筆墨規整，色彩富麗，布局造型令人愉快，可謂雅俗共賞。任伯年扇庄學徒出身，文化修養未達到文人的標准，卻是一位靈巧、全面、早熟的畫家，他尤其擅長肖像和花鳥。任伯年用文人的淡雅筆法作畫，而在描繪的准確、細致和生動上，卻超過「揚州八怪」等人的影響。吳昌碩在書法上的造詣給了他最大的幫助，他善於用松軟的羊毛製成的毛筆書寫不同的字體，從中總結出不同的筆法，畫不同的對象，如用蒼勁穩健、富有彈性的篆書、隸書用筆寫紫藤枝幹，用飛動、奔放的行書或草書用筆寫菊花、葡萄。他的賦彩，比趙之謙更推進了一步，據說吸收了民間繪畫和西畫的技巧，常將紅、黃、綠諸色調入赭墨，在沖突中取得諧調。
「海派」以至其他晚清繪畫留下的啟示是，從社會和文化環境發生的轉變看，文人的時代已經結束，隨著科舉制度的廢除，傳統文人不再有「仕途」可期，理論上只能終生為「布衣」，通過文人畫抒發其嚮往「出世」和「隱逸」的高古情懷，已顯得既荒謬又不著邊際。盡管如此，千古流傳的文人畫所追尋的美學境界，已經積淀在這個民族的集體意識中，人們並不因為社會的變革而放棄那種嚮往，因文人畫而形成的以筆墨宣紙為媒介的圖式也是如此。它與中國人感受自然、感受世界的方式和情感聯系在一起，人們因此相信這種民族繪畫形式仍將是富有生命力的。在油畫等「西洋畫」大量湧入之後，中國人認為有必要提出「中國畫」的概念，以保全這一體系的基本特性。當一名中國人與一位西方讀者看到「中國畫」這個術語時，所想到的內容通常會有所差異，後者也許會用它泛指中國所有的繪畫；前者則明確知道它僅僅指延續古代繪畫的那部分，以從前所謂文人畫的形式所完成的繪畫。
20世紀仍沿用傳統形式創作的畫家，以「國畫大師」的名聲而為我們耳熟能詳。在這個時期，畫家所面臨的環境遠比他們的前輩更復雜，盡管在學術領域「中學為體，西學為用」的呼聲不乏響應者，「中國畫家」卻需要在西方文化和價值觀不斷侵蝕、傳統文化越來越不佔統治地位的背景下重新尋找自己的位置。出於對自清代「四王」以來泥古守舊之風的厭惡，一部分畫月落嗚啼霜滿天家試圖從文人畫以外的其他美術遺產，如敦煌壁畫、宮廷的工筆重彩和民間藝術中汲取靈感，創立新風，但是所有這些嘗試均無法成為「中國畫」的主流。文人畫的理念和形式，事實上已成為決定民族文化心理特徵的「國學」——即孔孟老莊之學——重要的組成部分，戴上「國畫」這頂桂冠，它也隨著國學的興衰而幾經沉浮。20世紀上半紀，中國經歷了最後一個封建王朝的覆亡、軍閥混戰、民國的建立、抗日戰爭、內戰。1949年中華人民共和國成立。盡管這半個世紀中國的社會政治生活和文化生活發生了巨大的變化，但是卻誕生了一大批國畫大師。這些畫家的作品雖然和現代思潮、現代審美理想保持著不同程度的距離，但他們表現了深厚的民族文化意識，也不同程度地滲透了現代人的情感心理。身處這樣的時代，他們不約而同以完成傳統繪畫的創造性轉化為己任，融會古今，同時正視一切外來和現時價值觀的挑戰，付出了更強的毅力和更大的決心，而真正做到了自成一家，不致被扔進無限風光圖廢紙堆。
來自湖南的齊白石（1863—1957年）使我們想到元代的王冕和「揚州八怪」的金農，他們確實是齊白石欣賞的文人畫家，他崇拜的前人還包括徐渭、石濤、朱耷、「揚州八怪」中的李觶以及「海派」的吳昌碩，但更關鍵的是他在鄉下曾經作為木匠的經歷，這種經歷賦予他其他人很難具備的民間藝術家的靈性。齊白石作畫極為勤奮，是一位長壽的畫家。有評論家指出，他年近70歲時，才完成其天賦的鄉村詩人式靈感與文人畫風格的完美結合。他的畫既屬於文人畫體系，又不完全是文人畫，尤其來自鄉間池塘原野的生命氣息，取代了通常文人畫那種陳腐的「書卷氣」。齊白石晚年的大寫意，與其說是狂放的，不如說是質朴的，早年「齊木匠」的天真率意仍蘊含其中，舉凡鄉間所見所聞，蛙聲蟬鳴、農作物、仔雞蚱蜢以至生活日用品，皆成為他的繪畫素材，如《玉米蜻蜓》、《蛙聲十里》，都是典型的齊白石式文人畫佳作。在畫風上，一般文人多追求清淡秀逸，齊白石卻是紅花墨葉，視覺感受淋漓而明快。
黃賓虹（1865—1955年）同是一位「早學晚熟」的大師，盡管他與齊白石屬於完全不同類型的畫家。黃賓虹具有高深學養，秉持近似於「四王」那樣的治學精神，他幾乎將整個青、壯年時期用於對古畫的研究和臨寫，契而不舍；同時恢復了宋、元時期的畫家對自然的探索態度，他壯游山河，終於在年近八旬時完成了筆墨上的「變法」，創造了渾潤華滋、古樸蒼勁、厚重沉鬱的「賓虹山水」，成為難以企及的繪畫泰斗。
還有兩位天才型的大師潘天壽（1897—1971年）和傅抱石（1904—1965年）。對於潘天壽的畫，王伯敏評論說：「論評藝術品，民國期間，常有人以『厚、重、大』為品評標准。若以此而論，潘天壽的畫，正可謂『厚、重、大』，尤其是『大』，時人無有出其右者。即使他畫小品，也有評者以為『小中見大』，這個『大』，還不在於畫幅的大小，而在於他的『強其骨』，在於他的毫端有『力』、有『氣』和有『勢』。「強其骨，虛其心」是老子的思想，意思是既要有健全強悍的骨骼或堅韌的「骨氣」，又要虛懷若谷，追求空靈的心境。
潘天壽的氣質中有農民的樸厚，他的學養卻完全是文人的。他融南北宗於一，突破明清以來花鳥畫清麗柔美的風范，創造了奇險雄勁的風格，其畫以花鳥、竹石為母題，其強悍的架構足與硬材質雕塑相匹敵，卻往往展現出清新曠達、彷彿包裹著晨霧的境界。傅抱石是石濤的熱烈崇拜者，以至將原名「瑞麟」改為「抱石」。他平時嗜酒，酒後舞筆揮墨，是一位極具詩人氣質和浪漫性情的藝術家。他曾赴日本學習西畫，善於用色彩和調性控制畫面氣氛，所作山水瀟灑奔放，酣暢淋漓；人物畫竟越過自宋代以降萎靡不振的風度，直追遠古畫聖顧愷之，用幾乎失傳的「高古游絲描」法，繪《九歌》、《麗人行》，極為灑脫，古雅而高貴。
潘天壽、傅抱石的繪畫，主旨上雖然仍體現文人畫的理念，卻為「現代中國畫」開辟了道路。現代「中國畫」
F. 鄭板橋是揚州八怪之一其餘七位是
較為公認的揚州八怪為：金農、鄭板橋、黃慎、李鱓、李方膺、汪士慎、羅聘、高翔。
1、金農（1687—1763），清代書畫家，揚州八怪之首。字壽門、司農、吉金，號冬心先生、稽留山民、曲江外史、昔耶居士、壽道士等，錢塘（今浙江杭州）人，布衣終身。
代表作有《東萼吐華圖》、《空捍如灑圖》、《臘梅初綻圖》、《玉蝶清標圖》、《鐵軒疏花圖》、《菩薩妙相圖》、《瓊姿俟賞圖》等。著有《冬心詩集》、《冬心隨筆》、《冬心雜著》等。
(6)潘天壽花卉小品擴展閱讀：
「揚州八怪」究竟指哪些畫家，說法不盡一致。有人說是八個，有人說不止八個；有人說這八個，有人說另外八個。據各種著述記載，計有十五人之多。
因清末李玉棻《甌缽羅室書畫過目考》是記載「八怪」較早而又最全的，所以一般人還是以李玉棻所提出的八人為准。即：汪士慎、鄭燮、高翔、金農、李鱓、黃慎、李方膺、羅聘。
至於有人提到的其它畫家，如阮元、華岩、閔貞、高鳳翰、李勉、陳撰、邊壽民、楊法等，因畫風接近，也可並入。因「八」字可看作數詞，也可看做約數。
揚州八怪大膽創新之風，不斷為後世畫家所傳承，有時含貶義。近現代名畫家如王小梅、吳讓之、趙之謙、吳昌碩、任伯年、任渭長、王夢白、王雪濤、唐雲、王一亭、陳師曾、齊白石、徐悲鴻、黃賓虹、潘天壽等，都各自在某些方面受「揚州八怪」的作品影響而自立門戶。
他們中多數人對「揚州八怪」的作品作了高度評價。徐悲鴻曾在鄭燮的一幅《蘭竹》畫上題雲：「板橋先生為中國近三百年最卓絕的人物之一。其思想奇，文奇，書畫尤奇。觀其詩文及書畫，不但想見高致，而其寓仁悲於奇妙，尤為古今天才之難得者。
G. 秦天柱的著名花鳥書畫家秦天柱諸多名家評語引
在繁多的花鳥畫中，秦天柱的畫格調清新、節奏明快、構圖嚴謹，使你感到有一股靈氣，彷彿又齊白石，彷彿又潘天壽，彷彿又古代別的什麼大師的影子。然而定睛一看，確又分明是他自己。毋庸置疑，秦天柱在研究中國藝術之傳統，在繼承傳統之精華，在精華中凝練新意，並將新意融貫於生活方面是下過一番功夫的。——黃胄
畫家將自己的情感深深地融入大自然，其熱愛自然之情躍然紙上，他用極具個性的筆墨營造出一派生機，天趣盎然。畫中每個元素都宛如一個音符，在先生的精心編排下演繹出了一部和諧的自然音畫交響詩！——閆明海
秦天柱的繪畫彷彿是在寂寞與孤獨中表白著自己。他那優雅的小品成為中國當代花鳥繪畫園地里倔強不屈的野花，純潔而高雅，展露出中國繪畫的野逸境界。——康征
先生不老也說不上年輕，半百半翁，於藝亦謙，總言半醒，半醒的好，知足與不足矣。比之時下「大師」們動兀「爐火純青」的叫鬧不醒已然足矣。——吳冰
多年來，秦天柱作畫總是竭力避免重復自已已有的表現方式，拋開前人他人固有的一些模式，完全從對生活的感情出發，從而形成自己獨特的風格，空靈而富有生氣，在傳統的基礎上凝煉了獨特的新意，受到了眾多名家的贊賞。——微鳴
秦天柱善於掘取大自然中咀含著的花之華，鳥之精靈為其創作對象，作品影響面廣，深得大家喜愛，倍受美術界泰斗李少言、黃胄、蔡若虹等前輩推崇和贊賞，能得到這種褒獎的畫家是不多見的。——王思恕
天柱的畫，不論數丈句圖或是盈尺小品，往往會給人以這類確切又不太確切的意念。然而卻正是在這確切與不確切間有真意在，宛如夜靄雖藏了新月，月兒卻並非因之消逝一般。——汪曉靈
他聰敏，愛動腦筋，有主意，也善言談，談笑話——看的出來，這種活躍是摹仿我的。當然惟妙惟肖的摹仿，這恰是藝術家不可少的能力。——天林
一種活力，一種天然的美。人們在觀賞天柱的花鳥畫時，每每感嘆於他在布局的精巧和筆墨的靈活，感嘆於他筆下生靈的可愛。殊不知，即便在閑暇之時，他也在進行另一種形式的藝術創作。古人有所謂『落花流水皆成文」之說不錯。——田旭中
不激不勵而風規自遠。這是難得的睿智，樂觀向上，沖淡平和，悟後起修，理趣兩融。實在說來，你讀天柱之畫，美與智，一個也不能放過。所謂天工人藝兩爭妍，藝欲高須法自然。法得自然真妙處，人工自可妙於天。——沈作常
秦天柱的水墨作品既有大家氣派，同時也具有高度的思想性。秦天柱擅長水墨畫的鑽研，注重觀察生活實錄，認真對待寫生，並吸取其它畫種的表現手法，力求形成自己的畫風。——米豈
畫作的畫貌就是畫家的面貌，畫作的表情就是畫家的表情。此時你也許會感悟出那種清靈與簡約就是這樣薰染浸泡出來的。——羅繢沅
秦天柱技法很全面，風格面貌不拘一格，經常探索多種表現語言，而不是死守一種模式。秦天柱十分注意不同技法與不同風格形象的揉和。——林木
從秦天柱同志的作品中可以看出，他堅定立足於民族，善於廣采博取，借鑒兄弟藝術之長「為我所用」。他不脫離傳統，也不囿於傳統，不斷地探索，不斷地創新。他在筆墨技巧里，在花鳥畫慣見的題材中融入自己的思考，形成了他個人的風貌。——李少言
天柱先生的花鳥畫，已成為一種「秦式符號」，而名播海內外。有一段話將秦先生的繪畫、人品用三個字概括，這三個字，即：凈、靜、境。——李可峻
你以熾熱的情感，豐富的想像力，揮默傾彩，醉心於潑墨大寫意，將大自然中的飛禽蟲魚、春藤花草淋漓盡至地躍然於宣紙上。——李春夢
扎實的基本功贏來潑墨寫意的自由，他熟練地運用點、線、面得藝術語言，從大至搏擊長空的雄鷹，到留連溪畔的翠鳥，草葉間的昆蟲，抓住對象一瞬間的動態變化，要塑造永恆的藝術魅力。——李春夢
觀秦天柱的畫，我以為可以有「弄拙成巧，天工清新」八個大字來概括。我想，不論「弄巧成拙」也好，或是「弄拙成巧」也好，要緊的是探索與創造。「溺水三千，我取一瓢」。在認定目標後，重要的是實踐，反復錘煉，艱苦磨礪。秦天柱已在「拙」與「巧」的沖突中選擇了自己的方式，形成了自己獨特的藝術風格，他在以後「弄巧成拙」或「弄拙成巧」的探索中，在詩情與畫意的交匯中，必將創造出一個更為清新的境界。——鄧嘉德
正如黃胄先生所說：「秦天柱在研究中國藝術之傳統，在繼承傳統之精華，在精華中凝練新意，並將新意融貫於創造方面是下過功夫的」。而在我看來，秦先生不僅在藝術上以平和的心孜孜以求，在生活上他也在平和中經營，他的藝術離不開生活。——陳忱
秦天柱花鳥畫的藝術追求和美學特徵從中看出其非同凡響的學術價值和啟示意義了。——曹玉林
你看，在他的作品裡，很難找出一般化的形象。他善於表現描寫對象的特點，善於捕捉那種轉瞬即逝而又令人心神關注的東西，他畫的小鳥是剛剛在竹枝上落腳又想馬上飛去的；他畫的小貓，有那種凝目注視蠢蠢欲動的姿勢……寥寥數筆，情趣盎然！沒有豐富的生活感受和熟練的筆下功夫，是很難達到這種藝術境界的。
——蔡若虹
莫道塞外風冷
莫道峨眉山遠
蟬聲叫我秋濃
鶴夢令你心顫
——阿古拉泰
先生借來西方畫理和技術——光學和透視學的運用使得畫面不再刻板；發揮院體畫修來的精湛筆墨工夫——細筆勾畫，「隨類賦彩」。透明的羽翼，彈性的觸須，有力的腿與爪，筆下昆蟲精妙入微，活靈活現。——吳克勤
以寫意花鳥獨步當今畫壇的秦天柱其清新淡雅、疏朗空靈的畫風遠溯梁楷、法常，下至青藤、八大、石濤、虛谷、任伯年、吳昌碩、齊白石、潘天壽等，構圖簡潔、筆墨簡練是作品最大的特色，但與傳統文人畫的逸筆草草又有所不同。——吳克勤
日本美術家矢代幸雄，在探究了東方水墨畫的心理後說，「萬一在精神中存在著色的話，那隻能是東方的墨色。」天柱筆下那些墨色所繪的陶瓷瓶罐，文玩器物，沒有真實的花紋和細節，卻包蘊了一層神秘的精神色彩。一種禪意的幽微。——陳光建
斯圖之成，為天柱之仁心乎？因先生之誠意乎？余不得而知。百鳥齊集，乃大喜之兆也！——陳光建
構圖運筆有傳統文化深厚的內涵，筆墨清新淡雅極富韻味。——田子鎰
H. 當代有影響力畫寫意花鳥畫的畫家有哪些
張立辰：中央美術學院教授，（1939— ）江蘇沛縣人，號漁人，齋號漁人草廬、紫苑。年畢業於浙江美術學院，從學於潘天壽、吳弗之、陸維釗等名師。曾任中央美術學院教授，中國畫系主任，中國美術學院榮譽教授，文化部高級職稱評審委員，李可染基金會學術委員、全國政協委員，中國美術家協會理事。現任中央美術學院教授，中國美術學院榮譽教授，中國美術家協會理事，中央電視台書畫院顧問，全國政協委員等職。
郭怡琮：山東濰坊人。郭味蕖指教學習繪畫，後專攻中國花鳥畫，為中國美術協會員，中國美術學院中國畫系副主任，作品淳樸含蓄，富有生機。曾獲文化部優秀美術作品獎。作品被中國美術館和美國、加拿大的美術館和博物館收藏。
霍春陽：1946年4月14日出生於河北清苑縣，1969年畢業於天津美術學院並留校任教至今。現任天津美術學院中國畫系系主任、教授，天津美術學院美術館館長，中國美術家協會會員，中國書法家協會會員，天津美術家協會副主席，天津畫院院外畫師，天津青年美協顧問，《人民日報》神州書畫院特聘畫家，新華社新華書畫院特聘畫家，中央電視台書畫院特聘畫家，碩士研究生導師。
劉曦林：1942年7月生，山東臨邑人。1963年畢業於山東藝術專科學校。之後赴新疆任(喀什日報》美術編輯。1978年考取中央美術學院美術史系碩士研究生班，在王琦先生和系主任金維諾先生的指導下修習美術理論和中國現代美術史。 1981年起，於中國美術館從事中國現代美術史和美術博物館學研究，兼及美術評論。歷任研究保管部研究組副組長、部副主任。研究部主任，中田美術館收藏委員會委員、藝術委員會委員。 現為中國美術館研究館員，研究部主任，藝術委員會及其收藏評鑒委員會委員、展覽資格評審小組成員；中國美術家協會理事、理論委員會副主任，北京市美術家協會理論委員會副主任；《美術》編委，中國書法家協會會員。
張大林：中國花鳥畫家，1963年2月出生於山東省青州市，現居北京。畢業於中央美術學院。現任北京知秋苑書畫院教授，中國教育電視台花鳥畫講座教授、中央電視台書畫頻道花鳥畫講座教授、中國當代張大林寫意田園畫派代表人物、中國花鳥畫研究協會理事、中央廣播電視大學教授等職。在中央美術學院期間曾得到張立辰、田黎明、陳平、畢建勛等老師的指導。其自幼酷愛繪畫，8歲習畫，從事中國畫研究20餘年，擅長寫意花鳥、山水、人物，尤長四君子、葡萄和大雞，其畫風自成一格，既有傳統筆墨功底，又有質朴生活感情，富有哲思靈氣，充滿力量與生命。作品多次在國內外報刊發表。並參加多項大展並獲獎。作品被多家權威單位和知名人士所收藏。中國外交部做國禮贈送外國友人。並入選《中國當代書畫選集》、《世界書畫家大辭典選集》、《中國青年書畫家藝術辭典選集》、《中國書畫家簡明辭典選集》、《國際篆刻大觀選集》等十餘部辭書。1997年被中國書畫藝術研究會、世界書畫家藝術協會聯合等十餘家權威單位聯合授予「當代書畫藝術名人」榮譽稱號，並頒發證書。個人著有《張大林花鳥畫畫集》、《張大林花鳥畫小品集》《當代書畫研究——中國花鳥畫大家》等書籍。中國書畫報、大眾日報、人民日報、藝術中國報等多家報刊曾多次發表。 中央電視台、《榮寶齋》《中國美術》、《收藏界》《傳統與現代》《中國藝術名人》等近50家媒體都做過報道。 作品多次被國內外美術館收藏，2006年6月中國教育電視台《書畫課堂藝海星光》欄目邀請寫意花鳥畫家張大林先生為花鳥畫講座教授。
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